Amerykańskie piękności (film z 1999 r.) - American Beauty (1999 film)

amerykańska piękność
Plakat kinowy
W reżyserii	Sama Mendesa
Scenariusz	Alana Balla
Wyprodukowane przez
W roli głównej
Kinematografia	Konrad L. Hall
Edytowany przez
Muzyka stworzona przez	Thomasa Newmana
Firma produkcyjna	Firma Jinks/Cohen
Dystrybuowane przez	Zdjęcia DreamWorks
Daty wydania
Czas działania	122 minuty
Kraj	Stany Zjednoczone
Język	język angielski
Budżet	15 milionów dolarów
kasa	356,3 miliona dolarów

American Beauty to amerykańska czarna komedia - dramat z 1999 roku , napisany przez Alana Balla i wyreżyserowany przez Sama Mendesa w jego debiucie reżyserskim. Kevin Spacey wciela się w Lestera Burnhama, dyrektora ds. reklamy, który przeżywa kryzys wieku średniego , gdy zakochuje się w najlepszej przyjaciółce swojej nastoletniej córki, granej przez Menę Suvari . Annette Bening gra materialistyczną żonę Lestera, Carolyn, a Thora Birch gra ich niepewną siebie córkę, Jane. W rolach głównych Wes Bentley , Chris Cooper i Allison Janney . Naukowcy opisali film jako satyryczny sposób postrzegania piękna i osobistej satysfakcji przez amerykańską klasę średnią; dalsza analiza skupiła się na eksploracjach filmu dotyczących romantycznej i ojcowskiej miłości, seksualności, materializmu, samowyzwolenia i odkupienia.

Po kręceniu w Kalifornii od grudnia 1998 do lutego 1999, American Beauty został wydany w Ameryce Północnej 17 września 1999, otrzymując szerokie uznanie krytyków i popularności. Był to drugi najlepiej oceniany amerykański film roku po Być jak John Malkovich i zarobił na całym świecie ponad 350 milionów dolarów przy 15-milionowym budżecie. Recenzenci chwalili większość aspektów produkcji, ze szczególnym uwzględnieniem Mendesa, Spacey'ego i Balla; krytyka skupiała się zwykle na znajomości postaci i scenerii. Firma DreamWorks rozpoczęła wielką kampanię mającą na celu zwiększenie szans American Beauty na zdobycie Oscara po kontrowersyjnych afrontach dla najlepszego filmu Szeregowca Ryana (1998) rok wcześniej.

Podczas 72. ceremonii rozdania Oscarów film zdobył kilka Oscarów, w tym dla najlepszego filmu, a także dla najlepszego reżysera za Mendesa, najlepszego aktora za Spacey, najlepszy scenariusz oryginalny za Ball i najlepsze zdjęcia za Hall. Film był nominowany i zdobył wiele innych nagród i wyróżnień, głównie za reżyserię, scenariusz i grę aktorską. Recenzje retrospektywne były bardziej zróżnicowane, z krytyką scenariusza, komentarzami społecznymi i podobieństwami między bohaterem filmu a zarzutami niewłaściwego zachowania seksualnego wobec Spacey.

Działka

Lester Burnham, dyrektor w średnim wieku, nienawidzi swojej pracy i jest nieszczęśliwie żonaty z neurotyczną i ambitną pośredniczką w obrocie nieruchomościami Carolyn. Ich 16-letnia córka, Jane, brzydzi się rodzicami i ma niską samoocenę. Emerytowany pułkownik amerykańskiej piechoty morskiej Frank Fitts, jego żona Barbara i ich nastoletni syn Ricky wprowadzają się do sąsiedniego domu. Ricky dokumentuje otaczający go świat za pomocą kamery, zbierając nagrania na taśmie wideo w swojej sypialni, jednocześnie wykorzystując swoją pracę w niepełnym wymiarze godzin w cateringu jako przykrywkę dla handlu marihuaną . Surowy dyscyplinujący i agresywny Frank wcześniej umieścił Ricky'ego w szpitalu psychiatrycznym i wysłał go do akademii wojskowej . Para gejów Jim Olmeyer i Jim Berkley, również sąsiedzi Burnhamów, witają rodzinę Fittsów. Frank później ujawnia swoją homofobię , gdy ze złością omawia spotkanie z Rickym.

Podczas tańca na szkolnym meczu koszykówki Lester zakochuje się w przyjaciółce Jane, Angeli. Zaczyna mieć fantazje seksualne na jej temat, w których powracającym motywem są płatki czerwonych róż . Carolyn rozpoczyna romans z żonatym rywalem biznesowym Buddym Kane'em. Lester zostaje poinformowany przez swojego przełożonego, że ma zostać zwolniony; Lester szantażuje go, aby dał mu pobłażliwą odprawę i rozpoczyna pracę w restauracji samochodowej. Kupuje swój wymarzony samochód, Pontiac Firebird z 1970 roku, i zaczyna ćwiczyć po tym, jak usłyszał, jak Angela dokucza Jane, że uprawiałaby z nim seks, gdyby poprawił swoją sylwetkę. Zaczyna palić marihuanę dostarczoną przez Ricky'ego i flirtuje z Angelą. Przyjaźń dziewcząt słabnie, gdy Jane zaczyna związek z Rickym, z którego szydzi Angela.

Lester odkrywa niewierność Carolyn, kiedy ona i Kane zamawiają posiłek w restauracji Lestera. Reaguje z satysfakcją. Buddy obawia się kosztownego rozwodu i kończy romans, podczas gdy Carolyn jest upokorzona i jednocześnie sfrustrowana brakiem sukcesów zawodowych. Frank, podejrzliwy wobec przyjaźni Lestera i Ricky'ego, znajduje materiał filmowy, który Ricky uchwycił przypadkiem, jak Lester podnosi ciężary nago, i błędnie dochodzi do wniosku, że są zaangażowani seksualnie. Zaciekle oskarża Ricky'ego o prostytucję , do której Ricky fałszywie się przyznaje i nakłania ojca do wyrzucenia go. Carolyn, siedząca zrozpaczona w swoim samochodzie, wyciąga pistolet ze schowka. W domu Jane kłóci się z Angelą o jej flirt z Lesterem, kiedy Ricky przerywa jej, prosząc Jane o wyjazd z nim do Nowego Jorku. Nazywa Angelę brzydką, nudną i zwyczajną.

Frank niepewnie podchodzi do Lestera, po czym załamuje się i obejmuje go ze łzami w oczach. Lester zaczyna pocieszać Franka, dopóki Frank nie próbuje go pocałować. Lester delikatnie go odrzuca, mówiąc, że źle zrozumiał, a Frank wychodzi z powrotem na deszcz. Lester znajduje Angelę siedzącą samotnie w ciemności. Pociesza ją, mówiąc, że jest piękna i bynajmniej nie zwyczajna. Pyta, czego chce, a ona mówi, że nie wie. Pyta go, czego chce, a on mówi, że zawsze jej pragnął. Zabiera ją na kanapę i kiedy zaczyna ją rozbierać, Angela przyznaje się do dziewictwa. Lester jest zaskoczony, gdy zdaje sobie sprawę, że jej pozorne doświadczenie było zasłoną dla jej niewinności i nie może kontynuować. Pociesza ją, gdy dzielą się swoimi frustracjami. Angela idzie do łazienki, gdy Lester uśmiecha się do rodzinnego zdjęcia, kiedy niewidoczna postać strzela Lesterowi w tył głowy z bliskiej odległości. Ricky i Jane znajdują ciało Lestera. Carolyn jest w swojej szafie, wyrzuca broń i histerycznie płacze, przytulając ubranie Lestera. Zakrwawiony Frank w rękawiczkach chirurgicznych wraca do domu: z jego kolekcji brakuje pistoletu.

Końcowa narracja Lestera opisuje znaczące doświadczenia z jego życia. Mówi, że pomimo swojej śmierci jest szczęśliwy, że na świecie jest jeszcze tyle piękna.

Rzucać

Tematy i analiza

Wiele interpretacji

Uczeni i akademicy zaproponowali wiele możliwych odczytań American Beauty ; krytycy filmowi są podobnie podzieleni, nie tyle co do jakości filmu, ile ich interpretacji. Przez wielu opisywany jako „sens życia” lub „pusta egzystencja amerykańskich przedmieść”, film wymyka się kategoryzacji nawet przez twórców. Mendes jest niezdecydowany, mówiąc, że scenariusz wydawał się dotyczyć czegoś innego za każdym razem, gdy go czytał: „tajemnica, kalejdoskopowa podróż przez amerykańskie przedmieścia, seria historii miłosnych; ... chodziło o uwięzienie, ... samotność, [i] piękno. To było zabawne; było wściekłe, smutne ”. Krytyk literacki i autor Wayne C. Booth konkluduje, że film opiera się jakiejkolwiek interpretacji: „[ American Beauty ] nie może być odpowiednio podsumowane jako„ oto satyra na to, co jest nie tak z amerykańskim życiem ”; która bagatelizuje celebrację piękna. To bardziej kuszące jest podsumowanie go jako „portretu piękna leżącego u podstaw amerykańskich nieszczęść i występków", ale pomija to sceny okrucieństwa i horroru oraz odrazę Balla do obyczajów. Nie można tego podsumować ani filozoficznymi stwierdzeniami Lestera, ani Ricky'ego na temat tego, co życie jest lub jak należy żyć”. Twierdzi, że problem interpretacji filmu wiąże się ze znalezieniem jego centrum - kontrolującego głosu, który „[łączy] wszystkie wybory”. Twierdzi, że w przypadku American Beauty nie jest to ani Mendes, ani Ball. Mendes uważa, że ​​głos należy do Balla, ale nawet jeśli scenarzysta był „silnie wpływowy” na planie, często musiał akceptować odchylenia od swojej wizji, zwłaszcza takie, które zmieniały cyniczny ton jego scenariusza w coś bardziej optymistycznego. Z „niezliczoną liczbą głosów ingerujących w głos oryginalnego autora”, mówi Booth, ci, którzy interpretują American Beauty, „zapomnieli sondować nieuchwytne centrum”. Według Bootha prawdziwym kontrolerem filmu jest twórcza energia, „którą setki ludzi wkładają w jego produkcję, zgadzając się i nie zgadzając, wstawiając i wycinając”.

Więzienie i odkupienie

Temat uwięzienia zostaje przywołany w tej scenie, ukazującej odbicie Lestera w monitorze za kolumnami danych, który przypomina więźnia w więziennej celi .

Mendes nazwał American Beauty filmem rytuału przejścia o uwięzieniu i ucieczce z więzienia. Monotonia egzystencji Lestera jest ustanowiona przez jego szare, nijakie miejsce pracy i pozbawioną charakteru odzież. W tych scenach często jest przedstawiany jak uwięziony, „powtarzając rytuały, które prawie mu się nie podobają”. Onanizuje się pod prysznicem; kabina prysznicowa przywołuje na myśl celę więzienną, a ujęcie jest pierwszym z wielu, w których Lester jest zamknięty za kratami lub w ramach, na przykład gdy odbija się za kolumnami liczb na monitorze komputera, „uwięziony [i] prawie przekreślony”. Naukowiec i autor Jody W. Pennington twierdzi, że podróż Lestera jest centrum historii. Jego seksualne przebudzenie poprzez spotkanie z Angelą jest pierwszym z kilku punktów zwrotnych, kiedy zaczyna „[zrzucać] obowiązki wygodnego życia, którym gardził”. Po tym, jak Lester dzieli jointa z Rickym, jego duch zostaje uwolniony i zaczyna buntować się przeciwko Carolyn. Zmieniony przez „atrakcyjną, głęboką pewność siebie” Ricky'ego, jest przekonany, że Angela jest osiągalna i widzi, że musi zakwestionować swoją „banalną, odrętwiająco materialistyczną egzystencję na przedmieściach”; podejmuje pracę w barze szybkiej obsługi, co pozwala mu cofnąć się do punktu, w którym „widzi całe życie przed sobą”.

Kiedy Lester zostaje przyłapany przez Carolyn na masturbacji, jego gniewna riposta na temat ich braku intymności jest pierwszym razem, gdy mówi na głos, co o niej myśli. Konfrontując problem i „powierzchowne inwestycje w innych” Carolyn, próbuje „odzyskać głos w domu, który [szanuje tylko] głosy matki i córki”. Jego ostatni punkt zwrotny następuje, gdy on i Angela prawie uprawiają seks; po tym, jak wyznała swoje dziewictwo, nie myśli już o niej jako o obiekcie seksualnym, ale jak o córce. Trzyma ją blisko i „owija ją”. Mendes nazwał to „najbardziej satysfakcjonującym końcem podróży [Lestera], jaki mógł być”. W tych końcowych scenach Mendes zamierzał pokazać mu zakończenie „mitycznej wyprawy”. Po tym, jak Lester bierze piwo z lodówki, kamera przesuwa się w jego stronę, po czym zatrzymuje się przed korytarzem, którym idzie „na spotkanie swojego losu”. Zaczynając ponownie zachowywać się w swoim wieku, Lester osiąga zamknięcie. Kiedy uśmiecha się do rodzinnego zdjęcia, kamera przesuwa się powoli od Lestera do ściany w kuchni, na którą rozpryskuje się krew, gdy rozlega się wystrzał; powolna patelnia odzwierciedla spokój jego śmierci. Jego ciało zostaje odkryte przez Jane i Ricky'ego. Mendes powiedział, że wpatrywanie się Ricky'ego w martwe oczy Lestera jest „kulminacją tematu” filmu: piękno znajduje się tam, gdzie najmniej się go oczekuje.

Konformizm i piękno

Podobnie jak inne amerykańskie filmy z 1999 roku - takie jak Fight Club , Bringing Out the Dead i Magnolia , American Beauty instruuje widzów, aby „[prowadzili] bardziej znaczące życie”. Film sprzeciwia się konformizmowi, ale nie zaprzecza, że ​​ludzie go potrzebują i chcą; nawet gejowskie postacie po prostu chcą się dopasować. Jim i Jim, inni sąsiedzi Burnhamów, są satyrą na „parę homoseksualnych burżuazyjnych”, którzy „[inwestują] w odrętwiającą identyczność”, którą film krytykuje w parach heteroseksualnych. Feministka akademicka i pisarka Sally R. Munt argumentuje, że American Beauty wykorzystuje swoje pułapki „domu artystycznego”, aby skierować swój przekaz nonkonformizmu przede wszystkim do klasy średniej, i że takie podejście jest „kliszą burżuazyjnego zaabsorbowania; ... leżące u jego podstaw założenie polega na tym, że luksus odnalezienia indywidualnego „ja” poprzez zaprzeczenie i wyrzeczenie jest zawsze dostępny dla tych, którzy są wystarczająco bogaci, by dokonać wyboru, i wystarczająco przebiegli, by prezentować się ze współczuciem jako buntownik”.

Profesor Roy M. Anker przekonuje, że centrum tematycznym filmu jest skierowanie go do publiczności, aby „przyjrzała się bliżej”. Otwarcie łączy nieznany punkt widzenia na sąsiedztwo Burnhamów z narracyjnym przyznaniem Lestera, że ​​​​jest to ostatni rok jego życia, zmuszając widzów do rozważenia własnej śmiertelności i otaczającego ich piękna. Ustawia również serię tajemnic; Anker pyta: „z jakiego dokładnie miejsca iw jakim stanie opowiada tę historię? Jeśli już nie żyje, po co zawracać sobie głowę tym, co chce opowiedzieć o swoim ostatnim roku życia? Jest też pytanie o tym, jak Lester umarł — lub umrze”. Anker uważa, że ​​​​poprzednia scena - rozmowa Jane z Rickym na temat możliwości zabicia jej ojca - dodaje kolejną tajemnicę. Profesor Ann C. Hall nie zgadza się; mówi, przedstawiając wczesne rozwiązanie tajemnicy, film pozwala widzom odłożyć ją na bok, „aby obejrzeć film i jego filozoficzne kwestie”. Poprzez tę analizę życia, odrodzenia i śmierci Lestera, American Beauty satyruje wyobrażenia amerykańskiej klasy średniej o znaczeniu, pięknie i satysfakcji. Nawet przemiana Lestera następuje tylko z powodu możliwości seksu z Angelą; dlatego pozostaje „chętnym wielbicielem wychwalania przez popularne media dojrzewającej męskiej seksualności jako rozsądnej drogi do osobistej pełni”. Carolyn podobnie kieruje się konwencjonalnymi poglądami na szczęście; od jej wiary w „ piękny dom ” domowego szczęścia po samochód i strój ogrodniczy, domeną Carolyn jest „pociągająca amerykańska tysiącletnia wizja Pleasantville lub Eden ”. Burnhamowie nie są świadomi, że są „filozoficznie materialistami i pobożnymi konsumentami etycznie”, którzy oczekują, że „podstawy amerykańskiego piękna” zapewnią im szczęście. Anker argumentuje, że „są bezradni wobec upiększanych stereotypów ekonomicznych i seksualnych… które oni i ich kultura wyznaczyli dla ich zbawienia”.

Film przedstawia Ricky'ego jako „wizjonerskie,… duchowe i mistyczne centrum”. Dostrzega piękno w najdrobniejszych szczegółach codzienności, nagrywając tyle, ile może, bojąc się, że go nie przegapi. Pokazuje Jane to, co uważa za najpiękniejszą rzecz, jaką sfilmował: plastikową torbę powiewającą na wietrze przed ścianą. Mówi, że uchwycenie tego momentu było wtedy, gdy zdał sobie sprawę, że za rzeczami kryje się „całe życie”; czuje, że „czasami na świecie jest tyle piękna, że ​​​​czuję, że nie mogę tego znieść… a moje serce się zawali”. Anker argumentuje, że Ricky, patrząc poza „kulturowe śmieci”, „[uchwycił] promienną wspaniałość stworzonego świata”, aby zobaczyć Boga. W miarę postępów w filmie Burnhamowie zbliżają się do poglądu Ricky'ego na świat. Lester wyrzeka się osobistej satysfakcji dopiero pod koniec filmu. U progu seksu z Angelą wraca do siebie po tym, jak przyznaje się do dziewictwa. Nagle skonfrontowany z dzieckiem, zaczyna traktować je jak córkę; robiąc to, Lester postrzega siebie, Angelę i swoją rodzinę „jako biednych i kruchych, ale cudownych stworzeń, którymi są”. Patrzy na zdjęcie swojej rodziny z szczęśliwszych czasów i umiera, doznając objawienia, które napełnia go „zachwytem, ​​radością i wstrząsającą duszą wdzięcznością” - w końcu zobaczył świat takim, jaki jest.

Według Patti Bellantoni kolory są używane symbolicznie w całym filmie, nie bardziej niż czerwień, która jest ważną sygnaturą tematyczną, która napędza historię i „[definiuje] łuk Lestera”. Po raz pierwszy widziany w szarych kolorach, które odzwierciedlają jego bierność, Lester otacza się czerwienią, gdy odzyskuje swoją indywidualność. Róża American Beauty jest wielokrotnie używana jako symbol; kiedy Lester fantazjuje o Angeli, jest ona zwykle naga i otoczona płatkami róż. W tych scenach róża symbolizuje pragnienie Lestera. W połączeniu z Carolyn róża reprezentuje „fasadę podmiejskiego sukcesu”. Róże są obecne w prawie każdym ujęciu w domu Burnhamów, gdzie oznaczają „maskę zakrywającą ponurą, niepiękną rzeczywistość”. Carolyn czuje, że „dopóki mogą być róże, wszystko jest w porządku”. Ścina róże i umieszcza je w wazonach, gdzie zdobią jej „mierną wizję tego, co tworzy piękno” i zaczynają umierać. Róże w wazonie w scenie uwodzenia Angeli – Lestera symbolizują poprzednie życie Lestera i Carolyn; kamera przesuwa się, gdy Lester i Angela zbliżają się, w końcu usuwając róże - a tym samym Carolyn - z ujęcia. Objawienie Lestera pod koniec filmu jest wyrażone przez deszcz i użycie czerwieni, przechodzące w crescendo, które celowo kontrastuje z uwolnieniem, jakie odczuwa Lester. Ciągłe używanie czerwieni „podprogowo usypia [publiczność]” w celu przyzwyczajenia się do niej; w konsekwencji pozostawia publiczność nieprzygotowaną, gdy Lester zostaje postrzelony, a jego krew rozpryskuje się na ścianie.

Seksualność i represje

Pennington twierdzi, że American Beauty definiuje swoje postacie poprzez ich seksualność. Próby Lestera, by ponownie przeżyć swoją młodość, są bezpośrednim wynikiem jego pożądania do Angeli, a stan jego związku z Carolyn jest częściowo pokazany przez ich brak kontaktów seksualnych. Carolyn, również sfrustrowana seksualnie, ma romans, który zmienia ją z „zimnej perfekcjonistki” w bardziej beztroską duszę, która „[śpiewa] radośnie wraz z” muzyką w swoim samochodzie. Jane i Angela nieustannie odwołują się do seksu, poprzez opisy Angeli jej rzekomych spotkań seksualnych i sposób, w jaki dziewczyny zwracają się do siebie. Ich nagie sceny służą do komunikowania ich wrażliwości. Pod koniec filmu uścisk Angeli nad Jane osłabł, aż jedyną władzą, jaką ma nad swoim przyjacielem, jest pociąg Lestera do niej. Pułkownik Fitts z obrzydzeniem reaguje na spotkanie z Jimem i Jimem; pyta: „Dlaczego te pedały zawsze muszą pocierać ci twarz? Jak mogą być tak bezwstydne?” Na co Ricky odpowiada: „Właśnie o to chodzi, tato - oni nie uważają, żeby to był powód do wstydu”. Pennington argumentuje, że reakcja pułkownika Fittsa nie jest homofobiczna, ale „udręczone samoprzesłuchanie”.

Wraz z innymi filmami z przełomu tysiącleci, takimi jak Fight Club (1999), In the Company of Men  (1997), American Psycho  (2000) i Boys Don't Cry  (1999), American Beauty „podnosi szerszy, szeroko eksplorowany problem męskości w kryzysie”. Profesor Vincent Hausmann twierdzi, że wzmacniając męskość „przed zagrożeniami stwarzanymi przez wojnę, konsumpcjonizm oraz wyzwania feministyczne i queer”, filmy te przedstawiają potrzebę „skupienia się, a nawet uprzywilejowania” aspektów męskości „uważanych za dewiacyjne” ' ". Transformacja Lestera pokazuje, że „to on, a nie kobieta, poniósł ciężar [braku istnienia]” i nie będzie znosił kastracji. Próby Lestera „wzmocnienia tradycyjnej męskości” stoją w sprzeczności z jego obowiązkami jako ojca. Chociaż film pozytywnie przedstawia sposób, w jaki Lester wraca do tej roli, nie staje się on „hipermęską postacią pośrednio celebrowaną w filmach takich jak Fight Club ”. Hausmann konkluduje, że zachowanie Lestera wobec Angeli jest „błędnym, ale prawie koniecznym krokiem w kierunku ponownego zostania ojcem”.

Hausmann mówi, że film „wyraźnie potwierdza znaczenie przestrzegania zakazu kazirodztwa”; powracającym tematem prac Balla jest porównanie tabu przeciwko kazirodztwu i homoseksualizmowi. Zamiast robić jawne rozróżnienie, American Beauty przygląda się, jak ich represje mogą prowadzić do przemocy. Pułkownik Fitts tak bardzo wstydzi się swojego homoseksualizmu, że doprowadza go to do zamordowania Lestera. Ball powiedział: „Film jest częściowo o tym, jak homofobia opiera się na strachu i represjach oraz o tym, co [oni] mogą zrobić”. Film sugeruje dwa niespełnione kazirodcze pragnienia: pościg Lestera za Angelą jest przejawem jego pożądania własnej córki, podczas gdy represje pułkownika Fittsa przejawiają się poprzez niemal zseksualizowaną dyscyplinę, z jaką kontroluje Ricky'ego. W rezultacie Ricky zdaje sobie sprawę, że może skrzywdzić ojca tylko fałszywie mówiąc mu, że jest homoseksualistą, podczas gdy wrażliwość i uległość Angeli wobec Lestera przypomina mu o jego obowiązkach i ograniczeniach jego fantazji. Pułkownik Fitts reprezentuje ojca Balla, którego stłumione pragnienia homoseksualne doprowadziły do ​​jego własnego nieszczęścia. Ball przepisał pułkownika Fittsa, aby opóźnić ujawnienie go jako homoseksualisty.

Czasowość i muzyka

American Beauty podąża za tradycyjną strukturą narracji, odbiegając jedynie od przesuniętej sceny otwierającej Jane i Ricky'ego ze środka historii. Chociaż akcja filmu obejmuje rok, narratorem filmu jest Lester w chwili jego śmierci. Jacqueline Furby mówi, że fabuła „nie zajmuje… czasu [lub] całego czasu”, powołując się na twierdzenie Lestera, że ​​​​życie nie błysnęło mu przed oczami, ale „ciągnie się w nieskończoność jak ocean czasu”. Furby twierdzi, że rdzeń struktury filmu stanowi „rytm powtórzeń”. Na przykład w dwóch scenach Burnhamowie siadają do wieczornego posiłku, nakręconych pod tym samym kątem. Każdy obraz jest zasadniczo podobny, z niewielkimi różnicami w rozmieszczeniu obiektów i mowie ciała, które odzwierciedlają zmienioną dynamikę spowodowaną nowo odkrytą asertywnością Lestera. Innym przykładem jest para scen, w których Jane i Ricky filmują się nawzajem. Ricky filmuje Jane z okna swojej sypialni, gdy zdejmuje stanik, a obraz jest później odwracany w podobnie „podglądającej i ekshibicjonistycznej” scenie, w której Jane filmuje Ricky'ego w bezbronnym momencie.

Fantazje Lestera podkreślają ujęcia wykonane w zwolnionym i powtarzalnym tempie; Mendes stosuje podwójne i potrójne cięcia w kilku sekwencjach, a partytura zmienia się, aby uświadomić publiczności, że wkracza w fantazję. Jednym z przykładów jest scena w gimnazjum — pierwsze spotkanie Lestera z Angelą. Podczas gdy cheerleaderki wykonują swój program w przerwie do „ On Broadway ”, Lester coraz bardziej skupia się na Angeli. Czas zwalnia, by przedstawić jego „hipnozę podglądacza”, a Lester zaczyna fantazjować, że występ Angeli jest tylko dla niego. „On Broadway” - który zapewnia konwencjonalne podkreślenie akcji na ekranie - zostaje zastąpiony przez niezgodną, ​​perkusyjną muzykę pozbawioną melodii i progresji. Ta niediegetyczna partytura jest ważna dla stworzenia narracyjnego zastoju w sekwencji; przedstawia moment dla Lestera, który jest rozciągnięty do nieokreślonej długości. Efekt jest taki, który Stan Link porównuje do „pionowego czasu”, opisanego przez kompozytora i teoretyka muzyki Jonathana Kramera jako muzyka, która nadaje „pojedynczą teraźniejszość rozciągniętą w ogromny czas trwania, potencjalnie nieskończone „teraz”, które mimo wszystko wydaje się być chwilą. ". Muzyka jest używana jako wskazówka wizualna, więc Lester i partytura wpatrują się w Angelę. Sekwencja kończy się nagłym ponownym wprowadzeniem „On Broadway” i czasu teleologicznego .

Według Drew Millera z Stylus , ścieżka dźwiękowa „[oddaje] nieświadomy głos” psychice bohaterów i uzupełnia podtekst. Najbardziej oczywiste użycie muzyki pop „towarzyszy i nadaje kontekst” próbom odzyskania młodości przez Lestera; przypominając, jak kontrkultura lat 60. zwalczała amerykańskie represje za pomocą muzyki i narkotyków, Lester zaczyna palić marihuanę i słuchać muzyki rockowej. Wybór piosenek Mendesa „postępuje w historii amerykańskiej muzyki popularnej”. Miller argumentuje, że chociaż niektóre mogą być zbyt znajome, w pracy występuje element parodystyczny, „wykorzystujący zachętę [filmu], aby widzowie przyjrzeli się bliżej”. Pod koniec filmu ścieżka dźwiękowa Thomasa Newmana jest bardziej widoczna, tworząc „niepokojące tempo”, które pasuje do napięcia oprawy wizualnej. Wyjątkiem jest utwór „ Don't Let It Down You Down ”, który jest odtwarzany podczas uwodzenia Lestera przez Angelę. Na pierwszy rzut oka jego ton się ściera, gdy uwodzenie ustaje. Tekst, który mówi o „płonących zamkach”, może być postrzegany jako metafora poglądu Lestera na Angelę – „różową, napędzaną fantazją powierzchowność „American Beauty” – gdy płonie, ukazując „ nieśmiałą , małą -piersiowata dziewczyna, która, podobnie jak jego żona, umyślnie rozwinęła fałszywe publiczne ja”.

Produkcja

Rozwój

Ball zaczął pisać American Beauty jako sztukę na początku lat 90., częściowo zainspirowany cyrkiem medialnym, który towarzyszył procesowi Amy Fisher w 1992 roku. Odłożył sztukę na półkę po tym, jak zdecydował, że historia nie zadziała na scenie. Po spędzeniu następnych kilku lat na pisaniu dla telewizji, Ball wskrzesił ten pomysł w 1997 roku, kiedy próbował włamać się do przemysłu filmowego po kilku frustrujących latach pisania dla telewizyjnych seriali komediowych Grace Under Fire i Cybill . Dołączył do United Talent Agency , gdzie jego przedstawiciel, Andrew Cannava, zasugerował mu napisanie scenariusza , aby „ponownie wprowadzić się do miasta jako scenarzysta”. Ball przedstawił Cannava trzy pomysły: dwie konwencjonalne komedie romantyczne i American Beauty. Pomimo braku koncepcji łatwej do sprzedania, Cannava wybrał American Beauty , ponieważ czuł, że to ta, do której Ball miał największą pasję. Opracowując scenariusz, Ball stworzył kolejny serial telewizyjny, Oh, Grow Up . Skierował swoją złość i frustrację związaną z koniecznością spełnienia żądań sieci w tym programie - i podczas swojej kadencji w Grace Under Fire i Cybill - na pisanie American Beauty .

Ball nie spodziewał się sprzedaży scenariusza, wierząc, że będzie on działał bardziej jak wizytówka, ale American Beauty wzbudziło zainteresowanie kilku organów produkcyjnych. Cannava przekazała scenariusz kilku producentom, w tym Danowi Jinksowi i Bruce'owi Cohenowi , którzy zabrali go do DreamWorks . Z pomocą kierownictwa Glenna Williamsona i Boba Coopera oraz Stevena Spielberga jako partnera w studiu, Ball został przekonany do rozwijania projektu w DreamWorks; otrzymał zapewnienie od studia - znanego wówczas z bardziej konwencjonalnej taryfy - że nie „wygładzi [krawędzi]”. W niezwykłym posunięciu DreamWorks zdecydowało się nie wybierać scenariusza; zamiast tego w kwietniu 1998 roku studio kupiło go od razu za 250 000 $, przebijając Fox Searchlight Pictures , October Films , Metro-Goldwyn-Mayer i Lakeshore Entertainment . DreamWorks planowało nakręcić film za 6–8 milionów dolarów.

Jinks i Cohen zaangażowali Balla w cały proces tworzenia filmu, w tym obsadę i wybór reżysera. Producenci spotkali się z około dwudziestoma zainteresowanymi reżyserami, z których kilku uważano wówczas za A-list . Ball nie przepadał za bardziej znanymi reżyserami, ponieważ wierzył, że ich zaangażowanie zwiększy budżet i doprowadzi DreamWorks do „zdenerwowania się treścią”. Niemniej jednak studio zaoferowało film Mike'owi Nicholsowi i Robertowi Zemeckisowi ; ani akceptowane. W tym samym roku Mendes (wówczas reżyser teatralny) wskrzesił musical Cabaret w Nowym Jorku wraz z innym reżyserem Robem Marshallem . Beth Swofford z Creative Artists Agency zorganizowała spotkania dla Mendesa z postaciami ze studia w Los Angeles, aby sprawdzić, czy reżyserowanie filmu jest możliwe. Mendes natknął się na American Beauty w stosie ośmiu scenariuszy w domu Swofforda i od razu wiedział, że to ten, który chce zrobić; na początku swojej kariery zainspirował go sposób, w jaki film Paris, Texas  (1984) przedstawiał współczesną Amerykę jako mityczny krajobraz i dostrzegł ten sam temat w American Beauty , a także podobieństwa z własnym dzieciństwem. Mendes spotkał się później ze Spielbergiem; pod wrażeniem produkcji Olivera Mendesa ! i Cabaret , Spielberg zachęcił go do rozważenia American Beauty .

Mendes stwierdził, że nadal musi przekonać kierowników produkcji DreamWorks, aby pozwolili mu reżyserować. Rozmawiał już o filmie z Jinksem i Cohenem i czuł, że go wspierają. Piłka też była chętna; po obejrzeniu Kabaretu był pod wrażeniem „bystrego zmysłu wizualnego” Mendesa i pomyślał, że nie dokonał oczywistych wyborów. Ball czuł, że Mendes lubi zaglądać pod powierzchnię historii, talent, który jego zdaniem dobrze pasowałby do motywów American Beauty . Pochodzenie Mendesa również go uspokoiło, ze względu na wybitną rolę, jaką dramaturg odgrywa zwykle w przedstawieniu teatralnym. W ciągu dwóch spotkań — pierwszego z Cooperem, Walterem Parkesem i Laurie MacDonald , drugiego tylko z Cooperem — Mendes zgłosił się do studia. Studio wkrótce zwróciło się do Mendesa z umową dotyczącą wyreżyserowania minimalnej pensji dozwolonej zgodnie z zasadami Directors Guild of America - 150 000 $. Mendes zgodził się, a później przypomniał sobie, że po opodatkowaniu i prowizji swojego agenta zarobił tylko 38 000 $. W czerwcu 1998 DreamWorks potwierdziło, że zleciło Mendesowi wyreżyserowanie filmu.

Pismo

Ball był częściowo zainspirowany dwoma spotkaniami, które miał na początku lat 90. Około 1991–92 Ball zobaczył plastikową torbę powiewającą na wietrze przed World Trade Center . Obserwował torbę przez dziesięć minut, mówiąc później, że wywołała „nieoczekiwaną reakcję emocjonalną”. W 1992 roku Ball był zajęty cyrkiem medialnym, który towarzyszył procesowi Amy Fisher . Odkrywając komiks opowiadający o skandalu, uderzyło go, jak szybko został skomercjalizowany. Powiedział, że „czuł, że pod spodem kryje się prawdziwa historia [która była] bardziej fascynująca i o wiele bardziej tragiczna” niż historia prezentowana publiczności, i próbował zamienić ten pomysł w sztukę. Ball wyprodukował około 40 stron, ale przerwał, gdy zdał sobie sprawę, że lepiej zadziała jako film. Czuł, że ze względu na motywy wizualne i ponieważ historia każdej postaci była „intensywnie osobista”, nie można tego zrobić na scenie. Wszyscy główni bohaterowie pojawili się w tej wersji, ale Carolyn nie występowała silnie; Zamiast tego Jim i Jim mieli znacznie większe role.

Ball oparł historię Lestera na aspektach jego własnego życia. Ponowna analiza jego życia przez Lestera odpowiada uczuciom, które Ball miał po trzydziestce; podobnie jak Lester, Ball odłożył na bok swoje pasje, aby pracować na stanowiskach, których nienawidził, dla ludzi, których nie szanował. Sceny w domu Ricky'ego odzwierciedlają doświadczenia Balla z dzieciństwa. Ball podejrzewał, że jego ojciec był homoseksualistą i wykorzystał ten pomysł, aby stworzyć pułkownika Fittsa, człowieka, który „zrezygnował z szansy na bycie sobą”. Ball powiedział, że mieszanka komedii i dramatu w scenariuszu nie była zamierzona, ale pochodziła nieświadomie z jego własnego spojrzenia na życie. Powiedział, że zestawienie stworzyło silniejszy kontrast, dając każdej cesze większy wpływ, niż gdyby pojawiły się same.

W scenariuszu, który został wysłany do przyszłych aktorów i reżyserów, Lester i Angela uprawiali seks; do czasu kręcenia Ball przepisał scenę do ostatecznej wersji. Ball początkowo odrzucił rady innych, aby zmienił scenariusz, czując, że są purytańscy; ostateczny impuls do zmiany sceny pochodził od ówczesnego prezesa DreamWorks, Waltera Parkesa. Przekonał Balla, wskazując, że w mitologii greckiej bohater „doznaje chwili objawienia, zanim… wydarzy się tragedia”. Ball powiedział później, że jego złość podczas pisania pierwszego szkicu zaślepiła go na pomysł, że Lester musi odmówić seksu z Angelą, aby zakończyć swoją emocjonalną podróż - aby osiągnąć odkupienie. Jinks i Cohen poprosili Balla, aby nie zmieniał od razu sceny, ponieważ uważali, że wprowadzanie zmian w scenariuszu przed zatrudnieniem reżysera byłoby niewłaściwe. Wczesne szkice zawierały również retrospekcję ze służby pułkownika Fittsa w piechocie morskiej, sekwencję, która jednoznacznie potwierdziła jego skłonności homoseksualne. Zakochany w innym żołnierzu piechoty morskiej pułkownik Fitts widzi jego śmierć i zaczyna wierzyć, że został ukarany za „grzech” bycia gejem. Ball usunął tę sekwencję, ponieważ nie pasowała ona do struktury reszty filmu — płk. Fitts był jedyną postacią, która miała retrospekcję - i dlatego, że usunęła element zaskoczenia z późniejszego podania pułkownika Fittsa do Lestera. Ball powiedział, że musi to napisać dla własnej korzyści, aby wiedzieć, co stało się z pułkownikiem Fittsem, chociaż w późniejszych szkicach pozostał tylko podtekst.

Ball pozostał zaangażowany przez cały czas produkcji; podpisał umowę na rozwój programu telewizyjnego, więc musiał uzyskać pozwolenie od swoich producentów na roczny urlop, aby być blisko American Beauty . Ball był na planie, aby przepisać i pomóc zinterpretować swój scenariusz przez wszystkie dni kręcenia z wyjątkiem dwóch. Jego oryginalne sceny z podpórek - w których Ricky i Jane są ścigani za morderstwo Lestera po tym, jak zostali wrobieni przez pułkownika Fittsa - zostały wycięte w postprodukcji ; pisarz uznał później te sceny za niepotrzebne, mówiąc, że były odzwierciedleniem jego „gniewu i cynizmu” w czasie pisania (patrz „ Montaż ”). Ball i Mendes poprawiali scenariusz dwukrotnie, zanim został wysłany do aktorów, i jeszcze dwa razy przed pierwszym przeczytaniem. Scenariusz powstawał między czerwcem 1997 a lutym 1998.

Scenariusz kręcenia zawiera scenę w samochodzie Angeli, w której Ricky i Jane rozmawiają o śmierci i pięknie; scena różniła się od wcześniejszych wersji, które określały ją jako „dużą scenę na autostradzie”, w której trójka jest świadkami wypadku samochodowego i widzi martwe ciało. Zmiana była praktyczną decyzją, ponieważ produkcja była opóźniona i musieli obniżyć koszty. W harmonogramie przewidziano dwa dni na sfilmowanie katastrofy, ale dostępne było tylko pół dnia. Ball zgodził się, ale tylko wtedy, gdyby scena mogła zachować zdanie Ricky'ego, w którym zastanawia się, jak kiedyś widział martwą bezdomną kobietę: „Kiedy widzisz coś takiego, to tak, jakby Bóg patrzył prosto na ciebie, tylko przez sekundę. A jeśli jesteś ostrożny, możesz od razu spojrzeć wstecz”. Jane pyta: „A co widzisz?” Ricky: „Piękno”. Ball powiedział: „Chcieli wyciąć tę scenę. Powiedzieli, że to nie jest ważne. Powiedziałem:„ Zwariowałeś. To jedna z najważniejszych scen w filmie! ... Jeśli jakakolwiek linijka jest sercem i duszą tego filmu, to jest to linijka ”. Kolejna scena została przepisana, aby uwzględnić utratę sekwencji autostrady; osadzona na szkolnym boisku stanowi „punkt zwrotny” dla Jane, ponieważ decyduje się iść do domu z Rickym zamiast iść z Angelą. Pod koniec zdjęć scenariusz miał dziesięć szkiców.

Odlew

Główni aktorzy i aktorki
Pierwszy rząd : Wes Bentley, Chris Cooper, Mena Suvari, Kevin Spacey
Drugi rząd : Annette Bening, Thora Birch, Allison Janney

Mendes od początku miał na myśli Spaceya i Beninga jako głównych bohaterów, ale kierownictwo DreamWorks nie było entuzjastycznie nastawione. Studio zaproponowało kilka alternatyw, w tym Bruce'a Willisa , Kevina Costnera i Johna Travoltę do roli Lestera (rola była również oferowana Chevy'emu Chase'owi , ale ją odrzucił), podczas gdy Helen Hunt lub Holly Hunter miały zagrać Carolyn. Mendes nie chciał, aby wielka gwiazda „obciążała film”; czuł, że Spacey był właściwym wyborem na podstawie jego występów w filmach Zwykli podejrzani i Siedem z 1995 roku oraz Glengarry Glen Ross z 1992 roku . Spacey był zaskoczony; powiedział: „Zwykle gram postacie, które są bardzo szybkie, bardzo manipulujące i sprytne.… Zwykle brodzę w ciemnych, trochę zdradzieckich wodach. To jest człowiek żyjący krok po kroku, grający według swoich instynktów. To jest właściwie znacznie bliżej mnie, tego, kim jestem, niż te inne części”. Mendes zaproponował Beningowi rolę Carolyn bez zgody studia; chociaż kierownictwo było zdenerwowane Mendesem, do września 1998 roku DreamWorks rozpoczął negocjacje ze Spacey i Beningiem.

Spacey luźno oparł wczesne „schlubby” zachowanie Lestera na Walterze Matthau . Podczas filmu budowa ciała Lestera poprawia się z wiotkiej do stonowanej; Spacey pracował podczas kręcenia filmu, aby poprawić swoje ciało, ale ponieważ Mendes kręcił sceny w porządku chronologicznym, Spacey zmieniał postawy, aby przedstawiać sceny. Przed rozpoczęciem zdjęć Mendes i Spacey przeanalizowali występ Jacka Lemmona w The Apartment  (1960), ponieważ Mendes chciał, aby Spacey naśladował „sposób, w jaki [Lemmon] się poruszał, jak wyglądał, jak był w tym biurze i jak był zwykły człowiek, a jednak wyjątkowy człowiek”. Głos Spacey'ego jest powrotem do Sunset Boulevard  (1950), który jest również opowiadany z perspektywy czasu przez martwą postać. Mendes czuł, że przywołuje to samotność Lestera - i filmu. Bening wspominała kobiety ze swojej młodości, aby poinformować o swoim występie: „Kiedyś ciągle opiekowałam się dziećmi. Chodziłeś do kościoła i patrzyłeś, jak ludzie prezentują się na zewnątrz, a potem byłeś w ich domu i dostrzegałeś różnicę”. Bening i stylista fryzur współpracowali przy tworzeniu fryzury „ coif prezydenta PTA ”, a Mendes i scenograf Naomi Shohan przeszukali katalogi wysyłkowe, aby lepiej określić środowisko Carolyn jako „nieskazitelny podmiejski dwór”. Aby pomóc Beningowi wczuć się w sposób myślenia Carolyn, Mendes dał jej muzykę, która jego zdaniem spodobała się Carolyn. Pożyczył Bening wersję piosenki „ Don't Rain on My Parade ” Bobby'ego Darina , która jej się podobała i przekonał reżysera, by włączył ją do sceny, w której Carolyn śpiewa w swoim samochodzie.

Rolę Angeli Hayes zaproponowano Kirsten Dunst , ale ją odrzuciła.

W przypadku ról Jane, Ricky'ego i Angeli DreamWorks dał Mendesowi carte blanche . Do listopada 1998 roku Thora Birch , Wes Bentley i Mena Suvari zostali obsadzeni w tych rolach - w przypadku Birch, mimo że miała 16 lat i została uznana za nieletnią za krótką nagą scenę, na co jej rodzice musieli zatwierdzić. Przedstawiciele pracy dzieci towarzyszyli rodzicom Bircha na planie podczas kręcenia nagiej sceny. Bentley pokonał konkurencję ze strony czołowych aktorów w wieku poniżej 25 lat, aby zostać obsadzonym. Film dokumentalny My Big Break z 2009 roku podążał za Bentleyem i kilkoma innymi młodymi aktorami, przed i po tym, jak dostał tę rolę. Aby się przygotować, Mendes dostarczył Bentleyowi kamerę wideo, mówiąc aktorowi, aby sfilmował to, co zrobiłby Ricky. Peter Gallagher i Allison Janney zostali obsadzeni (jako Buddy Kane i Barbara Fitts) po rozpoczęciu zdjęć w grudniu 1998 roku. Mendes dał Janneyowi książkę z obrazami Edvarda Muncha . Powiedział jej: „Twoja postać jest gdzieś tam”. Mendes wyciął większość dialogów Barbary, w tym rozmowy między nią a pułkownikiem Frankiem Fittsem, ponieważ czuł, że to, co należy powiedzieć o tej parze - ich człowieczeństwie i wrażliwości - zostało z powodzeniem przekazane przez ich wspólne chwile ciszy. Chris Cooper gra pułkownika Franka Fittsa, Scott Bakula gra Jima Olmeyera, a Sam Robards gra Jima Berkleya. Jim i Jim celowo zostali przedstawieni jako najbardziej normalna, szczęśliwa i nudna para w filmie. Inspiracją dla postaci Balla była myśl, którą przyszedł mu do głowy po obejrzeniu „nijakiego, nudnego, heteroseksualnego pary”, który nosił pasujące ubrania: „Nie mogę się doczekać czasu, kiedy para gejów może być równie nudna”. Ball zawierał również aspekty znanej mu pary gejów, która miała to samo imię.

Mendes nalegał na dwa tygodnie prób obsady, chociaż sesje nie były tak formalne, jak był przyzwyczajony w teatrze, a aktorzy nie mogli być obecni na każdym. Do scenariusza włączono kilka improwizacji i sugestii aktorów. Wczesna scena przedstawiająca Burnhamów wychodzących z domu do pracy została wstawiona później, aby pokazać najniższy punkt, jaki osiągnął związek Carolyn i Lestera. Spacey i Bening pracowali nad stworzeniem poczucia miłości, jaką kiedyś żywili do siebie Lester i Carolyn; na przykład scena, w której Lester prawie uwodzi Carolyn po tym, jak para kłóci się o zakup samochodu przez Lestera, była pierwotnie „ściśle kontrowersyjna”.

Filmowanie

Główne zdjęcia trwały około 50 dni, od 14 grudnia 1998 do lutego 1999. American Beauty kręcono na scenach dźwiękowych na zapleczu Warner Bros. w Burbank w Kalifornii oraz w Hancock Park i Brentwood w Los Angeles. Zdjęcia lotnicze na początku i na końcu filmu zostały zrobione w Sacramento w Kalifornii , a wiele scen szkolnych nakręcono w South High School w Torrance w Kalifornii ; kilku statystów w tłumie na siłowni było uczniami South High. Akcja filmu rozgrywa się w dzielnicy wyższej klasy średniej w niezidentyfikowanym amerykańskim mieście. Scenografka Naomi Shohan porównała to miejsce do Evanston w stanie Illinois , ale powiedziała: „nie chodzi o miejsce, chodzi o archetyp… Środowisko było prawie wszędzie w USA - mobilne przedmieścia”. Intencją było, aby scenografia odzwierciedlała postacie, które są jednocześnie archetypami. Shohan powiedział: „Wszyscy są bardzo napięci, a ich życie to konstrukcje”. Dom Burnhamów został zaprojektowany jako odwrotność domu Fittsów - ten pierwszy był nieskazitelnym ideałem, ale pozbawionym wdzięku i pozbawionym „wewnętrznej równowagi”, co doprowadziło do chęci Carolyn, by przynajmniej nadać mu wygląd „idealnego, całkowicie amerykańskiego domu” ; dom Fittsów jest przedstawiony w „przesadnej ciemności [i] symetrii”.

W filmie wykorzystano zdjęcia lotnicze Sacramento w Kalifornii na początku i na końcu filmu, aby pokazać, gdzie mieszkają Burnhamowie.

Produkcja wybrała dwie sąsiednie nieruchomości na zapleczu „Blondie Street” Warnera na domy Burnhama i Fittsa. Załoga przebudowała domy, aby uwzględnić fałszywe pokoje, które ustanowiły linie wzroku - między oknami sypialni Ricky'ego i Jane oraz między sypialnią Ricky'ego a garażem Lestera. Okna garażu zostały zaprojektowane specjalnie po to, aby uzyskać kluczowe ujęcie pod koniec filmu, w którym pułkownik Fitts — obserwujący z sypialni Ricky'ego — błędnie zakłada, że ​​Lester płaci Ricky'emu za seks. Mendes upewnił się, że na początku filmu ustalił linię wzroku, aby widzowie mieli wrażenie, że znają ujęcie. Wnętrza domów zostały sfilmowane na zapleczu, w plenerze i na scenach dźwiękowych, gdy potrzebne były ujęcia z góry. Wnętrze domu Burnhamów zostało nakręcone w domu w pobliżu autostrady międzystanowej 405 i Sunset Boulevard w Los Angeles; wnętrze domu Fittów zostało nakręcone w dzielnicy Hancock Park. Sypialnia Ricky'ego została zaprojektowana tak, aby przypominała celę, aby sugerować jego „mnich” osobowość, a jednocześnie łączyła się z zaawansowanym technologicznie sprzętem, aby odzwierciedlić jego podglądactwo. W produkcji celowo zminimalizowano użycie czerwieni, ponieważ była to ważna sygnatura tematyczna gdzie indziej. W domu Burnhamów używa się chłodnego bluesa, podczas gdy Fitts utrzymany jest w „przygnębionej wojskowej palecie”.

Dominujący styl wizualny Mendesa był przemyślany i opanowany, z minimalistycznym projektem, który zapewniał „rzadkie, niemal surrealistyczne wrażenie - jasne, ostre, ostre krawędzie, zbliżone do Magritte'a , przedstawiające amerykańskie przedmieścia”; Mendes nieustannie kierował swoimi kredensami, aby opróżniły ramę. Sprawił, że fantastyczne sceny Lestera były „bardziej płynne i pełne wdzięku”, a Mendes w minimalnym stopniu korzystał ze steadicamów , czując, że stabilne ujęcia generują większe napięcie. Na przykład, kiedy Mendes użył powolnego pchnięcia do stołu obiadowego Burnhamów, trzymał strzał, ponieważ jego szkolenie jako reżysera teatralnego nauczyło go, jak ważne jest zachowanie dystansu między postaciami. Chciał utrzymać napięcie w scenie, więc przerwał dopiero wtedy, gdy Jane odeszła od stołu. Mendes użył ręcznej kamery w scenie, w której pułkownik Fitts pokonuje Ricky'ego. Mendes powiedział, że kamera zapewniła scenie „energię kinetyczną… niezrównoważoną”. Poszedł także z ręki do fragmentów materiału z kamery Ricky'ego. Mendes potrzebował dużo czasu, aby uzyskać jakość materiału filmowego Ricky'ego do pożądanego poziomu. W przypadku materiału z plastikowej torby Mendes użył maszyn wiatrowych, aby przenieść torbę w powietrze. Scena trwała cztery ujęcia; dwa przy drugiej jednostce nie satysfakcjonowały Mendesa, więc sam nakręcił tę scenę. Czuł, że jego pierwsze ujęcie nie ma wdzięku, ale przy ostatniej próbie zmienił lokalizację na przód ceglanej ściany i dodał liście na ziemi. Mendes był usatysfakcjonowany sposobem, w jaki ściana definiowała zarys torby.

Mendes unikał zbliżeń , uważając, że technika ta jest nadużywana. Wspomniał również o radzie Spielberga, aby wyobrazić sobie sylwetkę publiczności na dole monitora aparatu, aby pamiętać, że była kręcona w celu wyświetlenia na ekranie o przekątnej 40 stóp (10 m). Spielberg, który odwiedził plan kilka razy, również poradził Mendesowi, aby nie martwił się kosztami, jeśli pod koniec długiego dnia pracy wpadnie mu na „świetny pomysł”. Mendes powiedział: „Zdarzyło się to trzy lub cztery razy i wszystkie są w filmie”. Pomimo wsparcia Spielberga DreamWorks i Mendes nieustannie walczyli o harmonogram i budżet, chociaż studio niewiele ingerowało w treść filmu. Spacey, Bening i Hall pracowali za znacznie mniej niż zwykle. Produkcja American Beauty kosztowała DreamWorks 15 milionów dolarów, nieco powyżej przewidywanej kwoty. Mendes był tak niezadowolony z pierwszych trzech dni kręcenia, że ​​uzyskał pozwolenie od DreamWorks na ponowne nakręcenie scen. Powiedział: „Zacząłem od złej sceny, właściwie sceny komediowej. A aktorzy zagrali to o wiele za dużo:… to było źle nakręcone, moja wina, źle skomponowane, moja wina, złe kostiumy, moja wina… .; i wszyscy robili to, o co prosiłem. To wszystko moja wina. Świadomy tego, że był nowicjuszem, Mendes oparł się na doświadczeniu Halla: „Wcześnie podjąłem bardzo świadomą decyzję, że jeśli czegoś nie rozumiem technicznie, mogę powiedzieć bez zakłopotania:„ Nie rozumiem, o co ci chodzi. o czym mówisz, wyjaśnij to .

Mendes zachęcał do improwizacji; na przykład, kiedy Lester masturbuje się w łóżku obok Carolyn, reżyser poprosił Spacey'ego o zaimprowizowanie kilku eufemizmów na określenie aktu w każdym ujęciu. Mendes powiedział: „Chciałem tego nie tylko dlatego, że było zabawne… ale dlatego, że nie chciałem, żeby to wyglądało na przećwiczone. Chciałem, żeby wyglądało, jakby wyrzucał to z ust bez zastanowienia. [Spacey] jest taki pod kontrolą - chciałem, żeby się przebił. Spacey zgodził się, ostatecznie wymyślając 35 fraz, ale Bening nie zawsze mógł zachować powagę, co oznaczało, że scena musiała zostać nakręcona dziesięć razy. W produkcji wykorzystano niewielkie ilości obrazów generowanych komputerowo . Większość płatków róż w fantazjach Lestera została dodana w postprodukcji, chociaż niektóre były prawdziwe i usunięto cyfrowo trzymające je druty. Kiedy Lester fantazjuje o Angeli w kąpieli z płatków róży, para była prawdziwa, z wyjątkiem ujęcia znad głowy. Aby ustawić kamerę, trzeba było wyciąć otwór w suficie, przez który wydostawała się para; zamiast tego został dodany cyfrowo.

Redagowanie

Redakcją American Beauty byli Christopher Greenbury i Tariq Anwar ; Greenbury zaczynał na tym stanowisku, ale musiał odejść w połowie postprodukcji z powodu konfliktu harmonogramu ze mną, sobą i Irene  (2000). Mendes i asystent montowali film przez dziesięć dni między spotkaniami. Mendes zdał sobie sprawę podczas montażu, że film różni się od tego, który sobie wyobrażał. Uważał, że kręcił „znacznie bardziej kapryśny,… kalejdoskopowy” film niż to, co zebrano w zestawie montażowym. Zamiast tego Mendesa pociągały emocje i ciemność; zaczął wykorzystywać partyturę i ujęcia, które zamierzał odrzucić, aby stworzyć film w ten sposób. W sumie odciął około 30 minut od swojej oryginalnej edycji. Otwarcie obejmowało sen, w którym Lester wyobraża sobie, że leci nad miastem. Mendes spędził dwa dni, kręcąc Spaceya na tle niebieskiego ekranu , ale usunął tę sekwencję, ponieważ uważał, że jest zbyt kapryśna – „jak film braci Coen ” – a przez to nieodpowiednia dla tonu, który próbował nadać. Otwarcie w końcowej wersji ponownie wykorzystało scenę ze środka filmu, w której Jane mówi Ricky'emu, żeby zabił jej ojca. Ta scena miała być objawieniem dla publiczności, że para nie była odpowiedzialna za śmierć Lestera, ponieważ sposób, w jaki została oceniona i zagrana, jasno wskazywał, że prośba Jane nie była poważna. Jednak w części, której użył na początku - i kiedy cała scena rozgrywa się później - Mendes wykorzystał partyturę i ujęcie reakcji Ricky'ego, aby pozostawić utrzymującą się niejasność co do jego winy. Kolejne ujęcie — widok okolicy z lotu ptaka — pierwotnie miało służyć jako ujęcie z płyty dla efektów niebieskiego ekranu w sekwencji snu.

Mendes spędził więcej czasu na ponownym przetworzeniu pierwszych dziesięciu minut niż reszta filmu razem wzięta. Wypróbował kilka wersji otwarcia; pierwszy montaż zawierał sceny z książki, w których Jane i Ricky są skazani za morderstwo Lestera, ale Mendes wyciął je w ostatnim tygodniu montażu, ponieważ czuł, że sprawiły, że film stracił swoją tajemnicę i ponieważ nie pasowały do ​​tematu odkupienia to pojawił się w trakcie produkcji. Mendes uważał, że proces odciągnął uwagę od postaci i zmienił film „w odcinek NYPD Blue ”. Zamiast tego chciał, aby zakończenie było „poetycką mieszanką snu i pamięci oraz rozwiązania narracyjnego”. Kiedy Ball po raz pierwszy zobaczył ukończoną edycję, była to wersja z okrojonymi wersjami tych scen. Czuł, że były tak krótkie, że „tak naprawdę się nie rejestrowały”. Mendes i on kłócili się, ale Ball był bardziej akceptujący po tym, jak Mendes całkowicie odciął sekwencje; Ball czuł, że bez scen film był bardziej optymistyczny i przekształcił się w coś, co „mimo całej swojej ciemności miało naprawdę romantyczne serce”.

Kinematografia

Conrad Hall nie był pierwszym wyborem na reżysera zdjęć; Mendes uważał, że jest „za stary i zbyt doświadczony”, aby chcieć tej pracy, i powiedziano mu, że z Hallem trudno się pracuje. Zamiast tego Mendes poprosił Fredericka Elmesa , który odrzucił tę pracę, ponieważ nie podobał mu się scenariusz. Hall został polecony Mendesowi przez Toma Cruise'a , ze względu na pracę Halla nad Bez ograniczeń  (1998), którego Cruise był producentem wykonawczym. Mendes reżyserował ówczesną żonę Cruise'a, Nicole Kidman, w sztuce The Blue Room podczas przedprodukcji American Beauty i miał już scenariusz do całego filmu. Hall był zaangażowany przez miesiąc w okresie przedprodukcyjnym; jego pomysły na oświetlenie filmu zaczęły się od pierwszego przeczytania scenariusza, a dalsze podania pozwoliły mu udoskonalić swoje podejście przed spotkaniem z Mendesem. Hall początkowo obawiał się, że postacie nie spodobają się widzom; czuł się w stanie identyfikować się z nimi dopiero podczas prób obsady, co dało mu świeże pomysły na podejście do oprawy wizualnej.

Podejście Halla polegało na stworzeniu spokojnych kompozycji nawiązujących do klasycyzmu , kontrastujących z burzliwymi wydarzeniami na ekranie i pozwalających widzom wziąć udział w akcji. Hall i Mendes najpierw omówili zamierzony nastrój sceny, ale pozwolono mu oświetlić ujęcie w dowolny sposób, jaki uznał za konieczny. W większości przypadków Hall najpierw oświetlał temat sceny, „malując” czerń i biel, a następnie dodał światło wypełniające , które odbijało się od listwy lub białej karty na suficie. Takie podejście dało Hallowi większą kontrolę nad cieniami, jednocześnie utrzymując dyskretne światło wypełniające i wolne od rozlania ciemnych obszarów. Hall nakręcił American Beauty w formacie 2,39: 1 w formacie Super 35 , głównie przy użyciu taśmy filmowej Kodak Vision 500T 5279 35 mm . Użył Super 35 częściowo dlatego, że jego większy zakres pozwolił mu uchwycić elementy, takie jak rogi basenu wypełnionego płatkami w ujęciu z góry, tworząc ramkę wokół Angeli wewnątrz. Nakręcił cały film w tym samym punkcie T (T1.9); biorąc pod uwagę jego preferencje dla strzelania tak szeroko, Hall preferował kolby o dużej prędkości, aby umożliwić bardziej subtelne efekty świetlne.

Hall użył kamer Panavision Platinum z firmową serią obiektywów stałoogniskowych i zmiennoogniskowych Primo . Hall zastosował kodak Vision 200T 5274 i EXR 100T 5248 do scen z efektami światła dziennego. Miał trudności z przystosowaniem się do nowo wprowadzonego materiału do druku Vision firmy Kodak, co w połączeniu z jego kontrastowym stylem oświetlenia stworzyło wygląd ze zbyt dużym kontrastem. Hall skontaktował się z Kodakiem, który przesłał mu partię 5279, która była o pięć procent tańsza dla kontrastu. Hall używał filtra Tiffen Black ProMist o sile 1/8 w prawie każdej scenie, co, jak powiedział z perspektywy czasu, mogło nie być najlepszym wyborem, ponieważ czynności optyczne wymagane do wysadzenia Super 35 w celu uzyskania anamorficznego wydruku doprowadziły do ​​niewielkiej ilości degradacja; dlatego dyfuzja z filtra nie była wymagana. Kiedy Hall zobaczył film w kinie, poczuł, że obraz jest nieco niewyraźny i gdyby nie użył filtra, dyfuzja z konwersji anamorficznej Super 35 wygenerowałaby obraz bliższy temu, co pierwotnie zamierzał.

Ujęcie, w którym Lester i Ricky dzielą marihuanę za budynkiem, powstało w wyniku nieporozumienia między Hallem i Mendesem. Mendes poprosił Halla o przygotowanie zdjęcia pod jego nieobecność; Hall założył, że postacie będą szukać prywatności, więc umieścił je w wąskim przejściu między ciężarówką a budynkiem, zamierzając oświetlić z góry ciężarówki. Kiedy Mendes wrócił, wyjaśnił, że postacie nie dbają o to, czy zostaną zauważone. Usunął ciężarówkę i Hall musiał przemyśleć oświetlenie; oświetlił go z lewej strony, dużym światłem przechodzącym przez aktorów i miękkim światłem za kamerą. Hall uznał, że wynikające z tego szerokie ujęcie „idealnie pasowało do tonu sceny”. Hall zadbał o to, by w każdym ujęciu pod koniec filmu zachować deszcz lub jego sugestię. W jednym ujęciu podczas spotkania Lestera z Angelą w domu Burnhamów Hall stworzył efekty deszczu na światłach krzyża na pierwszym planie; w innym częściowo oświetlił parę przez francuskie okna, do których dodał materiał, aby spowolnić deszcz, intensyfikując światło (chociaż siła światła zewnętrznego była nierealistyczna dla sceny nocnej, Hall uznał to za uzasadnione ze względu na silne kontrasty, które wytworzył). W zbliżeniach, gdy Lester i Angela siadają na kanapie, Hall starał się zatrzymać deszcz w kadrze, oświetlając przez okno sufit za Lesterem. Używał również skrzynek przeciwdeszczowych do tworzenia wzorów deszczu tam, gdzie chciał, bez oświetlania całego pokoju.

Muzyka

Wynik Thomasa Newmana został nagrany w Santa Monica w Kalifornii . Do tworzenia nastroju i rytmu używał głównie instrumentów perkusyjnych, do których inspiracji dostarczał Mendes. Newman „przedkładał puls, rytm i kolor nad melodię”, tworząc bardziej minimalistyczną ścieżkę dźwiękową niż wcześniej. Każdą wskazówkę budował wokół „małych, powtarzających się w nieskończoność fraz” - często jedyną odmianą poprzez „przerzedzenie tekstury o osiem taktów ”. Instrumenty perkusyjne obejmowały tabla , bongosy , cymbały, fortepian, ksylofony i marimby ; pojawiły się również gitary, flet i instrumenty muzyki świata . Newman używał również muzyki elektronicznej , a na „dziwacznych” utworach stosował bardziej niekonwencjonalne metody, takie jak stukanie palcem w metalowe miski do mieszania i używanie rozstrojonej mandoliny . Newman uważał, że ścieżka dźwiękowa pomogła pchnąć film do przodu bez naruszania „moralnej dwuznaczności” scenariusza: „To była naprawdę delikatna równowaga, jeśli chodzi o to, jaka muzyka działała, aby [to] zachować”.

Ścieżka dźwiękowa zawiera utwory Newmana, Bobby'ego Darina, The Who , Free , Eels , The Guess Who , Billa Withersa , Betty Carter , Peggy Lee , The Folk Implosion , Gomez i Boba Dylana , a także dwie wersje coverów — The Beatles „ Because ” w wykonaniu Elliotta Smitha oraz „Don’t Let It Bring You Down” Neila Younga w wykonaniu Annie Lennox . Wyprodukowany przez kierownika muzycznego filmu, Chrisa Douridasa , skrócony album ze ścieżką dźwiękową został wydany 5 października 1999 roku i był nominowany do nagrody Grammy za najlepszy album ze ścieżką dźwiękową . Album zawierający 19 utworów z partytury Newmana został wydany 11 stycznia 2000 roku i zdobył nagrodę Grammy za najlepszy album ze ścieżką dźwiękową . Filmowiec uznał ścieżkę dźwiękową za jedną z najlepszych Newmana, mówiąc, że „[umożliwiła] transcendentalne aspiracje filmu”. W 2006 roku magazyn wybrał ścieżkę dźwiękową jako jedną z dwudziestu najważniejszych ścieżek dźwiękowych, które według niego mówiły o „złożonych i innowacyjnych związkach między muzyką a opowiadaniem historii na ekranie”.

Uwolnienie

Reklama

DreamWorks zlecił Amazon.com stworzenie oficjalnej strony internetowej, po raz pierwszy Amazon stworzył specjalną sekcję poświęconą filmowi fabularnemu. Witryna zawierała przegląd, galerię zdjęć, filmografie obsady i ekipy oraz ekskluzywne wywiady ze Spaceyem i Beningiem. Slogan filmu - „spójrz bliżej” - pierwotnie pochodził z wycinka wklejonego na boksie w miejscu pracy Lestera obok kredensu. DreamWorks prowadził równoległe kampanie marketingowe i zwiastuny — jeden skierowany do dorosłych, drugi do nastolatków. Oba zwiastuny kończyły się plakatem przedstawiającym dziewczynę trzymającą różę.

Przeglądając plakaty kilku filmów roku, David Hochman z Entertainment Weekly wysoko ocenił American Beauty , mówiąc, że przywołuje on slogan; powiedział: „Ciągle wracasz do plakatu, myśląc, że tym razem coś znajdziesz”. DreamWorks nie chciał testować filmu; według Mendesa studio było z tego zadowolone, ale nalegał na taki, w którym mógłby później przesłuchać publiczność. Studio niechętnie się zgodziło i pokazało film młodej publiczności w San Jose w Kalifornii . Mendes twierdził, że pokaz poszedł bardzo dobrze.

Bieg teatralny

Film miał swoją światową premierę 8 września 1999 roku w Grauman's Egyptian Theatre w Los Angeles. Trzy dni później film pojawił się na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Toronto . W obecności filmowców i obsady film był wyświetlany na kilku amerykańskich uniwersytetach, w tym na Uniwersytecie Kalifornijskim w Berkeley , Uniwersytecie Nowojorskim , Uniwersytecie Kalifornijskim w Los Angeles , Uniwersytecie Teksasu w Austin , Uniwersytecie Karoliny Północnej w Chapel Hill. i Northwestern University .

Wykres przedstawiający liczbę kin, w których grał American Beauty w Ameryce Północnej w latach 1999–2000. Po sukcesie filmu na Złotym Globie w styczniu 2000 roku DreamWorks ponownie rozszerzył swoją obecność na rynku do 1990 kin.

15 września 1999 r. American Beauty zostało otwarte dla publiczności w limitowanej edycji w trzech kinach w Los Angeles i trzech w Nowym Jorku. W ograniczonym okresie dodano więcej kin, a 1 października film oficjalnie wszedł do szerokiej dystrybucji , wyświetlając go w 706 kinach w całej Ameryce Północnej. Film zarobił 8 188 587 dolarów w weekend, zajmując trzecie miejsce w kasie. Widzowie ankietowani przez firmę badawczą CinemaScore przyznali American Beauty średnio ocenę „B+”. Liczba kin osiągnęła najwyższy poziom 1528 pod koniec miesiąca, po czym nastąpił stopniowy spadek. Po zwycięstwie American Beauty na 57. ceremonii rozdania Złotych Globów , DreamWorks ponownie zwiększyło liczbę widzów w kinach z 7 w połowie lutego do 1990 w marcu. Film zakończył swój występ w kinach w Ameryce Północnej 4 czerwca 2000 roku, zarabiając 130,1 miliona dolarów.

American Beauty miał swoją europejską premierę na Londyńskim Festiwalu Filmowym 18 listopada 1999 roku; w styczniu 2000 roku zaczął być wyświetlany na różnych terytoriach poza Ameryką Północną. Zadebiutował w Izraelu z „potężnymi” zwrotami, a 21 stycznia ukazały się limitowane wydania w Niemczech, Włoszech, Austrii, Szwajcarii, Holandii i Finlandii. Po weekendach otwarcia 28 stycznia w Australii, Wielkiej Brytanii, Hiszpanii i Norwegii, American Beauty miał zarobił 7 milionów dolarów w 12 krajach, łącznie 12,1 miliona dolarów poza Ameryką Północną. 4 lutego American Beauty zadebiutowało we Francji i Belgii. Rozszerzając się do 303 kin w Wielkiej Brytanii, film zajął pierwsze miejsce w kasie z kwotą 1,7 miliona dolarów. W weekend 18 lutego — po ośmiu nominacjach American Beauty do 72. ceremonii rozdania Oscarów — film zarobił 11,7 miliona dolarów z 21 terytoriów, czyli łącznie 65,4 miliona dolarów poza Ameryką Północną. Film miał „olśniewające” debiuty na Węgrzech, w Danii, Czechach, Słowacji i Nowej Zelandii.

Według stanu na 18 lutego terytoriami, które odniosły największy sukces, były Wielka Brytania (15,2 mln USD), Włochy (10,8 mln USD), Niemcy (10,5 mln USD), Australia (6 mln USD) i Francja (5,3 mln USD). Nominacje do Oscara oznaczały kontynuację dobrych występów we wszystkich dziedzinach; w następny weekend American Beauty zarobił 10,9 miliona dolarów w 27 krajach, z mocnymi debiutami w Brazylii, Meksyku i Korei Południowej. Inne wysokie notowania obejmowały solidne zwroty w Argentynie, Grecji i Turcji. W weekend 3 marca 2000 r. American Beauty mocno zadebiutował w Hongkongu, Tajwanie i Singapurze, na rynkach tradycyjnie „nieotwartych na tego rodzaju ekskluzywne taryfy”. Imponujące wyniki Korei Południowej były kontynuowane, ze zwrotem w wysokości 1,2 miliona dolarów po dziewięciu dniach. W sumie firma American Beauty zarobiła 130,1 miliona dolarów w Ameryce Północnej i 226,2 miliona dolarów na całym świecie, za 356,3 miliona dolarów na całym świecie.

Media domowe

American Beauty został wydany na VHS 9 maja 2000 r., A na DVD w formacie DTS 24 października 2000 r. Przed premierą w Ameryce Północnej do wypożyczenia 9 maja Blockbuster Video chciał kupić setki tysięcy dodatkowych kopii dla swojej „gwarantowanej tytuł”, w ramach którego każdy, kto chciał wypożyczyć film, miałby zagwarantowaną kopię. Blockbuster i DreamWorks nie mogły dojść do porozumienia w sprawie podziału zysków, więc Blockbuster zamówił dwie trzecie liczby kopii, które pierwotnie zamierzał. DreamWorks udostępnił do wypożyczenia około miliona kopii; Udział Blockbuster wynosiłby zwykle około 400 000 z nich. Niektóre sklepy Blockbuster wyświetlały tylko 60 kopii, a inne w ogóle nie wyświetlały filmu, zmuszając klientów do proszenia o niego. Strategia wymagała od personelu przeczytania klientom oświadczenia wyjaśniającego sytuację; Blockbuster twierdził, że to tylko „[monitorowanie] zapotrzebowania klientów” ze względu na ograniczoną dostępność. Strategia Blockbuster wyciekła przed 9 maja, co doprowadziło do 30-procentowego wzrostu zamówień od innych sprzedawców detalicznych. W pierwszym tygodniu wypożyczenia American Beauty zarobił 6,8 miliona dolarów. Zwrot ten był niższy niż można by się spodziewać, gdyby DreamWorks i Blockbuster osiągnęły porozumienie. W tym samym roku Szósty zmysł zarobił 22 miliony dolarów, podczas gdy Fight Club zarobił 8,1 miliona dolarów, chociaż występ teatralny tego ostatniego w Ameryce Północnej stanowił zaledwie 29 procent tego, co American Beauty . Strategia Blockbuster wpłynęła również na opłaty za wynajem; American Beauty kosztował średnio 3,12 USD, w porównaniu z 3,40 USD za filmy, które w pełni promował Blockbuster. Tylko 53 procent wypożyczonych filmów pochodziło z dużych sklepów w pierwszym tygodniu, w porównaniu ze zwykłymi 65 procentami.

Wydanie DVD zawierało materiał zza kulis, komentarz audio do filmu od Mendesa i Balla oraz prezentację scenopisu z dyskusją Mendesa i Halla. W komentarzu do filmu Mendes odnosi się do usuniętych scen, które zamierzał umieścić w wydaniu. Jednak tych scen nie ma na DVD, ponieważ zmienił zdanie po nagraniu komentarza; Mendes uważał, że pokazanie scen, których wcześniej nie chciał używać, zaszkodziłoby integralności filmu.

21 września 2010 roku Paramount Home Entertainment wydało American Beauty na Blu-ray , jako część Sapphire Series firmy Paramount. Wszystkie dodatki z wydania DVD były obecne, a zwiastuny kinowe zostały zaktualizowane do HD .

Krytyczny odbiór i dziedzictwo

Wstępny

American Beauty został powszechnie uznany przez amerykańską prasę za najlepszy film 1999 roku. Otrzymał przytłaczające pochwały, głównie za Spacey, Mendes i Ball. Variety poinformowało, że „żaden inny film z 1999 roku nie odniósł korzyści z tak powszechnych zachwytów”. Był to najlepiej przyjęty tytuł na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Toronto (TIFF), gdzie w głosowaniu festiwalowej publiczności zdobył nagrodę People's Choice. Dyrektor TIFF, Piers Handling, powiedział: „ American Beauty było głównym tematem festiwalu, filmem, o którym mówiło się najwięcej”.

Agregator recenzji, Rotten Tomatoes, podaje, że 87% ze 190 krytyków oceniło film pozytywnie, ze średnią oceną 8,2 / 10. Konsensus krytyków serwisu brzmi: „Bezbłędnie obsadzony i pełen mrocznego, cierpkiego dowcipu, American Beauty to inteligentny, prowokujący punkt kulminacyjny głównego nurtu hollywoodzkiego filmu późnych lat 90”. Według Metacritic , który przyznał średnią ważoną ocenę 84 na 100 na podstawie 34 krytyków, film zyskał „powszechne uznanie”.

Pisząc w Variety , Todd McCarthy powiedział, że obsada „nie może być lepsza”; pochwalił „radzenie sobie z insynuacjami, subtelnym sarkazmem i dosadną mową” Spaceya oraz sposób, w jaki nasycił Lestera „prawdziwym uczuciem”. Janet Maslin w The New York Times powiedziała, że ​​​​Spacey był jak dotąd „najdowcipniejszy i najbardziej zwinny”. Roger Ebert z Chicago Sun-Times , który przyznał filmowi cztery z czterech gwiazdek, wyróżnił Spacey'ego za udane przedstawienie człowieka, który „robi lekkomyślne i głupie rzeczy [ale] nie oszukuje samego siebie”. Kevin Jackson z Sight & Sound powiedział, że Spacey wywarł wrażenie w sposób odmienny od jego poprzednich występów, a najbardziej satysfakcjonującym aspektem było przedstawienie „zarówno soku, jak i bohatera”.

Pisząc w Film Quarterly , Gary Hentzi chwalił aktorów, ale powiedział, że postacie takie jak Carolyn i pułkownik Fitts to stereotypy. Hentzi oskarżył Mendesa i Balla o zbyt łatwe identyfikowanie się z Jane i Rickym, mówiąc, że ten ostatni był ich „postacią z fantazji” - nastoletnim chłopcem, który jest absurdalnie bogatym artystą, który jest w stanie „finansować [swoje] własne projekty”. Hentzi powiedział, że Angela była najbardziej wiarygodną nastolatką, w szczególności dzięki jej „boleśnie znajomym” próbom „sprostania niegodnemu wizerunkowi samej siebie”. Maslin zgodził się, że niektóre postacie były nieoryginalne, ale powiedział, że ich szczegółowe charakterystyki sprawiły, że zapadły w pamięć.

Kenneth Turan z Los Angeles Times powiedział, że aktorzy poradzili sobie „bezbłędnie” z trudnymi rolami; nazwał występ Spaceya „energią, która napędza film”, mówiąc, że aktor dowodził zaangażowaniem publiczności, mimo że Lester nie zawsze był sympatyczny. „Wbrew wszelkim przeciwnościom lubimy [te postacie]” – podsumował Turan. Stwierdził, że film był warstwowy, wywrotowy, złożony i zaskakujący, podsumowując, że był to „piekielny obraz”.

Maslin uważał, że Mendes reżyserował z „niesamowitym talentem wizualnym”, mówiąc, że jego minimalistyczny styl równoważy „zjadliwy i jasny” i że przywołuje „delikatne, erotyzowane winiety grające mocą” ze swojej pracy teatralnej. Jackson powiedział, że teatralne korzenie Mendesa rzadko były widoczne, a „najbardziej niezwykłym” aspektem było to, że występ Spacey'ego nie przyćmił filmu. Powiedział, że Mendes płynnie rozwiązał zawiłości scenariusza, wykorzystując mocne strony zespołu i umiejętnie zainscenizował zmiany tonalne. McCarthy uważał American Beauty za „oszałamiającą kartę wstępu” dla filmowych debiutantów Mendesa i Balla. Powiedział, że „pewna ręka” Mendesa była „tak precyzyjna i kontrolowana”, jak jego praca teatralna. McCarthy opisał zaangażowanie Halla jako szczęśliwe dla Mendesa, ponieważ autor zdjęć był „niezrównany” w przekazywaniu tematów dzieła. Turan zgodził się, że wybór współpracowników przez Mendesa był „sprytny”, wymieniając w szczególności Halla i Newmana. Turan zasugerował, że American Beauty mogło skorzystać na braku doświadczenia Mendesa, ponieważ jego „odwaga na wszystko” sprawiła, że ​​​​próbował uderzeń, których bardziej doświadczeni reżyserzy mogliby uniknąć. Turan uważał, że osiągnięciem Mendesa było „uchwycenie i uwydatnienie dwoistości” scenariusza Balla - jednocześnie „karykaturalnych… i boleśnie prawdziwych” postaci. Hentzi, choć krytyczny wobec wielu wyborów Mendesa i Balla, przyznał, że film pokazał ich „znaczące talenty”.

Turan uważał, że brak ograniczeń Balla podczas pisania filmu był powodem jego wyjątkowości, w szczególności subtelnych zmian tonu scenariusza. McCarthy powiedział, że scenariusz był „tak świeży i charakterystyczny”, jak każdy z współczesnych mu amerykańskich filmów, i pochwalił sposób, w jaki analizował postacie, nie obniżając tempa narracji. Nazwał dialog Balla „cierpkim” i powiedział, że postacie - z wyjątkiem Carolyn - były „głęboko narysowane”. Inną wadą, powiedział McCarthy, było ujawnienie homoseksualizmu pułkownika Fittsa, który, jak powiedział, wywołał „szary freudyzm ”. Jackson powiedział, że film wyszedł poza schematyczną konfigurację, stając się „cudownie pomysłową i ponurą komedią”. Powiedział, że nawet gdy film grał dla śmiechu w sitcomie, robił to z „nieoczekiwanymi niuansami”. Hentzi skrytykował sposób, w jaki film uczynił tajemnicę morderstwa Lestera, uważając to za manipulację i po prostu sposób na wywołanie napięcia. McCarthy pochwalił produkcję i projekt kostiumów oraz powiedział, że ścieżka dźwiękowa jest dobra w tworzeniu „ironicznych kontrapunktów” dla historii. Hentzi doszedł do wniosku, że American Beauty było „żywotne, ale nierówne”; czuł, że najlepszym punktem filmu było zbadanie „sposobów, w jakie nastolatki i dorośli wyobrażają sobie swoje życie” i chociaż dynamika Lestera i Angeli była znajoma, jego romantyczna ironia stała obok „najtrwalszych literackich podejść” do tematu, takich jako Lolita . Niemniej jednak Hentzi uważał, że poruszane w filmie motywy materializmu i konformizmu na amerykańskich przedmieściach były „oklepane”. McCarthy przyznał, że sceneria była znajoma, ale powiedział, że zapewniła filmowi jedynie „punkt wyjścia”, z którego można opowiedzieć „subtelną i przenikliwie osądzoną opowieść”. Maslin zgodził się; powiedziała, że ​​​​chociaż „celuje w cele, które nie są zbyt świeże”, a temat nonkonformizmu nie zaskoczył, film miał swoją własną „żrącą nowość”.

Z mocą wsteczną

Kilka miesięcy po premierze filmu w amerykańskiej prasie pojawiły się doniesienia o ostrym sprzeciwie, a po latach krytyka osłabła w społeczeństwie po 11 września i po oskarżeniach Spacey o napaść na tle seksualnym w 2017 r. W 2005 r. Premiera nazwała American Piękno jako jeden z 20 „najbardziej przereklamowanych filmów wszechczasów”. Mendes zaakceptował nieuchronność krytycznej ponownej oceny, mówiąc w 2008 roku: „Myślałem, że część z tego była całkowicie uzasadniona - w tamtym czasie było to trochę przereklamowane”.

W 2019 roku, z okazji dwudziestej rocznicy premiery filmu, Matthew Jacobs z The Huffington Post napisał , że „reputacja filmu gwałtownie spadła”, dodając: „Wiele klasyków przechodzi kulturową ponowną ocenę [...], ale niewielu ma zamienił się w tak rozpowszechnioną puentę”.

Niemniej jednak inni krytycy nadal bronią artystycznej wartości filmu. W 2014 roku, z okazji piętnastej rocznicy filmu, Ashley Fetters z Entertainment Weekly stwierdził, że American Beauty to „klasyk, jeśli nie arcydzieło”.

W kulturze popularnej

Film został sfałszowany przez animowany sitcom Family Guy , film Todda Solondza Storytelling z 2001 roku , parodię filmu dla nastolatków Not Another Teen Movie oraz film animowany DreamWorks Madagascar z 2005 roku .

Wyróżnienia

American Beauty nie był uważany za bezpośredniego faworyta do zdominowania sezonu amerykańskich nagród. Kilku innych pretendentów otworzyło się pod koniec 1999 roku, a amerykańscy krytycy podzielili się między nimi swoimi honorami, sporządzając ich listy na koniec roku. Chicago Film Critics Association i Broadcast Film Critics Association uznały ten film za najlepszy w 1999 roku, ale podczas gdy New York Film Critics Circle , National Society of Film Critics i Los Angeles Film Critics Association uznały American Beauty , przyznały swoje najwyższe nagrody do innych filmów. Pod koniec roku doniesienia o krytycznej reakcji sugerowały, że American Beauty był słabszy w wyścigu o najlepszy film; jednak podczas rozdania Złotych Globów w styczniu 2000 roku American Beauty zdobył nagrodę dla najlepszego filmu , najlepszego reżysera i najlepszego scenariusza .

Gdy zbliżały się nominacje do 72. ceremonii rozdania Oscarów , faworyt nie wyłonił się. DreamWorks rozpoczął dużą kampanię dla American Beauty na pięć tygodni przed planowanym wysłaniem kart do głosowania do 5600 głosujących na Oscara. Jej kampania łączyła tradycyjną reklamę i promocję z bardziej ukierunkowanymi strategiami. Chociaż bezpośrednie kampanie pocztowe były zabronione, DreamWorks dotarł do wyborców, promując film w „swobodnych, wygodnych warunkach” w społecznościach wyborców. Kandydat studia do nagrody dla najlepszego filmu z poprzedniego roku, Szeregowiec Ryan , przegrał z Zakochanym Szekspirem , więc studio przyjęło nowe podejście, zatrudniając osoby z zewnątrz, aby wniosły wkład w kampanię. Zatrudniła trzech doświadczonych konsultantów, którzy powiedzieli studiu, aby „myślało na małą skalę”. Nancy Willen zachęciła DreamWorks do wyprodukowania specjalnego programu o tworzeniu American Beauty , zorganizowania pokazów filmu w lokalnych księgarniach oraz zorganizowania sesji pytań i odpowiedzi z Mendesem dla Brytyjskiej Akademii Sztuki Filmowej i Telewizyjnej . Dale Olson poradził studio, aby reklamowało się w bezpłatnych publikacjach, które krążyły w Beverly Hills — domu wielu wyborców — oprócz głównych gazet. Olson zorganizował pokaz American Beauty dla około 1000 członków Actors Fund of America, ponieważ wielu uczestniczących aktorów było również wyborcami. Bruce Feldman zabrał pisarza Alana Balla na Międzynarodowy Festiwal Filmowy w Santa Barbara , gdzie Ball uczestniczył w prywatnej kolacji na cześć Anthony'ego Hopkinsa , spotykając się z kilkoma wyborcami, którzy byli obecni.

W lutym 2000 roku American Beauty był nominowany do ośmiu Oscarów; jego najbliżsi rywale, The Cider House Rules i The Insider , otrzymali po siedem nominacji. W marcu 2000 r. wszystkie główne branżowe organizacje pracownicze przyznały najwyższe odznaczenia firmie American Beauty ; poglądy się zmieniły - film był teraz faworytem do zdominowania ceremonii rozdania Oscarów. Najbliższym rywalem American Beauty w kategorii Najlepszy film był nadal The Cider House Rules z Miramax . Oba studia przeprowadziły agresywne kampanie; DreamWorks kupił o 38 procent więcej powierzchni reklamowej w Variety niż Miramax. 26 marca 2000 roku American Beauty zdobył pięć Oscarów: najlepszy film, najlepszy reżyser , najlepszy aktor (Spacey), najlepszy scenariusz oryginalny i najlepsze zdjęcia . Podczas 53. edycji British Academy Film Awards film American Beauty zdobył sześć z 14 nagród, do których był nominowany: dla najlepszego filmu , najlepszego aktora , najlepszej aktorki (Bening), najlepszych zdjęć , najlepszej muzyki filmowej i najlepszego montażu . W 2000 roku Publicists Guild of America uznało DreamWorks za najlepszą filmową kampanię reklamową.

W 2006 roku Writers Guild of America umieściło scenariusz na 38. miejscu na liście 101 największych scenariuszy.

Bibliografia

Adnotacje

przypisy

Bibliografia

Linki zewnętrzne

• American Beauty na IMDb
• American Beauty w AllMovie
• American Beauty na Rotten Tomatoes
• American Beauty w Metacritic
• Artykuł Guardiana o filmie
• Retrospektywa z okazji 20. rocznicy zwycięzcy najlepszego filmu na TIME.com