Kino Wielkiej Brytanii - Cinema of the United Kingdom

Kino Wielkiej Brytanii
UKfilm.svg
Nr od ekranów 4 264 (2017)
 • Na osobę 7,3 na 100 000 (2017)
Główni dystrybutorzy Warner Bros. 18,2%
Największe 16,3%
Studia XX wieku 12,1%
Wyprodukowane filmy fabularne (2017)
Całkowity 285
Powieściowy 213 (74,7%)
Ożywiony 5 (1,8%)
film dokumentalny 66 (23,2%)
Liczba wejść (2017)
Całkowity 170 600 000
 • Na osobę 2,9
Kasa brutto (2017)
Całkowity 1,38 miliarda funtów
Filmy narodowe 515 milionów funtów (37,4%)

Wielka Brytania miała znaczący przemysł filmowy od ponad wieku. Podczas gdy produkcja filmowa osiągnęła najwyższy poziom w 1936 roku, „złoty wiek” brytyjskiego kina zwykle miał miejsce w latach czterdziestych, kiedy to reżyserzy David Lean , Michael Powell (z Emericem Pressburgerem ) i Carol Reed wyprodukowali swoje najbardziej docenione przez krytykę dzieła. Wielu brytyjskich aktorów odniosło sukcesy krytyków i uznanie na całym świecie, na przykład Maggie Smith , Roger Moore , Michael Caine , Sean Connery , Daniel Day-Lewis , Judi Dench , Gary Oldman , Emma Thompson i Kate Winslet . Niektóre z filmów o największych w historii zwrotach kasowych zostały nakręcone w Wielkiej Brytanii, w tym trzecia i szósta najbardziej dochodowa seria filmów ( Harry Potter i James Bond ).

Tożsamość brytyjskiego przemysłu filmowego, zwłaszcza w odniesieniu do Hollywood , była często przedmiotem dyskusji. Na jego historię często miały wpływ próby konkurowania z przemysłem amerykańskim. Kariera producenta Alexandra Kordy była naznaczona tym celem, Rank Organization próbowała to zrobić w latach czterdziestych, a Goldcrest w latach osiemdziesiątych. Wielu urodzonych w Wielkiej Brytanii reżyserów, w tym Alfred Hitchcock , Christopher Nolan i Ridley Scott , oraz performerów, takich jak Charlie Chaplin i Cary Grant , osiągnęło sukces przede wszystkim dzięki pracy w Stanach Zjednoczonych.

W 2009 roku brytyjskie filmy zarobiły na całym świecie około 2 miliardów dolarów i osiągnęły udział w rynku wynoszący około 7% na świecie i 17% w Wielkiej Brytanii. Przychody ze sprzedaży biletów w Wielkiej Brytanii wyniosły w 2012 roku 1,1 miliarda funtów, przy 172,5 milionach biletów.

British Film Institute opracował ankietę rankingu, co uważają za te 100 największych brytyjskich filmów wszechczasów, że BFI 100 najlepszych filmów brytyjskich . Coroczne nagrody BAFTA organizowane przez Brytyjską Akademię Sztuki Filmowej i Telewizyjnej są uważane za brytyjski odpowiednik Nagród Akademii .

Historia

William Friese-Greene
Karol Urban, 1914.
Cecil Hepworth
Sir Oswald Stoll, 1922

Geneza i filmy nieme

Pierwszy ruchomy obraz na świecie został nakręcony w Leeds przez Louisa Le Prince w 1888 roku, a pierwsze ruchome obrazy wywołane na taśmie celuloidowej zostały wykonane w Hyde Parku w Londynie w 1889 roku przez brytyjskiego wynalazcę Williama Friese Greene , który opatentował ten proces w 1890 roku.

Charlie Chaplin , ok. 1930 1918

Pierwszymi osobami, które zbudowały i uruchomiły działający aparat 35 mm w Wielkiej Brytanii, byli Robert W. Paul i Birt Acres . Zrobili pierwszy brytyjski film Incydent w Clovelly Cottage w lutym 1895 roku, na krótko przed wypadnięciem z patentu aparatu. Wkrótce kilka brytyjskich firm filmowych otworzyło się, aby zaspokoić zapotrzebowanie na nowe filmy, takie jak Mitchell i Kenyon w Blackburn .

Chociaż najwcześniejsze filmy brytyjskie przedstawiały wydarzenia z życia codziennego, na początku XX wieku pojawiły się narracyjne filmy krótkometrażowe, głównie komedie i melodramaty. Wczesne filmy miały często melodramatyczny ton i wyraźnie preferowano znane już widzom fabuły, w szczególności adaptacje sztuk Szekspira i powieści Dickensa .

Bracia Lumière po raz pierwszy przywieźli swój program do Londynu w 1896 roku. W 1898 amerykański producent Charles Urban rozszerzył londyńską Warwick Trading Company o produkcję brytyjskich filmów, głównie dokumentalnych i informacyjnych.

W 1898 Gaumont-British Picture Corp. została założona jako filia francuskiej firmy Gaumont Film Company , budując w 1915 Lime Grove Studios w zachodnim Londynie w pierwszym budynku wybudowanym w Wielkiej Brytanii wyłącznie do produkcji filmowej. Również w 1898 roku Cecil Hepworth założył Hepworth Studios w Lambeth w południowym Londynie , Bamforths rozpoczęło produkcję filmów w Yorkshire , a William Haggar rozpoczął produkcję filmów w Walii .

Reżyseria Walter R. Booth , Scrooge, lub, Marley Duch (1901) to najwcześniejsza znana filmowa adaptacja powieści Charlesa Dickensa A Christmas Carol . The Hand of the Artist (1906) Bootha został opisany jako pierwszy brytyjski film animowany.

W 1902 roku Ealing Studios zostało założone przez Willa Barkera , stając się najstarszym nieprzerwanie działającym studiem filmowym na świecie.

W 1902 powstał najwcześniejszy na świecie kolorowy film; podobnie jak inne filmy powstałe w tamtym czasie, dotyczy codziennych wydarzeń. W 2012 roku został znaleziony przez Narodowe Muzeum Nauki i Mediów w Bradford po tym, jak przez 110 lat leżał zapomniany w starej puszce. Poprzedni tytuł najwcześniejszego filmu kolorowego, wykorzystujący gorszy proces Kinemacolor Urbana, datowany był na rok 1909. Odkryte na nowo filmy zostały nakręcone przez pioniera Edwarda Raymonda Turnera z Londynu, który opatentował swój proces 22 marca 1899 roku.

Zrzut ekranu z pierwszej filmowej wersji Alicji w Krainie Czarów (1903)

W 1903 Urban założył firmę Charles Urban Trading Company , która produkowała wczesne kolorowe filmy przy użyciu jego opatentowanego procesu Kinemacolor. Zostało to później zakwestionowane w sądzie przez Greene, co spowodowało, że firma przestała działać w 1915 roku.

W 1903 roku Cecil Hepworth i Percy Stow wyreżyserowali Alicję w Krainie Czarów , pierwszą filmową adaptację książki dla dzieci Lewisa Carrolla Alicja w Krainie Czarów .

W 1903 roku Frank Mottershaw z Sheffield wyprodukował film A Daring Daylight Robbery , który zapoczątkował gatunek pościgowy.

W 1911 roku w Soho w Londynie powstała firma Ideal Film Company , która do 1934 roku dystrybuowała prawie 400 filmów i produkowała 80.

W 1913 reżyser sceniczny Maurice Elvey zaczął reżyserować filmy brytyjskie, stając się najbardziej płodnym reżyserem filmowym w Wielkiej Brytanii, z prawie 200 w 1957.

W 1914 roku założono Elstree Studios, które zostało przejęte w 1928 przez urodzonego w Niemczech Ludwiga Blattnera , który wynalazł system nagrywania na taśmę magnetyczną, który został przyjęty przez BBC w 1930 roku.

W 1920 Gaumont otworzył Islington Studios , gdzie Alfred Hitchcock rozpoczął swoją działalność, sprzedając w 1927 Gainsborough Pictures. Również w 1920 Cricklewood Studios zostało założone przez Sir Oswalda Stolla , stając się największym brytyjskim studiem filmowym, znanym z serii filmów Fu Manchu i Sherlock Holmes .

Leslie Howard

W 1920 roku aktor Leslie Howard (również producent i reżyser) oraz jego przyjaciel i redaktor opowiadający Adrian Brunel założyli w Londynie krótkotrwałą firmę Minerva Films . Niektóre z ich wczesnych filmów to cztery napisane przez AA Milne'a, w tym The Bump , z udziałem C. Aubrey Smith ; dwa razy dwa ; Nagroda w wysokości pięciu funtów ; i moli książkowych .

W połowie lat 20. brytyjski przemysł filmowy przegrywał z silną konkurencją ze Stanów Zjednoczonych, czemu pomagał znacznie większy rynek krajowy – w 1914 r. 25% filmów pokazywanych w Wielkiej Brytanii było brytyjskich, ale w 1926 r. spadł do 5%. Slump z 1924 roku spowodowały wiele brytyjskie studio filmowe, aby zamknąć, w wyniku przejścia ustawy kin Films 1927 w celu zwiększenia produkcji lokalnej, wymagając, że kina pokazują pewien procent filmów brytyjskich. Z technicznego punktu widzenia akt okazał się sukcesem, ponieważ publiczność brytyjskich filmów przekroczyła wymagany limit, ale w efekcie stworzył rynek dla niskiej jakości, tanich filmów, stworzonych w celu zaspokojenia limitu. Historycy często obwiniają o „szybkie kontyngenty”, jak stały się znane, za hamowanie rozwoju przemysłu. Jednak niektórzy brytyjscy filmowcy, tacy jak Michael Powell , nauczyli się rzemiosła robiąc takie filmy. Ustawa została zmodyfikowana przez ustawę o filmach kinowych z 1938 r., która pomogła brytyjskiemu przemysłowi filmowemu, określając, że tylko filmy wyprodukowane i nakręcone w Wielkiej Brytanii zostaną włączone do limitu, co poważnie ograniczyło produkcję filmów kanadyjskich i australijskich.

Jak na ironię, największa gwiazda ery niemego, angielski komik Charlie Chaplin , mieszkał w Hollywood .

Alfreda Hitchcocka

Okres wczesnego dźwięku

Szkocki prawnik John Maxwell założył British International Pictures (BIP) w 1927 roku. Jej pierwotni właściciele, w tym reżyser-producent Herbert Wilcox , z siedzibą w byłym brytyjskim National Studios w Elstree, popadli w kłopoty finansowe. Jeden z wczesnych filmów spółki, Alfred Hitchcock „s Szantaż (1929), jest często uważany za pierwszy film dźwiękowy Brytyjskiego. To była część talkie z zsynchronizowaną partyturą i efektami dźwiękowymi. Wcześniej, w 1929 roku, ukazała się pierwsza wszechogarniająca brytyjska funkcja The Clue of the New Pin . Oparta była na powieści Edgara Wallace'a , z udziałem Donalda Calthropa, Benity Home i Freda Rainesa, nakręconej przez British Lion w ich Beaconsfield Studios . BIP Johna Maxwella stał się Associated British Picture Corporation (ABPC) w 1933 roku. Studio ABPC w Elstree stało się znane jako „fabryka owsianki”, jak mówi Lou Alexander, „z powodów, które są bardziej związane z ilością filmów, które firma okazało się, że ich jakość”. Elstree (ściśle mówiąc, prawie wszystkie studia znajdowały się w sąsiednim Borehamwood ) stało się centrum brytyjskiego przemysłu filmowego, z sześcioma kompleksami filmowymi na przestrzeni lat, które znajdowały się blisko siebie.

Wraz z pojawieniem się filmów dźwiękowych, wielu zagranicznych aktorów było mniej poszukiwanych, a angielska wymowa była powszechnie używana; na przykład głos czeskiej aktorki Anny Ondra w filmie Szantaż został zastąpiony przez Joan Barry spoza kamery w scenach Ondry.

Począwszy od John Grierson „s Drifters (również 1929), okres ten powstanie szkoły realista Filmów Dokumentalnych Ruchu , od 1933 roku związany z GPO Filmowym jednostki . To Grierson ukuł termin „ dokument ”, aby opisać film non-fiction, i wyprodukował najbardziej znane wczesne filmy tego ruchu, Night Mail (1936), napisane i wyreżyserowane przez Basila Wrighta i Harry'ego Watta , zawierające wiersz WH Auden pod koniec filmu krótkometrażowego.

Music halle również okazały się wpływowe w filmach komediowych tego okresu i pojawiło się wiele popularnych osobistości, w tym George Formby , Gracie Fields , Jessie Matthews i Will Hay . Gwiazdy te często kręciły kilka filmów rocznie, a ich produkcje pozostawały ważne dla morale podczas II wojny światowej .

Aleksander Korda

Wiele brytyjskich filmów o większych budżetach w latach 30. zostało wyprodukowanych przez London Films , założoną przez węgierskiego emigranta Alexandra Kordę . Sukces „Życia prywatnego Henryka VIII” (1933), zrealizowany w British and Dominion w Elstree, skłonił United Artists i The Prudential do zainwestowania w otwarte w maju 1936 roku Korda's Denham Film Studios , jednak obaj inwestorzy ponieśli straty. Do przedwojennych filmów Kordy należały Rzeczy przyszłe , Rembrandt (oba 1936) i Rycerz bez zbroi (1937), a także wczesne filmy w technikolorze Bęben (1938) i Cztery pióra (1939). Były one kontynuacją filmu Wings of the Morning (1937), pierwszego w Wielkiej Brytanii trzypasmowego filmu fabularnego w technikolorze, nakręconego przez lokalną filię 20th Century Fox . Chociaż niektóre filmy Kordy pozwalały sobie na „nieustanne powiewanie pro-cesarskiej flagi”, te z Sabu uczyniły z niego „wielką międzynarodową gwiazdę”; „przez wiele lat” miał najwyższy profil ze wszystkich aktorów pochodzenia indyjskiego. Paul Robeson został także obsadzony w głównych rolach, gdy „nie było prawie żadnych okazji” dla Afroamerykanów „odgrywania trudnych ról” w produkcjach ich własnego kraju.

Scott Sunderland , Leslie Howard i Wendy Hiller w Pigmalionie (1938)

Rosnące wydatki i zbyt optymistyczne oczekiwania ekspansji na rynek amerykański spowodowały kryzys finansowy w 1937 r., po rekordowej liczbie 192 filmów, które ukazały się w 1936 r. Z 640 brytyjskich firm produkcyjnych zarejestrowanych w latach 1925-1936, tylko 20 nadal aktywny w 1937 r. Ponadto ustawa o filmach z 1927 r. wymagała odnowienia. Zastępująca ustawa o filmach kinematograficznych z 1938 r. zapewniła zachęty, poprzez „ test jakości ”, dla brytyjskich firm, aby kręciły mniej filmów, ale o wyższej jakości, i eliminowały „szybkie limity”. Pod wpływem polityki światowej zachęcał do amerykańskich inwestycji i importu. Jednym z rezultatów było utworzenie MGM-British , angielskiej filii największego amerykańskiego studia, które wyprodukowało cztery filmy przed wojną, w tym Goodbye, Mr. Chips (1939).

Nowe przedsięwzięcie początkowo miało siedzibę w Denham Studios. Sam Korda stracił kontrolę nad obiektem w 1939 roku na rzecz organizacji Rank , której własne studio Pinewood Studios zostało otwarte pod koniec września 1936 roku. Okoliczności zmusiły Kordy The Thief of Bagdad (1940), spektakularny film fantasy, do ukończenia w Kalifornii, gdzie Korda kontynuował karierę filmową podczas wojny.

Zakontraktowany z Gaumont British , Alfred Hitchcock w połowie lat 30. zdecydował się na gatunek thrillera, wykonując Człowiek, który za dużo wiedział (1934), 39 kroków (1935) i Lady Vanishes (1938). Chwalony w Wielkiej Brytanii, gdzie przez magazyn Picturegoer został nazwany „Alfredem Wielkim” , reputacja Hitchcocka zaczynała się rozwijać za granicą, co zapewniał dziennikarz „The New York Times ”; „Trzy wyjątkowe i cenne instytucje, które Brytyjczycy mają, których my w Ameryce nie mamy. Magna Carta , Tower Bridge i Alfred Hitchcock, największy reżyser filmowych melodramatów na świecie”. Hitchcock został następnie podpisany przez Selznicka siedmioletnim kontraktem i przeniósł się do Hollywood .

Druga wojna światowa

„Idea narodu oddanych kinomanów jest nierozerwalnie związana z liczbą klasycznych filmów wydanych w latach wojny. Był to „złoty wiek” brytyjskiego kina, okres, w którym filmowcy tacy jak Humphrey Jennings, David Lean, Powell i Pressburger i Carol Reed wysunęli się na pierwszy plan”.

Opublikowany w The Times 5 września 1939 roku, dwa dni po wypowiedzeniu wojny Wielkiej Brytanii z Niemcami, list George'a Bernarda Shawa protestował przeciwko rządowemu nakazowi zamknięcia wszystkich miejsc rozrywki, w tym kin. „Co to za agent kanclerza Hitlera , który zasugerował, abyśmy wszyscy skulili się w ciemności i przerażeniu „na czas”?”. W ciągu dwóch tygodni od złożenia zamówienia ponownie otwarto kina na prowincji, aw ciągu miesiąca w centrum Londynu . W 1940 roku liczba biletów do kina wzrosła do nieco ponad 1 miliarda rocznie, a w latach 1943, 1944 i 1945 rosła do ponad 1,5 miliarda.

Humphrey Jennings rozpoczął swoją karierę jako dokumentalista tuż przed wojną, w niektórych przypadkach współpracując ze współreżyserami. London Can Take It (z Harrym Watem , 1940) szczegółowo opisał Blitz, podczas gdy Listen to Britain (ze Stewartem McAllisterem , 1942) spojrzał na front domu. Korona Film Jednostka , część z Ministerstwa Informacji przejął obowiązki GPO Działu Filmowego w 1940 roku Paul Rotha i Alberto Cavalcanti byli koledzy Jennings. W filmach brytyjskich zaczęto wykorzystywać techniki dokumentalne; Cavalcanti dołączył do Ealingu, aby dobrze spędzić dzień? (1942),

Wiele innych filmów przyczyniło się do ukształtowania popularnego wizerunku ogarniętego wojną narodu. Do najbardziej znanych z tych filmów należą W którym służymy (1942), Nurkujemy o świcie (1943), Miliony takie jak my (1943) i Dalsza droga (1944). Lata wojny przyniosły również powstanie partnerstwa The Archers między reżyserem Michaelem Powellem i urodzonym na Węgrzech pisarzem-producentem Emericiem Pressburgerem, z filmami takimi jak Życie i śmierć pułkownika sterowca (1943) i Opowieść kanterberyjska (1944).

Dwa miasta Films , niezależna firma produkcyjna uwalniając swoje filmy przez Rank zależnej, także kilka ważnych filmów, w tym Noel Coward Lean współpracy i David to Szczęśliwa Breed (1944) i Blithe Spirit (1945), a także Laurence Olivier „s Henry V (1944). W tym czasie Gainsborough Studios wydało serię wyśmiewanych przez krytyków, ale niezwykle popularnych melodramatów z epoki, w tym The Man in Grey (1943) i The Wicked Lady (1945). W filmach Gainsborough pojawiły się nowe gwiazdy, takie jak Margaret Lockwood i James Mason .

Kino powojenne

Pod koniec lat 40. XX wieku Rank Organization , założona w 1937 roku przez J. Arthura Ranka , stała się dominującą siłą w brytyjskim kinie filmowym, po przejęciu kilku brytyjskich studiów i sieci Gaumont (w 1941 r.), aby dodać do swojego Odeon Kina . Poważny kryzys finansowy Rank w 1949 r., znaczne straty i długi, spowodowały zmniejszenie produkcji filmowej. W praktyce Rank przez wiele lat utrzymywał branżowy duopol z ABPC (później wchłoniętym przez EMI).

Deborah Kerr jako siostra Clodagh w Czarnym Narcyzie (1947)

W tej chwili branża osiągnęła nowe wyżyny kreatywności w najbliższych latach powojennych. Wśród najbardziej znaczących filmów wyprodukowanych w tym okresie były David Lean 's Brief Encounter (1945) i jego Dickensa adaptacje Wielkie nadzieje (1946) i Oliver Twist (1948) Carol Reed ' thrillerów s Odd Man Out (1947) i The Third Man (1949) oraz Sprawa życia i śmierci Powella i Pressburgera (1946), Czarny Narcyz (1947) i Czerwone buty (1948), najbardziej komercyjny film roku w Stanach Zjednoczonych. Hamlet Laurence'a Oliviera (również 1948) był pierwszym nieamerykańskim filmem, który zdobył Oscara dla najlepszego filmu . Ealing Studios (wspierane finansowo przez Rank) rozpoczęło produkcję swoich najbardziej znanych komedii, a trzy z najlepiej zapamiętanych filmów, Whiskey Galore (1948), Kind Hearts and Coronets oraz Passport to Pimlico (oba 1949), ukazały się niemal jednocześnie. Ich kufer horror środku nocy (1945) jest szczególnie ceniona.

Pod Cła importowe Act 1932 , HM Treasury pobierany 75% taryfy na import wszystkich filmowych w dniu 6 sierpnia 1947, który stał się znany jako Dalton Duty (po Hugh Dalton wówczas kanclerz skarbu ). Podatek wszedł w życie 8 sierpnia i dotyczył wszystkich importowanych filmów, z których zdecydowana większość pochodziła ze Stanów Zjednoczonych; Przychody amerykańskich wytwórni filmowych z Wielkiej Brytanii w 1946 r. przekroczyły 68 mln USD. Następnego dnia, 9 sierpnia, Motion Picture Association of America ogłosiło, że do odwołania nie będą dostarczane kolejne filmy do brytyjskich kin. Dalton Duty zakończył się 3 maja 1948 r., kiedy amerykańskie studia ponownie wyeksportowały filmy do Wielkiej Brytanii, chociaż plan Marshalla zabronił amerykańskim firmom filmowym wyprowadzania walut obcych z krajów, w których grał ich filmy.

Eady Levy , nazwany na cześć Sir Wilfred Eady był podatek od kasowych wpływów w Wielkiej Brytanii w celu wspierania przemysłu brytyjski film. Została założona w 1950 r. i weszła w życie w 1957 r. Bezpośrednia płatność rządowa dla producentów brytyjskich kwalifikowałaby się jako dotacja zgodnie z warunkami Układu Ogólnego w sprawie Taryf Celnych i Handlu i spowodowałaby sprzeciw ze strony amerykańskich producentów filmowych . Pośrednia opłata nie kwalifikowała się jako dotacja, a więc była odpowiednim sposobem na zapewnienie dodatkowego finansowania brytyjskiemu przemysłowi filmowemu przy jednoczesnym uniknięciu krytyki z zagranicy.

Terry-Thomas zagrał z Peterem Sellersem w czterech filmach w latach 1957-1959. Ich ostatni film, I'm All Right Jack , był najbardziej dochodowym filmem w brytyjskiej kasie w 1960 roku

W latach pięćdziesiątych brytyjski przemysł zaczął koncentrować się na popularnych komedii i dramatach II wojny światowej skierowanych bardziej bezpośrednio do krajowej publiczności. Filmy wojenne były często oparte na prawdziwych historiach i kręcone w podobnym, stonowanym stylu, co ich wojenni poprzednicy. Pomogli stworzyć gwiazdy aktorów takich jak John Mills , Jack Hawkins i Kenneth More . Niektóre z najbardziej udanych to The Cruel Sea (1953), The Dam Busters (1954), The Colditz Story (1955) i Reach for the Sky (1956).

Organizacja Rank odniosła kilka sukcesów komediowych, takich jak Genevieve (1953). Zespół scenarzystów/reżyserów/producentów braci bliźniaków Johna i Roya Boultingów wyprodukował również serię udanych satyr na brytyjskie życie i instytucje, zaczynając od Private's Progress (1956) i kontynuując (między innymi) Brothers in Law (1957), Carlton -Browne z FO (1958) i Jestem w porządku Jack (1959). Występując w Szkole dla łotrów (1960), Brytyjski Instytut Filmowy uważał, że Terry-Thomas wyróżnia się jako „klasyczny brytyjski pogranicznik ”.

Popularne seriale komediowe obejmowały serię „Doktor”, zaczynając od Doctor in the House (1954). W serialu pierwotnie wystąpił Dirk Bogarde , prawdopodobnie najpopularniejsza gwiazda brytyjskiego przemysłu lat 50., choć w późniejszych filmach główne role zagrali Michael Craig i Leslie Phillips . Seria Carry On rozpoczęła się w 1958 roku, a kolejne odsłony ukazywały się regularnie przez kolejne dwadzieścia lat. Włoski reżyser i producent Mario Zampi zrealizował także szereg udanych czarnych komedii , m.in. Śmiech w raju (1951), Naga prawda (1957) i Zbyt wielu oszustów (1958). Ealing Studios kontynuowało serię udanych komedii, w tym The Lavender Hill Mob (1951) i The Ladykillers (1955), ale firma zaprzestała produkcji w 1958, po tym, jak studia zostały już wykupione przez BBC .

Christopher Lee w Drakuli (1958)

Mniej restrykcyjna cenzura pod koniec lat 50. zachęciła producenta filmowego Hammer Films do rozpoczęcia serii komercyjnie odnoszących sukcesy horrorów. Poczynając od adaptacji Nigel Kneale „s BBC seriali science fiction The Quatermass Experiment (1955) i Quatermass II (1957), Hammer szybko ukończył na Przekleństwo Frankensteina (1957) i Dracula (1958), oba pozornie bogate i pierwszego gotyckiego horroru folie w kolorze. Studio wyprodukowało liczne sequele i warianty, z anglojęzycznymi aktorami Peterem Cushingiem i Christopherem Lee najczęściej występującymi w roli głównej. Peeping Tom (1960), dziś bardzo ceniony thriller z elementami horroru, osadzony we współczesności, został źle przyjęty przez ówczesną krytykę i skutecznie zakończył karierę reżysera Michaela Powella.

Realizm społeczny

Karel Reisz (w środku) działający w Wolnym Kinie i „Brytyjskiej Nowej Fali”

W brytyjski New Wave filmowcy próbowali produkować socrealistyczna filmów (patrz także „ kitchen-sink drama ”) próby w komercyjnych filmach wydanych między około 1959 i 1963, aby przekazać narracje o szerszym spektrum ludzi w Wielkiej Brytanii niż wcześniejsze filmy tego kraju zrobiła . Osoby te, głównie Karel Reisz , Lindsay Anderson i Tony Richardson , brały również udział w krótkotrwałym oksfordzkim czasopiśmie filmowym Sequence oraz w ruchu dokumentalnym „ Free Cinema ”. Oświadczenie Wolnego Kina z 1956 roku, nazwa wymyślona przez Andersona, zapewniało: „Żaden film nie może być zbyt osobisty. Obraz przemawia. Brzmi wzmacnia i komentuje. Rozmiar nie ma znaczenia. Doskonałość nie jest celem. Postawa oznacza styl. styl oznacza postawę”. W szczególności Anderson był lekceważący przemysł filmowy. Wśród ich filmów dokumentalnych znalazły się filmy Andersona Every Day Except Christmas , wśród kilku sponsorowanych przez Ford of Britain oraz Momma Don't Allow Richardsona . Inny członek tej grupy, John Schlesinger , kręcił filmy dokumentalne dla serii artystycznej BBC Monitor .

Wraz z przyszłym koproducentem Jamesa Bonda Harrym Saltzmanem , dramaturg John Osborne i Tony Richardson założyli firmę Woodfall Films, aby produkować ich wczesne filmy fabularne. Wśród nich znalazły się adaptacje inscenizacji Richardsona Spójrz wstecz w gniewie Osborne'a (1959) z Richardem Burtonem oraz The Entertainer (1960) z Laurence Olivierem , oba według scenariuszy Osborne'a. Takie filmy jak Sobotnia noc i niedzielny poranek Reisza (również 1960), Smak miodu Richardsona (1961), Rodzaj miłości Schlesingera (1962) i Billy Kłamca (1963) oraz To sportowe życie Andersona (1963) są często kojarzone z filmami. nowa otwartość na życie klasy robotniczej lub kwestie, które wcześniej były tematami tabu.

Zespół Basila Deardena i Michaela Relpha , z wcześniejszego pokolenia, „badał kwestie społeczne, które obecnie stoją w obliczu stabilności społecznej i ustanowienia obiecanego konsensusu w czasie pokoju”. Pula Londynu (1950). i Sapphire (1959) były wczesnymi próbami stworzenia narracji o napięciach rasowych i wyłaniającej się wielokulturowej Wielkiej Brytanii. Ofiara Deardena i Relpha (1961) dotyczyła szantażu homoseksualistów. Pod wpływem raportu Wolfendena sprzed czterech lat, w którym opowiadano się za dekryminalizacją homoseksualnej aktywności seksualnej, był to „pierwszy brytyjski film, który wprost zajmował się homoseksualizmem”. Jednak w przeciwieństwie do twórców filmowych Nowej Fali, krytyczne reakcje na prace Deardena i Relpha nie były generalnie pozytywne.

Lata 60. XX wieku

Peter O'Toole w Lawrence z Arabii (1962)

W latach 60. amerykańskie studia powróciły do ​​finansowego wspierania filmów brytyjskich, zwłaszcza tych, które wykorzystywały wizerunek „ swingującego Londynu ” propagowany przez magazyn Time w 1966 roku. Filmy takie jak Darling , The Knack… i How to Get It (oba 1965) , Alfie i Georgy Girl (obaj 1966), wszyscy badali to zjawisko. Blowup (również 1966), a później Women in Love (1969), po raz pierwszy pokazały na ekranie w głównych filmach brytyjskich kobiecą, a następnie męską, pełną frontalną nagość.

W tym samym czasie producenci filmowi Harry Saltzman i Albert R. Broccoli połączyli seks z egzotycznymi lokacjami, swobodną przemocą i autoreferencyjnym humorem w fenomenalnie udanym serialu o Jamesie Bondzie z Seanem Connerym w roli głównej. Pierwszy film Dr. No (1962) był hitem w Wielkiej Brytanii, a drugi, From Russia with Love (1963), hitem na całym świecie. Do czasu trzeciego filmu, Goldfinger (1964), serial stał się światowym fenomenem, osiągając swój komercyjny szczyt wraz z Thunderballem w następnym roku. Sukces serialu doprowadził do boomu filmów szpiegowskich z wieloma imitacjami Bonda. Koproducent Bonda, Saltzman, zainicjował także konkurencyjną serię bardziej realistycznych filmów szpiegowskich opartych na powieściach Lena Deightona . Michael Caine zagrał rolę szpiega w okularach Harry'ego Palmera w The Ipcress File (1965) i dwóch sequelach w ciągu najbliższych kilku lat. Inne, bardziej przygnębiające filmy szpiegowskie zostały zaadaptowane z powieści Johna le Carré , takie jak Szpieg, który przyszedł z zimna (1965) i Zabójcza sprawa (1966).

Pokój wojenny w Dr. Strangelove (1963) zaprojektował Ken Adam

Przez dekadę amerykańscy reżyserzy regularnie pracowali w Londynie, ale kilku z nich zostało stałymi rezydentami w Wielkiej Brytanii. Wpisany na czarną listę w Ameryce Joseph Losey wywarł znaczący wpływ na brytyjskie kino lat 60., szczególnie dzięki współpracy z dramatopisarzem Haroldem Pinterem i czołowym bohaterem Dirkiem Bogarde , w tym Sługą (1963) i Wypadkiem (1967). W Wielkiej Brytanii działali również dobrowolni wygnańcy Richard Lester i Stanley Kubrick . Lester miał wielkie przeboje w filmie The Beatles A Hard Day's Night (1964) i The Knack ...and How to Get It (1965), a także Dr. Strangelove Kubricka (1963) i 2001: Odyseja kosmiczna (1968). Podczas gdy Kubrick osiadł w Hertfordshire na początku lat 60. i pozostał w Anglii do końca swojej kariery, te dwa filmy zachowały silny wpływ amerykański. W innych filmach tego okresu zaangażowani byli wybitni twórcy z innych części Europy, Odpychanie (1965) i Powiększenie (1966) były pierwszymi anglojęzycznymi filmami polskiego reżysera Romana Polańskiego i Włocha Michelangelo Antonioniego .

Filmy historyczne tak różne jak Lawrence z Arabii (1962), Tom Jones (1963) i Człowiek na wszystkie pory roku (1966) skorzystały z inwestycji amerykańskich wytwórni. Duże filmy, takie jak Becket (1964), Chartum (1966) i Szarża lekkiej brygady (1968), były regularnie montowane, podczas gdy filmy na mniejszą skalę, w tym Wypadek (1967), odniosły duży sukces krytyczny. Czterech zdobywców Oscara w tej dekadzie za najlepszy film to produkcje brytyjskie, w tym sześć Oscarów za filmowy musical Oliver! (1968), na podstawie powieści Charlesa Dickensa Oliver Twist .

Po nakręceniu kilku wkładów do serii antologii BBC Wednesday Play , Ken Loach rozpoczął karierę w filmie fabularnym z socjorealistą Poor Cow (1967) i Kesem (1969). Tymczasem kontrowersje wokół gry wojennej Petera Watkinsa (1965), która zdobyła Oscara dla najlepszego filmu dokumentalnego w 1967 roku, ale została stłumiona przez BBC, która ją zleciła, ostatecznie doprowadziła Watkinsa do pracy wyłącznie poza Wielką Brytanią.

1970 do 1980

Glenda Jackson w 1971 roku.

Amerykańskie studia ograniczyły brytyjskie produkcje, a w wielu przypadkach całkowicie zrezygnowały z ich finansowania. Filmy finansowane przez amerykańskie interesy były jeszcze wykonane, w tym Billy Wilder „s Prywatne życie Sherlocka Holmesa (1970), ale przez pewien czas stał fundusze trudne do zdobycia.

Bardziej zrelaksowany cenzura przyniósł także kilka kontrowersyjnych filmów, w tym Nicolas Roeg i Donald Cammell 's wydajności , Ken Russell ' s The Devils (1971), Sam Peckinpah 's Straw Dogs (1971), a Stanley Kubrick ' s Mechaniczna pomarańcza (1971) z udziałem Malcolma McDowella jako przywódcy gangu bandytów w dystopijnej przyszłości Wielkiej Brytanii.

Inne filmy w ciągu roku 1970 obejmowały Edwardian dramat The Go-Between (1971), który zdobył Złotą Palmę na festiwalu w Cannes , Wenecja-set Nicolas Roeg za thriller Do not Look Now (1973) i Mike Hodges ' dramat gangsterski Get Carter (1971) z udziałem Michaela Caine'a . Alfred Hitchcock powrócił do Wielkiej Brytanii, aby strzelać Frenzy (1972), Inne produkcje takie jak Richard Attenborough „s Młody Winston (1972) i jeden most za daleko (1977) spotkała się z mieszanym sukcesu komercyjnego. Brytyjski cykl horrorów związany z Hammer Film Productions, Amicusem i Tigonem dobiegł końca, pomimo prób Hammera, by urozmaicić formułę nagością i krwią. Chociaż podjęto pewne próby poszerzenia gamy brytyjskich horrorów, takich jak The Wicker Man (1973), filmy te wywarły niewielki wpływ na kasę. W 1976 roku British Lion, który wyprodukował The Wicker Man , został w końcu wchłonięty przez dział filmowy EMI , który przejął ABPC w 1969 roku. Duopol w brytyjskiej wystawie kinowej, za pośrednictwem Rank, a teraz EMI, trwał nadal.

Peter Ustinov (na zdjęciu w 1986) zagrał Herkulesa Poirot w Śmierci na Nilu (1978)

Niektórzy brytyjscy producenci, w tym Hammer, szukali inspiracji w telewizji, a wielkoekranowe wersje popularnych seriali komediowych, takich jak On the Buses (1971) i Steptoe and Son (1972), odniosły sukces w krajowej widowni. rok niż film o Bondzie, Diamonds Are Forever, aw 1973 roku znany brytyjski aktor Roger Moore został obsadzony w roli Bonda, Żyj i pozwól umrzeć , był to sukces komercyjny i Moore miał kontynuować tę rolę przez następne 12 lat. Niskobudżetowe brytyjskie komedie erotyczne obejmowały serię Wyznania ... z udziałem Robina Askwitha , zaczynając od Wyznania sprzątacza okien (1974). Bardziej wzniosłe filmy komediowe pochodziły od zespołu Monty Pythona , także z telewizji. Ich dwa najbardziej udane filmy to Monty Python i Święty Graal (1975) oraz Życie Briana według Monty Pythona (1979), ten ostatni odniósł wielki komercyjny sukces, prawdopodobnie przynajmniej częściowo ze względu na kontrowersje wokół jego tematu.

Niektóre amerykańskie produkcje powróciły do ​​głównych brytyjskich studiów w latach 1977-79, w tym oryginalne Gwiezdne Wojny (1977) w Elstree Studios , Superman (1978) w Pinewood i Alien (1979) w Shepperton . Udane adaptacje zostały zrealizowane w dekadzie powieści Agathy Christie Morderstwo w Orient Expressie (1974) i Śmierć na Nilu (1978). Wejście firmy ITC Lew Grade do produkcji filmowej w drugiej połowie dekady przyniosło tylko kilka sukcesów kasowych i niezrównoważoną liczbę porażek

1980 do 1990

Richard Attenborough w 1983 roku.

W 1980 r. powstało tylko 31 brytyjskich filmów, co oznacza spadek o 50% w stosunku do roku poprzedniego i najmniej od 1914 r., a produkcja ponownie spadła w 1981 r. do 24 filmów. Branża poniosła kolejne ciosy ze względu na spadającą frekwencję w kinach, która osiągnęła rekordowo niski poziom 54 milionów w 1984 r., oraz zniesienie w tym samym roku ulgi podatkowej Eady Levy z 1957 r . Koncesja umożliwiła zagranicznej firmie filmowej odpisanie dużej części kosztów produkcji poprzez kręcenie w Wielkiej Brytanii – to właśnie przyciągnęło w latach 70. do brytyjskich wytwórni kolejne wysokobudżetowe produkcje amerykańskie. Czynniki te doprowadziły do ​​znaczących zmian w branży, a rentowność brytyjskich filmów „coraz bardziej uzależniona jest od rynków wtórnych, takich jak wideo i telewizja, a Channel 4  … [stał się] kluczową częścią równania finansowania”.

Po zniesieniu opłaty, multipleksy zostały wprowadzone do Wielkiej Brytanii, a AMC Cinemas otworzyło w 1985 roku 10-salowe kino w The Point w Milton Keynes, a liczba ekranów w Wielkiej Brytanii wzrosła o około 500 w ciągu dekady co doprowadziło do wzrostu frekwencji o prawie 100 milionów do końca dekady.

Lata 80. szybko przyniosły nowy optymizm, prowadzony przez mniejsze niezależne firmy produkcyjne, takie jak Goldcrest , HandMade Films i Merchant Ivory Productions .

Terry Gilliam w 1985 roku

Firma Handmade Films, która była częściowo własnością George'a Harrisona , została pierwotnie utworzona, aby przejąć produkcję „Życia Briana” Monty Pythona , po wycofaniu się Bernarda Delfonta z EMI (brata Lew Grade). Firma Handmade kupiła również i wydała dramat gangsterski Długi Wielki Piątek (1980), wyprodukowany przez spółkę zależną Lew Grade, po tym, jak pierwotni zwolennicy stali się ostrożni. Członkowie zespołu Pythona brali udział w innych komediach w ciągu dekady, w tym w filmach fantasy Terry'ego Gilliama Bandyci czasu (1981) i Brazylia (1985), czarnej komedii Withnail & I (1987) oraz przeboju Johna Cleese'a Ryba Nazywany Wanda (1988), podczas gdy Michael Palin zagrał w A Private Function (1984), z pierwszego scenariusza Alana Bennetta na ekran kinowy.

Producent Goldcrest David Puttnam został opisany jako „najbliższa potentatowi, jaką miało brytyjskie kino w ostatniej ćwierci XX wieku”. Za Puttnama pojawiło się pokolenie brytyjskich reżyserów, którzy tworzyli popularne filmy o międzynarodowej dystrybucji. Niektórzy z talentów wspieranych przez Puttnama — Hugh Hudson , Ridley Scott , Alan Parker i Adrian Lyne — kręcili reklamy; Sam Puttnam rozpoczął swoją karierę w branży reklamowej. Kiedy Chariots of Fire (1981) Hudsona zdobył 4 Oscary w 1982 roku, w tym najlepszy film, jego pisarz Colin Welland oświadczył: „Brytyjczycy nadchodzą!”. Kiedy Gandhi (1982), kolejny film Goldcrest, zdobył Oscara za najlepszy film, wyglądało na to, że miał rację.

Zapoczątkowało to cykl filmów z epoki – niektóre z dużym budżetem jak na film brytyjski, jak na przykład ostatni film Davida Leana A Passage to India (1984), obok niskobudżetowych adaptacji dzieł EM Forstera z Merchant Ivory , m.in. jako Pokój z widokiem (1986). Jednak kolejne próby realizacji „dużych” produkcji na rynek amerykański zakończyły się fiaskiem, a Goldcrest utracił niezależność po rewolucji (1985) i Absolute Beginners (1986) okazały się komercyjnymi i krytycznymi klapami. Innym Goldcrest filmowy, Roland Joffé „s The Mission (również 1986), zdobył w 1986 roku Złotą Palmę , ale nie poszedł do zysku albo. Wcześniejsze Pola śmierci Joffé (1984) odniosły sukces zarówno krytyczny, jak i finansowy. Były to dwa pierwsze filmy pełnometrażowe Joffégo i były jednymi z tych wyprodukowanych przez Puttnama.

Głównie poza sektorem komercyjnym, w latach 70. zaczęli pojawiać się filmowcy z nowych krajów Wspólnoty Narodów. Horace Ove „s Pressure (1975) został sfinansowany przez British Film Institute jak było przedsiębiorstwo prywatne (1974), przy czym te pierwsze czarne brytyjskie i azjatyckie brytyjskie filmy, odpowiednio. 1980 więc widział fali talentem z folii, takich jak Franco Rosso jest Babilonu (1980), Menelik Shabazz jest Spalanie iluzja (1981) i po-Chih Leong jest Ping Pong (1986, jeden z pierwszych części o społeczności chińskiej w Wielkiej Brytanii). Wiele z tych filmów było wspomaganych przez nowo utworzony Channel 4 , który miał oficjalną misję dostarczania „widzom mniejszościowym”. Sukces komercyjny został po raz pierwszy osiągnięty dzięki My Beautiful Laundrette (1985). Zajmując się kwestiami rasowymi i gejowskimi, został opracowany na podstawie pierwszego scenariusza filmowego Hanifa Kureishiego . Moja piękna pralnia wyposażony Daniel Day-Lewis w roli głównej. Day-Lewis i inni młodzi brytyjscy aktorzy, którzy stawali się gwiazdami, tacy jak Gary Oldman , Colin Firth , Tim Roth i Rupert Everett , zostali nazwani Brit Pack .

Dzięki zaangażowaniu Channel 4 w produkcję filmową, talenty z telewizji przeniosły się do filmów fabularnych ze Stephenem Frearsem ( Moja piękna pralnia ) i Mike'iem Newellem z Tańcem z nieznajomym (1985). John Boorman , który pracował w USA, został zachęcony do powrotu do Wielkiej Brytanii, aby nakręcić Hope and Glory (1987). Channel Four został również głównym sponsorem Rady Produkcyjnej Brytyjskiego Instytutu Filmowego, która wspierała trzech najbardziej cenionych przez krytyków brytyjskich filmowców: Dereka Jarmana ( The Last of England , 1987), Terence'a Daviesa ( Distant Voices, Still Lives , 1988) i Petera. Greenaway ; ten ostatni odniósł zaskakujący sukces komercyjny dzięki Kontraktowi rysownika (1982) i Kucharzowi, złodziejowi, jego żonie i kochankowi (1989). Stephen Woolley 'spółka s Pałac Pictures wyprodukowała także kilka udanych filmów, w tym Neil Jordan ' s The Company of Wolves (1984) i Mona Lisa (1986), przed zawaleniem pośród szeregu nieudanych filmach. Wśród innych brytyjskich filmów dekady były Bill Forsyth 's Gregory Dziewczyna (1981) i Local Hero (1983), Lewis Gilbert 's Edukacja Rity (1983), Peter Yates ' Garderobiany (1983) i Kenneth Branagh jest reżyserskim debiutem , Henryk V (1989).

1990 do 2000

Hugh Grant na Festiwalu Filmowym w Cannes w 1997 roku

W porównaniu z latami 80. inwestycje w produkcję filmową wzrosły dramatycznie. W 1989 roku roczna inwestycja wyniosła skromne 104 miliony funtów. Do 1996 roku liczba ta wzrosła do 741 milionów funtów. Niemniej jednak zależność od finansowania od nadawców telewizyjnych, takich jak BBC i Channel 4, oznaczała, że ​​budżety były często niskie, a rodzima produkcja bardzo rozdrobniona: przemysł filmowy polegał głównie na inwestycjach wewnętrznych Hollywood. Według krytyka Neila Watsona, miano nadzieję, że 90 milionów funtów rozdzielonych przez nową National Lottery na trzy franczyzy (The Film Consortium, Pathé Pictures i DNA) wypełni lukę, ale „finanse korporacyjne i kapitałowe dla brytyjskiej produkcji filmowej branża nadal jest cienka, a większość firm produkcyjnych działających w tym sektorze pozostaje beznadziejnie niedokapitalizowana”.

Problemy te zostały w większości zrekompensowane przez studio filmowe PolyGram Filmed Entertainment , którego brytyjska spółka zależna Working Title Films wydała komedię napisaną przez Richarda Curtisa Cztery wesela i pogrzeb (1994). Zarobił 244 miliony dolarów na całym świecie i wprowadził Hugh Granta na światową sławę, doprowadził do ponownego zainteresowania i inwestycji w brytyjskie filmy oraz ustanowił wzór dla komedii romantycznych nakręconych w Wielkiej Brytanii, w tym Sliding Doors (1998) i Notting Hill (1999). Inne filmy „Working Titles” to Bean (1997), Elizabeth (1998) i Mandolina kapitana Corelli (2001). PFE zostało ostatecznie sprzedane i połączone z Universal Pictures w 1999 roku, nadzieje i oczekiwania dotyczące „zbudowania brytyjskiej firmy, która mogłaby konkurować z Hollywood na swoim rodzimym rynku, [upadły]”.

Zachęty podatkowe pozwoliły amerykańskim producentom na coraz większe inwestycje w produkcję filmową w Wielkiej Brytanii w latach 90., w tym filmy takie jak Wywiad z wampirem (1994), Mission: Impossible (1996), Szeregowiec Ryan (1998), Gwiezdne wojny: Epizod I – Mroczne widmo (1999) i Mumia (1999). Miramax dystrybuował również uznany thriller Neila Jordana The Crying Game (1992), który był generalnie ignorowany w pierwszym wydaniu w Wielkiej Brytanii, ale odniósł spory sukces w Stanach Zjednoczonych. Ta sama firma odniosła również pewien sukces, wydając dramat BBC Enchanted April (1992) i The Wings of the Dove (1997).

Wśród najbardziej udanych filmów brytyjskich były w Merchant Ivory produkcje Howards End (1992) i The Remains of the Day (1993) Richard Attenborough 's Cienista dolina (1993) i Kenneth Branagh ' Szekspira adaptacje s. Szaleństwo króla Jerzego (1994) udowodniło, że wciąż istnieje rynek na brytyjskie dramaty kostiumowe , a następnie inne filmy z epoki, w tym Rozważna i romantyczna (1995), Przywrócenie (1995), Emma (1996), Pani Brown (1997), Basil (1998), Zakochany Szekspir (1998) i Topsy-Turvy (1999).

Po sześcioletniej przerwie z powodów prawnych, filmy o Jamesie Bondzie powróciły do ​​produkcji wraz z 17. filmem o Bondzie, GoldenEye . Z ich tradycyjnym domem Pinewood Studios w pełni zarezerwowanym, nowe studio powstało na potrzeby filmu w dawnej fabryce silników lotniczych Rolls-Royce w Leavesden w Hertfordshire .

Mike Leigh stał się znaczącą postacią w brytyjskim kinie w latach 90., z serią filmów finansowanych przez Channel 4 o życiu robotników i klasy średniej we współczesnej Anglii, w tym Life Is Sweet (1991), Naked (1993) i jego największym hitem Secrets & Lies (1996), który zdobył Złotą Palmę w Cannes.

Inne nowe talenty, które pojawiły się w ciągu dekady, to zespół scenarzystów, reżyserów i producentów Johna Hodge'a , Danny'ego Boyle'a i Andrew Macdonalda, odpowiedzialnych za Shallow Grave (1994) i Trainspotting (1996). Ten ostatni film wzbudził zainteresowanie innymi "regionalnymi" produkcjami, w tym szkockimi filmami Małe twarze (1996), Ratcatcher (1999) i Nazywam się Joe (1998).

2000 do 2010

David Heyman , który wyprodukował wszystkie osiem raty Harry Potter serii filmowej

Pierwsza dekada XXI wieku była stosunkowo udana dla brytyjskiego przemysłu filmowego. Wiele brytyjskich filmów znalazło szeroką międzynarodową publiczność dzięki finansowaniu z BBC Films, Film 4 i UK Film Council, a niektóre niezależne firmy producenckie, takie jak Working Title, zabezpieczyły finansowanie i umowy dystrybucyjne z największymi amerykańskimi studiami filmowymi. Working Title odniosła trzy wielkie międzynarodowe sukcesy, wszystkie z Hugh Grantem i Colinem Firthem w rolach głównych, dzięki komedii romantycznej Dziennik Bridget Jones (2001), która zarobiła 254 miliony dolarów na całym świecie; sequel Bridget Jones: The Edge of Reason , który zarobił 228 milionów dolarów; oraz reżyserski debiut Richarda Curtisa „ Love Actually” (2003), który zarobił 239 milionów dolarów. Najbardziej udany wszystkim Phyllida Lloyd „s Mamma Mia! (2008), zarobił 601 milionów dolarów.

W nowej dekadzie pojawiły się nowe ważne serie filmów o Harrym Potterze, poczynając od Harry'ego Pottera i Kamienia Filozoficznego w 2001 roku. Firma Davida Heymana Heyday Films wyprodukowała siedem sequeli, z których ostatni tytuł został wydany w dwóch częściach – Harry Potter i Insygnia Śmierci – część 1 w 2010 roku i Harry Potter i Insygnia Śmierci – część 2 w 2011 roku. Wszystkie zostały nakręcone w Leavesden Studios w Anglii.

Nick Park z Aardman Animations , twórca serii Wallace i Gromit oraz Creature Comforts, wyprodukował swój pierwszy pełnometrażowy film, Chicken Run w 2000 roku. odnoszące sukcesy brytyjskie filmy roku. Kontynuacja Parka, Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit, była kolejnym światowym hitem: zarobiła 56 milionów dolarów w kasie w USA i 32 miliony funtów w Wielkiej Brytanii. W 2005 roku zdobył również Oscara dla najlepszego filmu animowanego.

Keira Knightley na 68. Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Wenecji

Jednak brytyjscy reżyserzy i filmy zwykle zdobywali nagrody na najważniejszych międzynarodowych festiwalach filmowych dzięki filmom finansowanym ze środków krajowych. W 2003 roku Michael Winterbottom zdobył Złotego Niedźwiedzia na Festiwalu Filmowym w Berlinie za film In This World . W 2004 roku Mike Leigh wyreżyserował Verę Drake , relację gospodyni domowej, która prowadzi podwójne życie jako aborcjonistka w Londynie w latach 50. XX wieku. Film zdobył Złotego Lwa na Festiwalu Filmowym w Wenecji. W 2006 roku Stephen Frears wyreżyserował Królową opartą na wydarzeniach związanych ze śmiercią księżnej Diany, która zdobyła nagrodę dla najlepszej aktorki na Festiwalu Filmowym w Wenecji i Oscara oraz nagrodę BAFTA dla najlepszego filmu. W 2006 roku Ken Loach zdobył Złotą Palmę na Festiwalu Filmowym w Cannes za relację z walki o niepodległość Irlandii w filmie „Wiatr, który trzęsie jęczmieniem” . Adaptacja powieści Iana McEwana Pokuta autorstwa Joe Wrighta została nominowana do 7 Oscarów, w tym dla najlepszego filmu, oraz zdobyła Złoty Glob i BAFTA dla najlepszego filmu. Slumdog Millionaire został nakręcony w całości w Bombaju z głównie indyjską obsadą, ale z brytyjskim reżyserem ( Danny Boyle ), producentem ( Christian Colson ), scenarzystą ( Simon Beaufoy ) i gwiazdą (Dev Patel) – film był w całości brytyjski finansowany przez Film4. i Celador. Zdobył uznanie krytyków na całym świecie. Zdobył cztery Złote Globy, siedem nagród BAFTA i osiem Oscarów, w tym dla najlepszego reżysera i najlepszego filmu. The King's Speech , opowiadający o próbach króla Jerzego VI przezwyciężenia jego wady wymowy, wyreżyserował Tom Hooper i prawie w całości został nakręcony w Londynie. W 2011 roku otrzymał cztery Oscary (w tym dla najlepszego filmu, najlepszego reżysera, najlepszego aktora i najlepszego scenariusza).

Na początku XXI wieku azjatyckie kino brytyjskie zaistniało w kasie, zaczynając od East Is East (1999) i kontynuując w Bend It Like Beckham (2002). Inne godne uwagi brytyjskie filmy azjatyckie z tego okresu to My Son the Fanatic (1997), Ae Fond Kiss... (2004) , Noc psot (2006) , Yasmin (2004) i Cztery lwy (2010). Niektórzy twierdzą, że przyniosło to bardziej elastyczne podejście do obsadzenia czarnych i azjatyckich brytyjskich aktorów, a Robbie Gee i Naomie Harris grają główne role odpowiednio w Underworld i 28 Days Later . W 2005 r. pojawił się The British Urban Film Festival , w odpowiednim czasie dodatek do kalendarza festiwali filmowych, który dostrzegł wpływ Kidulthood na brytyjską publiczność i w konsekwencji zaczął prezentować rosnący profil filmów z gatunku, który wcześniej nie był regularnie obserwowany w stołeczne kina. Następnie w 2005 roku Kidulthood , film skupiający się na młodzieży ze śródmieścia Londynu, miał ograniczoną premierę. Zostało to z powodzeniem poprzedzone sequelem Dorosłość (2008), który został napisany i wyreżyserowany przez aktora Noela Clarke'a . Kilka innych filmów traktujących o problemach śródmieścia i Czarnych Brytyjczyków zostało wydanych w 2000 roku, takich jak Bullet Boy (2004), Life and Lyrics (2006) i Rollin' with the Nines (2009).

Podobnie jak w latach 60., w tej dekadzie pojawiło się wiele brytyjskich filmów wyreżyserowanych przez importowane talenty. Amerykanin Woody Allen nakręcił w Londynie Match Point (2005) i trzy późniejsze filmy. Meksykański reżyser Alfonso Cuarón kierował filmami Harry Potter i więzień Azkabanu (2004) i Dzieci ludzi (2006); Nowozelandzka reżyserka Jane Campion nakręciła film Bright Star (2009), którego akcja rozgrywa się w XIX-wiecznym Londynie; Duński reżyser Nicolas Winding Refn nakręcił Bronson (2008), biografię o angielskim zbrodniarzu Michaelu Gordonie Petersonie ; hiszpański reżyser Juan Carlos Fresnadillo wyreżyserował 28 tygodni później (2007), kontynuację brytyjskiego horroru; a także dwie adaptacje Johna le Carré wyreżyserowane przez obcokrajowców – The Constant Gardener brazylijskiego Fernando Meirellesa i Tinker Tailor Soldier Spy Szweda Tomasa Alfredsona . W tej dekadzie angielski aktor Daniel Craig został nowym Jamesem Bondem w Casino Royale , 21. pozycji w oficjalnej serii Eon Productions.

Pomimo rosnącej konkurencji ze strony studiów filmowych w Australii i Europie Wschodniej, brytyjskie studia, takie jak Pinewood , Shepperton i Leavesden, odniosły sukces w prowadzeniu głównych produkcji, takich jak Finding Neverland , Closer , Batman Begins , Charlie i fabryka czekolady , United 93 , The Phantom of the Opera , Sweeney Todd , Fantastyczny Pan Lis , Robin Hood , X-Men: Pierwsza klasa , Hugo i Koń bojowy .

W listopadzie 2010 roku Warner Bros. sfinalizował przejęcie Leavesden Film Studios , stając się pierwszym od lat 40. hollywoodzkim studiem ze stałą bazą w Wielkiej Brytanii i ogłosił plany zainwestowania w stronę 100 milionów funtów.

Badanie przeprowadzone przez British Film Institute opublikowane w grudniu 2013 r. wykazało, że z 613 śledzonych brytyjskich filmów wydanych w latach 2003-2010 tylko 7% przyniosło zysk. Filmy o niskim budżecie, których produkcja kosztowała mniej niż 500 000 funtów, miały jeszcze mniejsze szanse na uzyskanie zwrotu z nakładów. Spośród tych filmów tylko 3,1% poszło na czarno. W górnej części budżetów brytyjskiego przemysłu, mniej niż jedna piąta filmów kosztujących 10 milionów funtów poszła na zysk.

2010 do chwili obecnej

Idris Elba w 2007 roku. Jest jednym z 20 najlepiej zarabiających aktorów w Ameryce Północnej od 2019 roku.

26 lipca 2010 r. ogłoszono, że UK Film Council, który był głównym organem odpowiedzialnym za rozwój promocji kina brytyjskiego w latach 2000, zostanie zlikwidowany, a wiele funkcji zlikwidowanego organu przejmie Brytyjski Instytut Filmowy . Aktorzy i profesjonaliści, w tym James McAvoy , Emily Blunt , Pete Postlethwaite , Damian Lewis , Timothy Spall , Daniel Barber i Ian Holm , prowadzili kampanię przeciwko zniesieniu Rady. Posunięcie to skłoniło także amerykańskiego aktora i reżysera Clinta Eastwooda (który kręcił film Hereafter w Londynie) do napisania listu do brytyjskiego kanclerza skarbu George'a Osborne'a w sierpniu 2010 roku, aby zaprotestować przeciwko decyzji o zamknięciu Rady. Eastwood ostrzegł Osborne, że zamknięcie może spowodować, że mniej zagranicznych firm produkcyjnych zdecyduje się pracować w Wielkiej Brytanii. Rozpoczęła się oddolna kampania internetowa i petycja sporządzona przez zwolenników Rady.

Przeciwstawiając się temu, kilku profesjonalistów, w tym Michael Winner i Julian Fellowes , poparło decyzję rządu. Szereg innych organizacji odpowiedziało pozytywnie.

Na zamknięciu brytyjskiej Rady Filmowej 31 marca 2011 r. The Guardian poinformował, że „cały roczny budżet UKFC wyniósł 3 miliony funtów, podczas gdy koszt zamknięcia i restrukturyzacji był prawie czterokrotnie większy”. Szacuje się, że jeden z ostatnich filmów UKFC, The King's Speech , kosztował 15 milionów dolarów i zarobił 235 milionów dolarów, oprócz zdobycia kilku Oscarów . UKFC zainwestowało 1,6 mln USD w 34% udział w zyskach netto, cenny udział, który przejdzie do Brytyjskiego Instytutu Filmowego.

Christopher Nolan wyreżyserował kilka najbardziej krytycznych i komercyjnych filmów początku XXI wieku.

W kwietniu 2011 roku The Peel Group nabyła pakiet kontrolny 71% udziałów w The Pinewood Studios Group (właściciel Pinewood Studios i Shepperton Studios ) za 96 milionów funtów. W czerwcu 2012 roku Warner otworzył przebudowane studio Leavesden dla biznesu. Brytyjscy reżyserzy, którzy odnieśli największe sukcesy komercyjne w ostatnich latach, to Paul Greengrass , Mike Newell , Christopher Nolan , Ridley Scott i David Yates .

W styczniu 2012 r. w Pinewood Studios, aby odwiedzić firmy związane z filmem, premier Wielkiej Brytanii David Cameron powiedział, że jego rząd ma śmiałe ambicje wobec branży filmowej: „Naszą rolą i BFI powinno być wspieranie sektora w wyrównaniu bardziej dynamiczna i przedsiębiorcza, pomagająca brytyjskim producentom w tworzeniu komercyjnych filmów, które mogą konkurować jakością i wpływem najlepszych międzynarodowych produkcji. Podobnie jak British Film Commission odegrała kluczową rolę w przyciąganiu największych i najlepszych międzynarodowych studiów filmowych do produkcji tutaj swoich filmów, dlatego musimy zachęcać producentów brytyjskich do poszukiwania nowych rynków zarówno tutaj, jak i za granicą.

Przemysł filmowy pozostaje ważnym źródłem dochodów dla brytyjskiej gospodarki. Zgodnie z komunikatem prasowym UK Film Council z 20 stycznia 2011 r. na produkcję filmową w Wielkiej Brytanii wydano w 2010 r. 1,115 mld funtów. Badanie z 2014 r. wykazało, że filmy wyprodukowane w Wielkiej Brytanii były generalnie wyżej oceniane niż produkcje hollywoodzkie, zwłaszcza biorąc pod uwagę niskobudżetową Wielką Brytanię. produkcje.

Kino artystyczne

Londyńskie kino IMAX

Mimo że finansował brytyjskie filmy eksperymentalne już w 1952 roku, założenie przez Brytyjski Instytut Filmowy rady produkcyjnej w 1964 roku — i znaczny wzrost finansowania publicznego od 1971 roku — pozwoliło mu stać się dominującą siłą w rozwoju brytyjskiego kina artystycznego. w latach 70. i 80.: od pierwszej części Trylogii Moje dzieciństwo Billa Douglasa (1972) i Trylogii Dzieciństwo Terence'a Daviesa (1978), po najwcześniejsze filmy Petera Greenawaya (w tym zaskakujący sukces komercyjny Kontraktu rysownika) ( 1982)) oraz orędownictwo Dereka Jarmana na rzecz Nowego Kina Queer. Pierwszy pełnometrażowy produkowane w nowym systemie BFI był Kevin Brownlow i Andrew Mollo „s Winstanley (1975), podczas gdy inne zawarte Moon Over The Alley (1975) Requiem dla wsi (1975) na otwarcie Avant-garde Central Bazaar (1973), Pressure (1975) i A Private Enterprise (1974) – dwa ostatnie to odpowiednio pierwsze brytyjskie filmy czarnoskóre i azjatyckie.

Wydanie Jubileuszu Dereka Jarmana (1978) zapoczątkowało udany okres brytyjskiego kina artystycznego , trwającego do lat 80. z takimi filmowcami jak Sally Potter . W przeciwieństwie do poprzedniego pokolenia brytyjskich twórców filmowych, którzy po karierze teatralnej lub telewizyjnej przeszli do reżyserii i produkcji, dyrektorzy kina artystycznego byli w większości wytworami szkół artystycznych. Wielu z tych filmowców we wczesnej karierze było promowanych przez London Film Makers Cooperative, a ich praca była przedmiotem szczegółowej analizy teoretycznej w czasopiśmie Screen Education . Peter Greenaway był wczesnym pionierem wykorzystywania obrazów generowanych komputerowo w połączeniu z nakręconymi materiałami filmowymi, a także był jednym z pierwszych reżyserów, którzy nakręcili filmy w wysokiej rozdzielczości na potrzeby filmu.

Wraz z uruchomieniem Channel 4 i jego części zamawiającej Film on Four , Art Cinema była promowana wśród szerszej publiczności. Jednak na początku lat 90. kanał Channel dokonał gwałtownej zmiany w polityce zamawiania, a Greenaway i inni zostali zmuszeni do ubiegania się o finansowanie europejskiej koprodukcji.

Technologia folii

Kino Vue, Leicester Square .

W latach 70. i 80. brytyjskie studia zyskały reputację dzięki świetnym efektom specjalnym w filmach takich jak Superman (1978), Alien (1979) i Batman (1989). Część tej reputacji została zbudowana na rdzeniu talentu zebranego podczas kręcenia filmu 2001: Odyseja kosmiczna (1968), który następnie pracował razem przy serialach i filmach fabularnych dla Gerry'ego Andersona . Dzięki firmie Aardman Animations z Bristolu , Wielka Brytania jest nadal uznawana za światowego lidera w wykorzystaniu animacji poklatkowej.

Brytyjscy technicy zajmujący się efektami specjalnymi i projektanci produkcji są znani z tworzenia efektów wizualnych przy znacznie niższych kosztach niż ich odpowiednicy w USA, jak widać w Time Bandits (1981) i Brazylii (1985). Ta reputacja utrzymywała się przez lata 90. aż do XXI wieku dzięki filmom takim jak seria o Jamesie Bondzie , Gladiator (2000) i seria o Harrym Potterze .

Od lat 90. do dnia dzisiejszego nastąpił postępujący ruch od tradycyjnej optyki filmowej do zintegrowanego środowiska cyfrowego filmu , z efektami specjalnymi, cięciem, gradacją kolorów i innymi zadaniami postprodukcyjnymi, które korzystają z tej samej, całkowicie cyfrowej infrastruktury. Londyńska firma zajmująca się efektami wizualnymi Framestore , z Timem Webberem, kierownikiem ds. efektów wizualnych , pracowała nad niektórymi z najbardziej wymagających technicznie i artystycznie projektów, w tym The Dark Knight (2008) i Gravity (2013), z nowymi technikami związanymi z Gravity zrealizowany przez Webbera i zespół Framestore, który trwał trzy lata.

Dostępność szybkiego Internetu sprawiła, że ​​brytyjski przemysł filmowy jest w stanie ściśle współpracować ze studiami amerykańskimi w ramach produkcji dystrybuowanych na całym świecie. Oczekuje się, że od 2005 r. trend ten będzie kontynuowany wraz z ruchami w kierunku (obecnie eksperymentalnej) cyfrowej dystrybucji i projekcji jako technologii głównego nurtu. Brytyjski film To nie jest piosenka o miłości (2003) był pierwszym, który był transmitowany na żywo w Internecie w tym samym czasie, co jego kinowa premiera .

Zobacz też

Bibliografia

Dalsza lektura

Ogólny
  • Aldgate, Anthony i Richards Jeffrey. 2002. Best of British: Cinema and Society od 1930 do chwili obecnej . Londyn: IB Tauris
  • Babington, Bruce; Wyd. 2001. Brytyjskie gwiazdy i gwiazdorstwo . Manchester: Manchester University Press
  • Chibnall, Steve i Murphy, Robert; Wyd. 1999. Brytyjskie kino kryminalne . Londyn: Routledge
  • Kucharz, Pam. 1996. Kształtowanie narodu: kostium i tożsamość w kinie brytyjskim . Londyn BFI
  • Curran, James i Porter, Vincent; Wyd. 1983. Historia kina brytyjskiego . Londyn: Weidenfeld i Nicolson
  • Raymond Durgnat (1970). Lustro dla Anglii: brytyjskie filmy od oszczędności do zamożności . Numer ISBN 978-0-571-09503-2.
  • Harper, Sue. 2000. Kobiety w kinie brytyjskim: Mad Bad and Dangerous to Know . Londyn: kontinuum
  • Higson, Andrzeju. 1995. Machać flagą: Budowa kina narodowego w Wielkiej Brytanii . Oksford: Oxford University Press
  • Higson, Andrzeju. 2003. Dziedzictwo angielskie, kino angielskie . Oksford: Oxford University Press.
  • Wzgórze, John. 1986. Seks, klasa i realizm . Londyn: BFI
  • Landy, Marci. 1991. Gatunki brytyjskie: kino i społeczeństwo, 1930-1960 . Wydawnictwo Uniwersytetu Princeton
  • Leż, Samanto. 2002. Brytyjski socrealizm . Londyn: Wallflower
  • Briana McFarlane'a; Slajd Antoniego (2003). Encyklopedia filmu brytyjskiego . Methuen Publishing Ltd. ISBN 0-413-77301-9.
  • Mnich, Claire i sierżant, Amy. 2002. Brytyjskie kino historyczne . Londyn Routledge
  • Murphy, Robert; Wyd. 2001. Książka o kinie brytyjskim, 2. edycja . Londyn: BFI
  • Perry, George. 1988. Wielka brytyjska wystawa zdjęć . Mały Brąz, 1988.
  • Richards, Jeffrey. 1997. Filmy i brytyjska tożsamość narodowa / Od Dickensa do Armii taty . Prasa uniwersytecka w Manchesterze
  • Ulica, Sarah. 1997. Brytyjskie kino narodowe . Londyn: Routledge.
  • Yvonne Tasker (2002). 50 Współczesnych Filmowców . Psychologia Prasa. Numer ISBN 978-0-415-18974-3.
Przed II wojną światową
  • Nisko, Rachel. 1985. Tworzenie filmów w latach 30. Wielka Brytania . Londyn: George, Allen i Unwin
  • Rotho, Pawle. 1973. Dziennik dokumentalny; nieformalna historia brytyjskiego filmu dokumentalnego, 1928–1939 , New York: Hill and Wang
  • Swann, Paul. 2003. Brytyjski Ruch Dokumentalny, 1926–1946 . Wydawnictwo Uniwersytetu Cambridge
II wojna światowa
  • Aldgate, Anthony i Richards, Jeffrey 2. wydanie. 1994. Wielka Brytania może to znieść: kino brytyjskie w czasie II wojny światowej . Edynburg: Edinburgh University Press
  • Barr, Karolu; Wyd. 1986. Wszystkie nasze wczorajsze dni: 90 lat kina brytyjskiego . Londyn: Brytyjski Instytut Filmowy
  • Murphy, Robercie. 2000. Kino brytyjskie i II wojna światowa . Londyn: kontinuum
  • [fr] Rousselet, Francis Et le Cinéma Britannique entra en guerre ... , Cerf-Corlet, 2009, 240 s.
Powojenny
  • Friedmana, Lestera; Wyd. 1992. Kino brytyjskie i thatcheryzm . Londyn: UCL Press
  • Geraghty, Christine. 2000. Kino brytyjskie w latach pięćdziesiątych: gatunek płci i nowe spojrzenie . Londyn Routledge
  • Gillett, Filip. 2003. Brytyjska klasa robotnicza w filmie powojennym . Manchester: Manchester University Press
  • Murphy, Robert; Wyd. 1996. Kino brytyjskie z lat sześćdziesiątych . Londyn: BFI
  • Shaw, Tony. 2001. Kino brytyjskie i zimna wojna . Londyn: IB Tauris
1990
  • Brown, Geoff. 2000. Coś dla każdego: film brytyjski Kultura lat 90. .
  • Brunsdon, Charlotte. 2000. Nie mając wszystkiego: kobiety i film w latach 90. .
  • Murphy, Robert; Wyd. 2000. Kino Brytyjskie lat 90. . Londyn: BFI
Kino i rząd

Linki zewnętrzne