Adolf Gottlieb - Adolph Gottlieb

Adolf Gottlieb
Adolph Gottlieb w East Hampton.jpg
Adolph Gottlieb w East Hampton
Urodzić się ( 1903-03-14 )14 marca 1903
Nowy Jork , Nowy Jork, USA
Zmarł 4 marca 1974 (1974-03-04)(w wieku 70 lat)
Nowy Jork , Nowy Jork, USA
Narodowość amerykański
Edukacja Art Students League of New York , Académie de la Grande Chaumière , Parsons School of Design , Cooper Union
Znany z Malarstwo , rzeźba
Ruch Abstrakcyjny ekspresjonista

Adolph Gottlieb (14 marca 1903 – 4 marca 1974) był amerykańskim abstrakcyjnym malarzem ekspresjonistą , rzeźbiarzem i grafiką.

Wczesne życie i edukacja

Adolph Gottlieb, jeden z „pierwszego pokolenia” ekspresjonistów abstrakcyjnych , urodził się w Nowym Jorku w 1903 roku w żydowskich rodzicach. W latach 1920–1921 studiował w Art Students League w Nowym Jorku , po czym, chcąc zostać artystą, w wieku 17 lat opuścił szkołę średnią i odbył podróż do Europy na statku handlowym. Przez rok podróżował po Francji i Niemczech. Mieszkał w Paryżu przez 6 miesięcy, w tym czasie codziennie odwiedzał Luwr i uczęszczał na zajęcia w Académie de la Grande Chaumière . Kolejny rok spędził podróżując po Niemczech, Austrii, Czechosłowacji i innych częściach Europy Środkowej, odwiedzając muzea i galerie sztuki. Kiedy wrócił, był jednym z najczęściej podróżujących nowojorskich artystów. Po powrocie do Nowego Jorku studiował w Art Students League of New York, Parsons School of Design , Cooper Union i Educational Alliance .

Lata 20. i 30. XX wieku

Gottlieb miał swoją pierwszą indywidualną wystawę w Dudensing Galleries w Nowym Jorku w 1930 roku. W latach 20. i wczesnych 30. nawiązał przyjaźnie na całe życie z innymi artystami, takimi jak Barnett Newman , Mark Rothko, David Smith, Milton Avery i John Graham . W 1935 on i grupa artystów, w tym Ben-Zion , Joseph Solman , Ilya Bolotowsky , Ralph Rosenborg , Louis Harris, Mark Rothko i Louis Schanker , znany jako „ The Ten ”, wystawiali razem swoje prace do 1940 roku.

Od września 1937 do czerwca 1938 Gottlieb mieszkał na pustyni w Arizonie , niedaleko Tucson. W ciągu tych 9 miesięcy radykalnie zmienił swoje podejście do malarstwa. Przeszedł od stylu ekspresjonistyczno-realistycznego do podejścia łączącego elementy surrealizmu i abstrakcji formalistycznej, wykorzystując obiekty i sceny z lokalnego środowiska jako symbole, aby usunąć czasowość ze swojej pracy. Przeszedł od tego do bardziej surrealistycznych prac, takich jak Sea Chest , który pokazuje tajemnicze niekongruencje w normalnym krajobrazie. To wtedy przekazuje widzowi ekspansywność, jaką musiał odczuwać patrząc na niebo pustyni Arizony, choć destyluje tę ekspansywność w bardziej podstawową abstrakcyjną formę. „Myślę, że moje emocjonalne odczucie było jak przebywanie na morzu… Potem jest niesamowita przejrzystość – w Arizonie jest niesamowita przejrzystość światła, a nocą chmury wydają się bardzo blisko”. Kiedy te prace z Arizony zostały wystawione w Nowym Jorku po powrocie Gottlieba, stworzyły one zerwanie z byłym kręgiem kolegów Gottlieba, z których kilku potępiło jego nową pracę jako „zbyt abstrakcyjną”.

1940-1950

Gottlieb i mały krąg przyjaciół docenili prace grupy surrealistów, które widzieli w Nowym Jorku w latach 30. XX wieku. Wymieniali się także egzemplarzami magazynu „ Cahiers d'art ” i dobrze znali aktualne poglądy na temat pisma automatycznego i podświadomego obrazowania. Gottlieb namalował kilka prac w stylu surrealistycznym w latach 1940 i 1941. Wyniki jego eksperymentów znalazły wyraz w cyklach „ Piktografy ” obejmującym lata 1941–1950. W swoim obrazie Powrót podróżnika [1] zestawia te obrazy w skompartmentalizowane przestrzenie. Jego obrazy są podobne do rdzennych populacji Ameryki Północnej i starożytnego Bliskiego Wschodu. Jeśli dowiedział się, że jeden z jego symboli nie jest oryginalny, nie używał go już. Chciał, aby jego sztuka wywarła taki sam wpływ na wszystkich jego odbiorców, uderzając w akord nie dlatego, że widzieli ją wcześniej, ale dlatego, że była tak podstawowa i żywiołowa, że ​​rozbrzmiewała w nich.

W 1941 roku, rozczarowany otaczającą go sztuką, rozwinął podejście, które nazwał Piktografami. Piktogramy Gottlieba, które tworzył w latach 1941-1954, są pierwszym spójnym zbiorem dojrzałego malarstwa Amerykanina jego pokolenia. Gottlieb mówił o swoich obawach w oświadczeniu z 1947 roku:

"Rola artysty zawsze była rolą twórcy obrazu. Różne czasy wymagają różnych obrazów. Dziś, kiedy nasze dążenia zostały zredukowane do desperackiej próby ucieczki od zła, a czasy rozpadają się, nasza obsesyjna, podziemna i piktograficzna obrazy są wyrazem nerwicy, która jest naszą rzeczywistością. Według mnie pewna tak zwana abstrakcja wcale nie jest abstrakcją. Wręcz przeciwnie, jest realizmem naszych czasów".

W maju 1942 r. jego pierwszy „piktogram” został wystawiony na drugiej dorocznej wystawie Federacji Współczesnych Malarzy i Rzeźbiarzy , mieszczącej się w galeriach Wildenstein w Nowym Jorku. W swoich „Piktogramach” Gottlieb przedstawił nowy sposób podejścia do abstrakcji, obejmujący obrazy zaczerpnięte z jego podświadomość, ale która wyraźnie odeszła od idei narracji. Aby osiągnąć ten cel, Gottlieb zaprezentował obrazy wstawione w sekcje luźno narysowanej siatki. Każdy obraz istniał niezależnie od pozostałych, jednak ich ułożenie na tej samej płaszczyźnie, wraz z relacjami koloru, faktury i kształtu, zmuszają widza do ich skojarzenia. Znaczenie jest więc bardzo osobiste – kolejna innowacja obrazów Gottlieba Surrealistyczny biomorfizm był jednym ze źródeł jego Piktogramów. Dla Gottlieba biomorfizm był sposobem na swobodne wyrażanie swojej nieświadomości, którą zafascynował go [John] Graham, Freud i surrealizm. Gottlieb wcielił również automatyzm – technikę malarską dla Freudowskiego swobodnego skojarzenia – był metodą, którą Gottlieb używał do generowania kształtów biomorficznych, które były formami spontanicznie wymyślonymi w jego nieświadomości [2] . Te biomorficzne kształty zostały oddzielone wzorem całej siatki, który służył jako ogólna struktura serii „piktogramów”.

Gottlieb powiedział kiedyś: „Jeżeli zrobiłem wijącą się lub wężową linię, to dlatego, że chciałem wężowej linii. Potem sugerowałby węża, ale kiedy to zrobiłem, nie sugerował niczego. To był czysto kształt…” . Te linie i kształty, których używał Gottlieb, były łatwo interpretowane jako oznaczające różne rzeczy przez różnych ludzi.

W 1950 Gottlieb zauważył, że podejście „ malarstwa na całej powierzchni ” stało się banałem dla amerykańskiego malarstwa abstrakcyjnego. Rozpoczął pracę nad nową serią Imaginary Landscapes. Zachował użycie „pseudo-języka”, ale dodał nowy element przestrzeni. Nie malował pejzaży w tradycyjnym tego słowa znaczeniu, raczej zmodyfikował ten gatunek, aby dopasować go do własnego stylu malarstwa. Pejzaże wyobrażone to poziome płótna podzielone na 2 rejestry, jeden bardzo aktywny pod bardziej kontemplacyjnym górnym, ustanawiają inne podejście do abstrakcji w połowie wieku. W 1955 Gottlieb zauważył:

Często słyszę pytanie „Co oznaczają te obrazy?” To jest po prostu błędne pytanie. Obrazy wizualne nie muszą odpowiadać ani słownemu myśleniu, ani faktom optycznym. Lepszym pytaniem byłoby „Czy te obrazy przekazują jakąś emocjonalną prawdę?”

Pod koniec 1956 Gottlieb sformułował obraz, który stał się znany jako „Burst” i spędził większość następnych 2 lat pracując nad tym podejściem. Upraszcza swoją reprezentację do dwóch kształtów dysków i krętych mas. Jego obrazy to wariacje, w których te elementy ułożone są na różne sposoby. Ta seria, w przeciwieństwie do serii Imaginary Landscape, sugeruje podstawowy krajobraz ze słońcem i ziemią. Na innym poziomie kształty są tak szczątkowe; nie ograniczają się do tej jednej interpretacji. Gottlieb był również mistrzowskim kolorystą, aw serii Burst jego użycie koloru jest szczególnie istotne. Uważany jest za jednego z pierwszych kolorowych malarzy terenowych i jest jednym z prekursorów abstrakcji lirycznej . Kariera Gottlieba była naznaczona ewolucją przestrzeni i uniwersalności.

1960-1970

W 1960 roku wysiłki Gottlieba nad serią „Burst” pozwoliły mu znacznie uprościć posługiwanie się obrazami. Gottlieb tworzył obrazy typu „Burst” i „Imaginary Landscape” przez resztę swojej kariery, ale w przeciwieństwie do niektórych kolegów nie ograniczał się do jednego czy dwóch obrazów. Dyskusja o sztuce Gottlieba ogranicza się zwykle do wzmianek o „Bursts”. czy „Pejzaże wyobrażone”, które umniejszają szeroki wachlarz pomysłów, które badał ten artysta. Gottlieb podsumował swoje cele w wywiadzie z 1967 roku:

Ale dla mnie wszystko jest naturą, w tym wszelkie uczucia, które mam – lub marzenia. Wszystko jest częścią natury. Nawet malarstwo stało się częścią natury. Aby wyjaśnić dalej: nie mam ani ideologicznego, ani doktrynerskiego podejścia do mojej pracy. Po prostu maluję z własnych uczuć, odruchów i instynktów. Muszę im zaufać.

Reprezentacyjny obraz z tego okresu znajduje się w The Governor Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection w Albany, NY.

W 1967 roku, gdy Gottlieb przygotowywał się do wystawy w Whitney and Guggenheim Museum, zaczął robić małe modele rzeźb z ciętego i malowanego kartonu, który, jak powiedział, sprawiał, że czuł się jak „młody rzeźbiarz, dopiero zaczyna”. Te małe rzeźby przekształciły się w większe dzieła z ciętej, spawanej i malowanej stali i aluminium. Przygoda Gottlieba z rzeźbą trwała tylko około półtora roku, ale w tym krótkim czasie stworzył dzieło, które zakwestionowało rozgraniczenie między malarstwem a rzeźbą. Podobnie jak jego przyjaciel rzeźbiarz David Smith, doświadczenie Gottlieba jako malarza uniemożliwiało mu wizualizację obiektów bez koloru. Kiedy już to zaakceptował, Gottlieb był zmuszony użyć wszystkich narzędzi, które rozwinął w swojej długiej karierze malarskiej – dotyku, równowagi wizualnej, jakości powierzchni i innych – aby jego rzeźby, podobnie jak jego obrazy, stały się „wehikułem ekspresji uczucie… czuję potrzebę, aby poszczególne kolory, których używam, lub poszczególne kształty, niosły ciężar wszystkiego, co chcę wyrazić, a wszystko musi być skoncentrowane w tych kilku elementach. Łącznie Gottlieb stworzył 42 rzeźby, w tym trzy duże, plenerowe prace, które znajdują się obecnie w zbiorach The National Gallery of Art w Waszyngtonie, The Storm King Art Center w New Windsor w Nowym Jorku oraz Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku Miasto.

Gottlieb był aktywny przez całe lata sześćdziesiąte. W 1963 został pierwszym amerykańskim artystą, który otrzymał nagrodę Gran Premio na Bienale w São Paulo w Brazylii. W 1968 roku Muzeum Guggenheima i Whitney Museum w Nowym Jorku współpracowały przy retrospektywnej wystawie jego sztuki, która wypełniła oba muzea. Jest to do tej pory jedyny wspólny projekt między tymi dwiema głównymi instytucjami.

Najważniejsze wydarzenia w karierze

W swojej karierze Adolph Gottlieb miał 56 wystaw indywidualnych i był uwzględniony w ponad 200 wystawach zbiorowych. Jego dzieła sztuki znajdują się w zbiorach ponad 140 największych muzeów na całym świecie. Gottlieb osiągnął sukces jako malarz, rysownik, grafik i rzeźbiarz. Zaprojektował i nadzorował budowę witrażowej fasady o powierzchni 1500 stóp kwadratowych dla Milton Steinberg Center w Nowym Jorku w 1954 roku, a także zaprojektował zestaw 18 witraży dla Kingsway Jewish Center na Brooklynie. Jako pierwszy w swoim pokoleniu zebrał swoją sztukę w Muzeum Sztuki Nowoczesnej (1946) i Muzeum Guggenheima (1948).

Śmierć i dziedzictwo

Gottlieb doznał poważnego udaru w 1970 roku, w wyniku którego został sparaliżowany, z wyjątkiem prawej ręki i ręki. Kontynuował malowanie i wystawianie swoich dzieł aż do śmierci w marcu 1974. Jego nabożeństwo pogrzebowe odbyło się w środę, 6 marca 1974 w domu pogrzebowym Franka E. Campbella, a został pochowany w Mt. Przyjemny cmentarz, Hawthorne, NY. Został wybrany do Amerykańskiej Akademii Sztuk i Literatury w 1972 roku.

Oprócz swojego wkładu jako artysty, Gottlieb przez całe życie opowiadał się za zawodowym statusem artystów. Pomagał w organizacji „Forum 49” i innych organizowanych przez artystów imprez i sympozjów w Nowym Jorku i Provincetown w latach 40. i 50. XX wieku. W 1950 roku był głównym organizatorem protestu przeciwko Metropolitan Museum of Art, w wyniku którego on i jego koledzy zostali uznani za „ Irascibles ”. Podążając za wskazówkami, jakie Gottlieb pozostawił w swoim testamencie, w 1976 roku powstała Fundacja im. Adolfa i Estery Gottliebów , oferująca granty artystom wizualnym.

Zobacz też

Bibliografia

Źródła

Dalsza lektura

  • Piktogramy Adolpha Gottlieba , eseje Lawrence'a Alloway'a i in. Nowy Jork: Hudson Hills Press we współpracy z Adolph & Esther Gottlieb Foundation, 1994.
  • „Adolph Gottlieb: una retrospectiva = wystawa przeglądowa”. Walencja: Generalitat Valenciana, Conselleria de Cultura, Educació i Ciència, 2001. We współpracy z Adolph & Esther Gottlieb Foundation oraz IVAM Center Julio Gonzalez

Linki zewnętrzne