Okres klasyczny (muzyka) -Classical period (music)

Wolfgang Amadeus Mozart (siedzi przy klawiaturze)

Okres klasyczny był erą muzyki klasycznej między około 1730 a 1820 rokiem.

Okres klasyczny przypada na okres od baroku do romantyzmu . Muzyka klasyczna ma lżejszą, czystszą fakturę niż muzyka barokowa, ale bardziej wyrafinowana forma. Ma głównie charakter homofoniczny , z wyraźną linią melodyczną nad podrzędnym akompaniamentem akordowym , ale nie zapomniano o kontrapunkcie , zwłaszcza w liturgicznej muzyce wokalnej, a później w świeckiej muzyce instrumentalnej. Wykorzystuje również styl galant , który podkreślał lekką elegancję w miejsce dostojnej powagi i imponującej barokowej powagi. Różnorodność i kontrast w utworze stały się bardziej wyraźne niż wcześniej, a orkiestra zwiększyła swój rozmiar, zasięg i siłę.

Klawesyn został zastąpiony jako główny instrument klawiszowy przez fortepian ( lub pianoforte ). W przeciwieństwie do klawesynu, który szarpie struny piórami, fortepiany uderzają w struny pokrytymi skórą młotkami po naciśnięciu klawiszy, co pozwala wykonawcy grać głośniej lub ciszej (stąd pierwotna nazwa „fortepiano”, dosłownie „głośno cicho”) i bawić się z większą ekspresją; przeciwnie, siła, z jaką wykonawca gra na klawiszach klawesynu, nie zmienia brzmienia. Muzyka instrumentalna była uważana za ważną przez kompozytorów okresu klasycznego. Głównymi rodzajami muzyki instrumentalnej były sonata , trio , kwartet smyczkowy , kwintet , symfonia (wykonywana przez orkiestrę) oraz koncert solowy , w którym wirtuoz solowy wykonał solowy utwór na skrzypce, fortepian, flet lub inny instrument. z towarzyszeniem orkiestry. Ważną rolę w tym okresie odgrywała również muzyka wokalna, taka jak pieśni dla śpiewaka i fortepianu (zwłaszcza dzieła Schuberta), utwory chóralne i opera (inscenizowane dzieło dramatyczne dla śpiewaków i orkiestry).

Najbardziej znani kompozytorzy tego okresu to Joseph Haydn , Wolfgang Amadeusz Mozart , Ludwig van Beethoven i Franz Schubert ; inne godne uwagi nazwiska to Carl Philipp Emanuel Bach , Johann Christian Bach , Luigi Boccherini , Domenico Cimarosa , Joseph Martin Kraus , Muzio Clementi , Christoph Willibald Gluck , Carl Ditters von Dittersdorf , André Grétry , Pierre-Alexandre Monsigny , Michael Haopold Mozartn , Paisiello , Johann Baptist Wanhal , François-André Danican Philidor , Niccolò Piccinni , Antonio Salieri , Georg Christoph Wagenseil , Georg Matthias Monn , Johann Gottlieb Graun , Carl Heinrich Graun , Franz Benda , Georg Anton Benda , Johanne Biergi Rechtchrist , Johann i Kawaler de Saint-Georges . Beethoven jest uważany za kompozytora romantycznego lub klasycznego, który był częścią przejścia do epoki romantyzmu. Schubert jest również postacią przejściową, podobnie jak Johann Nepomuk Hummel , Luigi Cherubini , Gaspare Spontini , Gioachino Rossini , Carl Maria von Weber , Jan Ladislav Dussek i Niccolò Paganini . Okres ten bywa nazywany erą klasycyzmu wiedeńskiego (niem. Wiener Klassik ), ponieważ Gluck, Haydn, Salieri, Mozart, Beethoven, Schubert działali wszyscy w Wiedniu .

Klasycyzm

W połowie XVIII wieku Europa zaczęła podążać w kierunku nowego stylu w architekturze , literaturze i sztuce, ogólnie znanego jako klasycyzm . Styl ten starał się naśladować ideały starożytności klasycznej , zwłaszcza klasycznej Grecji . Muzyka klasyczna wykorzystywała formalność i nacisk na porządek i hierarchię oraz „wyraźniejszy”, „czystszy” styl, w którym stosowano wyraźniejsze podziały między partiami (zwłaszcza wyraźną, pojedynczą melodię z akordami), jaśniejsze kontrasty i „barwy tonalne” (osiągane przez stosowanie dynamicznych zmian i modulacji większej liczby klawiszy). W przeciwieństwie do bogato warstwowej muzyki epoki baroku, muzyka klasyczna szła w kierunku prostoty, a nie złożoności. Ponadto typowy rozmiar orkiestr zaczął się zwiększać, dając orkiestrom mocniejszy dźwięk.

Niezwykły rozwój idei w „ filozofii przyrody ” zadomowił się już w świadomości społecznej. W szczególności fizyka Newtona została przyjęta jako paradygmat: struktury powinny być dobrze ugruntowane w aksjomatach , dobrze wyartykułowane i uporządkowane. To upodobanie do strukturalnej przejrzystości zaczęło wpływać na muzykę, która odeszła od warstwowej polifonii epoki baroku w kierunku stylu zwanego homofonią , w którym melodia grana jest na podrzędnej harmonii . Ten ruch oznaczał, że akordy stały się znacznie bardziej dominującą cechą muzyki, nawet jeśli przerywały melodyjną gładkość pojedynczej części. W efekcie struktura tonalna utworu muzycznego stała się bardziej słyszalna .

Do nowego stylu zachęcały także zmiany w ładu gospodarczym i strukturze społecznej. W XVIII wieku szlachta stała się głównym mecenasem muzyki instrumentalnej, a gust publiczności coraz bardziej preferował lżejsze, zabawne opery komiczne . Doprowadziło to do zmian w sposobie wykonywania muzyki, z których najważniejszą było przejście do standardowych grup instrumentalnych i zmniejszenie znaczenia continuo — rytmicznej i harmonicznej podstawy utworu muzycznego, zwykle granego na klawiaturze ( klawesyn lub organy ) i zwykle towarzyszy mu zróżnicowana grupa instrumentów basowych, w tym wiolonczela , kontrabas , viola basowa i teorba . Jednym ze sposobów prześledzenia zaniku continuo i jego akordów figuralnych jest przyjrzenie się zanikowi terminu obbligato , oznaczającego obowiązkową partię instrumentalną w utworze kameralnym . W utworach barokowych do grupy continuo można było dodać dodatkowe instrumenty zgodnie z preferencjami grupy lub lidera; w kompozycjach klasycznych wszystkie części były wyraźnie odnotowane, choć nie zawsze , przez co określenie „obbligato” stało się zbędne . Do 1800 roku basso continuo praktycznie wymarło, z wyjątkiem okazjonalnego używania partii organów piszczałkowych continuo w religijnej Mszy na początku XIX wieku.

Zmiany gospodarcze wpłynęły również na zmianę równowagi dostępności i jakości muzyków. Podczas gdy w późnym baroku, główny kompozytor dysponował wszystkimi zasobami muzycznymi miasta, z których mógł czerpać, siły muzyczne dostępne w arystokratycznym zameczku myśliwskim lub małym dworze były mniejsze i bardziej ustalone na swoim poziomie umiejętności. Był to bodziec do posiadania prostszych partii dla muzyków zespołowych, a w przypadku rezydentnej grupy wirtuozowskiej, bodziec do pisania efektownych, idiomatycznych partii na niektóre instrumenty, jak w przypadku orkiestry z Mannheim , czy solowych partii wirtuozowskich szczególnie utalentowani skrzypkowie lub fleciści. Do tego apetyt publiczności na ciągły dopływ nowej muzyki przeniesiony z baroku. Oznaczało to, że utwory musiały być wykonalne w najlepszym przypadku po jednej lub dwóch próbach. Już po 1790 Mozart pisze o „próbie”, dając do zrozumienia, że ​​jego koncerty będą miały tylko jedną próbę.

Ponieważ większy nacisk położono na pojedynczą linię melodyczną, większy nacisk położono na zapisanie tej linii dla dynamiki i frazowania. Kontrastuje to z epoką baroku, kiedy melodie pisane były zazwyczaj bez dynamiki, znaków frazowych czy ozdobników, gdyż zakładano, że wykonawca improwizuje te elementy na miejscu. W epoce klasycznej kompozytorzy coraz częściej wskazywali, gdzie chcą, aby wykonawca wykonywał ozdobniki, takie jak tryle lub skręty. Uproszczenie faktury sprawiło, że taki detal instrumentalny stał się ważniejszy, a także zastosowanie charakterystycznych rytmów, takich jak przykuwające uwagę otwierające fanfary, rytm marszu żałobnego czy gatunek menueta, ważniejsze w ustalaniu i ujednolicaniu tonu pojedynczej części .

W okresie klasycznym nastąpił również stopniowy rozwój formy sonatowej , zestawu zasad strukturalnych dla muzyki, które pogodziły klasyczne preferencje dla materiału melodycznego z rozwojem harmonicznym, które można było zastosować w różnych gatunkach muzycznych. Sama sonata była nadal główną formą muzyki solowej i kameralnej, podczas gdy w okresie klasycznym kwartet smyczkowy stał się wybitnym gatunkiem. W tym okresie powstała forma symfoniczna na orkiestrę (popularnie przypisuje się to Josephowi Haydnowi ). Bardzo popularną w epoce baroku formę Concerto grosso (koncert na więcej niż jednego muzyka) zaczął zastępować koncert solowy , w którym występuje tylko jeden solista. Kompozytorzy zaczęli przywiązywać większą wagę do umiejętności konkretnego solisty do popisywania się umiejętnościami wirtuozowskimi, z wymagającymi, szybkimi przebiegami i arpeggio. Pozostały jednak niektóre concerti grossi , z których najsłynniejszym jest Sinfonia koncertująca na skrzypce i altówkę Es-dur Mozarta .

Nowoczesny kwartet smyczkowy. W 2000 roku kwartety smyczkowe z epoki klasycznej stanowią trzon literatury kameralnej. Od lewej do prawej: skrzypce 1, skrzypce 2, wiolonczela, altówka

Główna charakterystyka

W okresie klasycznym temat składa się z fraz o kontrastujących figurach melodycznych i rytmach . Zwroty te są stosunkowo krótkie, zwykle mają długość czterech taktów i czasami mogą wydawać się rzadkie lub zwięzłe. Faktura jest głównie homofoniczna , z wyraźną melodią nad akompaniamentem podrzędnym akordowym , np . bas Albertiego . Kontrastuje to z praktyką w muzyce barokowej , gdzie utwór lub część zwykle ma tylko jeden temat muzyczny, który jest następnie opracowywany w wielu głosach zgodnie z zasadami kontrapunktu , przy jednoczesnym zachowaniu spójnego rytmu lub metrum. W rezultacie muzyka klasyczna ma zazwyczaj lżejszą, wyraźniejszą fakturę niż barok. Styl klasyczny nawiązuje do stylu galant , stylu muzycznego, który podkreślał lekką elegancję w miejsce dostojnej powagi i imponującej wielkości baroku.

Strukturalnie, muzyka klasyczna ma na ogół wyraźną formę muzyczną , z dobrze zdefiniowanym kontrastem między tonikiem a dominantą , wprowadzonym przez wyraźne kadencje . Dynamika służy do podkreślenia cech strukturalnych utworu. W szczególności forma sonatowa i jej warianty zostały opracowane we wczesnym okresie klasycznym i były często używane. Klasyczne podejście do struktury ponownie kontrastuje z barokiem, gdzie kompozycja normalnie poruszałaby się od toniki do dominanty iz powrotem, ale poprzez ciągły postęp zmian akordów i bez poczucia „przybycia” w nowej tonacji. Podczas gdy kontrapunkt był mniej podkreślany w okresie klasycznym, nie został wcale zapomniany, zwłaszcza w późniejszym okresie, a kompozytorzy nadal używali kontrapunktu w utworach „poważnych”, takich jak symfonie i kwartety smyczkowe, a także w utworach religijnych, takich jak msze.

Klasyczny styl muzyczny był wspierany przez rozwój techniczny instrumentów. Powszechne przyjęcie jednakowego temperamentu umożliwiło klasyczną strukturę muzyczną, zapewniając, że kadencje we wszystkich tonacjach brzmiały podobnie. Pianoforte , a następnie pianoforte zastąpiły klawesyn , dając bardziej dynamiczny kontrast i bardziej zrównoważone melodie. W okresie klasycznym instrumenty klawiszowe stały się bogatsze, bardziej dźwięczne i potężniejsze.

Orkiestra zwiększyła swój rozmiar i zasięg oraz stała się bardziej znormalizowana. Rola klawesynu lub organowego basso continuo w orkiestrze wypadła z użycia w latach 1750-1775, pozostawiając sekcję smyczkową instrumenty dęte drewniane , stając się samodzielną sekcją, składającą się z klarnetów , obojów , fletów i fagotów .

Podczas gdy muzyka wokalna, taka jak opera komiczna , była popularna, duże znaczenie przywiązywano do muzyki instrumentalnej. Głównymi rodzajami muzyki instrumentalnej były sonata , trio , kwartet smyczkowy , kwintet , symfonia , koncert (zwykle na wirtuozowski instrument solowy z towarzyszeniem orkiestry) oraz utwory lekkie, takie jak serenady i divertimentos . Forma sonatowa rozwinęła się i stała się formą najważniejszą. Był używany do budowania pierwszej części większości dzieł wielkoformatowych w symfonii i kwartetach smyczkowych . Formę sonatową stosowano także w innych częściach oraz w pojedynczych, samodzielnych utworach, takich jak uwertury .

Historia

Przejście barok/klasycyzm ok. 1730-1760

Gluck, fragment portretu autorstwa Josepha Duplessisa z 1775 r. ( Kunsthistorisches Museum , Wiedeń)

W swojej książce The Classical Style , autor i pianista Charles Rosen twierdzi, że w latach 1755-1775 kompozytorzy szukali po omacku ​​nowego stylu, który byłby bardziej dramatyczny. W okresie szczytowego baroku ekspresja dramatyczna ograniczała się do przedstawiania indywidualnych afektów („doktryna uczuć” lub, co Rosen nazywa „sensem dramatycznym”). Na przykład w oratorium Jephtha Haendla kompozytor oddaje cztery emocje osobno, po jednej dla każdej postaci, w kwartecie „O, oszczędź córkę”. W końcu to przedstawienie indywidualnych emocji zaczęło być postrzegane jako uproszczone i nierealistyczne; kompozytorzy starali się przedstawiać wiele emocji, jednocześnie lub progresywnie, w ramach jednej postaci lub ruchu („działanie dramatyczne”). W ten sposób w finale II aktu Die Entführung aus dem Serail Mozarta kochankowie przechodzą „od radości przez podejrzliwość i oburzenie do ostatecznego pojednania”.

Muzycznie ta „dramatyczna akcja” wymagała większej muzycznej różnorodności. Podczas gdy muzyka barokowa charakteryzowała się płynnym przepływem w obrębie poszczególnych części i w dużej mierze jednolitymi fakturami, kompozytorzy po okresie wysokiego baroku starali się przerwać ten przepływ nagłymi zmianami faktury, dynamiki, harmonii lub tempa. Wśród zmian stylistycznych, które nastąpiły po późnym baroku, najbardziej dramatyczny został nazwany Empfindsamkeit (w przybliżeniu „ styl wrażliwy ”), a jego najbardziej znanym praktykującym był Carl Philipp Emanuel Bach . Kompozytorzy tego stylu wykorzystywali omówione powyżej przerwy w sposób najbardziej gwałtowny, a muzyka może czasem brzmieć nielogicznie. Włoski kompozytor Domenico Scarlatti posunął się dalej. Jego ponad pięćset jednoczęściowych sonat klawiszowych również zawiera gwałtowne zmiany faktury, ale te zmiany są zorganizowane w okresy, wyważone frazy, które stały się znakiem rozpoznawczym stylu klasycznego. Jednak zmiany tekstury Scarlattiego wciąż brzmią nagle i nieprzygotowane. Wybitnym osiągnięciem wielkich kompozytorów muzyki klasycznej (Haydna, Mozarta i Beethovena) była umiejętność sprawiania, że ​​te dramatyczne niespodzianki brzmiały logicznie, aby „ekspresyjni i eleganccy mogli wziąć ręce”.

Między śmiercią JS Bacha a dojrzałością Haydna i Mozarta (mniej więcej 1750-1770) kompozytorzy eksperymentowali z tymi nowymi pomysłami, co widać w muzyce synów Bacha. Johann Christian rozwinął styl, który teraz nazywamy Roccoco , składający się z prostszych faktur i harmonii, który był „uroczy, niedramatyczny i trochę pusty”. Jak wspomniano wcześniej, Carl Philipp Emmanuel dążył do zwiększenia dramatyzmu, a jego muzyka była „gwałtowna, ekspresyjna, błyskotliwa, ciągle zaskakująca i często niespójna”. I wreszcie Wilhelm Friedemann, najstarszy syn JS Bacha, w idiomatyczny, niekonwencjonalny sposób rozszerzył tradycje barokowe.

Z początku nowy styl przejął formy barokowe — trójskładnikową arię da capo , sinfonię i koncert — ale skomponowany z prostszych partii, bardziej notowanej ornamentyki, a nie improwizowanych ornamentów, które były powszechne w epoce baroku, i bardziej zdecydowanego podziału kawałki na sekcje. Jednak z biegiem czasu nowa estetyka spowodowała radykalne zmiany w składaniu prac, zmieniły się podstawowe układy formalne. Kompozytorzy z tego okresu poszukiwali dramatycznych efektów, uderzających melodii i wyraźniejszych faktur. Jedną z wielkich zmian fakturalnych było odejście od złożonej, gęstej polifonicznej barokowej stylistyki, w której jednocześnie grano wiele przeplatających się linii melodycznych, w kierunku homofonii , lżejszej faktury, wykorzystującej wyraźną pojedynczą linię melodyczną z akordami.

Muzyka barokowa na ogół wykorzystuje wiele fantazji harmonicznych i części polifonicznych, które w mniejszym stopniu skupiają się na strukturze utworu muzycznego i kładziono mniejszy nacisk na wyraźne frazy muzyczne. W okresie klasycznym harmonie stały się prostsze. Znacznie ważniejsza niż w okresie baroku nabrała jednak struktura utworu, frazy i drobne motywy melodyczne czy rytmiczne.

Sonata g-moll nr 3 Muzio Clementiego op. 50, „Didone abbandonata”, ruch adagio

Innym ważnym zerwaniem z przeszłością była radykalna przebudowa opery Christopha Willibalda Glucka , który odciął wiele warstw i improwizacji ornamentyki i skupił się na punktach modulacji i przejścia. Sprawiając, że te momenty, w których harmonia zmienia się, bardziej skupiają się, umożliwił potężne, dramatyczne zmiany emocjonalnego koloru muzyki. Aby podkreślić te przejścia, wykorzystał zmiany w instrumentacji ( orkiestracja ), melodii i trybie . Wśród najbardziej utytułowanych kompozytorów swoich czasów Gluck zrodził wielu emulatorów, w tym Antonio Salieri . Ich nacisk na dostępność przyniósł ogromne sukcesy w operze i innej muzyce wokalnej, takiej jak pieśni, oratoria i chóry. Uznano je za najważniejsze rodzaje muzyki wykonawczej i przez to cieszyły się największym publicznym sukcesem.

Faza między barokiem a nadejściem klasyki (około 1730 r.) była domem dla różnych konkurencyjnych stylów muzycznych. Różnorodność dróg artystycznych reprezentują synowie Jana Sebastiana Bacha : Wilhelm Friedemann Bacha , który w osobisty sposób kontynuował tradycję baroku; Johann Christian Bach , który uprościł faktury baroku i najwyraźniej wpłynął na Mozarta; oraz Carl Philipp Emanuel Bach , który skomponował namiętną, a czasem gwałtownie ekscentryczną muzykę ruchu Empfindsamkeit . Kultura muzyczna znalazła się na rozdrożu: mistrzowie starego stylu mieli technikę, ale publiczność łaknęła nowego. Jest to jeden z powodów, dla których CPE Bach był tak wysoko ceniony: dość dobrze rozumiał starsze formy i wiedział, jak przedstawiać je w nowym stroju, z większą różnorodnością form.

1750-1775

Portret Haydna autorstwa Thomasa Hardy'ego , 1792

Pod koniec lat 50. XVIII wieku rozkwitły ośrodki nowego stylu we Włoszech, Wiedniu, Mannheim i Paryżu; Powstały dziesiątki symfonii i były zespoły muzyków związane z teatrami muzycznymi. Muzyka operowa lub inna muzyka wokalna z towarzyszeniem orkiestry była elementem większości wydarzeń muzycznych, a koncerty i symfonie (wywodzące się z uwertury ) służyły jako instrumentalne przerywniki i wstępy do oper i nabożeństw. W okresie klasycyzmu symfonie i koncerty rozwijały się i były prezentowane niezależnie od muzyki wokalnej.

Mozart napisał szereg divertimentos, lekkich utworów instrumentalnych przeznaczonych do rozrywki. Jest to II część jego Divertimento Es-dur KV 113.

„Zwykły” zespół orkiestrowy — zespół smyczków uzupełniony instrumentami dętymi — oraz ruchy o szczególnym rytmicznym charakterze powstały pod koniec lat pięćdziesiątych w Wiedniu. Jednak długość i wagę utworów nadal miały pewne cechy barokowe: poszczególne części nadal skupiały się na jednym „afekcie” (nastrój muzyczny) lub posiadały tylko jeden ostro kontrastujący odcinek środkowy, a ich długość nie była znacząco większa niż części barokowych. Nie było jeszcze jasno sformułowanej teorii komponowania w nowym stylu. To była chwila dojrzała do przełomu.

Pierwszym wielkim mistrzem stylu był kompozytor Joseph Haydn . W późnych latach pięćdziesiątych XVIII wieku zaczął komponować symfonie, a do roku 1761 skomponował tryptyk ( Poranek , Południe i Wieczór ) solidnie we współczesnym stylu. Jako wicekapellmeister, a później kapelmistrz rozwinął się jego twórczość: w samych latach 60. XVIII wieku skomponował ponad czterdzieści symfonii. I choć jego sława rosła, gdy jego orkiestra się rozrastała, a jego kompozycje były kopiowane i rozpowszechniane, jego głos był tylko jednym z wielu.

Podczas gdy niektórzy badacze sugerują, że Haydn pozostawał w cieniu Mozarta i Beethovena, trudno byłoby przecenić centralną rolę Haydna dla nowego stylu, a tym samym dla przyszłości zachodniej muzyki artystycznej jako całości. W tamtym czasie, przed prymatami Mozarta czy Beethovena, oraz z Johannem Sebastianem Bachem znanym przede wszystkim koneserom muzyki klawiszowej, Haydn osiągnął w muzyce miejsce, które stawiało go ponad wszystkimi innymi kompozytorami, może z wyjątkiem George'a Friderica Haendla z epoki baroku . Haydn przejął istniejące idee i radykalnie zmienił ich funkcjonowanie, zyskując tytuły „ojca symfonii ” i „ojca kwartetu smyczkowego ”.

Jedną z sił, które działały jako bodziec do jego pchania naprzód, było pierwsze poruszenie tego, co później nazwano romantyzmemSturm und Drang , lub faza „burzy i stresu” w sztuce, krótki okres, w którym wyraźna i dramatyczna była emocjonalność. preferencja stylistyczna. W związku z tym Haydn chciał bardziej dramatycznego kontrastu i bardziej emocjonujących melodii, z wyostrzonym charakterem i indywidualnością w swoich utworach. Okres ten przeminął w muzyce i literaturze, jednak wpłynął na to, co nastąpiło później i ostatecznie stał się składnikiem gustu estetycznego w późniejszych dziesięcioleciach.

Symfonia pożegnalna nr 45 fis - moll jest przykładem integracji Haydna z różnymi wymaganiami nowego stylu, z zaskakującymi ostrymi zwrotami i długim powolnym adagio kończącym utwór. W 1772 roku Haydn ukończył swój zestaw sześciu kwartetów smyczkowych Opus 20, w którym wykorzystał techniki polifoniczne, które zebrał z poprzedniej epoki baroku, aby zapewnić spójność strukturalną zdolną do spajania jego pomysłów melodycznych. Dla niektórych oznacza to początek „dojrzałego” stylu klasycyzmu, w którym okres reakcji na późnobarokową złożoność ustąpił miejsca integracji elementów baroku i klasycyzmu.

1775-1790

Wolfgang Amadeus Mozart, obraz pośmiertny Barbary Krafft z 1819 r.

Haydn, który przez ponad dekadę pracował jako dyrektor muzyczny księcia, miał znacznie więcej zasobów i możliwości komponowania niż większość innych kompozytorów. Jego pozycja dała mu również możliwość kształtowania sił, które będą grały jego muzykę, ponieważ mógł wybrać wykwalifikowanych muzyków. Ta okazja nie została zmarnowana, ponieważ Haydn, zaczynając dość wcześnie w swojej karierze, starał się forsować technikę budowania i rozwijania pomysłów w swojej muzyce. Kolejnym ważnym przełomem były kwartety smyczkowe Opus 33 (1781), w których role melodyczne i harmoniczne przenikają się między instrumentami: często przez chwilę nie wiadomo, co to jest melodia, a co harmonia. Zmienia to sposób, w jaki zespół porusza się między dramatycznymi momentami przejścia i sekcjami kulminacyjnymi: muzyka płynie płynnie i bez wyraźnych przerw. Następnie przyjął ten zintegrowany styl i zaczął go stosować w muzyce orkiestrowej i wokalnej.

Takty otwierające arię Commendatore w operze Don Giovanni Mozarta . Orkiestra rozpoczyna dysonansowy akord skrócony septymowy (G# dim7 z H na basie), przechodząc do dominującego akordu septymowego (A7 z C# na basie), po czym przechodzi na akord toniczny (d-moll) na wejście wokalisty.

Dar Haydna do muzyki był sposobem komponowania, sposobem konstruowania dzieł, zgodnym jednocześnie z panującą estetyką nowego stylu. Jednak młodszy współczesny, Wolfgang Amadeus Mozart , wniósł swój geniusz do pomysłów Haydna i zastosował je do dwóch głównych gatunków tamtych czasów: opery i koncertu wirtuozowskiego. Podczas gdy Haydn spędził większość swojego życia zawodowego jako nadworny kompozytor, Mozart pragnął publicznego sukcesu w koncertowym życiu miast, grając dla szerokiej publiczności. Oznaczało to, że musiał pisać opery oraz pisać i wykonywać utwory wirtuozowskie. Haydn nie był wirtuozem na międzynarodowym poziomie koncertowym; nie starał się też tworzyć dzieł operowych, które mogłyby grać przez wiele nocy przed dużą publicznością. Mozart chciał osiągnąć jedno i drugie. Co więcej, Mozart miał również upodobanie do bardziej chromatycznych akordów (i generalnie większych kontrastów w języku harmonicznym), większą miłość do tworzenia gąszczu melodii w jednym utworze i bardziej włoską wrażliwość w muzyce jako całości. Znalazł w muzyce Haydna, a później w swoim studium polifonii JS Bacha środki do dyscyplinowania i wzbogacania swoich talentów artystycznych.

Rodzina Mozartów ok. 1780. Portret na ścianie przedstawia matkę Mozarta.

Mozart szybko zwrócił na siebie uwagę Haydna, który witał nowego kompozytora, studiował jego utwory i uważał młodszego za jedynego prawdziwego rówieśnika w muzyce. W Mozarcie Haydn odnalazł większy zakres instrumentacji, efekt dramatyczny i zasób melodyczny. Relacja uczenia się poruszała się w obu kierunkach. Mozart darzył też wielkim szacunkiem starszego, bardziej doświadczonego kompozytora i starał się od niego uczyć.

Przybycie Mozarta do Wiednia w 1780 roku przyniosło przyspieszenie rozwoju stylu klasycznego. Tam Mozart wchłonął mieszankę włoskiego blasku i germańskiej spójności, która warzyła się przez ostatnie 20 lat. Jego upodobanie do błyskotliwych błyskotliwości, rytmicznie skomplikowanych melodii i figur, długich melodii kantylenowych i wirtuozowskich popisów połączyło się z uznaniem dla formalnej spójności i wewnętrznej więzi. To w tym momencie wojna i inflacja gospodarcza zatrzymały trend do większych orkiestr i wymusiły rozwiązanie lub redukcję wielu orkiestr teatralnych. To popchnęło styl klasyczny do wewnątrz: w kierunku poszukiwania większych wyzwań zespołowych i technicznych – na przykład rozproszenia melodii na dętych drewnianych lub użycia melodii zharmonizowanej w tercjach. Ten proces kładł nacisk na muzykę małych zespołów, zwaną muzyką kameralną. Doprowadziło to również do tendencji do większej liczby występów publicznych, co dało kolejny impuls kwartetowi smyczkowemu i innym małym grupom.

To w tej dekadzie publiczność zaczęła coraz bardziej dostrzegać, że Haydn i Mozart osiągnęli wysoki poziom kompozycji. Zanim Mozart osiągnął wiek 25 lat, w 1781 roku, dominujące style Wiednia były wyraźnie związane z pojawieniem się w latach pięćdziesiątych XVIII wieku stylu wczesnoklasycznego. Pod koniec lat 80. XVIII wieku u kompozytorów naśladujących Mozarta i Haydna utrwaliły się zmiany w praktyce wykonawczej , względna pozycja muzyki instrumentalnej i wokalnej, wymagania techniczne wobec muzyków oraz jedność stylistyczna. W tej dekadzie Mozart skomponował swoje najsłynniejsze opery, sześć późnych symfonii, które pomogły na nowo zdefiniować gatunek, oraz ciąg koncertów fortepianowych, które wciąż stoją na szczycie tych form.

Jednym z kompozytorów, który miał wpływ na rozpowszechnianie poważniejszego stylu, który stworzyli Mozart i Haydn, jest Muzio Clementi , utalentowany pianista-wirtuoz, który związał się z Mozartem w muzycznym „pojedynku” przed cesarzem, w którym każdy z nich improwizował na fortepianie i wykonywał swoje kompozycje . Sonaty Clementiego na fortepian krążyły szeroko i stał się najbardziej utytułowanym kompozytorem w Londynie w latach 80. XVIII wieku. Również w Londynie przebywał w tym czasie Jan Ladislav Dussek , który podobnie jak Clementi zachęcał producentów fortepianów do poszerzania zakresu i innych cech ich instrumentów, a następnie w pełni wykorzystywał nowo otwierane możliwości. Znaczenie Londynu w okresie klasycznym jest często pomijane, ale służył on jako siedziba fabryki produkującej fortepiany w Broadwood i jako baza dla kompozytorów, którzy, choć mniej znani niż „Szkoła Wiedeńska”, mieli decydujący wpływ na to, co nadeszło. później. Byli kompozytorami wielu znakomitych dzieł, godnych uwagi. Zamiłowanie Londynu do wirtuozerii mogło równie dobrze zachęcić do skomplikowanej pracy nad fragmentami i rozbudowanych wypowiedzi na temat toniki i dominanty.

około 1790-1820

Kiedy Haydn i Mozart zaczęli komponować, symfonie grano jako pojedyncze części – przed, pomiędzy lub jako przerywniki w innych utworach – a wiele z nich trwało zaledwie dziesięć lub dwanaście minut; grupy instrumentalne miały różne standardy gry, a continuo było centralną częścią tworzenia muzyki.

W minionych latach społeczny świat muzyki przeszedł dramatyczne zmiany. Publikacje międzynarodowe i trasy koncertowe rozrosły się gwałtownie, powstały towarzystwa koncertowe. Notacja stała się bardziej szczegółowa, bardziej opisowa, a schematy prac zostały uproszczone (jednak stały się bardziej zróżnicowane pod względem dokładnego opracowania). W 1790 roku, tuż przed śmiercią Mozarta, gdy jego reputacja szybko się rozrosła, Haydn był gotowy na szereg sukcesów, zwłaszcza późnych oratoriów i symfonii londyńskich . Kompozytorzy w Paryżu, Rzymie i całych Niemczech zwrócili się do Haydna i Mozarta o pomysły na formę.

Portret Beethovena autorstwa Josepha Karla Stielera , 1820

W latach 90. XVIII wieku pojawiło się nowe pokolenie kompozytorów, urodzonych około 1770 roku. Chociaż dorastali we wcześniejszych stylach, słyszeli w ostatnich dziełach Haydna i Mozarta nośnik większej ekspresji. W 1788 Luigi Cherubini osiadł w Paryżu, aw 1791 skomponował Lodoiska , operę, która przyniosła mu sławę. Jego styl wyraźnie nawiązuje do dojrzałego Haydna i Mozarta, a instrumentacja nadała mu wagę, której nie wyczuwano jeszcze w wielkiej operze . Jego współczesny Étienne Méhul rozszerzył efekty instrumentalne operą Euphrosine et Coradin z 1790 roku , od której odniósł szereg sukcesów. Ostatnim impulsem do zmian był Gaspare Spontini , który był głęboko podziwiany przez przyszłych kompozytorów romantycznych, takich jak Weber, Berlioz i Wagner. Innowacyjny język harmoniczny jego oper, ich wyrafinowana instrumentacja i „uwięzione” liczby zamknięte (wzór strukturalny przyjęty później przez Webera w Euryanthe i od niego przekazany, przez Marschnera, Wagnerowi), stanowiły podstawę, z której francuski i Niemiecka opera romantyczna miała swoje początki.

Hummel w 1814 r.

Najbardziej brzemienny w los młodego pokolenia był Ludwig van Beethoven , który swoje numerowane utwory rozpoczął w 1794 roku zestawem trzech triów fortepianowych, które pozostają w repertuarze. Nieco młodszy od pozostałych, choć równie utytułowany dzięki młodzieńczej nauce u Mozarta i rodzimej wirtuozerii, był Johann Nepomuk Hummel . Hummel studiował również pod kierunkiem Haydna; był przyjacielem Beethovena i Franza Schuberta . Skoncentrował się bardziej na fortepianie niż na jakimkolwiek innym instrumencie, a jego pobyt w Londynie w latach 1791 i 1792 zaowocował kompozycją i publikacją w 1793 trzech sonat fortepianowych, opus 2, w których idiomatycznie wykorzystano techniki Mozarta unikania oczekiwanej kadencji, a czasem Clementiego. niepewna figuracja wirtuozowska. Razem tych kompozytorów można postrzegać jako awangardę szerokiej zmiany stylu i centrum muzyki. Studiowali nawzajem swoje dzieła, kopiowali swoje gesty w muzyce, a czasami zachowywali się jak swarli rywale.

Zasadnicze różnice w stosunku do poprzedniej fali można zaobserwować w przesunięciu melodii w dół, wydłużeniu czasu trwania części, akceptacji Mozarta i Haydna jako paradygmatu, większym wykorzystaniu zasobów klawiatury, przejściu od pisania „wokalnego” do pisania „pianistycznego”. , rosnące przyciąganie niejednoznaczności molowej i modalnej oraz rosnące znaczenie różnicowania towarzyszących postaci, aby przybliżyć „teksturę” jako element muzyki. Krótko mówiąc, późny klasyk poszukiwał muzyki bardziej złożonej wewnętrznie. Rozwój towarzystw koncertowych i orkiestr amatorskich, podkreślający znaczenie muzyki jako części życia klasy średniej, przyczynił się do rozkwitu rynku fortepianów, muzyki fortepianowej i wirtuozów, którzy mogli służyć za wzorce. Hummel, Beethoven i Clementi słynęli z improwizacji.

Bezpośredni wpływ baroku nadal zanikał: bas cyfrowany stał się mniej widoczny jako środek spajania wykonawstwa, praktyki wykonawcze z połowy XVIII wieku nadal zanikały. Równocześnie jednak zaczęły pojawiać się kompletne wydania mistrzów barokowych, a wpływy stylu barokowego wciąż wzrastały, zwłaszcza w coraz bardziej ekspansywnym wykorzystaniu mosiądzu. Inną cechą tego okresu jest rosnąca liczba wykonań, w których kompozytor nie był obecny. Doprowadziło to do zwiększenia szczegółowości i szczegółowości notacji; na przykład było mniej „opcjonalnych” partii, które występowały oddzielnie od głównej partytury.

Siła tych przesunięć uwidoczniła się wraz z III Symfonią Beethovena, której kompozytor nadał nazwę Eroica , co po włosku oznacza „bohaterską”. Podobnie jak w przypadku Święta wiosny Strawińskiego , może nie był pierwszym we wszystkich jego innowacjach, ale agresywne wykorzystanie każdej części stylu klasycznego odróżnia go od współczesnych dzieł: pod względem długości, ambicji i zasobów harmonicznych .

Pierwsza szkoła wiedeńska

Widok na Wiedeń w 1758 roku, Bernardo Bellotto

Pierwsza Szkoła Wiedeńska to nazwa używana głównie w odniesieniu do trzech kompozytorów okresu klasycznego w Wiedniu z końca XVIII wieku : Haydna, Mozarta i Beethovena. Od czasu do czasu do listy dodawany jest Franz Schubert .

W krajach niemieckojęzycznych używany jest termin Wiener Klassik (dosł. wiedeńska epoka klasyczna/sztuka ). Termin ten jest często szerzej stosowany w odniesieniu do epoki klasycznej w muzyce jako całości, dla odróżnienia jej od innych okresów, które potocznie określa się mianem klasycznej , a mianowicie muzyki barokowej i romantycznej .

Termin „szkoła wiedeńska” został po raz pierwszy użyty przez austriackiego muzykologa Raphaela Georga Kiesewettera w 1834 roku, chociaż do szkoły zaliczał on tylko Haydna i Mozarta. Inni pisarze poszli w ich ślady i ostatecznie Beethoven został dodany do listy. Dzisiaj dodano określenie „pierwsza”, aby uniknąć pomyłki z II szkołą wiedeńską .

Chociaż poza Schubertem, ci kompozytorzy z pewnością znali się (przy okazji Haydn i Mozart byli nawet okazjonalnymi partnerami w muzyce kameralnej), nie ma sensu, aby angażowali się we wspólny wysiłek w takim sensie, w jakim kojarzyłoby się to ze szkołami XX wieku. takich jak Druga Szkoła Wiedeńska czy Les Six . Nie ma też żadnego znaczącego sensu, w jakim jeden kompozytor był „uczony” przez drugiego (tak jak Berga i Weberna uczył Schoenberg), choć prawdą jest, że Beethoven przez pewien czas pobierał lekcje od Haydna.

Próby poszerzenia Pierwszej Szkoły Wiedeńskiej o późniejsze postacie, takie jak Anton Bruckner , Johannes Brahms i Gustav Mahler , mają charakter wyłącznie publicystyczny i nigdy nie spotyka się w akademickiej muzykologii.

Klasyczny wpływ na późniejszych kompozytorów

1875 obraz olejny Franza Schuberta autorstwa Wilhelma Augusta Riedera , według jego własnego portretu akwarelowego z 1825 r .

Epoki muzyczne i ich dominujące style, formy i instrumenty rzadko znikają od razu; zamiast tego funkcje są wymieniane z czasem, aż stare podejście jest po prostu postrzegane jako „staromodne”. Styl klasyczny nie „umarł” nagle; raczej stopniowo wycofywał się pod ciężarem zmian. Podam tylko jeden przykład, chociaż ogólnie mówi się, że era klasyczna przestała używać klawesynu w orkiestrach, nie stało się to nagle na początku ery klasycznej w 1750 roku. Raczej orkiestry powoli przestały używać klawesynu do gry basso continuo , dopóki praktyka nie została przerwana pod koniec XVIII wieku.

Feliks Mendelssohn
Portret Mendelssohna autorstwa Jamesa Warrena Childe'a , 1839

Jedną z kluczowych zmian było przesunięcie w kierunku harmonii skupionych na klawiszach „płaskich”: przesunięcia w kierunku subdominującym . W stylu klasycznym tonacja durowa była znacznie bardziej powszechna niż mollowa, chromatyczność była moderowana przez użycie „ostrej” modulacji (np. utwór w C-dur modulujący do G-dur, D-dur lub A-dur, z których wszystkie są kluczami z większą ilością ostrych przedmiotów). Również sekcje w trybie molowym były często używane do kontrastu. Począwszy od Mozarta i Clementiego, rozpoczęła się pełzająca kolonizacja regionu subdominującego (akord ii lub IV, który w tonacji C-dur byłby tonacją d-moll lub F-dur). U Schuberta subdominantowe modulacje rozkwitały po wprowadzeniu w kontekstach, w których wcześniejsi kompozytorzy ograniczyliby się do przesunięć dominujących (modulacje do akordu dominującego , np. w tonacji C-dur, modulujące do G-dur). To wprowadziło ciemniejsze kolory do muzyki, wzmocniło tryb molowy i utrudniło utrzymanie struktury. Przyczynił się do tego Beethoven, coraz częściej wykorzystując czwartą jako konsonans i niejednoznaczność modalną — na przykład otwarcie IX Symfonii d-moll .

Ludwig van Beethoven , Franz Schubert , Carl Maria von Weber i John Field należą do najwybitniejszych w tym pokoleniu „protoromantyków”, obok młodego Feliksa Mendelssohna . Na ich wyczucie formy silny wpływ miał styl klasycystyczny. Chociaż nie byli jeszcze „wyuczonymi” kompozytorami (naśladującymi zasady, które zostały skodyfikowane przez innych), bezpośrednio reagowali na dzieła Haydna, Mozarta, Clementiego i innych, gdy się z nimi zetknęli. Siły instrumentalne, którymi dysponowali w orkiestrach, były również dość „klasyczne” pod względem liczby i różnorodności, co pozwalało na podobieństwo do dzieł klasycznych.

Jednak siły, które miały zakończyć panowanie stylu klasycznego, nabrały siły w twórczości wielu z wymienionych kompozytorów, zwłaszcza Beethovena. Najczęściej przytaczaną jest innowacja harmoniczna. Ważny jest również coraz większy nacisk na posiadanie ciągłej i rytmicznie jednolitej towarzyszącej figuracji: Sonata księżycowa Beethovena była wzorem dla setek późniejszych utworów – gdzie zmienny ruch figury rytmicznej zapewnia znaczną część dramatyzmu i zainteresowania utworu, podczas gdy melodia dryfuje nad nim. Większa wiedza o utworach, większa wiedza instrumentalna, rosnąca różnorodność instrumentów, rozwój towarzystw koncertowych i niepowstrzymana dominacja coraz potężniejszego fortepianu (któremu śmielszy i głośniejszy ton nadano dzięki postępom technologicznym, takim jak użycie stalowych strun, ciężkie żeliwne ramy i sympatycznie wibrujące struny) stworzyły ogromną publiczność dla wyrafinowanej muzyki. Wszystkie te trendy przyczyniły się do przejścia do stylu „romantycznego” .

Wyznaczenie granicy między tymi dwoma stylami jest bardzo trudne: niektóre fragmenty późniejszych dzieł Mozarta, wzięte osobno, są nie do odróżnienia pod względem harmonii i orkiestracji od muzyki napisanej 80 lat później – a niektórzy kompozytorzy nadal pisali w normatywnych stylach klasycznych do początku XX wieku. Jeszcze przed śmiercią Beethovena kompozytorzy tacy jak Louis Spohr byli samozwańczymi romantykami, stosując w swoich utworach na przykład bardziej ekstrawagancką chromatykę (np. stosując harmonie chromatyczne w progresji akordów utworu ). Z kolei dzieła takie jak V Symfonia Schuberta , napisana w chronologicznym schyłku epoki klasycyzmu i narodzinach romantyzmu , wykazują celowo anachroniczny paradygmat artystyczny, nawiązujący do stylu kompozytorskiego sprzed kilkudziesięciu lat.

Jednak upadek Wiednia jako najważniejszego muzycznego centrum kompozycji orkiestrowej w późnych latach dwudziestych XIX wieku, przyspieszony śmiercią Beethovena i Schuberta , oznaczał ostateczne zaćmienie stylu klasycznego – i koniec jego ciągłego organicznego rozwoju jednego kompozytora uczącego się w bliskim sąsiedztwie inni. Franciszek Liszt i Fryderyk Chopin odwiedzili Wiedeń w młodości, ale potem przenieśli się do innych miast. Kompozytorzy tacy jak Carl Czerny , będąc pod silnym wpływem Beethovena, również szukali nowych pomysłów i nowych form, aby pomieścić większy świat muzycznej ekspresji i wykonania, w którym żyli.

Ponowne zainteresowanie formalną równowagą i powściągliwością XVIII-wiecznej muzyki klasycznej doprowadziło na początku XX wieku do rozwoju tak zwanego stylu neoklasycznego , który zaliczał Strawińskiego i Prokofiewa do swoich zwolenników, przynajmniej w niektórych momentach ich kariery.

Instrumenty z epoki klasycznej

Fortepian przez Paula McNulty'ego wg Waltera i Sohna, ok. 1930 1805

Gitara

Gitara barokowa, z czterema lub pięcioma zestawami podwójnych strun lub „kursów” i misternie zdobionym otworem rezonansowym, była instrumentem bardzo odmiennym od wczesnej gitary klasycznej, która bardziej przypomina nowoczesny instrument ze standardowymi sześcioma strunami. Sądząc po liczbie wydanych instrukcji obsługi instrumentu – w latach 1760-1860 ukazało się ponad trzysta tekstów ponad dwustu autorów – okres klasyczny był dla gitary złotym wiekiem.

Smyczki

W epoce baroku smyczkowe instrumenty smyczkowe używane w zespołach były bardziej zróżnicowane, z takimi instrumentami jak viola d'amore i szeregiem altówek progowych , od małych altówek po duże altówki basowe. W okresie klasycznym sekcja smyczkowa orkiestry została ustandaryzowana na zaledwie cztery instrumenty:

  • Skrzypce (w orkiestrach i muzyce kameralnej zazwyczaj występują pierwsze i drugie skrzypce, przy czym te pierwsze grają melodię i/lub wyższą linię, a drugie grają albo kontramelodię, partię harmonii, partię poniżej pierwszej linii skrzypiec w tonacji lub linia akompaniamentu)
  • Viola (głos altowy orkiestrowej sekcji smyczkowej i kwartetu smyczkowego; często wykonuje „głosy wewnętrzne”, będące liniami akompaniamentu wypełniającymi harmonię utworu)
  • Wiolonczela (wiolonczela odgrywa dwie role w muzyce epoki klasycznej; czasami jest używana do grania linii basowej utworu, zwykle podwajana przez kontrabasy [Uwaga: gdy wiolonczele i kontrabasy czytają tę samą linię basową, basy grają oktawę poniżej wiolonczele, bo bas jest instrumentem transponującym], a innym razem wykonuje melodie i solówki w dolnym rejestrze)
  • Kontrabas (bas zazwyczaj wykonuje najniższe tony w sekcji smyczkowej, aby zapewnić linię basu dla utworu)

W epoce baroku kontrabasiści zwykle nie otrzymywali osobnej partii; zamiast tego zwykle grali tę samą linię basu basso continuo , co wiolonczele i inne instrumenty o niskim tonie (np. teorbę , instrument dęty wężowy , viole ), aczkolwiek oktawę poniżej wiolonczel, ponieważ kontrabas jest instrumentem transponującym, który brzmi jedną oktawę niższy niż jest napisany. W epoce klasycznej niektórzy kompozytorzy nadal pisali tylko jedną partię basową do swojej symfonii, oznaczoną „bassi”; tę partię basową grali wiolonczeliści i kontrabasiści. W epoce klasycznej niektórzy kompozytorzy zaczęli dawać kontrabasom własną partię.

Instrumenty dęte drewniane

Perkusja

Klawiatury

Mosiądz

Zobacz też

Uwagi

Dalsze czytanie

Zewnętrzne linki