Branża filmowa - Film industry

Ekipa filmowa w połowie XX wieku

Przemysł filmowy lub przemysł Motion Picture obejmuje technologicznych i komercyjnych instytucji filmowej , czyli filmowa firmy produkcyjne , studia filmowe , kinematografii , animacja , produkcja filmowa , scenariuszy , pre-produkcja , postprodukcja , festiwale filmowe , dystrybucja i aktorzy, reżyserzy i inny personel ekipy filmowej . Chociaż koszty związane z tworzeniem filmów niemal natychmiast skłoniły produkcję filmową do skupienia się pod auspicjami stałych firm produkcyjnych, postępy w przystępnym sprzęcie do produkcji filmów, a także rozszerzenie możliwości pozyskiwania kapitału inwestycyjnego spoza branży filmowej, pozwoliły niezależnemu filmowi. produkcja ewoluować.

W 2019 roku globalna kasa była warta 42,2 miliarda dolarów . Uwzględniając przychody ze sprzedaży biletów i rozrywki domowej , światowy przemysł filmowy był wart w 2018 r. 136 miliardów dolarów . Hollywood jest najstarszą na świecie narodową branżą filmową. Jednak w 2020 roku Chiny stały się największym terytorium kasowym, wyprzedzając Amerykę Północną w sumie brutto. Transformacja , długo oczekiwana przez analityków, została przyspieszona przez pandemię COVID-19 . Kino indyjskie jest największym krajowym przemysłem filmowym pod względem liczby wyprodukowanych filmów, z 1813 filmami fabularnymi produkowanymi rocznie od 2018 roku. W 2011 roku krajowymi przemysłami filmowymi o najwyższej rocznej sprzedaży biletów na świecie były kino indyjskie z 3,5  miliardem sprzedanych biletów , a następnie Hollywood z 2,6  miliarda sprzedanych biletów.

Nowoczesny przemysł filmowy

Na światowym rynku kinowym w 2019 roku sprzedaż biletów wyniosła 42,2 mld USD . Trzy największe kontynenty/regiony pod względem sprzedaży biletów brutto to: Azja i Pacyfik z 17,8 mld USD , Stany Zjednoczone i Kanada z 11,4 mld USD oraz Europa i Bliski Wschód. oraz Afryka Północna z 10,3 mld USD . W 2019 r. największymi rynkami pod względem sprzedaży biletów były (w kolejności malejącej) Stany Zjednoczone, Chiny , Japonia , Korea Południowa , Wielka Brytania i Francja . Od 2019 r. krajami o największej liczbie produkcji filmowych były Indie , Nigeria i Stany Zjednoczone. W Europie ważnymi ośrodkami produkcji filmowej są Włochy, Francja, Niemcy, Hiszpania i Wielka Brytania.

Stany Zjednoczone

Znak Hollywood

Kinematografia amerykańska , często określane ogólnie jako Hollywood, wywarł ogromny wpływ na kino całym świecie od początku 20 wieku. Kino Stanów Zjednoczonych (Hollywood) jest najstarszym przemysłem filmowym na świecie, a także największym pod względem przychodów. Hollywood jest głównym ogniwem amerykańskiego przemysłu filmowego z uznanymi ośrodkami studiów filmowych, takimi jak American Film Institute , LA Film School i NYFA, które znajdują się na tym obszarze. Jednak cztery z sześciu głównych studiów filmowych należą do firm ze Wschodniego Wybrzeża . Te główne studia filmowe z Hollywood, w tym Metro-Goldwyn-Mayer , 20th Century Fox i Paramount Pictures są podstawowym źródłem najbardziej komercyjny sukces filmów na świecie , takich jak The Sound of Music (1965) Star Wars (1977), Titanic (1997) i Avatar (2009).

Amerykańskie studia filmowe generują dziś łącznie kilkaset filmów rocznie, co czyni Stany Zjednoczone jednym z najbardziej płodnych producentów filmów na świecie. Tylko The Walt Disney Company — która jest właścicielem studia Walt Disney — ma pełną siedzibę w południowej Kalifornii . I podczas gdy Sony Pictures Entertainment z siedzibą w Culver City, Kalifornia, jej spółki dominującej, w Sony Corporation , z siedzibą w Tokio , Japonia. Obecnie większość zdjęć ma miejsce w Kalifornii , Nowym Jorku , Luizjanie , Georgii i Północnej Karolinie . W latach 2009-2015 Hollywood konsekwentnie zarabiało 10 miliardów dolarów (lub więcej) rocznie. Hollywoodzka ceremonia wręczenia Oscarów , oficjalnie znana jako Oskary, jest organizowana przez Akademię Sztuki i Wiedzy Filmowej (AMPAS) co roku, a od 2019 r. przyznano ponad 3000 Oscarów.

Studio Nestora, 1911

W dniu 27 października 1911 roku Nestor Film Company założył pierwsze stałe studio filmowe w Hollywood. Kalifornijska pogoda pozwalała na całoroczne filmowanie. W 1912 roku powstało Universal Studios , które połączyło Nestor i kilka innych wytwórni filmowych, w tym Independent Moving Pictures (IMP).

Francja

Francja jest kolebką kina i była odpowiedzialna za wiele jego znaczących wkładów w formę sztuki i sam proces tworzenia filmów. W kraju powstało kilka ważnych ruchów filmowych, w tym Nouvelle Vague . Znany jest ze szczególnie silnego przemysłu filmowego, częściowo ze względu na ochronę zapewnianą przez rząd francuski .

Kino francuskie przeplata się czasem z kinem obcych narodów. Reżyserzy z krajów takich jak Polska ( Roman Polański , Krzysztof Kieślowski i Andrzej Żuławski ), Argentyna ( Gaspar Noé i Edgardo Cozarinsky ), Rosja ( Aleksander Alexeieff , Anatol Litvak ), Austria ( Michael Haneke ) i Gruzja ( Géla Babluani , Otar Iosseliani). ) zajmują czołowe miejsce w szeregach kina francuskiego. I odwrotnie, niektórzy francuscy reżyserzy robili karierę w innych krajach, np. Luc Besson , Jacques Tourneur , czy Francis Veber w Stanach Zjednoczonych .

Kolejnym elementem przemawiającym za tym faktem jest to, że Paryż ma największe na świecie zagęszczenie kin, mierzone liczbą kin przypadających na mieszkańca, oraz że w większości kin „centrum Paryża” filmy zagraniczne, które byłyby odseparowane od „domów artystycznych” kina w innych miejscach są pokazywane obok dzieł „głównego nurtu”. Philippe Binant zrealizował 2 lutego 2000 roku w Paryżu pierwszą w Europie projekcję kina cyfrowego z technologią DLP CINEMA opracowaną przez Texas Instruments . Paryż szczyci się także Cité du cinéma, głównym studiem na północ od miasta, oraz Disney Studio, parkiem rozrywki poświęconym kinu i trzecim parkiem tematycznym w pobliżu miasta, za Disneylandem i Parc Asterix.

W 2015 roku we Francji wyprodukowano rekordową liczbę 300 filmów pełnometrażowych. Filmy amerykańskie i brytyjskie stanowiły jedynie 44,9% wszystkich sprzedanych filmów w 2014 roku. Wynika to w dużej mierze z komercyjnej siły produkcji krajowych, które stanowiły 44,5% sprzedanych filmów w 2014 roku (35,5% w 2015 roku; 35,3% w 2016 roku). W połowie lat 2000 francuski przemysł filmowy był opisywany jako „bliższy całkowitej samowystarczalności niż jakikolwiek inny kraj w Europie, odzyskując około 80-90% swojego budżetu w postaci dochodów generowanych z rynku krajowego”. W 2018 r. francuskie filmy miały międzynarodową kasę w wysokości 237 mln euro z 40 milionami biletów (spadek o 52% w porównaniu z 2017 r.), a Włochy były czołowym rynkiem zagranicznym.

Chiny

Stare chińskie kino w Qufu , Shandong

Kino Chin jest jednym z trzech odrębnych wątków historycznych chiński języka kina razem z kina Hong Kongu i kino Tajwanu . Kino zostało wprowadzone w Chinach w 1896 roku, a pierwszy chiński film, Góra Dingjun , powstał w 1905 roku, a przemysł filmowy w pierwszych dziesięcioleciach koncentrował się w Szanghaju . Chiny są domem największego studia filmowego na świecie, Hengdian World Studios , aw 2010 roku miały trzecią co do wielkości branżę filmową pod względem liczby filmów fabularnych produkowanych rocznie. Na następnej dekadzie firmy produkcyjne były głównie udziałem kapitału zagranicznego i krajowego przemysłu Film skupia się na Szanghaj, kwitnącej Entrepôt i największego miasta na Dalekim Wschodzie . W 1913 roku, pierwszy niezależny chiński scenariusz , Trudna Para , został nakręcony w Szanghaju przez Zheng Zhengqiu i Zhang Shichuan .

Gdy szóste pokolenie zyskało międzynarodową ekspozycję, wiele kolejnych filmów było wspólnymi przedsięwzięciami i projektami z międzynarodowymi sponsorami, ale pozostało dość zdecydowanie skromne i niskobudżetowe. Jia's Platform (2000) został częściowo sfinansowany przez dom produkcyjny Takeshi Kitano , podczas gdy jego Still Life został nakręcony na wideo HD. Martwa natura była niespodzianką i zdobywcą Złotego Lwa na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Wenecji w 2006 roku. Martwa natura , która dotyczy robotników z prowincji w regionie Trzech Przełomów , ostro kontrastuje z pracami chińskich reżyserów piątej generacji, takich jak Zhang Yimou i Chen Kaige, którzy w tym czasie produkowali House of Flying Daggers (2004) i The Promise (2005). Nie było w nim żadnej gwiazdy o międzynarodowej renomie i grana była głównie przez amatorów. W 2012 roku kraj stał się drugim co do wielkości rynkiem na świecie pod względem wpływów ze sprzedaży biletów. W 2014 roku, w kasie brutto w Chinach był ¥ 29600000000 ( US $ 4,82 mld USD), a filmy krajowe mające udział w wysokości 55%. Chiny stały się także głównym ośrodkiem biznesowym dla hollywoodzkich studiów.

W 2018 roku, box office brutto Chin był US $ 8,9 mld w 2013, box office brutto Chin był ¥ 21800000000 (US $ 3,6 mld euro), drugi co do wielkości rynek filmowy na świecie pod względem wpływów kasowych ona zwiększona do $ 4,8 mld w 2014 r kasie Grosser w przemyśle filmowym. W 2020 roku Chiny wyprzedziły Amerykę Północną jako największy na świecie box office, będąc pierwszym krajem, który osiągnął ten status.

Indie

Scena z Raja Harishchandra (1913) – uznana za pierwszy pełnometrażowy film indyjski.

Indie to największy producent filmów na świecie i drugi najstarszy przemysł filmowy na świecie. W kraju znajduje się jedno z najważniejszych miast światowego przemysłu filmowego, Mumbai (wcześniej zwany Bombajem). W 2009 roku Indie wyprodukowały łącznie 2961 filmów na celuloid; liczba ta obejmuje 1288 filmów fabularnych. Indie oprócz tego, że są największym producentem filmów na świecie, mają również największą liczbę wejść. Indyjski przemysł filmowy jest wielojęzyczny i największy na świecie pod względem sprzedaży biletów, ale trzeci co do wielkości pod względem przychodów, głównie ze względu na posiadanie jednych z najniższych cen biletów na świecie. Branża ta jest oglądana głównie przez ogromną publiczność indyjską, a indyjskie filmy zyskują coraz większą popularność w pozostałej części świata, zwłaszcza w krajach z dużą liczbą emigrantów z Indii. Indyjski przemysł filmowy jest również dominującym źródłem filmów i rozrywki w sąsiednich krajach Azji Południowej . Największym i najpopularniejszym przemysłem filmowym w Indiach jest przemysł filmowy hindi , następnie kino telugu i kino tamilskie . Hinduski przemysł filmowy skoncentrował się głównie w Bombaju (Bombaj) i jest powszechnie określany jako Bollywood , portmanteau Bombaju i Hollywood. Przemysł sandałowy (kino Kannada) skoncentrowany w Bengaluru . Przemysł Mollywood koncentrujący się w stanie Kerala nawiązuje do kina malajalam . Zarówno Kollywood (kino tamilskie), jak i Tollywood (kino telugu) koncentrowały się głównie w Chennai i Hyderabadzie .

Oprócz filmów komercyjnych głównego nurtu, Indie oferują także inne podejście do kina – kino równoległe. Ruch kina równoległego powstał w Bengalu Zachodnim około lat pięćdziesiątych. Kino równoległe to zbiorcze określenie dla pewnego rodzaju filmów, które odbiegają od konwencji popularnego kina głównego nurtu. Kino równoległe na przestrzeni lat przybierało różne formy. Filmowcy związani z kinem równoległym to Satyajit Ray , Mrinal Sen , Ritwik Ghatak . Filmy równoległe charakteryzują się odrzuceniem popularnych form, takich jak piosenki i sekwencje walki, powinowactwem do wiejskiej scenerii, użyciem aktorów metodycznych i stonowanej palety kolorów. Niektóre przykłady takich filmów to Płaszcz przeciwdeszczowy , Dhobi Ghat , Mithya .

Filmy indyjskie zyskały popularność nie tylko na rynku krajowym, ale także na rynkach międzynarodowych, przy czym Dangal ma za granicą przychód brutto w wysokości 260 milionów dolarów, Secret Superstar i Bajrangi Bhaijaan z przychodem brutto w wysokości 80,4 miliona dolarów, a Baahubali: The Beginning i Baahubali 2 : Konkluzja to niedawny hit z branży telugu znany jako Tollywood.

Pozostałe największe przemysłowa filmowe są malajalam kino , Bangla kino ( Cinema Bengalu Zachodnim ) i kino marathi , które znajdują się w Kochi , Kalkuty i Bombaju odpowiednio. Pozostała większość jest rozmieszczona w północnych, zachodnich, wschodnich i południowych Indiach (z gudżarati , pendżabskim , odia , bhojpuri , asamskim kinem ). Istnieje jednak kilka mniejszych ośrodków indyjskiego przemysłu filmowego w językach regionalnych, skupionych w stanach, w których mówi się tymi językami. Kino indyjskie obejmuje kilka różnych form sztuki, takich jak indyjska muzyka klasyczna, muzyka ludowa z różnych regionów kraju, indyjski taniec klasyczny, taniec ludowy i wiele innych. Bollywood, Kollywood i Tollywood to największa część indyjskiego przemysłu filmowego i jest postrzegana na całym subkontynencie indyjskim i jest coraz bardziej popularne w Wielkiej Brytanii, Stanach Zjednoczonych, Australii, Nowej Zelandii, Azji Południowo-Wschodniej , Afryce , w krajach Zatoki Perskiej , krajów europejskich , Azja Wschodnia i Chiny. Największym kompleksem studia filmowego na świecie jest Ramoji Film City zlokalizowane w Hyderabadzie w Indiach, które zostało otwarte w 1996 roku i ma powierzchnię 674 ha (1666 akrów). Składa się z 47 scen dźwiękowych, ma stałe zestawy, od stacji kolejowych po świątynie.

Do 1986 roku roczna produkcja filmowa Indii wzrosła z 741 filmów rocznie do 833, czyniąc Indie największym producentem filmowym na świecie. Od 2014 r. Bollywood reprezentuje 45℅ indyjskich przychodów ze sprzedaży biletów netto, podczas gdy Tollywood reprezentuje 36%, a reszta regionalnego przemysłu filmowego stanowi 21% indyjskiego kina.

Zjednoczone Królestwo

William Friese-Greene
Londyński IMAX ma największy ekran kinowy w Wielkiej Brytanii o łącznej powierzchni 520 m².

Wielka Brytania miała znaczący przemysł filmowy od ponad wieku. Podczas gdy produkcja filmowa osiągnęła najwyższy poziom w 1936 roku, „złoty wiek” brytyjskiego kina zwykle miał miejsce w latach czterdziestych, kiedy to reżyserzy David Lean , Michael Powell (z Emericem Pressburgerem ) i Carol Reed wyprodukowali swoje najbardziej cenioną pracę. Wielu brytyjskich aktorów osiągnęło światową sławę i krytyczny sukces, tacy jak Maggie Smith , Roger Moore , Michael Caine , Sean Connery , Daniel Day-Lewis , Gary Oldman i Kate Winslet . Niektóre z filmów o największych w historii zwrotach kasowych zostały nakręcone w Wielkiej Brytanii, w tym trzecia i czwarta najbardziej dochodowa seria filmowa ( Harry Potter i James Bond ).

Pierwszy ruchomy obraz był kręcony w Leeds przez Louis Le Prince w 1888 roku, a pierwsze zdjęcia poruszających opracowane na celuloidu filmu zostały wykonane w Hyde Parku w Londynie w 1889 roku przez brytyjski wynalazca William Friese-Greene , który opatentowany proces w 1890 roku.

Dwa z ośmiu najbardziej dochodowych filmów wszech czasów mają brytyjski wymiar historyczny, kulturowy lub twórczy: Titanic (1997), Harry Potter i Insygnia Śmierci – część 2 (2011), Władca Pierścieni: Powrót the King (2003), wyprodukowany w Nowej Zelandii i Piraci z Karaibów: Skrzynia Umarlaka (2005). Dodanie czterech kolejnych filmów o Harrym Potterze i jeszcze jednego filmu Władca Pierścieni , a także wersji Tima Burtona Alicji w Krainie Czarów (2010), a także ponad połowa z dwudziestu najlepszych filmów, które odniosły największy sukces finansowo, miały znaczący wymiar brytyjski.

Brytyjskie wpływy są również widoczne w „Angielskim cyklu” filmów animowanych Disneya, które obejmują Alicję w krainie czarów (1951), Piotruś Pan (1953), 100 Dalmatyńczyków (1961), Miecz w kamieniu (1963), i Księga dżungli (1967). Disney po raz pierwszy zainteresował się filmami aktorskimi jako sposobem na wykorzystanie rezerw finansowych, które zgromadziły się w Wielkiej Brytanii i których nie można było repatriować z powodu kontroli wymiany, tworząc dwa filmy ze źródeł szkockich i angielskich. Były to Wyspa Skarbów (1950) i Historia Robin Hooda i jego wesołych ludzi (1952), które odniosły sukcesy kasowe. Studio nadal korzystało z brytyjskich materiałów źródłowych do swoich filmów animowanych po śmierci Walta Disneya w 1967 roku, z pełnometrażowymi filmami rysunkowymi Robin Hood (1973), Ratownicy (1976) i Wiele przygód Kubusia Puchatka (1977), jeden z wielu Disneya, który rysuje na postaciach AA Milne .

W latach 70. i 80. brytyjskie studia zyskały reputację dzięki świetnym efektom specjalnym w filmach takich jak Superman (1978), Alien (1979) i Batman (1989). Część tej reputacji została zbudowana na rdzeniu talentu zebranego podczas kręcenia filmu 2001: Odyseja kosmiczna (1968), który następnie pracował razem przy serialach i filmach fabularnych dla Gerry'ego Andersona . Firma Aardman Animations z Bristolu znana jest z animacji poklatkowej.

Pod koniec 1998 roku Channel 4 uruchomił swój bezpłatny kanał filmowy Film4 – kanał specjalnie zaprojektowany do wyświetlania filmów. Nadaje od 11:00 czasu BST i konkuruje z płatną telewizyjną siecią filmową Sky Cinema .

Londyńska firma zajmująca się efektami wizualnymi Framestore , z Timem Webberem, kierownikiem ds. efektów wizualnych , pracowała nad filmami Mroczny rycerz (2008) i Gravity (2013), przy czym nowe techniki związane z Gravity zajęły trzy lata.

Polska

Historia Kina Polskiego jest prawie tak długa jak historia kinematografii i ma powszechnie uznane osiągnięcia, mimo że polskie filmy są zazwyczaj mniej dostępne komercyjnie niż filmy z kilku innych krajów europejskich.

Po II wojnie światowej komunistyczny rząd zbudował autorskie kino narodowe, wyszkolił setki nowych reżyserów i umożliwił im tworzenie filmów. Filmowcy tacy jak Roman Polański , Krzysztof Kieślowski , Agnieszka Holland , Andrzej Wajda , Andrzej Żuławski , Andrzej Munk i Jerzy Skolimowski wywarli wpływ na rozwój polskiej kinematografii. W ostatnich latach branża jest kierowana przez producentów, a finanse są kluczem do kręcenia filmu, a wielu niezależnych twórców filmowych wszystkich gatunków sprawia, że ​​polskie produkcje są bardziej inspirowane filmem amerykańskim .

Polskiej szkoły filmowej był pod dużym wpływem włoskich neorealistów . Wykorzystał liberalne zmiany w Polsce po 1956 roku Polski Październik, aby ukazać złożoność polskiej historii podczas II wojny światowej i okupacji niemieckiej. Wśród najważniejszych tematów znalazło się pokolenie byłych żołnierzy AK i ich rola w powojennej Polsce oraz tragedie narodowe, takie jak niemieckie obozy koncentracyjne i Powstanie Warszawskie . Zmiany polityczne pozwoliły grupie bardziej otwarcie mówić o najnowszej historii Polski. Jednak rządy cenzury, jeśli chodzi o historię po 1945 roku, były nadal silne, a filmów o współczesnych wydarzeniach było bardzo mało. Stanowiło to zasadniczą różnicę między członkami Polskiej Szkoły Filmowej a włoskimi neorealistami.

Polska Szkoła Filmowa jako pierwsza podkreśliła narodowy charakter Polaków i jako jeden z pierwszych ruchów artystycznych w Europie Środkowej otwarcie przeciwstawił się oficjalnym założeniom socrealizmu . Członkowie ruchu mają tendencję do podkreślania roli jednostki w przeciwieństwie do zbiorowości. W tym ruchu istniały dwa nurty: młodzi reżyserzy, tacy jak Andrzej Wajda, na ogół studiowali ideę heroizmu, podczas gdy inna grupa (najbardziej znanym był Andrzej Munk ) analizowała polską postać poprzez ironię, humor i sekcję narodowych mitów.

Nigeria

Kino Nigerii , często określanych nieformalnie jako Nollywood Nigeryjski przemysł filmowy Największy Film Industry Globalnie - pod względem produkcji, produkcję filmów rocznie , jest trzecim co do wielkości, pod względem całkowitych przychodów, w 2013 roku Cinema Nigerii Its historia sięga już końca XIX wieku i ery kolonialnej na początku XX wieku. Historia i rozwój nigeryjskiego przemysłu filmowego są czasami ogólnie klasyfikowane w czterech głównych epokach: epoce kolonialnej , złotej erze , epoce filmów wideo i powstającym kinie nowo- nigeryjskim .

Film jako medium po raz pierwszy pojawił się w Nigerii pod koniec XIX wieku w formie podglądu przez wizjer urządzeń filmowych . Zostały one wkrótce zastąpione na początku XX wieku ulepszonymi urządzeniami do wyświetlania filmów, z pierwszym zestawem filmów wyświetlanym w Glover Memorial Hall w Lagos od 12 do 22 sierpnia 1903 roku. Najwcześniejszym filmem fabularnym nakręconym w Nigerii jest Palaver z 1926 roku wyprodukowany przez Geoffreya Barki ; film był także pierwszym filmem, w którym w roli mówcy wystąpili aktorzy nigeryjscy. Od 1954 r. mobilne furgonetki kinowe wyświetlały się w Nigerii co najmniej 3,5 mln osób, a filmy produkowane przez Nigeryjską Jednostkę Filmową były wyświetlane bezpłatnie w 44 dostępnych kinach. Pierwszym filmem w całości objętym prawami autorskimi nigeryjskiej jednostki filmowej jest Fincho (1957) Sama Zebby; który jest również pierwszym nigeryjskim filmem nakręconym w kolorze .

Po uzyskaniu przez Nigerię niepodległości w 1960 roku, działalność kinowa gwałtownie się rozwinęła, powstały nowe kina. W rezultacie liczba filmów nigeryjskich w kinach wzrosła w późnych latach 60. i 70. XX wieku, zwłaszcza produkcje z zachodniej Nigerii , dzięki przejściu na duży ekran byłym praktykom teatralnym , takim jak Hubert Ogunde i Moses Olaiya . W 1972 r. Yakubu Gowon wydał dekret o indygenizacji , który nakazuje przeniesienie własności około 300 kin z ich zagranicznych właścicieli na Nigeryjczyków, co spowodowało, że więcej Nigeryjczyków odgrywało aktywne role w kinie i filmie. Boom naftowy w latach 1973-1978 również w ogromnym stopniu przyczynił się do spontanicznego rozkwitu kultury kinowej w Nigerii, ponieważ zwiększona siła nabywcza w Nigerii sprawiła, że ​​wielu obywateli miało dochód do dyspozycji na chodzenie do kina i na domowe telewizory. Po kilku filmach o umiarkowanych występach, Papa Ajasco (1984) Wale'a Adenugi stał się pierwszym przebojem, zarabiając około 61 000 jenów (ok. 2015 r. 21 552 673) w ciągu trzech dni. Rok później Mosebolatan (1985) Mosesa Olaiyi również osiągnął 107 000 jenów brutto (ok. 44 180 499 jenów w 2015 r.) w ciągu pięciu dni.

Egipt

Od 1976 roku w Kairze odbywa się coroczny Międzynarodowy Festiwal Filmowy w Kairze (CIFF), który jest akredytowany przez Międzynarodową Federację Stowarzyszenia Producentów Filmowych. W 1996 roku Egipskie Miasto Produkcji Mediów (EMPC) zostało zainaugurowane 6 października miasto na południe od Kairu, chociaż do 2001 roku tylko jedno z zaplanowanych 29 studiów działało. Cenzura, dawniej przeszkoda dla wolności słowa, znacznie spadła do 2012 roku, kiedy kino egipskie zaczęło śmiało zajmować się kwestiami, od kwestii seksualnych po ostrą krytykę rządu.

Lata 40., 50. i 60. są powszechnie uważane za złoty wiek kina egipskiego. Podobnie jak na Zachodzie, filmy reagowały na powszechną wyobraźnię, przy czym większość przypadała na przewidywalne gatunki (szczęśliwe zakończenia to norma), a wielu aktorów robiło karierę dzięki graniu mocno typowanych ról. Jak powiedział jeden z krytyków: „Gdyby egipski film przeznaczony dla popularnej publiczności nie spełniał któregokolwiek z tych warunków, stanowił zdradę niepisanej umowy z widzem, której skutki miałyby się objawić w kasie”. Od lat 90. kino egipskie poszło w odrębnych kierunkach. Mniejsze filmy artystyczne przyciągają międzynarodową uwagę, ale rzadko spotykają się w kraju. Popularne filmy, często szeroko zakrojone komedie, takie jak What A Lie! i niezwykle dochodowe dzieła komika Mohameda Saada walczą o to, by przyciągnąć publiczność albo do zachodnich filmów, albo, w coraz większym stopniu, obawiać się postrzeganej niemoralności filmu.

Iran

Kino z Iranu ( perski : سینمای ایران ) lub kino Persji odnosi się do kina i filmu branż w Iranie , które wytwarzają różnorodne filmach komercyjnych rocznie. Irańskie filmy artystyczne zdobyły międzynarodową sławę i teraz cieszą się globalną popularnością.

Według Jamsheeda Akrami, wraz z Chinami Iran został okrzyknięty jednym z najlepszych eksporterów kina w latach 90 . Niektórzy krytycy oceniają teraz Iran jako najważniejsze kino narodowe na świecie, pod względem artystycznym, z wagą, która zachęca do porównania z włoskim neorealizmem i podobnymi ruchami w ostatnich dziesięcioleciach. Niemiecki filmowiec Werner Herzog chwalił kino irańskie jako jedno z najważniejszych kin artystycznych na świecie.

Japonia

Japonia ma jeden z najstarszych i największych przemysłów filmowych na świecie; od 2010 roku był czwartym co do wielkości pod względem liczby wyprodukowanych filmów fabularnych. Filmy produkowano w Japonii od 1897 roku, kiedy przybyli pierwsi zagraniczni operatorzy.

Na liście Sight & Sound najlepszych filmów wyprodukowanych w Azji japońskie prace znalazły się w ośmiu w pierwszej dwunastce, a Tokyo Story (1953) znalazło się na pierwszym miejscu. Tokyo Story zwieńczona również w 2012 Sight & Sound ankieta Dyrektorów Top 50 Greatest filmów wszech czasów , detronizacji Citizen Kane , podczas gdy Akira Kurosawa «s Siedmiu samurajów (1954) został uznany za największy filmu obcego języka wszechczasów w BBC » s 2018 ankieta 209 krytyków w 43 krajach. Japonia czterokrotnie zdobyła Oscara dla najlepszego filmu nieanglojęzycznego ( Rashomon , Gate of Hell , Samurai I: Musashi Miyamoto i Departures ), więcej niż jakikolwiek inny kraj azjatycki.

Korea

Termin kino koreańskie (lub kino koreańskie) obejmuje przemysł filmowy Korei Północnej i Południowej . Jak w przypadku wszystkich aspektów życia koreańskiego podczas minionego stulecia, przemysł filmowy często była na łasce wydarzeń politycznych, od późnej dynastii do wojny koreańskiej do krajowego ingerencji rządowej. Podczas gdy oba kraje mają obecnie stosunkowo prężny przemysł filmowy, tylko filmy południowokoreańskie zyskały szerokie międzynarodowe uznanie. Filmy północnokoreańskie mają tendencję do przedstawiania motywów komunistycznych lub rewolucyjnych.

Filmy południowokoreańskie cieszyły się „złotym wiekiem” w późnych latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych. Do 2005 r. Korea Południowa stała się jednym z niewielu krajów, które oglądały w kinach więcej filmów krajowych niż importowanych, głównie z powodu przepisów nakładających ograniczenia na liczbę filmów zagranicznych, które można wyświetlić w jednym kinie rocznie. W kinach koreańskie filmy muszą być odtwarzane przez 73 dni w roku od 2006 roku. W telewizji kablowej 25% limit filmów krajowych zostanie zmniejszony do 20% po KOR-US FTA. Kino Korei Południowej miał całkowitą brutto biletowej w kraju w 2015 roku od 884 miliardów i miał 113,000,000 przyjęć, 52% łącznych przyjęć.

Hongkong

Zhuangzi Tests His Wife (1913) jest uznawany za pierwszy film fabularny w Hongkongu

Hongkong to centrum filmowe dla chińskojęzycznego świata (w tym światowej diaspory ) i Azji Wschodniej w ogóle. Przez dziesięciolecia był trzecim co do wielkości przemysłem filmowym na świecie (po Bollywood i Hollywood) oraz drugim co do wielkości eksporterem filmów. Pomimo kryzysu w branży, który rozpoczął się w połowie lat 90. i powrotu Hongkongu do chińskiej suwerenności w lipcu 1997 r., film z Hongkongu zachował znaczną część swojej charakterystycznej tożsamości i nadal odgrywa znaczącą rolę na światowej scenie kina. W przeciwieństwie do wielu branż filmowych, Hongkong nie cieszył się żadnym bezpośrednim wsparciem rządowym, czy to poprzez subsydia, czy kontyngenty importowe. Zawsze było to kino na wskroś komercyjne, skupiające się na gatunkach , które przyciągają tłumy , takich jak komedia i akcja, w dużym stopniu opierające się na formułach, sequelach i remake'ach. Jak zwykle w kinach komercyjnych, jego sercem jest wysoko rozwinięty system gwiezdny , który w tym przypadku również w znacznym stopniu pokrywa się z przemysłem muzyki pop .

indyk

Turecki rynek filmowy wyróżnia się na paneuropejskim krajobrazie jako jedyny rynek, na którym filmy krajowe regularnie przewyższają filmy amerykańskie . W 2013 roku miał 1,2 miliona wejść na ekrany i wyemitowano 87 filmów fabularnych . W latach 2004-2014 szacunkowa liczba 12,9 mln sprzedanych biletów wygenerowanych na niekrajowych rynkach europejskich stanowiła jedynie 7% łącznej liczby sprzedanych filmów tureckich w Europie (w tym Turcji). Był to trzeci najniższy udział spośród 30 rynków europejskich, dla których takie dane są dostępne i wyraźnie ilustruje silne uzależnienie filmów tureckich od rynku krajowego, cechę wspólną dla filmów polskich i rosyjskich.

W 2014 roku Kış Uykusu (Zimowy sen) zdobył nagrodę festiwalu filmowego w Cannes dla najlepszego filmu. W 2013 r. Turcja nadal plasowała się za Holandią pod względem sprzedaży biletów z nieco ponad 200 mln EUR jako ósmy największy rynek kasowy w Europie przed Szwecją i Szwajcarią, z wyraźną różnicą do 6 największych rynków, z których wszystkie zarejestrowały GBO pomiędzy 504 mln EUR (Hiszpania) do ponad 1 mld EUR we Francji, Wielkiej Brytanii , Niemczech i Federacji Rosyjskiej . Kino jest w Turcji stosunkowo tanie. W 2013 roku bilet do kina kosztował średnio 4,0 euro w Turcji, co oszacowano jako najniższą średnią cenę biletu – mierzoną w euro – w Europie , minimalnie tańszą niż na kilku rynkach Europy Środkowo - Wschodniej , takich jak Chorwacja, Rumunia, Litwa czy Bułgaria (z zastrzeżeniem kursów walut).

Pakistan

Kino Pakistanu , lub po prostu kino Pakistanu ( urdu : پاکستانی سنیما ), odnosi się do Pakistanu przemysłu filmowego „s. Większość filmów fabularnych kręconych w Pakistanie jest w języku narodowym urdu , ale mogą również zawierać filmy w języku angielskim, języku urzędowym, oraz w językach regionalnych, takich jak pendżabski , paszto , beludżi i sindhi . Lahore zostało opisane jako epicentrum kina pakistańskiego, co dało początek określeniu „ Lollywood ” jako portmanteau Lahore i Hollywood.

Przed oddzieleniem Bangladeszu Pakistan miał trzy główne ośrodki produkcji filmowej: Lahore , Karaczi i Dhaka . Reżim Muhammada Zia-ul-Haqa , magnetowidy , piractwo filmowe , wprowadzenie podatków od rozrywki, surowe prawa oparte na ultrakonserwatywnym orzecznictwie, były przeszkodą w rozwoju branży. Niegdyś dobrze prosperujące kino w Pakistanie uległo nagłemu załamaniu w latach 80., a do 2000 r. „przemysł, który kiedyś produkował średnio 80 filmów rocznie, teraz miał trudności z wypuszczeniem nawet kilku filmów”. Jednak boom w przemyśle telewizyjnym w Karaczi, który dał początek większym prywatnym domom mediowym, doprowadził do odrodzenia się pakistańskiego przemysłu filmowego. Karaczi jest obecnie największym centrum produkcyjnym przemysłu filmowego w Pakistanie, które produkuje kino pakistańskie w języku urdu, angielskim i sindhi. Lahore jest teraz drugim dużym producentem filmowym (głównie filmy urdu i pendżabskie), a następnie Peshawer, gdzie produkowane są głównie filmy paszto. Na bardzo małą skalę produkowane są również filmy z Islamabadu (filmy urdu i angielskie) i Quetta (filmy Balochi). i Dalekiego Wschodu. Wiele pakistańskich filmów trafiło do kategorii filmów obcojęzycznych Oscarów, m.in. Jaago Hua Sawera-Dzień świtu (1953), Welon (Ghoonghat) (1963), Zinda Bhaag (2013), Dukhtar (2014), Wrzosowisko (2015) , Mah-e-Mir (2016), Saawan (2017), Ciasto (2018), Lal Kabootar (2019). Dwa pakistańskie filmy dokumentalne zdobyły Oscary dla najlepszego filmu dokumentalnego, to Saving Face (2012) i A Girl in the River (2016). Filmy pakistańskie, zwłaszcza filmy urdu, obracają się wokół dramatów rodzinnych, romansów, historii miłosnych, komedii, thrillerów, spraw społecznych, kwestii politycznych. W epoce współczesnej niektóre pakistańskie filmy zyskały międzynarodowe uznanie, takie jak Khuda Kay Liye (W imię Boga), Bol, Verna, Zinda Bhaag, Load-Wedding, Niewłaściwy numer, Ciasto, Teefa w opałach, Lal Kabootar, Mah- e-Meer, Moor, Baaji.

Kino pendżabskie skupia się głównie na romansie, dramacie rodzinnym i akcji, podczas gdy kino paszto kręci się wokół akcji i plemiennych waśni.

Główne nagrody filmowe to Lux Style Awards, ARY Film Awards, Nigar Awards i National Film Awards.

Bangladesz

Kino Bangladeszu jest język bengalski przemysł filmowy z siedzibą w Dhaka , Bangladesz . Przemysł często był znaczącym przemysłem filmowym od wczesnych lat 70-tych. Słowo „Dhallywood” jest kontynuacją słów Dhaka i Hollywood . Dominującym stylem kina Bangladeszu jest kino melodramatyczne , które rozwijało się w latach 1947-1990 i do dziś charakteryzuje większość filmów. Kino zostało wprowadzone w Bangladeszu w 1898 roku przez firmę Bradford Bioscope Company, której przypisuje się organizację pierwszego filmu w Bangladeszu. W latach 1913-1914 powstała pierwsza firma produkcyjna Picture House. Krótki film niemy zatytułowany Sukumari ( The Good Girl ) był pierwszym filmem wyprodukowanym w regionie w 1928 roku. Pierwszy pełnometrażowy film Ostatni pocałunek został wydany w 1931 roku. Od oderwania Bangladeszu od Pakistanu, Dhaka jest centrum przemysł filmowy Bangladeszu i wygenerował większość przychodów, produkcji i publiczności. Lata 60., 70., 80. i pierwsza połowa lat 90. były złotymi latami dla filmów z Bangladeszu, ponieważ przemysł wyprodukował wiele udanych filmów. Twarz i maska , pierwszy pełnometrażowy film fabularny w języku bengalskim, wyprodukowany w Bangladeszu w 1956 roku. Matir Moina , film Tarka Masuda z 2002 roku , był pierwszym filmem z Bangladeszu, który został uhonorowany na festiwalu filmowym w Cannes .

Indonezja

Największe studia filmowe w Azji Południowo-Wschodniej został miękki otwarty w dniu 5 listopada 2011 roku na 10 ha ziemi w Nongsa, Batam , Indonezja . Infinite Frameworks (IFW) to firma z siedzibą w Singapurze (zamknięta w pobliżu wyspy Batam), która należy do konsorcjum, w którym 90% udziałów posiada indonezyjski biznesmen i producent filmowy Mike Wiluan. W latach 2010–2011, ze względu na znaczny wzrost podatku od towarów i usług nakładanych na filmy zagraniczne, kina nie miały już dostępu do wielu filmów zagranicznych, w tym do filmów oscarowych. Filmy zagraniczne obejmują największe kasy z Zachodu i innych głównych producentów filmowych na świecie. Wywołało to ogromny wpływ na gospodarkę kraju. Zakłada się, że zwiększyło to zakup nielicencjonowanych płyt DVD. Jednak uzyskanie nawet płyt DVD naruszających prawa autorskie trwało dłużej. Minimalny koszt obejrzenia filmu zagranicznego, który nie był pokazywany lokalnie, wynosił 1 milion rupii. To równowartość 100 USD, ponieważ obejmuje bilet lotniczy do Singapuru.

Malezja

Kino Malezji składa się z filmów fabularnych wyprodukowanych w Malezji, strzał w językach angielski , Tamilskich , malajski , mandaryński i kantoński .

Malezja produkuje rocznie około 60 filmów fabularnych oraz od 300 do 400 seriali i seriali telewizyjnych rocznie, poza produkcjami własnymi poszczególnych stacji telewizyjnych. Kraj posiada również własne coroczne nagrody filmowe na poziomie krajowym, znane jako Festiwal Filmowy w Malezji . W Malezji jest około 150 kin i kin, w których wyświetlane są nie tylko filmy lokalne, ale także filmy zagraniczne.

Trynidad i Tobago

Sektor filmowy Trynidadu i Tobago zaczął się rozwijać pod koniec lat pięćdziesiątych i na początku lat sześćdziesiątych, a pod koniec lat siedemdziesiątych pojawiło się kilka lokalnych produkcji, zarówno fabularnych, jak i telewizyjnych. Pierwszym pełnometrażowym filmem pełnometrażowym wyprodukowanym w Trynidadzie i Tobago był „Słuszni i niesłuszni” (1970) indyjskiego reżysera, scenarzysty i producenta Harbance'a Kumara. Scenariusz napisał trynidadzki dramaturg Freddie Kissoon. W pozostałej części XX wieku w kraju nakręcono jeszcze kilka filmów fabularnych, a „ Bim ” (1974) został wyróżniony przez Bruce’a Paddingtona jako „jeden z najważniejszych filmów, jakie miały być wyprodukowane w Trynidadzie i Tobago… i jeden z klasyków kina karaibskiego.” To był jeden z pierwszych filmów na zaprezentowanie się niemal całkowicie Trinidadian obsada. Nastąpił wzrost w Trinidadian produkcji filmowej w 2000 roku. Filmy takie jak „Iwan Groźny” (2004), „ SistaGod ” (2006), „I „m Santana: The Movie” (2012) i „God Loves the Fighter” (2013) ukazały się zarówno lokalnie, jak i za granicą, a „SistaGod” miał swoją światową premierę na Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Toronto w 2006 roku .

Trynidad i Tobago Film Company to agencja krajowa, która powstała w 2006 roku w celu dalszego rozwoju przemysłu filmowego. Trynidad i Tobago organizuje wiele festiwali filmowych, które są organizowane przez różne komitety i organizacje. Należą do nich: Festiwal Filmów Krótkometrażowych dla Szkół Średnich oraz Festiwal Filmów Smartphone, organizowany przez Trinidad and Tobago Film Company. Istnieje również coroczny Festiwal Filmowy Trynidad i Tobago, który trwa dwa tygodnie w drugiej połowie września.

Nepal

Film nepalski nie ma bardzo długiej historii filmowej, ale przemysł ma swoje miejsce w dziedzictwie kulturowym kraju. Często określa się ją mianem „Nepali Chalchitra” (co w języku angielskim oznacza „filmy nepalskie”). Terminy Kollywood i Kallywood są również używane jako połączenie słów „Kathmandu” i „Hollywood”; „Kollywood” jest jednak częściej używane w odniesieniu do kina tamilskiego. Chhakka Panja została uznana za najbardziej dochodowy film wszechczasów w nepalskim przemyśle filmowym, a Kohinoor na drugim miejscu. Nepalskie filmy Czarna kura (2015) i Kagbeni (2006) zyskały międzynarodowe uznanie. Nepalski film fabularny Białe słońce (Seto Surya) otrzymał nagrodę dla najlepszego filmu na 27. Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Singapurze (SGIFF) w 2016 roku.

Historia

Jeszcze od historii o Kelly Gang (Australia, 1906;. 80 minut)

Les frères Lumière wypuścił pierwszą projekcję z kinematografem w Paryżu 28 grudnia 1895 roku. Francuski przemysł filmowy końca XIX i początku XX wieku był najważniejszy na świecie. Auguste i Louis Lumière wynaleźli kinematograf, a ich L'Arrivée d'un train en gare de La Ciotat w Paryżu w 1895 roku uważane jest przez wielu historyków za oficjalne narodziny kinematografii. Pierwszym filmem fabularnym, jaki powstał, był niemy australijski The Story of the Kelly Gang z 1906 roku, opowieść o niesławnym gangu pod przywództwem Neda Kelly'ego, który został wyreżyserowany i wyprodukowany przez Melburnians Dan Barry i Charles Tait . Trwał nieprzerwanie przez osiemdziesiąt minut.

Na początku lat 1910 przemysł filmowy w pełni rozwinął się dzięki Narodzinom narodu DW Griffitha . Również na początku XX wieku firmy produkujące filmy z Nowego Jorku i New Jersey zaczęły przenosić się do Kalifornii z powodu dobrej pogody i dłuższych dni. Chociaż w tym czasie istniały światła elektryczne, żadne nie były wystarczająco mocne, aby odpowiednio naświetlić film; najlepszym źródłem oświetlenia do produkcji filmowej było naturalne światło słoneczne. Oprócz umiarkowanego, suchego klimatu, przyciągały ich również otwarte przestrzenie i różnorodne krajobrazy przyrodnicze.

Hollywood

Pierwsze studio filmowe w rejonie Hollywood, Nestor Studios , zostało założone w 1911 roku przez Ala Christie dla Davida Horsleya . Inne studia ze Wschodniego Wybrzeża przeniosły już produkcję do Los Angeles. Z czasem Hollywood stało się tak silnie związane z przemysłem filmowym, że słowo „Hollywood” jest obecnie używane potocznie w odniesieniu do całego amerykańskiego przemysłu filmowego.

W 1913 Cecil B. DeMille , we współpracy z Jesse Lasky , wydzierżawił stodołę z zapleczem studyjnym w Hollywood, gdzie nakręcono The Squaw Man (1914). Obecnie jest to siedziba Muzeum Dziedzictwa Hollywood .

Charlie Chaplin Studios zostały zbudowane w 1917 roku strona została również wykorzystywane przez Kling Studios, dla Supermana serialu ; Red Skelton , który korzystał z etapów dźwiękowe dla jego CBS TV Variety Show ; i CBS, który nakręcił tam serial Perry Mason . Stwierdzono również własnością Herb Alpert „s A & M Records i Tijuana Brass Enterprises. Obecnie jest to The Jim Henson Company, siedziba Muppetów . W 1969 roku Los Angeles Cultural Heritage Board nadała mu historyczny zabytek kultury.

Znany znak Hollywood pierwotnie brzmiał „Hollywoodland”. Został wzniesiony w 1923 roku, aby reklamować nowe osiedle na wzgórzach nad Hollywood. W 1949 Hollywoodzka Izba Handlowa wkroczyła i usunęła ostatnie cztery litery, a pozostałe naprawiła. Jest to zastrzeżony znak towarowy i nie może być używany bez zgody Hollywood Chamber of Commerce.

Pierwsza ceremonia wręczenia Oscarów odbyła się 16 maja 1929 roku.

Okres od roku 1927 (efektywny koniec ery niemej) do 1948 uważany jest za wiek „systemu studia hollywoodzkiego”, czyli Złoty Wiek Hollywood . W przełomowym orzeczeniu sądu z 1948 r. Sąd Najwyższy orzekł, że studia filmowe nie mogą posiadać kin i odtwarzać tylko filmów swoich wytwórni i gwiazd filmowych ; tym samym zakończyła się era historii Hollywood.

Bollywood

Kadr z Raja Harishchandra (1913), pierwszego filmu Bollywood .

Bollywood to hinduski przemysł filmowy z siedzibą w Bombaju (wcześniej znanym jako Bombay ), Maharashtra w Indiach. Termin ten jest często błędnie używany w odniesieniu do całego kina indyjskiego ; jest to jednak tylko część całego indyjskiego przemysłu filmowego , który obejmuje inne ośrodki produkcyjne produkujące filmy w wielu językach. Bollywood jest największym producentem filmowym w Indiach i jednym z największych ośrodków produkcji filmowej na świecie.

Bollywood jest formalnie określane jako kino hindi. Pod względem językowym, filmy bollywoodzkie mają tendencję do używania języka hindustańskiego , który jest zrozumiały dla osób posługujących się zarówno hindi, jak i urdu , podczas gdy współczesne filmy bollywoodzkie coraz częściej zawierają elementy języka hinglish .

Zapaśnicy (1899) i Człowiek i jego małpy (1899), wyreżyserowane i wyprodukowane przez Harischandrę Sakharam Bhatawdekar ( HS Bhatavdekar ), były pierwszymi dwoma filmami nakręconymi przez indyjskich filmowców, które były filmami krótkometrażowymi. Był także pierwszym indyjskim filmowcem, który wyreżyserował i wyprodukował pierwszy film dokumentalny i informacyjny, zatytułowany The Landing of Sir MM Bhownuggree .

Lata trzydzieste i czterdzieste XX wieku były burzliwe: Indie zostały dotknięte przez wielki kryzys , II wojnę światową, indyjski ruch niepodległościowy i przemoc zaborów . Większość filmów bollywoodzkich była bezwstydnie eskapistyczna , ale było też wielu filmowców, którzy zmierzyli się z trudnymi problemami społecznymi lub wykorzystali walkę o niepodległość Indii jako tło dla swoich fabuł.

W 1937 Ardeshir Irani , znany z Alam Ara , nakręcił pierwszy kolorowy film w języku hindi, Kisan Kanya . W następnym roku nakręcił kolejny kolorowy film, wersję Matki Indii .

Po odzyskaniu niepodległości przez Indie okres od końca lat 40. do początku lat 60. uważany jest przez historyków filmu za „Złoty Wiek” kina hindi. Kluczowymi postaciami w tym czasie byli: Raj Kapoor , Guru Dutt , Mehboob Khan i Dilip Kumar .

Lata 70. to okres, w którym ukuto nazwę „Bollywood” i ustanowiono kwintesencję konwencji komercyjnych filmów Bollywood. Kluczem do tego było pojawienie się gatunku filmowego masala , który łączy elementy wielu gatunków ( akcja , komedia , romans , dramat , melodramat , musical ). Film masala został zapoczątkowany na początku lat 70. przez filmowca Nasira Hussaina , wraz ze scenarzystą duetem Salim-Javed , pionierem formatu bollywoodzkiego hitu .

Tollywood to indyjski przemysł filmowy w języku telugu. Założona przez Royal Bioscope Company w 1898 roku przez Hiralala Sena, wraz z Matilalem Senem, Deboki Lal Senem i Bholanathem Guptą. Łącząc występy aktorów w teatrze na żywo, przemysł bengalski wyróżniał się wykorzystaniem dźwięku jako ważnej części dramatu w formacie Bioscope, którego język filmowy był skrajnie odmienny od zachodnich filmów niemych. Następnie pojawił się Jamshedji Framji Madan z Elphinstone Bioscope Company, który również kontrolował Madan Theatre Company. JJ Madan został dyrektorem zarządzającym Madan Theatres po śmierci swojego ojca w 1923 roku, a Madan Theatres osiągnął szczyt pod koniec lat 20., kiedy posiadał 127 kin i kontrolował połowę kasy w kraju. Madan Theatres wyprodukował wiele popularnych i przełomowych filmów do 1937 roku, równolegle do dzieł bengalskich gwiazd z lat 20., takich jak Dhirendra Nath Ganguly, który założył Indo British Film Co. – pierwszą firmę producencką będącą własnością bengalską w 1918 roku. w latach 30. do 40., kiedy powstawały różne filmy. Wiele odbitek spłonęło. Druki i zapisy filmów z lat 1937-1947 zostały poważnie zniszczone, ale ten okres w Bengalu był epoką filmów politycznych w Indiach, które miały największy wpływ na walkę o niepodległość Indii. Po 1947 r. w branży pojawiła się nowa era kreatywnych współpracowników systemu studyjnego, którzy kręcili filmy pod nazwą Agradoot. To było świadkiem renesansu filmów komercyjnych i musicali, w których gwiazdy takie jak Uttam Kumar i Suchitra Sen zahipnotyzowały publiczność swoją urzekającą obecnością na ekranie i stonowanymi występami. Inni znani reżyserzy to Ritwick Ghatak, Satyajit Ray, Tapan Sinha, Mrinal Sen i Rituparno Ghosh, których prace wywarły ogromny wpływ na światowe kino. Nazwa branży została ukuta od miejsca Tollygunge, które służyło również jako bezczelny hołd dla Hollywood.

Nollywood

Nollywood to przydomek, który pierwotnie odnosił się do nigeryjskiego przemysłu filmowego . Początki tego terminu sięgają wczesnych lat 2000, od artykułu w The New York Times . Ze względu na historię ewoluujących znaczeń i kontekstów nie ma jasnej ani uzgodnionej definicji tego terminu, co spowodowało, że jest on przedmiotem wielu kontrowersji. Pochodzenie terminu „Nollywood” pozostaje niejasne; Jonathan Haynes prześledził najwcześniejsze użycie tego słowa w artykule Matta Steinglassa z 2002 roku w New York Times , w którym zostało użyte do opisania kina nigeryjskiego . Charles Igwe zauważył, że Norimitsu Onishi również użył tego imienia w artykule z września 2002 roku, który napisał dla New York Times . Termin nadal jest używany w mediach w odniesieniu do nigeryjskiej branży filmowej, z jego definicja później zakłada się kontaminacja słów „Nigeria” i „ Hollywood ”, amerykański głównym ośrodkiem filmowym.

Definicja, które filmy są uważane za Nollywood, zawsze była przedmiotem debaty. Alex Eyengho zdefiniował Nollywood jako „całość działań mających miejsce w nigeryjskim przemyśle filmowym, czy to w języku angielskim, joruba , hausa , Igbo , Itsekiri , Edo , Efik , Ijaw , Urhobo czy jakimkolwiek innym z ponad 300 nigeryjskich języków ”. Stwierdził dalej, że „historyczna trajektoria Nollywood rozpoczęła się od czasów przed i po niepodległej Nigerii, z teatralnymi (scenicznym) i filmowymi ( celuloidowymi ) wysiłkami takich jak wódz Hubert Ogunde , wódz Amata, Baba Sala , Ade Love , Eddie Ugbomah i kilka innych”. Wpływ nigeryjskiego przemysłu filmowego, często określanego nieformalnie jako Nollywood, ma wpływ na wszystkie kraje Afryki.

Do końca 2013 r. przemysł filmowy osiągnął podobno rekordowe przychody w wysokości 1,72 biliona jenów (4,1 mld USD). W 2014 roku branża ta była warta 853,9 miliarda jenów (5,1 miliarda USD), co czyni ją trzecim najbardziej wartościowym przemysłem filmowym na świecie za Stanami Zjednoczonymi i Indiami . Przyczyniło się to około 1,4% do gospodarki Nigerii; przypisywano to wzrostowi liczby wyprodukowanych wysokiej jakości filmów i bardziej formalnym metodom dystrybucji.

Ekonomia

Zdyskontowane wydania domowych filmów wideo na DVD sprzedawane w Holandii

Rentowność studia filmowego zależy przede wszystkim od wyboru właściwych projektów filmowych oraz zaangażowania odpowiednich zespołów kierowniczych i kreatywnych (obsada, reżyseria, oprawa wizualna, partytura, fotografia, kostiumy, scenografia, montaż i wiele dodatkowych specjalizacji), ale także zależy w dużej mierze od wyboru odpowiedniej skali i podejścia do promocji filmów , kontroli wpływów za pomocą technologii takich jak zarządzanie prawami cyfrowymi (DRM), wyrafinowane praktyki księgowe i zarządzanie dodatkowymi strumieniami przychodów ; w skrajnym przypadku, dla dużej franczyzy medialnej skoncentrowanej na filmie, sam film może być tylko jednym z dużych składowych wielu dużych wkładów do całkowitych przychodów z franczyzy.

Przemysł filmowy jest brutalnie konkurencyjnym rynkiem typuzwycięzca bierze wszystko”, napędzanym przez szalenie zmienne „ procesy nieliniowe ”. Przychody ze sprzedaży biletów są w dużym stopniu skoncentrowane na niewielkiej liczbie filmów, które odniosły duży sukces, a udział w rynku filmowym jest również silnie skoncentrowany na studiach filmowych, które mają szczęście robić takie filmy. Rynek jest jednak „ekstremalnie niestabilny” i nie można z góry przewidzieć, kto w danym momencie zostanie zwycięzcą rynku „ani jak długo potrwa ich dominacja”. Dominujące filmy i studia filmowe „dramatycznie i często zmieniają miejsca”.

Statystyka

Największe branże według liczby produkcji filmowych

Poniżej znajduje się lista 15 krajów o największej liczbie wyprodukowanych filmów fabularnych (fabularnych, animowanych i dokumentalnych), według Instytutu Statystycznego UNESCO , o ile nie zaznaczono inaczej.

Ranga Kraj Filmy Rok
1 Nigeria Nigeria 2599 2019
2 Indie Indie 2446 2019
3 Chiny Chiny 874 2017
4 Japonia Japonia 689 2019
5 Stany Zjednoczone Stany Zjednoczone 660 2017
6 Korea Południowa Korea Południowa 339 2016
7 Francja Francja 300 2017
8 Zjednoczone Królestwo Zjednoczone Królestwo 285 2017
9 Hiszpania Hiszpania 241 2017
10 Niemcy Niemcy 233 2017
11 Argentyna Argentyna 220 2015
12 Meksyk Meksyk 176 2017
13 Włochy Włochy 173 2017
14 Brazylia Brazylia 160 2017
15 indyk indyk 148 2017

Największe rynki według przychodów ze sprzedaży biletów

Poniższe kraje są największymi rynkami kasowymi pod względem przychodów ze sprzedaży biletów brutto, według raportu THEME 2020 opracowanego przez MPA (Motion Picture Association).

Ranga Kraj Przychody ze sprzedaży biletów
(mld USD )
Rok Kasa z
filmów krajowych
Nie dotyczy Świat 12 2020 Nie dotyczy
1  Chiny 3,0 2020 62 % (2018)
2  Stany Zjednoczone 2.2 2020 88,8 % (2015)
Nie dotyczy  Unia Europejska 2.2 2020 Nie dotyczy
3  Japonia 1,3 2020 76,9 % (2020)
4  Francja 0,5 2020 36,2 % (2017)
5  Korea Południowa 0,4 2020 52,2 % (2015)
6  Zjednoczone Królestwo 0,4 2020 44,3 % (2017)
7  Indie 0,4 2020 85 % (2015)
8  Niemcy 0,4 2020 26,3 % (2017)
9  Rosja 0,3 2020 17,4 % (2015)
10  Australia 0,3 2020

Największe rynki pod względem liczby sprzedanych biletów

Poniższe kraje są największymi rynkami kasowymi pod względem liczby sprzedanych biletów w 2019 roku.

Ranga Kraj Liczba wejść
(miliony biletów)
Rok
1  Chiny 1650 2019
2  Indie 1514 2019
3  Stany Zjednoczone 1,170 2019
4  Meksyk 352 2019
5  Korea Południowa 239 2019
6  Rosja 209 2019
7  Francja 205 2019
8  Japonia 194 2019
9  Brazylia 177 2019
10  Zjednoczone Królestwo 175 2019

Zobacz też

Przypisy

Bibliografia

  • Allen J. Scott (2005) O Hollywood: Miejsce Przemysł , Princeton University Press
  • Robertson, Patrick (1988) Księga Guinnessa o filmowych faktach i wyczynach . Londyn: Guinness Publishing Limited
  • Arnab Jan Deka (27 października 1996) Ojcowie kina indyjskiego Bhatawdekar i Torney , Dainik Asam
  • Sanjit Narwekar (1995) Kino Marathi: Z perspektywy czasu , Maharashtra Film, Stage & Cultural Development Corporation Ltd
  • Firoze Rangoonwalla (1979) Obrazkowa historia kina indyjskiego , The Hamlyn Publishing Group Limited
  • Barkin, Jordania. 25 kwietnia 2021 r. „Kiedy lubisz Oscarową Noc, Ameryka wygrywa”. USA Dzisiaj w Internecie.

Zewnętrzne linki