Dramat - Drama

Maski komedii i tragedii

Teatr jest specyficzny tryb od fikcji reprezentowane w wydajności : w sztuce , opery , pantomimy , baletu , itp, wykonywane w teatrze lub w radiu lub telewizji . Traktowana jako gatunek poezji w ogóle, tryb dramatyczny zostało skontrastowane z epickim a lirycznych trybach odkąd Arystotelesa „s Poetyki (ok. 335 pne) -The najwcześniejsze prace teorii dramatycznych .

Termin „drama” pochodzi od greckiego słowa „ draō ”, czyli „ robić / działać ” ( Klasyczny grecki : δρᾶμα , dramat ), która wywodzi się od „ja” ( Klasyczny grecki : δράω , drao ). Dwie maski związane z dramatem reprezentują tradycyjny gatunkowy podział na komedię i tragedię .

W języku angielskim (podobnie jak w wielu innych językach europejskich) słowo play or game (tłumaczenie anglosaskiego pleġan lub łacińskiego ludus ) było standardowym określeniem dramatów do czasów Williama Szekspira — podobnie jak jego twórca był play-maker , a nie dramaturg i budynek był play-dom , a nie teatr .

Użycie słowa „dramat” w węższym sensie wyznaczyć konkretny typ z zabaw pochodzi z czasów nowożytnych. „Dramat” w tym sensie odnosi się do spektaklu, który nie jest ani komedią, ani tragedią – na przykład Teresa Raquin Zoli ( 1873 ) czy Ivanov Czechowa ( 1887 ). To właśnie to węższe znaczenie przemysł filmowy i telewizyjny , wraz z filmoznawstwem , zaadoptował do opisania „ dramatu ” jako gatunku w swoich mediach. Termin „ dramat radiowy ” jest używany w obu znaczeniach – pierwotnie transmitowany w wykonaniu na żywo. Może również odnosić się do bardziej wyniosłego i poważnego końca dramatycznego dorobku radia .

Inscenizacja dramatu w teatrze , wykonywana przez aktorów na scenie przed publicznością , zakłada wspólne sposoby produkcji i kolektywną formę odbioru. Na strukturę tekstów dramatycznych , w przeciwieństwie do innych form literatury , bezpośrednio wpływa ta wspólna produkcja i zbiorowy odbiór.

Mim to forma dramatu, w którym akcja opowieści opowiadana jest wyłącznie poprzez ruch ciała. Dramat można łączyć z muzyką : tekst dramatyczny w operze jest na ogół śpiewany przez cały czas; jak w niektórych baletach taniec „wyraża lub naśladuje emocje, charakter i akcję narracyjną”. Musicale zawierają zarówno dialogi mówione, jak i piosenki ; a niektóre formy dramatu mają okazjonalną muzykę lub akompaniament muzyczny podkreślający dialog (np. melodramat i japońskie ). Dramat w szafie to forma, która ma być raczej czytana niż odgrywana. W improwizacji dramat nie istnieje przed momentem wykonania; wykonawcy spontanicznie wymyślają dramatyczny scenariusz na oczach publiczności.

Historia zachodniego dramatu

Klasyczny dramat grecki

Płaskorzeźba siedzącego poety ( Menander ) z maskami Nowej Komedii , I wiek p.n.e. – początek I wne, Muzeum Sztuki Uniwersytetu Princeton

Dramat zachodni wywodzi się z klasycznej Grecji . Teatralny kultura tego miasta-państwa z Aten produkowane trzy gatunki dramatyczne: tragedię , komedię , a grę satyra . Ich pochodzenie pozostaje niejasne, choć już w V wieku pne zostały zinstytucjonalizowane w konkursach organizowanych w ramach uroczystości ku czci boga Dionizosa . Historycy znają nazwiska wielu starożytnych greckich dramaturgów, w tym Thespisa , któremu przypisuje się innowację aktora („ hipokrytów ”), który mówi (zamiast śpiewa) i wciela się w postać (zamiast mówić we własnej osobie), podczas gdy interakcja z chórem i jego liderem („ koryfeuszem ”), którzy stanowili tradycyjną część spektaklu poezji niedramatycznej ( dytyrambia , liryka i epopeja ).

Do dziś zachowała się jednak tylko niewielka część twórczości pięciu dramaturgów: mamy niewielką liczbę kompletnych tekstów tragików Ajschylosa , Sofoklesa i Eurypidesa oraz komików Arystofanesa i z końca IV wieku Menandera. . Tragedia historyczna Ajschylosa Persowie to najstarszy zachowany dramat, choć kiedy zdobył pierwszą nagrodę na konkursie City Dionysia w 472 rpne, pisał sztuki przez ponad 25 lat. Rywalizacja („ agon ”) na tragedie mogła rozpocząć się już w 534 pne; oficjalne zapisy (" didaskaliai ") zaczynają się od 501 rpne, kiedy wprowadzono sztukę satyra . Tragiczne dramaturdzy byli zobowiązani do przedstawienia tetralogię odtworzeń (choć poszczególne prace niekoniecznie były podłączone przez historię lub tematu), które zazwyczaj składało się z trzech tragedii i jedną grę satyra (choć wyjątki zostały wykonane, jak z Eurypidesa Alkestis w 438 pne) . Komedia została oficjalnie uhonorowana nagrodą w konkursie od 487 do 486 pne.

Pięciu dramaturgów komicznych rywalizowało w City Dionysia (choć podczas wojny peloponeskiej liczba ta mogła zostać zredukowana do trzech), z których każdy oferował jedną komedię. Starożytna grecka komedia jest tradycyjnie podzielona na „starą komedię” (V wiek pne), „średnią komedię” (IV wiek pne) i „nową komedię” (koniec IV do II pne).

Klasyczny rzymski dramat

Statuetka z kości słoniowej rzymskiego aktora tragedii , I wiek n.e.

Po ekspansji Republiki Rzymskiej (509–27 pne) na kilka terytoriów greckich w latach 270–240 pne, Rzym zetknął się z dramatem greckim . Od późniejszych lat republiki i za pośrednictwem Cesarstwa Rzymskiego (27 pne-476 ne) teatr rozprzestrzenił się na zachód w całej Europie, wokół Morza Śródziemnego i dotarł do Anglii; Teatr rzymski był bardziej zróżnicowany, obszerny i wyrafinowany niż jakakolwiek wcześniejsza kultura.

Podczas gdy dramat grecki był nadal wystawiany przez cały okres rzymski, rok 240 pne wyznacza początek regularnego dramatu rzymskiego . Od początków imperium zainteresowanie dramatem pełnometrażowym spadło jednak na rzecz szerszej gamy rozrywek teatralnych. Pierwszymi ważnymi dziełami literatury rzymskiej były tragedie i komedie pisane przez Liwiusza Andronika od 240 p.n.e. Pięć lat później Gnejusz Naevius zaczął także pisać dramaty. Nie zachowały się żadne sztuki żadnego z pisarzy. Podczas gdy obaj dramaturdzy komponowali w obu gatunkach , Andronicus był najbardziej ceniony za swoje tragedie, a Naevius za komedie; ich następcy mieli tendencję do specjalizowania się w jednym lub drugim, co doprowadziło do oddzielenia późniejszego rozwoju każdego rodzaju dramatu.

Na początku II wieku p.n.e. dramat ugruntował się w Rzymie i powstał cech pisarzy ( collegium poetarum ). Komedie rzymskie, które przetrwały, to wszystkie fabula palliata (komedie oparte na tematyce greckiej) i pochodzą od dwóch dramaturgów: Tytusa Maccjusza Plauta (Plauta) i Publiusza Terencjusza Afera (Terence). Rzymscy dramaturdzy komediowi, przerabiając greckie oryginały, zlikwidowali rolę chóru w dzieleniu dramatu na epizody i wprowadzili do jego dialogu akompaniament muzyczny (pomiędzy 1/3 dialogu w komediach Plauta i 2/3 w tamtych Terence). Akcja wszystkich scen rozgrywa się na zewnątrz ulicy, a jej komplikacje wynikają często z podsłuchów .

Plautus, bardziej popularny z nich, napisał między 205 a 184 pne i przetrwało dwadzieścia z jego komedii, z których najbardziej znane są jego farsy ; podziwiano go za dowcip dialogów i stosowanie różnorodnych środków poetyckich . Wszystkie sześć komedii, które Terence napisał w latach 166-160 p.n.e., przetrwały; złożoność jego fabuł, w których często łączył kilka greckich oryginałów, była czasem potępiana, ale jego podwójne wątki umożliwiały wyrafinowane przedstawienie kontrastujących ludzkich zachowań. Żadna wczesna tragedia rzymska nie przetrwała, choć w tamtych czasach była wysoko ceniona; historycy znają trzech wczesnych tragików — Kwintusa Enniusza , Marka Pakuwiusza i Lucjusza Akcjusza .

Z czasów cesarstwa przetrwało dzieło dwóch tragików – jeden jest autorem nieznanym, drugi to stoicki filozof Seneka . Przetrwało dziewięć tragedii Seneki, z których wszystkie są fabula crepidata (tragedie zaadaptowane z oryginałów greckich); Jego Phaedra , na przykład, była oparta na Eurypidesa " Hipolit . Historycy nie wiedzą, kto napisał jedyny zachowany przykład fabula praetexta (tragedii opartych na tematach rzymskich), Oktawia , ale w dawnych czasach błędnie przypisywano go Senece ze względu na jego pojawienie się jako bohatera tragedii.

Średniowieczny

Scena z XV-wiecznego moralitetu wernakularnego Zamek wytrwałości (znaleziono w Makrorękopisie ).

Począwszy od wczesnego średniowiecza kościoły wystawiały udramatyzowaną wersję wydarzeń biblijnych, zwanych dramatami liturgicznymi , aby ożywić coroczne uroczystości. Najwcześniejszym przykładem jest wielkanocny trop Kogo szukasz? (Quem-Quaeritis) (ok. 925). Dwie grupy śpiewały responsywnie po łacinie , chociaż nie chodziło o podszywanie się pod postacie . W XI wieku rozprzestrzenił się przez Europę do Rosji , Skandynawii i Włoch ; z wyłączeniem Hiszpanii epoki islamu .

W X wieku Hrosvitha napisał sześć sztuk po łacinie, wzorowanych na komedii Terence'a , ale poruszających tematy religijne. Jej sztuki są pierwszym znanym skomponowaniem przez kobietę dramatopisarza i pierwszym rozpoznawalnym zachodnim dramatem epoki postklasycznej. Później Hildegarda z Bingen napisała dramat muzyczny Ordo Virtutum (ok. 1155).

Jednym z najsłynniejszych wczesnych dramatów świeckich jest nadworny pastorał Robin i Marion , napisany w XIII wieku po francusku przez Adama de la Halle . Interludium Studenta i dziewczyny (ok. 1300), jedno z najwcześniejszych znanych w języku angielskim, wydaje się najbliższe tonem i formą współczesnym francuskim farsom , takim jak Chłopiec i ślepiec .

Wiele sztuk zachowało się z Francji i Niemiec w późnym średniowieczu , kiedy jakiś rodzaj dramatu religijnego był wystawiany w prawie każdym kraju europejskim. Wiele z tych sztuk zawierało komedie , diabły , złoczyńców i klaunów . W Anglii gildie handlowe zaczęły wystawiaćmisterium ” w językach narodowych , które składały się z długich cykli wielu dramatów lub „wyborów”, z których zachowały się cztery : York (48 sztuk), Chester (24), Wakefield (32) i tak zwane „ N-Town ” (42). The Second Shepherds Play z cyklu Wakefield to farsowa opowieść o skradzionej owcy, którą jej bohater , Mak, próbuje udawać jako nowonarodzone dziecko śpiące w łóżeczku; kończy się, gdy pasterze, którym ukradł, zostają wezwani do Narodzenia Jezusa .

Sztuki moralności (współczesny termin) pojawiły się jako wyraźna forma dramatyczna około 1400 roku i rozkwitły we wczesnej epoce elżbietańskiej w Anglii. Znaki były często używane do reprezentowania różnych ideałów etycznych. Everyman , na przykład, zawiera takie figury jak Dobre Uczynki, Wiedza i Siła, a ta charakterystyka wzmacnia dla widza konflikt między dobrem a złem. Zamek Wytrwałości (ok. 1400-1425) przedstawia postęp archetypowej postaci od narodzin do śmierci. Horestes (ok. 1567), późne „hybryda moralność” i jeden z najwcześniejszych przykładów angielskiej zemsty gry , łączy klasyczną historię Orestesa z Vice od średniowiecznej alegorycznej tradycji, na przemian komiks, krotochwila sceny z poważnym, tragiczne te. Ważne w tym okresie były też dramaty ludowe Mummers Play , wystawiane w okresie świątecznym . Kort Maski były szczególnie popularne w okresie panowania Henryka VIII .

elżbietańskiej i jakobijskiej

Jeden z wielkich rozkwitów dramatu w Anglii miał miejsce w XVI i XVII wieku. Wiele z tych sztuk zostało napisanych wierszem, zwłaszcza jambicznym pentametrem . Oprócz Szekspira wybitnymi dramaturgami w tym okresie byli tacy autorzy, jak Christopher Marlowe , Thomas Middleton i Ben Jonson . Podobnie jak w średniowieczu , sztuki historyczne celebrowały życie dawnych królów, wzmacniając wizerunek monarchii Tudorów . Autorzy tego okresu czerpali niektóre ze swoich wątków z mitologii greckiej i mitologii rzymskiej lub ze sztuk wybitnych dramaturgów rzymskich, takich jak Plaut i Terence .

Angielska komedia restauracyjna

Colley Cibber jako ekstrawagancki i wpływowy Lord Foppington, „brutalny, zły i mądry”, w The Relapse (1696) Vanbrugha .

Komedia restauracyjna odnosi się do angielskich komedii napisanych i wykonanych w Anglii w okresie Restauracji od 1660 do 1710 roku. Komedia obyczajowa jest używana jako synonim komedii restauracyjnej. Po zakazie teatru publicznego przez reżim purytański , ponowne otwarcie teatrów w 1660 r. wraz z restauracją Karola II zasygnalizowało renesans dramatu angielskiego . Komedia restauracyjna znana jest z seksualnej jednoznaczności, wytworności, kosmopolitycznego dowcipu , najświeższego pisania na aktualne tematy oraz zatłoczonych i tętniących życiem fabuł. Jego dramaturdzy swobodnie kradli ze współczesnej francuskiej i hiszpańskiej sceny, z angielskich dramatów jakobińskich i karolińskich , a nawet z klasycznych komedii greckich i rzymskich , łącząc różne wątki w śmiały sposób. Wynikające z tego różnice w tonie w jednej sztuce były raczej doceniane niż krzywo na siebie, ponieważ publiczność ceniła „różnorodność” zarówno w ramach spektakli, jak i między nimi. Komedia restauracyjna osiągnęła szczyt dwukrotnie. Gatunek osiągnął spektakularną dojrzałość w połowie lat 70. XVII wieku dzięki ekstrawagancji arystokratycznych komedii. Dwadzieścia chudych lat nastąpiło po tym krótkim złotym wieku, chociaż osiągnięcie pierwszej profesjonalnej dramatopisarki, Aphry Behn , w latach 80. XVII wieku, jest ważnym wyjątkiem. W połowie lat 90. nastał krótki, drugi renesans komedii „Restoration”, skierowany do szerszej publiczności. Komedie szczytowych lat 70. i 90. XVII wieku znacznie się od siebie różnią.

Bezsensowne lub „twarde” komedie Johna Drydena , Williama Wycherleya i George'a Etherege'a odzwierciedlały atmosferę na Dworze i szczerze celebrowały arystokratyczny styl życia macho pełen nieustannych seksualnych intryg i podbojów. Hrabia Rochester , Prawdziwe życie Restoration grabie, dworzanin i poeta, jest pochlebnie przedstawiana w Etherege za człowiek trybie (1676) jako rozbrykany, dowcipny, intelektualnej i seksualnie nieodpartą arystokraty, szablon do idei potomności dnia wspaniałego Restoration prowizji (właściwie nigdy nie jest to bardzo powszechna postać w komedii Restoration). Jedyną sztuką, która w największym stopniu wspiera zarzut nieprzyzwoitości, wyrównywany wtedy i teraz w komedii Restoration, jest prawdopodobnie arcydzieło Wycherley'a The Country Wife (1675), którego tytuł zawiera sprośny kalambur i którego słynna „scena z porcelany” to seria ciągłych podwójnych występów .

Podczas drugiej fali komedii Restauracji w latach 90. XVII wieku „łagodniejsze” komedie Williama Congreve'a i Johna Vanbrugha miały przemawiać do bardziej zróżnicowanej społecznie publiczności z silnym elementem klasy średniej, a także do kobiet. Akcja komiksu przenosi się z młodych kochanków przechytrzających starsze pokolenie na perypetie małżeńskich relacji. W Congreve's Love for Love (1695) i The Way of the World (1700) fragmenty par, które testują swój pociąg do siebie, przekształciły się w dowcipne dyskusje przedślubne w przeddzień małżeństwa, jak w przypadku tych ostatnich. słynna scena "Proviso". The Provoked Wife (1697) Vanbrugha ma lekki akcent i bardziej rozpoznawalne po ludzku postacie, podczas gdy The Relapse (1696) był podziwiany za jednorazowy dowcip i charakterystykę Lorda Foppingtona, ekstrawaganckiego i afektowanego burleski frajera z ciemną stroną. Tolerancja dla komedii restauracji, nawet w jej zmodyfikowanej formie, kończyła się pod koniec XVII wieku, gdy opinia publiczna zwróciła się do szacunku i powagi jeszcze szybciej niż dramaturdzy. Podczas wyczekiwanej przez gwiazdy premiery w 1700 roku „Drogi świata” , pierwszej od pięciu lat komedii Congreve'a, publiczność wykazała umiarkowany entuzjazm dla tej subtelnej i niemal melancholijnej pracy. Komedia seksu i dowcipu miała zostać zastąpiona komedią sentymentalną i dramatem wzorowej moralności.

Nowoczesna i postmodernistyczna

Kluczowy i innowacyjny wkład XIX-wiecznego norweskiego dramaturga Henrika Ibsena i XX-wiecznego niemieckiego praktyka teatralnego Bertolta Brechta zdominował współczesny dramat; każdy z nich zainspirował tradycję naśladowców, wśród których jest wielu najwybitniejszych dramaturgów epoki nowożytnej. Dzieła obu dramaturgów są na różne sposoby zarówno modernistyczne , jak i realistyczne , zawierają eksperymenty formalne , metateatralność i krytykę społeczną . W kategoriach tradycyjnego teoretycznego dyskursu gatunkowego twórczość Ibsena została określona jako kulminacja „ tragedii liberalnej ”, podczas gdy praca Brechta została zrównana z uhistorycznioną komedią.

Inne ważne dramaturgów współczesnego epoki należą Antonin Artaud , August Strindberg , Antoni Czechow , Frank Wedekind , Maurice'a Maeterlincka , Federico Garcia Lorca , Eugene O'Neill , Luigi Pirandello , George Bernard Shaw , Ernst Toller , Władimir Majakowski , Arthura Millera , Tennessee Williamsa , Jean Genet , Eugène Ionesco , Samuel Beckett , Harold Pinter , Friedrich Dürrenmatta , Dario Fo , Heiner Müller i Caryl Churchill .

Opera

Opera zachodnia to dramatyczna forma sztuki, która powstała w okresie renesansu , próbując ożywić klasyczny grecki dramat, w którym połączono dialog, taniec i pieśń. Mocno spleciona z zachodnią muzyką klasyczną , opera przeszła ogromne zmiany w ciągu ostatnich czterech stuleci i do dziś jest ważną formą teatralną. Na uwagę zasługuje duży wpływ niemieckiego XIX-wiecznego kompozytora Richarda Wagnera na tradycję operową. Jego zdaniem w ówczesnych operach nie było właściwej równowagi między muzyką a teatrem, ponieważ muzyka wydawała się w tych utworach ważniejsza od dramatyzmu. Aby przywrócić związek z dramatem klasycznym, całkowicie odnowił formę operową, aby podkreślić równą wagę muzyki i dramatu w utworach, które nazwał „ dramatami muzycznymi ”.

Chińska opera od dłuższego czasu rozwija się bardziej konserwatywnie.

Pantomima

Pantomima (nieformalnie panto ), to rodzaj muzycznej komediowej produkcji scenicznej, przeznaczonej do rodzinnej rozrywki. Został opracowany w Anglii i nadal jest wykonywany w całej Wielkiej Brytanii, zazwyczaj w okresie Bożego Narodzenia i Nowego Roku oraz, w mniejszym stopniu, w innych krajach anglojęzycznych. Współczesna pantomima obejmuje piosenki, gagi, komedie slapstickowe i taniec, angażuje aktorów przekraczających płeć i łączy aktualny humor z historią luźno opartą na znanej baśni, baśni lub baśni ludowej . Jest to partycypacyjna forma teatru, w której publiczność ma śpiewać z określonymi fragmentami muzyki i wykrzykiwać frazy do wykonawców.

Historie te nawiązują do tradycji baśni i podań ludowych . Zwykle jest nauczona lekcja i z pomocą publiczności bohater/bohaterka ratuje sytuację. W tego rodzaju sztukach wykorzystuje się zwykłe postacie widziane w maskach i ponownie commedia dell'arte , takie postacie obejmują złoczyńcę (doctore), klauna/sługę (Arlechino/Arlekin/guziki), kochanków itp. Te sztuki zwykle kładą nacisk na moralność dylematy , a dobro zawsze zwycięża zło, ten rodzaj zabawy jest również bardzo zabawny, dzięki czemu jest bardzo skutecznym sposobem dotarcia do wielu ludzi.

Pantomima ma długą historię teatralną w kulturze zachodniej, sięgającą teatru klasycznego. Wywodził się częściowo z tradycji włoskiej komedii dell'arte z XVI wieku , a także z innych europejskich i brytyjskich tradycji scenicznych, takich jak XVII-wieczne maski i sala muzyczna . Ważną częścią pantomimy do końca XIX wieku była arlekinada . Poza Brytanii słowo „pantomima” jest zazwyczaj używany w znaczeniu miming zamiast forma teatralna tutaj omawiane.

Mim

Mim to medium teatralne, w którym akcja opowieści opowiedziana jest poprzez ruch ciała, bez użycia mowy. Występ pantomimy miał miejsce w starożytnej Grecji , a słowo to pochodzi od jednego zamaskowanego tancerza o imieniu Pantomimus , choć ich występy niekoniecznie były ciche. W średniowiecznej Europie rozwinęły się wczesne formy pantomimy, takie jak mummer plays, a później dumbshow . Na początku XIX wieku w Paryżu , Jean-Gaspard Deburau zestalony wiele atrybutów, które poznali w czasach współczesnych, w tym cichym cyfrze Whiteface.

Jacques Copeau , pod silnym wpływem Commedia dell'arte i japońskiego teatru Noh , używał masek w szkoleniu swoich aktorów. Étienne Decroux , jego uczeń, był pod silnym wpływem tego i zaczął badać i rozwijać możliwości mimu i wyrafinowanego mimu cielesnego w wysoce rzeźbiarską formę, wyprowadzając ją poza sferę naturalizmu . Jacques Lecoq swoimi metodami treningowymi znacząco przyczynił się do rozwoju pantomimy i teatru fizycznego .

Balet

Podczas gdy niektóre balet kładą nacisk na „sam linie i wzory ruchu”, taniec dramatyczny „wyraża lub naśladuje emocje, charakter i akcję narracyjną”. Takie balety są dziełami teatralnymi, które mają postacie i „opowiadają historię”, ruchy taneczne w balecie „są często ściśle związane z codziennymi formami ekspresji fizycznej, [tak, że] istnieje cecha ekspresyjna nieodłącznie związana z prawie każdym tańcem”, a to jest używane do przekazywania zarówno akcji, jak i emocji; używany jest również mim. Przykłady obejmują Piotr Czajkowski „s Swan Lake , który opowiada historię Odette, księżniczkę zamienił się w łabędzia przez przekleństwo złego czarnoksiężnika, Siergiej Prokofiew ” s baletu Romeo i Julia , opartego na słynnej sztuki Szekspira oraz Igora Strawińskiego „s Pietruszki , który opowiada historię miłości i zazdrości trzech marionetek.

Kreatywny dramat

Dramat kreatywny obejmuje zajęcia i gry dramatyczne wykorzystywane głównie w środowisku edukacyjnym z dziećmi. Jej korzenie w Stanach Zjednoczonych rozpoczęły się na początku XX wieku. Winifred Ward jest uważana za założycielkę kreatywnej dramy w edukacji, ustanawiając pierwsze akademickie zastosowanie dramy w Evanston w stanie Illinois.

Dramat azjatycki

Indie

Scena z dramatu Makbet przez Kalidasa Kalakendram w Kollam miasta, Indie
Performer grający Sugrivę w formie teatru sanskryckiego Koodiyattam .

Najwcześniejszą formą indyjskiego dramatu był dramat sanskrycki . Między I wiekiem a X w ne był okres względnego spokoju w historii Indii, podczas którego napisano setki sztuk. Wraz z islamskimi podbojami, które rozpoczęły się w X i XI wieku, teatr został zniechęcony lub całkowicie zabroniony. Później, próbując ponownie potwierdzić rodzime wartości i idee, na całym subkontynencie zachęcano do teatru wiejskiego, rozwijającego się w różnych językach regionalnych od XV do XIX wieku. Ruch Bhakti miał wpływ na występy w kilku regionach. Oprócz języków regionalnych, Assam widział powstanie Vaishnavite dramatu w sztucznie mieszanego języka literackiego zwanego Brajavali . W twórczości Sankardeva rozwinęła się odrębna forma jednoaktówek Ankia Naat , której szczególna prezentacja to Bhaona . Współczesny teatr indyjski rozwinął się w okresie rządów kolonialnych pod panowaniem Imperium Brytyjskiego , od połowy XIX wieku do połowy XX wieku.

Teatr sanskrycki

Najwcześniejsze zachowane fragmenty dramatu sanskryckiego pochodzą z I wieku naszej ery. Bogactwo archeologicznych dowodów z wcześniejszych okresów nie wskazuje na istnienie tradycji teatralnej. Starożytne Wedy ( hymny spomiędzy 1500 a 1000 pne, które są jednym z najwcześniejszych przykładów literatury na świecie) nie zawierają wskazówkę nim (choć niewielka liczba składa się w formie dialogu ) oraz rytuały z Vedic okres nie wydaje się, że rozwinął się w teatr. Mahabhasya przez Patańdżalego zawiera najwcześniejsze odniesienie do tego, co może być nasiona sanskrytu dramatu. Ten traktat o gramatyce z 140 roku p.n.e. podaje możliwą do zrealizowania datę początków teatru w Indiach .

Głównym źródłem dowodów na sanskrytu teatru jest Traktat o teatrze ( Nātyaśāstra ), kompendium, którego data powstania jest niepewna (szacunki wahają się od 200 pne do 200 ne) i którego autorstwo przypisuje się Bharata Muni . Traktat jest najbardziej kompletnym dziełem dramaturgii w świecie starożytnym. Odnosi się do aktorstwa , tańca , muzyki , konstrukcji dramatycznych , architektury, kostiumów , charakteryzacji , rekwizytów , organizacji teatrów , publiczności, konkursów i przedstawia mitologiczną relację o początkach teatru.

Jego dramat uważany jest za najwyższe osiągnięcie literatury sanskryckiej . Wykorzystywał standardowe postacie , takie jak bohater ( nayaka ), bohaterka ( nayika ) lub klaun ( vidusaka ). Aktorzy mogą specjalizować się w określonym typie. Patronowali jej królowie i sejmiki wiejskie. Znani wczesne dramaturgów m.in. Bhasa , Kalidasa (słynny na Vikrama i Urvashi , Malavika i Agnimitra i uznawania Shakuntala ), Śudraka (słynny na Małej Clay koszyka ), Aśvaghoṣa , Daṇḍin i cesarza Harsha (słynny na Nagananda , Ratnavali , oraz Priyadarsika ). Śakuntalā (w tłumaczeniu na język angielski) wpłynął na Fausta Goethego (1808-1832).

Współczesny dramat indyjski

Rabindranath Tagore był pionierem nowoczesnego dramatopisarza, który pisał sztuki znane z odkrywania i kwestionowania nacjonalizmu, tożsamości, spirytualizmu i chciwości materialnej. Jego sztuki są napisane w języku bengalskim i obejmują Chitra ( Chitrangada , 1892), Król ciemnej izby ( Raja , 1910), Poczta ( Dakghar , 1913) i Czerwony Oleander ( Raktakarabi , 1924). Girish Karnad jest znanym dramatopisarzem, który napisał wiele sztuk wykorzystujących historię i mitologię, aby krytykować i problematyzować idee i ideały, które mają współczesne znaczenie. Karnad w wielu sztukach takich jak Tughlaq , Hayavadana , Taledanda i Naga-Mandala znaczne wkłady do indyjskiego dramatu. Vijay Tendulkar i Mahesh Dattani to jedni z głównych indyjskich dramatopisarzy XX wieku. Mohan Rakesh w języku hindi i duński Iqbal w urdu są uważani za architektów dramatu new age. Aadhe Adhoore Mohana Rakesha i Dara Shikoh z duńskiego Iqbala są uważane za nowoczesne klasyki.

Współczesny dramat urdu Indii i Pakistanu

Dramat urdu wyewoluował z dominujących dramatycznych tradycji północnych Indii, kształtujących Rahas lub Raas, praktykowanych przez takich przedstawicieli, jak Nawab Wajid Ali Shah (1822 – 1887) z Awadh . Jego dramatyczne eksperymenty doprowadziły do ​​powstania słynnego Inder Sabha z Amanatu, a później tradycja ta przybrała kształt Parsi Theatre. Agha Hashr Kashmiri jest zwieńczeniem tej tradycji.

Tradycja teatru urdu wywarła ogromny wpływ na nowoczesny teatr indyjski . Teatr rozkwitł w języku urdu (który został nazwany hindi przez wczesnych pisarzy), wraz z gudżrati , marathi i bengalskim . Dramat urdu miał istotny wpływ na przemysł filmowy w Bombaju i wszystkie wczesne dzieła teatru urdu (wykonywane przez Parsi Companies) zostały przekształcone w filmy. Tradycja dramatyczna urdu istnieje od ponad 100 lat.

Prof Hasan, Ghulam Jeelani, JN, Kaushal, Shameem Hanfi, Jameel Shaidayi itp. należą do starego pokolenia, współcześni pisarze, tacy jak duński Iqbal, Sayeed Alam, Shahid Anwar, Iqbal Niyazi i Anwar, to kilku postmodernistycznych dramaturgów, którzy aktywnie przyczyniają się do pole dramatu urdu.

Sayeed Alam jest znany ze swojego dowcipu i humoru, a zwłaszcza ze sztuk takich jak „Ghalib w New Delhi”, „Big B” i wielu innych dzieł, które są regularnie wystawiane dla dużej publiczności. Maulana Azad to jego najważniejsza sztuka, zarówno pod względem treści, jak i stylu.

Sztuka duńskiego Iqbala Dara Shikoh w reżyserii MS Sathyu to nowoczesny klasyk, który wykorzystuje nowsze techniki teatralne i współczesną perspektywę. Jego inne sztuki to Sahir . o słynnym autorze tekstów i rewolucyjnym poecie. Kuchh Ishq kiya Kuchh Kaam to kolejna sztuka napisana przez Duńczyka, która jest w zasadzie Świętem poezji Faiza , przedstawia wydarzenia z wczesnego okresu jego życia, szczególnie wydarzenia i wydarzenia z dni przedrozbiorowych, które ukształtowały jego życie i ideały. Chand Roz Aur Meri Jaan – kolejna sztuka inspirowana listami Faiza pisanymi z różnych więzień podczas dni konspiracji Rawalpindi . Napisał 14 innych sztuk, w tym Dilli Jo Ek Shehr Thaa i Main Gaya Waqt Nahin hoon . Trzy B Shahida jest również znaczącą sztuką. Związany był z wieloma grupami jak „Natwa” i innymi. Zaheer Anwar podtrzymał flagę teatru urdu w Kalkucie . W przeciwieństwie do pisarzy poprzedniego pokolenia Sayeed, Shahid, duński Iqbal i Zaheer nie piszą książek książkowych, ale ich twórczość jest wytworem tradycji wykonawczej. Iqbal Niyazi z Bombaju napisał kilka sztuk w języku urdu, jego sztuka AUR KITNE JALYANWALA BAUGH? zdobył nagrodę krajową inne nagrody. Jest to więc jedyne po Amanat i Agha Hashr pokolenie, które tak naprawdę piszą na scenę, a nie dla bibliotek.

Chiny

Znaczek pocztowy ZSRR z 1958 r. upamiętniający Guan Hanqinga , jednego z wielkich chińskich dramaturgów, znanego ze swoich sztukzaju ”.

Chiński teatr ma długą i złożoną historię. Dziś często nazywa się ją chińską operą, chociaż zwykle odnosi się to konkretnie do popularnej formy znanej jako opera pekińska i Kunqu ; w Chinach było wiele innych form teatru, takich jak zaju .

Japonia

Japoński dramat Nō to poważna forma dramatyczna, która łączy dramat, muzykę i taniec w kompletne doświadczenie estetyczne. Rozwinęła się w XIV i XV wieku i posiada własne instrumenty muzyczne i techniki wykonawcze, które często przekazywane były z ojca na syna. Wykonawcami byli na ogół mężczyźni (zarówno w rolach męskich, jak i żeńskich), chociaż amatorki wykonują również dramaty Nō. Dramat Nō był wspierany przez rząd, a zwłaszcza wojsko, a wielu dowódców wojskowych miało swoje własne trupy i czasami występowało samodzielnie. Do dziś jest wykonywany w Japonii.

Kyōgen jest komicznym odpowiednikiem dramatu Nō. Koncentruje się bardziej na dialogu, a mniej na muzyce, choć instrumentaliści Nō czasami pojawiają się także w Kyōgen. Dramat kabuki , rozwijany od XVII wieku, to kolejna forma komiczna, do której należy taniec.

Zobacz też

Uwagi

Źródła

  • Banham, Martin, wyd. 1998. Przewodnik po teatrze Cambridge. Cambridge: Wydawnictwo Uniwersytetu Cambridge. ISBN  0-521-43437-8 .
  • Baumer, Rachel Van M. i James R. Brandon, wyd. 1981. Teatr sanskrycki w przedstawieniu. Delhi: Motilal Banarsidass, 1993. ISBN  978-81-208-0772-3 .
  • Bevington, David M. 1962. Od ludzkości do Marlowe: Wzrost struktury w popularnym dramacie Tudor Anglii. Cambridge, MA: Wydawnictwo Uniwersytetu Harvarda.
  • Bhatta, S. Kryszna. 1987. Indyjski dramat angielski: studium krytyczne. Nowe Delhi: funt szterling.
  • Brandon, James R. 1981. Wprowadzenie. W Baumer i Brandon (1981, xvii-xx).
  • Brandon, James R., wyd. 1997. Przewodnik Cambridge po teatrze azjatyckim”. 2, ks. wyd. Cambridge: Cambridge UP. ISBN  978-0-521-58822-5 .
  • Brockett, Oscar G. i Franklin J. Hildy. 2003. Historia Teatru . Wydanie dziewiąte, wydanie międzynarodowe. Boston: Allyn i Bacon. ISBN  0-205-41050-2 .
  • Brązowy, Andrzeju. 1998. „Starożytna Grecja”. W Przewodniku po teatrze Cambridge. Wyd. Martina Banhama. Cambridge: Cambridge UP. 441–447. ISBN  0-521-43437-8 .
  • Burt, Daniel S. 2008. Dramat 100: Ranking najlepszych sztuk wszechczasów. Fakty na temat ser. plików. Nowy Jork: Fakty na temat File/Infobase. ISBN  978-0-8160-6073-3 .
  • Callery, Dymfa. 2001. Przez ciało: praktyczny przewodnik po teatrze fizycznym. Londyn: Nick Hern. ISBN  1-854-59630-6 .
  • Carlson, Marcin. 1993. Teorie teatru: historyczny i krytyczny przegląd od Greków do współczesności. Rozszerzony wyd. Itaka i Londyn: Cornell University Press. ISBN  978-0-8014-8154-3 .
  • Cartledge, Paul. 1997. „'Deep Plays': Teatr jako proces w greckim życiu obywatelskim”. W Easterlingu (1997c, 3-35).
  • Chakraborty, Kaustav, wyd. 2011. Indyjski dramat angielski. New Delhi: Nauka PHI.
  • Deshpande, GP, wyd. 2000. Współczesny dramat indyjski: antologia. Nowe Delhi: Sahitya Akedemi.
  • Dillon, Janette. 2006. Wprowadzenie do wczesnego angielskiego teatru w Cambridge. Cambridge Wprowadzenie do literatury ser. Cambridge: Wydawnictwo Uniwersytetu Cambridge. ISBN  978-0-521-83474-2 .
  • Duchartre, Pierre Louis. 1929. Komedia włoska . Pełna republika. Nowy Jork: Dover, 1966. ISBN  0-486-21679-9 .
  • Dukore, Bernard F., wyd. 1974. Teoria dramatu i krytyka: Grecy do . Florencja, Kentucky: Heinle i Heinle. ISBN  0-03-091152-4 .
  • Durant, Will i Ariel Durant. 1963 Historia cywilizacji, tom II: Życie Grecji . 11 tomów. Nowy Jork: Simon i Schuster.
  • Easterling, PE 1997a. „Pokaz dla Dionizosa”. W Easterlingu (1997c, 36–53).
  • Easterling, PE 1997b. „Forma i wydajność”. W Easterlingu (1997c, 151–177).
  • Easterling, WP, wyd. 1997c. The Cambridge Companion to greckiej tragedii . Cambridge Companions to Literature ser. Cambridge: Cambridge UP. ISBN  0-521-42351-1 .
  • Ehrlich, Harriet W. 1974. „ Twórcza dramaturgia jako technika nauczania w klasie ”. Podstawowy angielski 51:1 (styczeń): 75–80.
  • Elam, Keir. 1980. W Semiotyka Teatru i Dramatu . Nowe akcenty Ser. Londyn i Nowy Jork: Methuen. ISBN  0-416-72060-9 .
  • Fergusson, Franciszek . 1949. Idea teatru: studium dziesięciu sztuk, sztuka dramatu w zmieniającej się perspektywie. Princeton, New Jersey: Princeton UP, 1968. ISBN  0-691-01288-1 .
  • Goldhill, Szymonie. 1997. „Publiczność ateńskiej tragedii”. W Easterlingu (1997c, 54–68).
  • Gordon, Mel. 1983. Lazzi : Komiksowe rutyny komedii dell'Arte . Nowy Jork: Performing Arts Journal Publications. ISBN  0-933826-69-9 .
  • Gutzwiller, Kathryn. 2007. Przewodnik po literaturze hellenistycznej. Londyn: Blackwell. ISBN  0-631-23322-9 .
  • Surowy, Philip Whaley. 1944. Podręcznik dramatu klasycznego . Stanford: Stanford w górę; Oxford: Oxford UP.
  • Johnstone, Keith . 1981. Impro: Improwizacja i Teatr ks. wyd. Londyn: Methuen, 2007. ISBN  0-7136-8701-0 .
  • Ley, Graham. 2006. Krótkie wprowadzenie do starożytnego teatru greckiego. Wyd. Chicago i Londyn: U Chicago P. ISBN  0-226-47761-4 .
  • O'Brien, Nick. 2010. Stanisławski w praktyce . Londyn: Routledge. ISBN  978-0415568432 .
  • O'Brien, Nick. 2007. Teatralność tragedii greckiej: przestrzeń gry i chór. Chicago i Londyn: U Chicago P. ISBN  0-226-47757-6 .
  • Pandey, Sudhakar i Freya Taraporewala, wyd. 1999. Studia we współczesnych Indiach. Nowe Delhi: prestiż.
  • Pfisterze, Manfredzie. 1977. Teoria i analiza dramatu . Przeł. Johna Hallidaya. Studia europejskie w literaturze angielskiej Ser. Cambridige: Cambridge University Press, 1988. ISBN  0-521-42383-X .
  • Remy, Tristan. 1954. Jean-Gaspard Deburau. Paryż: L'Arche.
  • Rehm, Rush . 1992. Grecki Teatr Tragiczny. Studia produkcji teatralnej ser. Londyn i Nowy Jork: Routledge. ISBN  0-415-11894-8 .
  • Richmond, Farley. 1998. „Indie”. W Banham (1998, 516-525).
  • Richmond, Farley P., Darius L. Swann i Phillip B. Zarrilli, wyd. 1993. Teatr indyjski: Tradycje performansu. U Hawajów P. ISBN  978-0-8248-1322-2 .
  • Spivacka, Bernarda. 1958. Szekspir i alegoria zła: historia metafory w odniesieniu do jego głównych złoczyńców. Nowy Jork i Londyn: Columbia UP. ISBN  0-231-01912-2 .
  • Spolin, Altówka . 1967. Improwizacja dla teatru . III ks. wyd. Evanston, Il.: Northwestern University Press, 1999. ISBN  0-8101-4008-X .
  • Taxidou, Olga. 2004. Tragedia, nowoczesność i żałoba . Edynburg: Edynburg UP. ISBN  0-7486-1987-9 .
  • Wickham, Glynne . 1959. Wczesne etapy angielskie: 1300-1660. Tom. 1. Londyn: Routledge.
  • Wickham, Glynne . 1969. Dramatyczne dziedzictwo Szekspira: zebrane studia nad dramatem średniowiecznym, Tudora i Szekspira. Londyn: Routledge. ISBN  0-710-06069-6 .
  • Wickham, Glynne , wyd. 1976. Angielskie przerywniki moralne. Londyn: Dent. ISBN  0-874-71766-3 .
  • Wickham, Glynne . 1981. Wczesne etapy angielskie: 1300-1660. Tom. 3. Londyn: Routledge. ISBN  0-710-00218-1 .
  • Wickham, Glynne . 1987. Teatr Średniowieczny. 3. wyd. Cambridge: Wydawnictwo Uniwersytetu Cambridge. ISBN  0-521-31248-5 .
  • Weimanna, Roberta. 1978. Szekspir i tradycja ludowa w teatrze: studia nad społecznym wymiarem formy i funkcji dramatycznej. Baltimore i Londyn: The Johns Hopkins University Press. ISBN  0-8018-3506-2 .
  • Weimanna, Roberta. 2000. Pióro autorskie i głos aktora: Gra i pisanie w teatrze Szekspira . Wyd. Helen Higbee i Williama Westa. Studia Cambridge w literaturze i kulturze renesansu. Cambridge: Wydawnictwo Uniwersytetu Cambridge. ISBN  0-521-78735-1 .

Zewnętrzne linki