Film noir - Film noir

Film noir

Dwie sylwetki postaci w The Big Combo (1955). Autor zdjęć do filmu , John Alton , był twórcą wielu stylizowanych obrazów filmu noir.
lata aktywności	początek lat 20. – koniec lat 50.
Kraj	Stany Zjednoczone
Wpływy	Niemiecki ekspresjonizm francuski poetycki realizm włoski neorealizm Amerykańska fikcja na twardo
Pod wpływem	Francuska Nowa Fala Neo-noir Technoir

Film noir ( / n w ɑːr / ; francuski:  [film nwaʁ] ) to termin filmowy używany przede wszystkim do opisania stylowych hollywoodzkich dramatów kryminalnych , szczególnie tych, które podkreślają cyniczne postawy i motywacje. Lata 40. i 50. XX wieku są powszechnie uważane za „klasyczny okres” amerykańskiego filmu noir . Film noir tej epoki kojarzy się z stonowanym , czarno-białym stylem wizualnym, który ma korzenie w kinematografii niemieckich ekspresjonistów . Wiele prototypowych historii i wiele z postawy klasycznego noir wywodzi się z twardej szkoły kryminału, która pojawiła się w Stanach Zjednoczonych podczas Wielkiego Kryzysu .

Termin film noir , po francusku „czarny film” (dosłowny) lub „ciemny film” (bliższe znaczenie), został po raz pierwszy zastosowany do filmów hollywoodzkich przez francuskiego krytyka Nino Franka w 1946 roku, ale nie został rozpoznany przez większość profesjonalistów z amerykańskiego przemysłu filmowego tamtych czasów. . Historycy i krytycy kina zdefiniowali tę kategorię retrospektywnie. Zanim pojęcie to zostało powszechnie przyjęte w latach 70., wiele klasycznych filmów noir było określanych mianem „ melodramatów ”. To, czy film noir kwalifikuje się jako odrębny gatunek, czy też jest bardziej techniką filmową, jest kwestią nieustannej debaty wśród naukowców.

Film noir obejmuje szereg wątków: centralną postacią może być prywatny detektyw ( The Big Sleep ), policjant w cywilu ( The Big Heat ), starzejący się bokser ( The Set-Up ), nieszczęsny oszust ( Noc i miasto ) , praworządny obywatel zwabiony do życia przestępczego ( Gun Crazy ) lub po prostu ofiara okoliczności ( DOA ). Chociaż film noir był pierwotnie kojarzony z amerykańskimi produkcjami, termin ten był używany do opisywania filmów z całego świata. Wiele filmów wydawanych od lat 60. łączy atrybuty z filmami noir okresu klasycznego i często traktuje ich konwencje autoreferencyjnie . Niektórzy określają takie współczesne dzieła jako neo-noir . Klisze filmu noir są inspiracją do parodii od połowy lat 40. XX wieku.

Problemy definicji

Odtwórz multimedia

Nieznajomy , cały film

Pytania o to, co definiuje film noir i jaka jest to kategoria, prowokują do nieustających dyskusji. „Nazbyt upraszczalibyśmy, nazywając film noir onirycznym , dziwnym, erotycznym, ambiwalentnym i okrutnym…” – ten zestaw atrybutów stanowi pierwszą z wielu prób zdefiniowania filmu noir, jakie podjęli francuscy krytycy Raymond Borde i Étienne Chaumeton w ich książka z 1955 roku Panorama du film noir américain 1941-1953 ( A Panorama of American Film Noir ), oryginalne i przełomowe rozwinięcie tematu. Podkreślają, że nie każdy film noir ucieleśnia wszystkie pięć atrybutów w równym stopniu – jeden może być bardziej senny; inny, szczególnie brutalny. Zastrzeżenia autorów i wielokrotne próby alternatywnej definicji znalazły odzwierciedlenie w późniejszych badaniach: w ciągu ponad pięćdziesięciu lat podejmowano niezliczone dalsze próby definicji, ale według historyka kina Marka Boulda, film noir pozostaje „nieuchwytny”. fenomen… zawsze poza zasięgiem”.

Choć film noir jest często utożsamiany ze stylem wizualnym, niekonwencjonalnym w kontekście hollywoodzkim, który kładzie nacisk na stonowane oświetlenie i niezrównoważone kompozycje , filmy powszechnie identyfikowane jako noir świadczą o różnych podejściach wizualnych, w tym takich, które dobrze pasują do głównego nurtu Hollywood. Film noir podobnie obejmuje różne gatunki, od filmu gangsterskiego, przez policyjne procedury, od gotyckiego romansu po obraz problemów społecznych — każdy przykład z lat 40. i 50. XX wieku, obecnie postrzegany jako epoka klasyczna noir, można by określić jako melodramat w tym czasie.

Podczas gdy wielu krytyków odnosi się do filmu noir jako do gatunku, inni twierdzą, że nie może nim być. Foster Hirsch definiuje gatunek jako określony przez „konwencje struktury narracyjnej, charakteryzacji, tematu i projektowania wizualnego”. Hirsch, jako ten, który stoi na stanowisku, że film noir jest gatunkiem, przekonuje, że elementy te są obecne „w obfitości”. Hirsch zauważa, że ​​jednoczące cechy tonu, stylu wizualnego i narracji wystarczają, by zaklasyfikować noir jako odrębny gatunek.

Inni twierdzą, że film noir nie jest gatunkiem. Film noir często kojarzy się z miejską scenerią, ale wiele klasycznych filmów noir rozgrywa się w małych miasteczkach, na przedmieściach, na obszarach wiejskich lub na otwartej drodze; ustawienie nie może więc być jego wyznacznikiem gatunkowym, jak w przypadku Zachodu . Podobnie, podczas gdy prywatny detektyw i femme fatale są typowymi typami postaci konwencjonalnie utożsamianymi z noir, większość filmów noir nie zawiera ani jednego; nie ma więc podstaw do określenia gatunku, jak w przypadku filmu gangsterskiego. Film noir nie opiera się również na niczym tak oczywistym, jak potworne lub nadprzyrodzone elementy horroru , spekulacyjne skoki filmu science-fiction czy rutynowe piosenki i taniec w musicalu .

Podobny przypadek ma miejsce w przypadku komedii obłędu , powszechnie akceptowanej przez historyków filmu jako „gatunek”: obłędu nie określa fundamentalny atrybut, ale ogólne usposobienie i grupa elementów, niektóre – ale rzadko, a może nigdy wszystkie – z których można znaleźć w każdym z filmów tego gatunku. Ze względu na różnorodność noir (znacznie większą niż komedii zwariowanej) niektórzy badacze w tej dziedzinie, tacy jak historyk filmu Thomas Schatz, traktują go nie jako gatunek, ale jako „styl”. Alain Silver , najszerzej publikowany amerykański krytyk specjalizujący się w studiach nad filmem noir, odnosi się do filmu noir jako „cyklu” i „zjawiska”, nawet jeśli twierdzi, że ma – podobnie jak niektóre gatunki – spójny zestaw kodów wizualnych i tematycznych . Scenarzysta Eric R. Williams określa zarówno film noir, jak i wariacką komedię jako „ścieżkę” w swojej taksonomii scenarzystów; wyjaśniając, że ścieżka składa się z dwóch części: 1) sposobu, w jaki publiczność łączy się z bohaterem, oraz 2) trajektorii, po której widz oczekuje, że będzie podążać historia. Inni krytycy traktują film noir jako „nastrój”, określają go jako „serial” lub po prostu odnoszą się do wybranego zestawu filmów, które uważają za należące do „kanonu” noir. W tej sprawie nie ma zgody.

Tło

Źródła filmowe

Marlene Dietrich , aktorka często wzywana do grania femme fatale

Estetyka filmu noir jest pod wpływem niemieckiego ekspresjonizmu , ruchu artystycznego lat 1910 i 1920, który obejmował teatr, fotografię, malarstwo, rzeźbę i architekturę, a także kino. Możliwości oferowane przez kwitnący hollywoodzki przemysł filmowy, a następnie zagrożenie nazizmem , doprowadziły do ​​emigracji wielu twórców filmowych pracujących w Niemczech, którzy byli zaangażowani w ruch ekspresjonistyczny lub studiowali u jego praktyków. M (1931), nakręcony zaledwie kilka lat przed wyjazdem reżysera Fritza Langa z Niemiec, jest jednym z pierwszych filmów kryminalnych epoki dźwięku łączących charakterystyczny noirowski styl wizualny z fabułą typu noir, w której główny bohater jest przestępca (podobnie jak jego najskuteczniejsi prześladowcy). Reżyserzy tacy jak Lang, Jacques Tourneur , Robert Siodmak i Michael Curtiz przywieźli ze sobą dramatycznie cienisty styl oświetlenia i psychologicznie ekspresyjne podejście do kompozycji wizualnej ( mise-en-scène ), do Hollywood, gdzie stworzyli jedne z najbardziej znanych klasycznych filmów noir. .

W 1931 Curtiz był już w Hollywood od pół dekady, kręcąc aż sześć filmów rocznie. Jego filmy, takie jak 20 000 lat w Sing Sing (1932) i Prywatny detektyw 62 (1933) należą do wczesnych hollywoodzkich filmów dźwiękowych, które można zaklasyfikować jako noir – uczony Marc Vernet przedstawia to ostatnie jako dowód, że datowanie rozpoczęcia filmu noir na rok 1940 lub każdy inny rok jest „dowolny”. Filmowcy zorientowani na ekspresjonizm mieli wolną rękę stylistycznie w horrorach Universal, takich jak Dracula (1931), Mumia (1932) – pierwszy sfotografowany, a drugi wyreżyserowany przez wyszkolonego w Berlinie Karl Freund – i Czarny kot (1934) w reżyserii Austriacki emigrant Edgar G. Ulmer . Najbardziej zbliżony do noir, pod względem fabuły i wrażliwości, uniwersalny horror to Niewidzialny człowiek (1933), wyreżyserowany przez Anglika Jamesa Whale'a i sfotografowany przez Amerykanina Arthura Edesona . Edeson później sfotografował Sokół maltański (1941), powszechnie uważany za pierwszy duży film noir epoki klasycznej.

W tym samym czasie Josef von Sternberg reżyserował w Hollywood. Jego filmy, takie jak Shanghai Express (1932) i Diabeł jest kobietą (1935), z ich cieplarnianym erotyzmem i barokowym stylem wizualnym, antycypowały centralne elementy klasycznego noir. Komercyjny i krytyczny sukces niemego Underworld Sternberga (1927) był w dużej mierze odpowiedzialny za rozbudzenie trendu w hollywoodzkich filmach gangsterskich. Udane filmy z tego gatunku, takie jak Mały Cezar (1931), Wróg publiczny (1931) czy Twarz z blizną (1932) pokazały, że dramaty kryminalne miały publiczność z nagannymi moralnie bohaterami. Ważnym, prawdopodobnie wpływowym, filmowym poprzednikiem klasycznego noir był francuski poetycki realizm lat 30. , z jego romantyczną, fatalistyczną postawą i celebracją skazanych na zagładę bohaterów. Wrażliwość tego ruchu odzwierciedla dramat Warner Bros. Jestem uciekinierem z łańcucha łańcuchowego (1932), prekursor noir. Wśród filmów nie uznawanych za noir, chyba żaden nie wywarł większego wpływu na rozwój gatunku niż Obywatel Kane (1941) w reżyserii Orsona Wellesa . Jego zawiłość wizualna i złożona struktura narracji lektorskiej znajdują odzwierciedlenie w dziesiątkach klasycznych filmów noir.

Włoski neorealizm lat 40., kładący nacisk na quasi-dokumentalny autentyzm, był uznanym wpływem na trendy, które pojawiły się w amerykańskim noir. The Lost Weekend (1945) w reżyserii Billy'ego Wildera , innego urodzonego w Wiedniu, wyszkolonego w Berlinie amerykańskiego autora , opowiada historię alkoholika w sposób przywodzący na myśl neorealizm. Jest też przykładem problemu klasyfikacji: jeden z pierwszych amerykańskich filmów, który określa się mianem filmu noir, w dużej mierze zniknął z rozważań terenowych. Reżyser Jules Dassin z The Naked City (1948) wskazał na neorealistów jako inspirację dla wykorzystania fotografii plenerowej z nieprofesjonalnymi statystami. To półdokumentalne podejście charakteryzowało znaczną liczbę noirów na przełomie lat czterdziestych i pięćdziesiątych. Wraz z neorealizmu, styl miał amerykański precedens cytowany przez Dassin, w reżyser Henry Hathaway „s Dom przy 92 ulicy (1945), który wykazał równoległego wpływu filmowej kroniki filmowej.

Źródła literackie

W wydaniu Black Mask z października 1934 po raz pierwszy pojawił się detektyw, którego Raymond Chandler przekształcił w słynnego Philipa Marlowe'a .

Podstawowym wpływ na literacki filmu noir był twardo szkoła amerykańskiego detektywa i kryminałów , doprowadziły w jego wczesnych latach przez takich pisarzy jak Dashiell Hammett (którego pierwsza powieść, Czerwone Żniwa , została opublikowana w 1929 roku) i James M. Cain (którego Postman Always Rings Twice ukazał się pięć lat później) i spopularyzował w magazynach celulozowych, takich jak Black Mask . Klasyczne filmy noir Sokół maltański (1941) i Szklany klucz (1942) powstały na podstawie powieści Hammetta; Powieści Caina stały się podstawą dla Double Indemnity (1944), Mildred Pierce (1945), The Listonosz zawsze dzwoni dwa razy (1946) i Slightly Scarlet (1956; adaptacja Lovely Fałszywy ). Dziesięć lat przed erą klasyczną historia Hammetta była źródłem gangsterskiego melodramatu Ulice miasta (1931), wyreżyserowanego przez Roubena Mamouliana i sfotografowanego przez Lee Garmesa , który regularnie współpracował ze Sternbergiem. Wydany na miesiąc przed M Langa , City Streets ma prawo być pierwszym dużym filmem noir; zarówno jego styl, jak i historia miały wiele cech noir.

Raymond Chandler , który zadebiutował jako powieściopisarz Wielkim snem w 1939 roku, wkrótce stał się najsłynniejszym autorem szkoły na twardo. Nie tylko powieści Chandlera stały się głównymi noirami – Murder, My Sweet (1944; adaptacja z Farewell, My Lovely ), The Big Sleep (1946) i Lady in the Lake (1947) – był ważnym scenarzystą w tym gatunku, ponieważ Cóż, produkując scenariusze do filmów Double Indemnity , The Blue Dahlia (1946) i Strangers on a Train (1951). Podczas gdy Chandler, podobnie jak Hammett, koncentrował większość swoich powieści i opowiadań na postaci prywatnego detektywa, Kain miał mniej bohaterskich bohaterów i skupiał się bardziej na ekspozycji psychologicznej niż na rozwiązywaniu przestępstw; podejście Kaina zostało utożsamione z podzbiorem gatunku hardboiled, określanym mianem „ noir fiction ”. Przez większość lat czterdziestych jednym z najbardziej płodnych i odnoszących sukcesy autorów tej często przygnębiającej powieści trzymającej w napięciu był Cornell Woolrich (czasami pod pseudonimem George Hopley lub William Irish). Żadna opublikowana praca pisarza nie była podstawą dla większej liczby noirów z okresu klasycznego niż Woolrich: w sumie trzynastu, w tym Czarny Anioł (1946), Termin o świcie (1946) i Strach w nocy (1947).

Innym ważnym źródłem literackim dla filmu noir był WR Burnett , którego pierwszą opublikowaną powieścią był Mały Cezar w 1929 roku. W 1931 roku stała się hitem dla Warner Bros .; w następnym roku Burnett został zatrudniony do napisania dialogu do Scarface , podczas gdy Bestia z miasta (1932) została zaadaptowana z jednego z jego opowiadań. Co najmniej jedna ważna praca referencyjna identyfikuje ten ostatni jako film noir, mimo jego wczesnej daty. Charakterystyczne podejście narracyjne Burnetta mieściło się gdzieś pomiędzy postawą typowych pisarzy hardboiled a ich rodakami z powieści noir – jego bohaterowie często byli bohaterami na swój własny sposób, który akurat był gangsterem. W epoce klasycznej jego twórczość, zarówno jako autora, jak i scenarzysty, była podstawą siedmiu filmów, które obecnie powszechnie uważane są za filmy noir, w tym trzech najbardziej znanych: High Sierra (1941), This Gun for Hire (1942) i The Asfaltowa dżungla (1950).

Okres klasyczny

Przegląd

Lata 40. i 50. XX wieku są powszechnie uważane za klasyczny okres amerykańskiego filmu noir . Podczas gdy City Streets i inne przedwojenne melodramaty kryminalne, takie jak Fury (1936) i You Only Live Once (1937), oba wyreżyserowane przez Fritza Langa, są klasyfikowane jako pełnoprawny noir w filmowej encyklopedii Alaina Silvera i Elizabeth Ward , inni krytycy mają tendencję do opisywania ich jako „proto-noir” lub w podobny sposób.

Film obecnie najczęściej cytowany jako pierwszy „prawdziwy” film noir to „ Obcy na trzecim piętrze” (1940), wyreżyserowany przez urodzonego na Łotwie, wyszkolonego w Związku Radzieckim Borisa Ingstera . Węgierski emigrant Peter Lorre — który zagrał w M Langa — był na szczycie listy, chociaż nie grał pierwszoplanowej roli. Później grał drugorzędne role w kilku innych formacyjnych amerykańskich noirach. Mimo skromnego budżetu, w górnej części skali filmów B , Stranger on the Third Floor nadal stracił studio RKO , 56 000 USD (równowartość 1034 470 USD w 2020 r.), prawie jedną trzecią całkowitego kosztu. Magazyn „ Variety ” uznał prace Ingstera: „…zbyt studiowane, a kiedy oryginalne, brakuje mu błysku, by przykuć uwagę. Jest to film zbyt artystyczny dla przeciętnego odbiorcy i zbyt monotonny dla innych”. Stranger on the Third Floor nie był przez wiele dziesięcioleci uznawany za początek trendu, nie mówiąc już o nowym gatunku.

Większość filmowych noirów z okresu klasycznego to filmy o podobnie niskim i skromnym budżecie, bez głównych gwiazd – filmy klasy B , dosłownie lub w duchu. W tym kontekście produkcji scenarzyści, reżyserzy, operatorzy i inni rzemieślnicy byli stosunkowo wolni od typowych ograniczeń związanych z dużym obrazem. Było więcej wizualnych eksperymentów niż w kinematografii hollywoodzkiej jako całości: ekspresjonizm, obecnie ściśle kojarzony z noir i wyłoniony później półdokumentalny styl, reprezentują dwie bardzo różne tendencje. Struktury narracyjne czasami zawierały zawiłe retrospekcje, rzadko spotykane w komercyjnych produkcjach innych niż noir. Jeśli chodzi o treść, egzekwowanie Kodeksu Produkcji zapewniło, że żadna postać filmowa nie mogła dosłownie ujść na sucho z morderstwem lub być widziana w łóżku z kimkolwiek poza współmałżonkiem; Jednak w tych granicach wiele filmów jest obecnie identyfikowanych jako elementy fabularne w stylu noir i dialogi, które były bardzo ryzykowne w tamtych czasach.

Out of the Past (1947) w reżyserii Jacquesa Tourneura zawiera wiele cech charakterystycznych dla tego gatunku: cyniczny prywatny detektyw w roli głównej, femme fatale , liczne retrospekcje znarracją głosową , dramatycznie cienie fotografii i fatalistyczny nastrój zakwaszony prowokacyjnym przekomarzaniem się. Na zdjęciu ikony noir Robert Mitchum i Jane Greer .

Tematycznie film noir był najbardziej wyjątkowy ze względu na względną częstotliwość, z jaką koncentrowały się na portretach kobiet o wątpliwych cnotach – co stało się rzadkością w filmach hollywoodzkich po połowie lat trzydziestych i końcu epoki przed Kodeksem . Filmem sygnałowym w tym duchu był Double Indemnity w reżyserii Billy'ego Wildera; wzorem stała się niezapomniana femme fatale Barbary Stanwyck , Phyllis Dietrichson – oczywisty ukłon w stronę Marleny Dietrich , która zbudowała swoją niezwykłą karierę grając takie postacie dla Sternberga. Film na poziomie A, komercyjny sukces filmu i siedem nominacji do Oscara sprawiły, że był prawdopodobnie najbardziej wpływowym z wczesnych noirów. Następnie pojawiło się mnóstwo znanych teraz „złych dziewczyn” w stylu noir, takich jak te grane przez Ritę Hayworth w „ Gildzie” (1946), Lanę Turner w „Listonosz zawsze dzwoni dwa razy” (1946), Ava Gardner w „Zabójcach” (1946) i Jane Greer w Out of the Past (1947). Kultowy odpowiednik femme fatale w stylu noir, prywatny detektyw, wyszedł na pierwszy plan w filmach takich jak Sokół maltański (1941), z Humphreyem Bogartem jako Sam Spade i Morderstwo, moja słodka (1944), z Dickiem Powellem jako Philip Marlowe .

Rozpowszechnienie prywatnego detektywa w roli głównej zmalało w filmach noir w latach 50. XX wieku, w okresie, w którym kilku krytyków opisuje tę formę jako bardziej skoncentrowaną na ekstremalnych psychologii i ogólnie bardziej przesadzoną. Doskonałym przykładem jest Kiss Me Deadly (1955); na podstawie powieści Mickeya Spillane'a , bestsellera spośród wszystkich autorów hardboiled, tutaj głównym bohaterem jest prywatny detektyw Mike Hammer . Jak opisuje Paul Schrader , „ drażniący kierunek Roberta Aldricha prowadzi noir do jego najbardziej obrzydliwego i najbardziej przewrotnie erotycznego. bomba." Barokowo stylizowany Dotyk Zła (1958) Orsona Wellesa jest często wymieniany jako ostatni noir okresu klasycznego. Niektórzy badacze uważają, że film noir nigdy się tak naprawdę nie skończył, ale nadal się zmieniał, nawet gdy charakterystyczny styl wizualny noir zaczął wydawać się przestarzały, a zmieniające się warunki produkcji poprowadziły Hollywood w różne strony – w tym ujęciu filmy w tradycji noir po latach 50. są postrzegane jako część kontynuacji z klasycznym noir. Większość krytyków uważa jednak, że porównywalne filmy zrealizowane poza epoką klasyczną są czymś innym niż prawdziwymi filmami noir. Traktują prawdziwy film noir jako należący do ograniczonego czasowo i geograficznie cyklu lub okresu, traktując kolejne filmy przywołujące klasykę jako zasadniczo odmienne ze względu na ogólne zmiany stylu filmowego i współczesną świadomość noir jako historycznego źródła aluzji .

Dyrektorzy i biznes noir

Scena z filmu W samotnym miejscu (1950) wyreżyserowanego przez Nicholasa Raya na podstawie powieści pisarki powieści noir Dorothy B. Hughes . Dwóch głównych aktorów noir, Gloria Grahame i Humphrey Bogart , przedstawia w filmie zakochanych w gwiazdach.

Podczas gdy pomysłowy noir, Obcy na trzecim piętrze , był filmem klasy B wyreżyserowanym przez praktycznie nieznanego, wiele z filmów noir, które wciąż pamiętamy, to produkcje z listy A autorstwa znanych filmowców. Debiutując jako reżyser filmem Sokoła maltańskiego (1941), John Huston następnie z Key Largo (1948) i Asfaltową dżunglą (1950). Opinia jest podzielona co do statusu noir kilku thrillerów Alfreda Hitchcocka z epoki; co najmniej cztery kwalifikują się na zasadzie konsensusu: Cień wątpliwości (1943), Notorious (1946), Nieznajomi w pociągu (1951) i The Wrong Man (1956), sukces Otto Premingera z Laurą (1944) zyskał sławę i pomógł zademonstrować zdolność adaptacji noir do błyszczącej prezentacji 20th Century-Fox . Wśród najbardziej znanych hollywoodzkich reżyserów epoki, prawdopodobnie żaden z nich nie pracował częściej w trybie noir niż Preminger; jego inni noir to Fallen Angel (1945), Whirlpool (1949), Where the Sidewalk Ends (1950) (wszystkie dla Fox) i Angel Face (1952). Pół dekady po Double Indemnity i The Lost Weekend Billy Wilder nakręcił Sunset Boulevard (1950) i Ace in the Hole (1951), noir, które były nie tyle dramatami kryminalnymi, co satyrami na Hollywood i media. In a Lonely Place (1950) był przełomem Nicholasa Raya ; jego inne noir to debiut, Żyją nocą (1948) i Na niebezpiecznej ziemi (1952), znane z niezwykle życzliwego traktowania postaci wyobcowanych ze społecznego mainstreamu.

Rita Hayworth w zwiastunie Pani z Szanghaju (1947)

Orson Welles miał notoryczne problemy z finansowaniem, ale jego trzy filmy noir były dobrze budżetowane: Dama z Szanghaju (1947) otrzymała najwyższej klasy, „prestiżowe” wsparcie, a Nieznajomy (1946), jego najbardziej konwencjonalny film, oraz Dotyk zła ( 1958), niewątpliwie osobista praca, finansowana była na niższych poziomach, ale wciąż współmiernych do tytułów. Podobnie jak Nieznajomy , Kobieta z okna Fritza Langa (1945) była produkcją niezależnego International Pictures. Kontynuacja Langa, Scarlet Street (1945), była jednym z niewielu klasycznych filmów noir, które zostały oficjalnie ocenzurowane: pełna erotycznych insynuacji, została tymczasowo zakazana w Milwaukee, Atlancie i stanie Nowy Jork. Scarlet Street była na wpół niezależną firmą, współsponsorowaną przez Universal i Langa Diana Productions, której współgwiazda filmu, Joan Bennett , była drugim co do wielkości udziałowcem. Lang, Bennett i jej mąż, weteran Universalu i szef produkcji Diany, Walter Wanger , nakręcili Sekret za drzwiami (1948) w podobny sposób.

Przed opuszczeniem Stanów Zjednoczonych, będąc przedmiotem hollywoodzkiej czarnej listy , Jules Dassin stworzył dwa klasyczne noir, które również znalazły się na linii major-independent: Brute Force (1947) i wpływowy styl dokumentalny The Naked City (1948) zostały opracowane przez producenta Marka Hellingera , który miał kontrakt "wewnątrz / na zewnątrz" z Universalem podobny do Wangera. Lata wcześniej, pracując w Warner Bros., Hellinger wyprodukował trzy filmy dla Raoula Walsha , proto-noirów Oni jeżdżą nocą (1940), Manpower (1941) i High Sierra (1941), uważanych obecnie za przełomowe dzieło w rozwoju noir . Walsh nie miał wielkiego nazwiska przez pół wieku jako reżyser, ale jego noirowie White Heat (1949) i The Enforcer (1951) mieli gwiazdy na liście A i są postrzegane jako ważne przykłady cyklu. Inni reżyserzy związani z najlepszymi hollywoodzkimi filmowymi noirami to Edward Dmytryk ( Murder, My Sweet (1944), Crossfire (1947)) – pierwszy ważny reżyser noir, który padł ofiarą czarnej listy przemysłu – a także Henry Hathaway ( Mroczny kąt (1946), Pocałunek śmierci (1947)) i John Farrow ( Wielki zegar (1948), Noc ma tysiąc oczu (1948)).

Większość hollywoodzkich filmów uważanych za klasyczne noir należy do kategorii „ film B ”. Niektóre były B w najbardziej precyzyjnym tego słowa znaczeniu, wyprodukowane na dole podwójnych banknotów przez niskobudżetową jednostkę jednego z głównych studiów lub przez jeden z mniejszych zespołów Poverty Row , od stosunkowo zamożnych Monogramów po bardziej chwiejne przedsięwzięcia. takich jak Producers Releasing Corporation (PRC) . Jacques Tourneur nakręcił ponad trzydzieści hollywoodzkich filmów B (kilka obecnie bardzo cenionych, najbardziej zapomnianych), zanim wyreżyserował A-level Out of the Past , który uczony Robert Ottoson określił jako „ ne plus ultra lat czterdziestych film noir”. Filmy z budżetami znajdującymi się wyżej w hierarchii, znane w branży jako „pośrednie”, mogą być traktowane jako obrazy A lub B w zależności od okoliczności. Monogram stworzył Allied Artists pod koniec lat 40., aby skupić się na tego rodzaju produkcji. Robert Wise ( Born to Kill [1947], The Set-Up [1949]) i Anthony Mann ( T-Men [1947] i Raw Deal [1948]) przed ukończeniem studiów stworzyli serię imponujących półproduktów, z których wiele było noirami. do stałej pracy przy produkcjach wysokobudżetowych. Mann wykonał niektóre ze swoich najbardziej znanych prac z operatorem Johnem Altonem, specjalistą od tego, co James Naremore nazwał „hipnotycznymi momentami światła w ciemności”. Szedł przez noc (1948), nakręcony przez Alton i choć przypisuje wyłącznie Alfred Werker, skierowana w dużej mierze przez Manna, pokazuje swoje mistrzostwo techniczne i przykładem późno 1940 trend „ policyjnych proceduralnych ” dramatów kryminalnych. Został wydany, podobnie jak inne noir Mann-Alton, przez małą firmę Eagle-Lion ; było to inspiracją dla serii Obława , która zadebiutowała w radiu w 1949 i telewizji w 1951.

Detour (1945) kosztował 117 000 dolarów, podczas gdy największe hollywoodzkie studia wydawały około 600 000 dolarów na przeciętny film. Wyprodukowany w małej ChRL film przekroczył jednak budżet o 30 proc.

Kilku reżyserów związanych z noir zbudowało szanowane dzieła, głównie na poziomie filmów klasy B/średniozaawansowanych. Brutalne, pełne energii wizualnej filmy Samuela Fullera , takie jak Pickup on South Street (1953) i Underworld USA (1961), przyniosły mu wyjątkową reputację; jego zwolennicy chwalą go jako „prymitywnego” i „barbarzyńskiego”. Joseph H. Lewis wyreżyserował filmy noir tak różnorodne, jak Gun Crazy (1950) i The Big Combo (1955). Ten pierwszy, którego scenariusz został napisany przez znajdującego się na czarnej liście Daltona Trumbo , zamaskowanego przez front, zawiera sekwencję napadu na bank, pokazaną w nieprzerwanym ujęciu trwającym ponad trzy minuty, co było wpływowe. The Big Combo został nakręcony przez Johna Altona i wyprowadził mroczny styl noir do granic zewnętrznych. Najbardziej charakterystyczne filmy Phila Karlsona ( The Phenix City Story [1955] i The Brothers Rico [1957]) opowiadają historie o występku zorganizowanym na potworną skalę. Praca innych reżyserów na tym poziomie przemysłu, takich jak Felix E. Feist ( The Devil Thumbs a Ride [1947], Tomorrow Is Another Day [1951]), stała się niejasna. Edgar G. Ulmer spędził większość swojej hollywoodzkiej kariery pracując w studiach B i raz na jakiś czas nad projektami, które osiągnęły status pośredni; w większości na jednoznacznych Bs. W 1945 roku, podczas pobytu w ChRL, wyreżyserował kultowy klasyk noir, Detour . Inne noir Ulmera to Strange Illusion (1945), również dla ChRL; Ruthless (1948) dla Eagle-Lion, który przejął ChRL rok wcześniej, oraz Murder Is My Beat (1955) dla Allied Artists.

Wiele nisko i skromnie budżetowych filmów noir zostało wykonanych przez niezależne, często należące do aktorów firmy, które zleciły dystrybucję większym studiom. Będąc producentem, scenarzystą, reżyserem i uznanym wykonawcą, Hugo Haas nakręcił filmy takie jak Pickup (1951), The Other Woman (1954) i Jacques Tourneur, The Fearmakers (1958) ). W ten sposób znakomita aktorka noir Ida Lupino stała się jedyną kobietą-reżyserką w Hollywood pod koniec lat czterdziestych i przez większą część lat pięćdziesiątych. Ona nie pojawia się w najbardziej znanym filmem ona kierowana autostopowicz (1953), opracowany przez jej firmy, Filmakers, przy wsparciu i dystrybucji przez RKO. Jest to jeden z siedmiu klasycznych filmów noir wyprodukowanych w dużej mierze poza głównymi studiami, które zostały wybrane do Narodowego Rejestru Filmów Stanów Zjednoczonych . Jednym z pozostałych było wydawnictwo w małym studiu: Detour . Cztery były niezależnymi produkcjami dystrybuowanymi przez United Artists , „studio bez studia”: Gun Crazy ; Pocałuj mnie śmiertelnie ; DOA (1950), wyreżyserowany przez Rudolpha Maté i Słodki zapach sukcesu (1957), wyreżyserowany przez Alexandra Mackendricka . Jedną z nich była niezależna dystrybuowana przez lidera branży MGM : Force of Evil (1948), wyreżyserowana przez Abrahama Polonsky'ego, z udziałem Johna Garfielda , obaj zostali wciągnięci na czarną listę w latach pięćdziesiątych. Produkcja niezależna zwykle oznaczała ograniczone okoliczności, ale Sweet Smell of Success , pomimo planów zespołu produkcyjnego, najwyraźniej nie była tania, choć podobnie jak wielu innych cenionych noirów z budżetem A, można powiedzieć, że ma duszę filmu klasy B.

Chyba żaden reżyser nie okazał tego ducha lepiej niż urodzony w Niemczech Robert Siodmak , który przed przyjazdem do Hollywood w 1940 roku nakręcił już kilka filmów. Pracując głównie nad fabułami A, zrealizował osiem filmów, które obecnie uważane są za klasyczne filmy noir (postać, do której pasują tylko Lang i Mann). Oprócz The Killers , debiutu Burta Lancastera i koprodukcji Hellinger/Universal, inne ważne wkłady Siodmaka w ten gatunek obejmują Phantom Lady z 1944 roku (najlepsza adaptacja B i Woolricha), ironicznie zatytułowany Boże Narodzenie Święto (1944) i Krzyk miasta (1948). Criss Cross (1949), z ponownie Lancasterem na czele, jest przykładem tego, jak Siodmak wniósł zalety filmu B do A noir. Poza stosunkowo luźniejszymi ograniczeniami charakteru i przekazu przy niższych budżetach, charakter produkcji B nadawał się stylowi noir ze względów ekonomicznych: przyćmione oświetlenie oszczędzało energię elektryczną i pomogło ukryć tanie zestawy (przyczyną były również mgła i dym); nocne strzelanie było często zmuszane przez pospieszne harmonogramy produkcji; fabuły o niejasnych motywacjach i intrygująco eliptycznych przejściach były czasem konsekwencją pospiesznie napisanych scenariuszy, z których nie zawsze starczało czasu i pieniędzy na nakręcenie każdej sceny. W Criss Cross Siodmak celowo osiągnął te efekty, owijając je wokół Yvonne De Carlo , grając najbardziej zrozumiałą z femme fatales; Dan Duryea , w jednej ze swoich wielu charyzmatycznych ról złoczyńcy; a Lancaster jako zwykły robotnik, który stał się uzbrojonym rabusiem, skazany na romantyczną obsesję.

Poza Stanami Zjednoczonymi

	„Générique” („Nuit sur les Champs-Élysées”) Nastrojowa, sugestywna muzyka improwizowana przez kwintet jazzowego trębacza Milesa Davisa dla Ascenseur pour l'échafaud (1958) uważana jest za jedną z ostatecznych partytur noir.
Masz problemy z odtwarzaniem tego pliku? Zobacz pomoc dla mediów .

Niektórzy krytycy uważają klasyczny film noir za cykl wyłącznie dla Stanów Zjednoczonych; Na przykład Alain Silver i Elizabeth Ward spierają się: „Z Zachodem film noir dzieli to samo wyróżnienie, że jest rdzenną amerykańską formą… całkowicie amerykańskim stylem filmowym”. Jednak chociaż termin „film noir” został pierwotnie ukuty w celu opisania hollywoodzkich filmów, był to fenomen międzynarodowy. Jeszcze przed początkiem ogólnie przyjętego okresu klasycznego pojawiły się filmy z dala od Hollywood, które z perspektywy czasu można zobaczyć jako filmowe noir, na przykład francuskie produkcje Pépé le Moko (1937) w reżyserii Juliena Duviviera i Le Jour se lève (1939), reżyseria Marcel Carné . Ponadto Meksyk przeżywał intensywny okres filmu noir od mniej więcej 1946 do 1952 roku, czyli mniej więcej w tym samym czasie, gdy film noir rozkwitał w Stanach Zjednoczonych.

W okresie klasycznym w Europie, zwłaszcza we Francji, powstało wiele filmów, które łączą elementy stylu, tematu i wrażliwości z amerykańskimi filmowymi noirami i same mogą być włączone do kanonu gatunku. W niektórych przypadkach związek z Hollywood noir jest oczywisty: urodzony w Ameryce reżyser Jules Dassin przeniósł się do Francji na początku lat pięćdziesiątych w wyniku wpisania na czarną listę Hollywood i nakręcił jednego z najsłynniejszych francuskich filmów noir, Rififi (1955). Inne znane francuskie filmy, często klasyfikowane jako noir, to Quai des Orfèvres (1947) i Les Diaboliques (1955), oba wyreżyserowane przez Henri-Georgesa Clouzota . Casque d'Or (1952), Touchez pas au grisbi (1954) i Le Trou (1960) w reżyserii Jacquesa Beckera ; oraz Ascenseur pour l'échafaud (1958) w reżyserii Louisa Malle'a . Francuski reżyser Jean-Pierre Melville jest powszechnie znany ze swoich tragicznych, minimalistycznych filmów noir – Bob le flambeur (1955), z okresu klasycznego, a następnie Le Doulos (1962), Le deuxième souffle (1966), Le Samouraï (1967) i Le Cercle rouge (1970).

Stray Dog (1949), reżyseria i współautor scenariusza Akiry Kurosawy , zawiera wiele elementów filmowych i narracyjnych związanych z klasycznym amerykańskim filmem noir.

Uczony Andrew Spicer twierdzi, że brytyjski film noir jest dowodem większego długu francuskiego realizmu poetyckiego niż ekspresjonistycznego amerykańskiego stylu noir. Przykładami brytyjskiego noir z okresu klasycznego są Brighton Rock (1947) w reżyserii Johna Boultinga ; Zrobili ze mnie zbiega (1947), reżyseria Alberto Cavalcanti ; The Small Back Room (1948), reżyseria Michael Powell i Emeric Pressburger ; The October Man (1950) w reżyserii Roya Warda Bakera ; oraz Rzuć mroczny cień (1955) w reżyserii Lewisa Gilberta . Terence Fisher wyreżyserował kilka niskobudżetowych thrillerów w trybie noir dla Hammer Film Productions , w tym The Last Page (aka Man Bait ; 1952), Stolen Face (1952) i Murder by Proxy (aka Blackout ; 1954). Przed wyjazdem do Francji Jules Dassin został zmuszony przez naciski polityczne do nakręcenia swojego ostatniego anglojęzycznego filmu z klasycznego okresu noir w Wielkiej Brytanii: Noc i miasto (1950). Choć został wymyślony w Stanach Zjednoczonych i nie tylko wyreżyserował go Amerykanin, ale także występuje w nim dwóch amerykańskich aktorów — Richard Widmark i Gene Tierney — technicznie rzecz biorąc, jest to produkcja brytyjska, finansowana przez brytyjską filię 20th Century-Fox . Najbardziej znanym z klasycznych brytyjskich Noirs jest dyrektorem Carol Reed „s The Third Man (1949), na podstawie scenariusza Grahama Greene'a . Akcja rozgrywa się w Wiedniu tuż po II wojnie światowej, a także dwóch amerykańskich aktorów, Josepha Cottena i Orsona Wellesa , którzy wystąpili razem w filmie Obywatel Kane .

W innym miejscu włoski reżyser Luchino Visconti zaadaptował „ Listonosz zawsze dzwoni dwa razy” Kaina jako Ossessione (1943), uważany zarówno za jednego z wielkich noirów, jak i za przełomowy film w rozwoju neorealizmu. (To nie była nawet pierwsza ekranizacja powieści Kaina, które zostały poprzedzone francuski Le Dernier tournant w 1939 roku) W Japonii obchodzone Akira Kurosawa wyreżyserował kilka filmów rozpoznawalne jako film noir, w tym Pijany anioł (1948), bezpański pies (1949), The Bad Sleep Well (1960) oraz High and Low (1963). Powieść hiszpańskiej autorki Mercedes Formica La ciudad perdida (Zaginione miasto) została zaadaptowana do filmu w 1960 roku.

Wśród pierwszych znaczących filmów neo-noir – termin często stosowany do filmów świadomie odwołujących się do klasycznej tradycji noir – był francuski Tirez sur le pianiste (1960), wyreżyserowany przez François Truffaut na podstawie powieści jednego z najbardziej ponurych Amerykanów. pisarze powieści noir, David Goodis . Kryminalne filmy noir i melodramaty zostały wyprodukowane w wielu krajach na obszarze postklasycznym. Niektóre z nich to kwintesencja samoświadomych neo-noirów – na przykład Il Conformista (1969; Włochy), Der Amerikanische Freund (1977; Niemcy), Element zbrodni (1984; Dania) i El Aura (2005; Argentyna) . Inni po prostu dzielą elementy narracyjne i wersję twardej wrażliwości związanej z klasycznym noir, takie jak Castle of Sand (1974; Japonia), Bezsenność (1997; Norwegia), Krupier (1998; Wielka Brytania) i Blind Shaft (2003; Chiny). .

Neo-noir i echa trybu klasycznego

Gatunek filmu neo-noir rozwinął się w połowie zimnej wojny. Ten trend filmowy odzwierciedlał w dużej mierze cynizm i możliwość nuklearnej zagłady epoki. Ten nowy gatunek wprowadził innowacje, które nie były dostępne we wcześniejszych filmach noir. Przemoc była również silniejsza.

1960 i 1970

Choć trudno jest odróżnić niektóre filmy noir z początku lat 60., takie jak Blast of Silence (1961) i Cape Fear (1962) od filmów noir z końca lat 50., w epoce postklasycznej pojawiły się nowe trendy. Kandydat mandżurski (1962) w reżyserii Johna Frankenheimera , Korytarz Szoku (1963) w reżyserii Samuela Fullera i Burza mózgów (1965) w reżyserii doświadczonego aktora postaci noir Williama Conrada , wszystkie traktują temat wywłaszczenia psychicznego w ramach stylistycznych i tonalnych wywodzący się z klasycznego filmu noir. Kandydat mandżurski zbadał sytuację jeńców amerykańskich podczas wojny koreańskiej . Incydenty, które miały miejsce zarówno w czasie wojny, jak i powojenne, stanowiły inspirację dla podgatunku "Cold War Noir". Serial telewizyjny The Fugitive (1963-67) przeniósł na mały ekran klasyczne motywy i nastrój w stylu noir na dłuższy czas.

Jako złodziej samochodów Michel Poiccard, vel Laszlo Kovacs, Jean-Paul Belmondo w À bout de souffle ( Bez tchu ; 1960). Poiccard czci i stylizuje się na ekranową postać Humphreya Bogarta . Tu naśladuje charakterystyczny gest Bogarta, jeden z motywów filmu .

W innym tonie zaczęły pojawiać się filmy, które świadomie uznawały konwencje klasycznego filmu noir jako historyczne archetypy, które należy wskrzesić, odrzucić lub na nowo wyobrazić. Wysiłki te charakteryzują to, co stało się znane jako neo-noir. Chociaż kilku późnych klasycznych noirów, w szczególności Kiss Me Deadly , było głęboko samoświadomych i posttradycyjnych w koncepcji, żaden z nich nie podniósł ręki tak wyraźnie, aby został zauważony przez ówczesnych amerykańskich krytyków. Pierwszy poważny film, który jawnie działa w ten kąt był francuski reżyser Jean-Luc Godard „s À bout de souffle ( tchu ; 1960), który płaci dosłownym uszanowanie Bogart i jego film kryminalny podczas wymachując śmiały nowy styl na nowy dzień. W Stanach Zjednoczonych Arthur Penn (1965 Mickey One , czerpiący inspirację z Tirez sur le pianiste Truffauta i innych francuskich filmów Nowej Fali ), John Boorman (1967 Point Blank , podobnie schwytany, choć na głębszych wodach Nouvelle vague ), a Alan J. Pakula (1971 Klute ) wyreżyserował filmy, które świadomie nawiązywały do ​​oryginalnych filmów noir, zapraszając widzów do gry.

Oczywisty związek z tradycjami noir – który ze swej natury pozwala na wywnioskowanie różnego rodzaju komentarzy na ich temat – może również stanowić podstawę do jawnej krytyki tych tradycji. W 1973 roku reżyser Robert Altman odrzucił pobożność noir filmem The Long Goodbye . Oparta na powieści Raymonda Chandlera, przedstawia jedną z najsłynniejszych postaci Bogarta, ale w obrazoburczy sposób: Philip Marlowe, prototypowy detektyw na twardo, jest odtwarzany jako nieszczęsny odmieńca, niemal śmiesznie oderwany od współczesnych obyczajów i moralności. Tam, gdzie podważanie mitu filmowego przez Altmana było tak lekceważące, że oburzało niektórych współczesnych krytyków, mniej więcej w tym samym czasie Woody Allen składał czule, momentami bałwochwalczy hołd klasycznemu trybowi z Play It Again, Sam (1972). Film „ blaxploitation ” Shaft (1971), w którym Richard Roundtree gra tytułowego prywatnego detektywa Afroamerykanów, Johna Shafta , czerpie konwencje z klasycznego noir.

Najgłośniejszym z neo-noirów epoki był Chinatown reżysera Romana Polańskiego z 1974 roku . Akcja napisana przez Roberta Towne'a rozgrywa się w Los Angeles w latach 30. XX wieku, znanym miejscu noir, cofniętym o kilka lat wstecz w sposób, który sprawia, że ​​kluczowa utrata niewinności w tej historii jest jeszcze bardziej okrutna. Tam, gdzie Polański i Towne podnieśli noir do czarnego apogeum, obracając się do tyłu, reżyser Martin Scorsese i scenarzysta Paul Schrader przenieśli noir na współczesność dzięki Taksówkarzowi (1976), trzeszczącemu, krwawemu błyszczeniu na temat dwustulecia Ameryki. W 1978 roku Walter Hill napisał i wyreżyserował The Driver , film pościgowy, który Jean-Pierre Melville mógł sobie wyobrazić w szczególnie abstrakcyjnym nastroju.

Hill był już centralną postacią w 1970 noir w bardziej bezpośredni sposób, po napisaniu scenariusza reżyser Sam Peckinpah „s The Getaway (1972), adaptacji powieści mistrza pulpa Jim Thompson , jak również dla dwóch trudnych filmów Private Eye: oryginalny scenariusz do filmu Hickey i Boggs (1972) oraz adaptacja powieści Rossa Macdonalda , czołowego literackiego potomka Hammetta i Chandlera, do filmu The Drowning Pool (1975). Niektóre z najsilniejszych noirów z lat 70. były nieomylnymi przeróbkami klasyków, w większości domyślnie „neo”: łamiącym serce Thieves Like Us (1974), wyreżyserowanym przez Altmana z tego samego źródła, co Ray's They Live by Night i Farewell, My Lovely (1975), opowieść Chandlera wykonana klasycznie jako Morderstwo, moja słodka , przerobiona tutaj z Robertem Mitchumem w jego ostatniej znaczącej roli noir. Serial detektywistyczny, rozpowszechniony w amerykańskiej telewizji w tym okresie, aktualizował tradycję hardboiled na różne sposoby, ale serialem przywołującym najbardziej noirowy ton był crossover horroru z kudłatym humorem w stylu Long Goodbye : Kolchak: The Night Stalker (1974-75) ), przedstawiający reportera z chicagowskiej gazety badającego dziwne, zwykle nadprzyrodzone wydarzenia.

Lata 80. i 90.

Sharon Stone jako Catherine Tramell , archetypowa współczesna femme fatale , w przeboju kinowym Basic Instinct (1992). Jej diabelską naturę podkreśla „niezwykle ponury kod wizualny”, jak w osławionej scenie przesłuchania.

Przełom dekady przyniósł czarno-biały Wściekły byk Scorsese (współautor: Schrader); uznane arcydzieło – Amerykański Instytut Filmowy uważa go za największy amerykański film lat 80. i czwarty największy film wszech czasów – to także rekolekcje, opowiadające historię moralnej autodestrukcji boksera, która przypomina zarówno tematem, jak i atmosferą wizualną dramaty noir, takie jak Ciało i dusza (1947) i Mistrz (1949). Od 1981 roku popularny Body Heat , napisany i wyreżyserowany przez Lawrence'a Kasdana , przywołuje inny zestaw klasycznych elementów noir, tym razem w wilgotnej, erotycznie naładowanej scenerii Florydy; jego sukces potwierdził komercyjną opłacalność neo-noir w czasie, gdy największe hollywoodzkie studia coraz bardziej unikały ryzyka. Włączenie neo-noir do głównego nurtu jest widoczne w takich filmach, jak Czarna wdowa (1987), Shattered (1991) i Final Analysis (1992). Niewielu neo-noirów zarobiło więcej pieniędzy lub bardziej dowcipnie zaktualizowało tradycję noir double-entendre niż Basic Instinct (1992), wyreżyserowany przez Paula Verhoevena i napisany przez Joe Eszterhasa . Film pokazuje również, jak polichromowana paleta neo-noir może odtworzyć wiele ekspresjonistycznych efektów klasycznego czarno-białego noir.

Podobnie jak Chinatown , jego bardziej złożony poprzednik, nagrodzony Oscarem LA Confidential (1997) Curtisa Hansona , oparty na powieści Jamesa Ellroya , demonstruje przeciwną tendencję – celowo retro film noir; jego opowieść o skorumpowanych gliniarzach i femmes fatales jest pozornie wyjęta prosto z filmu z 1953 roku, w którym toczy się akcja. Reżyser David Fincher podążył za niezwykle udanym filmem neo-noir Seven (1995) z filmem, który po pierwszym, rozczarowującym wydaniu stał się kultowym faworytem: Fight Club (1999) to sui generis mieszanka estetyki noir, przewrotnej komedii, spekulatywnych treści, i satyryczny zamiar.

	„Dub jazdy” Angelo Badalamenti napisał muzykę do większości filmów Davida Lyncha związanych z muzyką noir. Jego praca nad tym utworem charakteryzuje styl „modern noir”, którego reżyser wyraźnie poszukiwał w Lost Highway (1997).
Masz problemy z odtwarzaniem tego pliku? Zobacz pomoc dla mediów .

Pracując na ogół przy znacznie mniejszych budżetach, bracia Joel i Ethan Coen stworzyli jeden z najbardziej rozbudowanych filmów inspirowanych klasycznym noir, z takimi filmami jak Blood Simple (1984) i Fargo (1996), uważane przez niektórych za najlepsze dzieło w neo. -tryb noir. Coens krzyżują noir z innymi rodzajowymi kwestiami w gangsterskim dramacie Miller's Crossing (1990) – luźno opartym na powieściach Dashiella Hammetta Czerwone żniwa i Szklany klucz – oraz komedii The Big Lebowski (1998), hołdzie dla Chandlera i hołdzie dla Wersja „Długie pożegnanie” Altmana . Charakterystyczna twórczość Davida Lyncha łączy filmowe tropy ze scenariuszami napędzanymi przez wzburzone postacie, takie jak socjopatyczny przestępca grany przez Dennisa Hoppera w Blue Velvet (1986) czy urojony bohater Lost Highway (1997). Cykl Twin Peaks , zarówno serial telewizyjny (1990–91), jak i film, Ogień krocz ze mną (1992), stawia detektywistyczną fabułę przez serię dziwacznych spazmów. David Cronenberg także miksy surrealizm i noir w Naked Lunch (1991), inspirowane przez William S. Burroughs " powieści .

Być może żaden amerykański neo-noir nie odzwierciedla lepiej klasycznego filmu A z duszą w stylu noir niż film reżysera i scenarzysty Quentina Tarantino ; jego neo-noirowie, tacy jak Reservoir Dogs (1992) i Pulp Fiction (1994), wykazują nieustająco autorefleksyjną, czasem ironiczną wrażliwość, podobną do pracy reżyserów Nowej Fali i Coenów. Inne filmy z epoki łatwo rozpoznawalne jako neo-noir (jakiś retro, niektóre bardziej au courant) to reżyser John Dahl „s Zabij mnie jeszcze raz (1989), Red Rock West (1992) i The Last Seduction (1993); cztery adaptacje powieści Jima Thompsona — The Kill-Off (1989), After Dark, My Sweet (1990), The Grifters (1990) i remake The Getaway (1994); i wiele innych, w tym adaptacji dzieła innych wielkich pisarzy noir fiction: The Hot Spot (1990) od Piekło No Fury , przez Charlesa Williamsa ; Miami Blues (1990), z powieści Charlesa Willeforda ; i Poza zasięgiem wzroku (1998), z powieści Elmore Leonarda . Kilka filmów reżysera i scenarzysty Davida Mameta zawiera elementy noir: House of Games (1987), Homicide (1991), The Spanish Prisoner (1997) i Heist (2001). W telewizji Moonlighting (1985–89) oddał hołd klasycznemu filmowi noir, demonstrując jednocześnie niezwykłe uznanie dla poczucia humoru, często występującego w oryginalnym cyklu. W latach 1983-1989, Mike Hammer, prywatny detektyw Mickeya Spillane'a, był grany z gorzkim entuzjazmem przez Stacy Keach w serialu i kilku samodzielnych filmach telewizyjnych (nieudane odrodzenie, które nastąpiło w latach 1997-98). Brytyjski miniserial The Singing Detective (1986), napisany przez Dennisa Pottera , opowiada historię pisarza-kryminału Philipa Marlowa; powszechnie uważany za jednego z najlepszych neo-noirów w jakimkolwiek medium, niektórzy krytycy zaliczają go do największych produkcji telewizyjnych wszechczasów.

Neon noir

Wśród wysokobudżetowych autorów Michael Mann często pracował w stylu neo-noir, przy takich filmach jak Złodziej (1981) i Upał (1995) oraz seriale Miami Vice (1984-89) i Crime Story (1986-88). . Twórczość Manna jest przykładem podstawowego szczepu neo-noir lub pieszczotliwie nazywanego „neon noir”, w którym klasyczne motywy i tropy powracają we współczesnym otoczeniu z aktualnym stylem wizualnym i muzyczną ścieżką dźwiękową opartą na rocku lub hip hopie .

Film neo-noir zapożycza i odzwierciedla wiele cech filmu noir: obecność zbrodni, przemoc, złożone postacie i wątki, tajemnica, niejednoznaczność i moralna ambiwalencja – wszystko to wchodzi w grę w gatunku neon-noir. Ale bardziej niż powierzchowne cechy gatunku, neon noir podkreśla społeczno-krytykę filmu noir, przywołując specyficzne społeczno-kulturowe wymiary lat międzywojennych, kiedy noir po raz pierwszy stał się widoczny; czas globalnego kryzysu egzystencjalnego, depresji i masowego przemieszczania się ludności wiejskiej do miast. Długie ujęcia lub montaże pejzaży miejskich, często przedstawianych jako mroczne i groźne, sugerowały to, co Dueck określił jako „ponurą perspektywę społeczną”, stanowiąc krytykę globalnego kapitalizmu i konsumpcjonizmu . Inne taktyki również wykorzystywały mocno stylizowane techniki oświetleniowe, takie jak zestawienie światłocienia światła i ciemności, z neonami i jasno oświetlonymi budynkami, dającymi poczucie wyobcowania i uwięzienia .

Akcentując już obecne użycie sztucznego lub neonowego oświetlenia w filmach noir z lat 40. i 50., filmy neon-noir nasycają ten estetyczny styl elektryzującym kolorem i manipulowanym światłem, aby zaakcentować ich krytykę społeczno-kulturową jako tło tematycznych odniesień do współczesności. i popkultura. W ten sposób filmy z gatunku neon-noir poruszają tematy rozkładu miast, konsumpcyjnej dekadencji i kapitalizmu, egzystencjalizmu , seksualności oraz kwestii rasy i przemocy we współczesnym krajobrazie kulturowym nie tylko Ameryki, ale całego zglobalizowanego świata.

Neo-noir starają się sprowadzić współczesny noir, nieco rozrzedzony pod parasolem neo-noir, z powrotem do eksploracji kultury: klasa, rasa, płeć, patriarchat, kapitalizm są kluczowymi odniesieniami tematycznymi i wyjściami dla neon-noir; egzystencjalna konfrontacja społeczeństwa w hipertechnologicznym i zglobalizowanym świecie. Ilustrując społeczeństwo jako dekadenckie i konsumpcyjne , a tożsamość jako zdezorientowaną i niespokojną, neon-noir umieszczają współczesnego noir w miejskim rozpadzie , często umieszczając swoje sceny w podziemnych miastach-nawiedzonych; burdele, kluby nocne, kasyna, bary ze striptizem, lombardy, pralnie itp.

Neon noir zostały spopularyzowane w latach 70. i 80. przez filmy takie jak Taksówkarz (1976), Łowca androidów (1982) i filmy Davida Lyncha , takie jak Blue Velvet (1986), a później Zagubiona autostrada (1997). Inne tytuły z tej epoki zawarte Brian De Palma „s zdmuchnąć (1981) i braci Coen ” debiut Śmiertelnie proste (1985). W bardziej aktualnej kinowej krajobrazu, takie jak folie Harmony Korine „s wysoce prowokacyjny Wiosna Breakers i Danny Boyle „s Trance (2013) zostały uznane za szczególnie neon-Uwielbiałem wiadczenia noir gatunek; Podczas gdy Trance był celebrowany za „potrząsanie (potrząsaniem) składnikami (noir) jak kolorowy piasek w słoiku”, Spring Breakers notorycznie wytworzyło masę krytyki odwołującej się do jego „gorączkowej estetyki” i „neonowej eksplozji nadmiaru”. ' (Kohn). Inny neon noir obdarzony estetyką „gorączkowego snu” to The Persian Connection , wyraźnie powiązany z estetyką Lynchian jako przesiąknięty neonami współczesny noir.

Neon-noir można postrzegać jako odpowiedź na nadużywanie terminu neo-noir. Podczas gdy współczesny termin neo-noir ma na celu wprowadzenie noir do współczesnego krajobrazu, często krytykowano go za rozmycie gatunku noir, Arnett komentuje jego „amorficzny” zasięg: „każdy film z detektywem lub zbrodnią się kwalifikuje”, Cawelti uznając jego „ogólne wyczerpanie”. Mówiąc dokładniej, neon-noir stara się ożywić wrażliwość noir w bardziej ukierunkowany sposób odniesienia, skupiając się zwłaszcza na komentarzu społeczno-kulturowym i hiperstylizowanej estetyce.

2000 i 2010

Bracia Coen ponownie nawiązują do tradycji noir w Człowieku, którego tam nie było (2001); czarno-biały melodramat kryminalny, którego akcja toczy się w 1949 roku, zawiera scenę zainscenizowaną najwyraźniej jako odzwierciedlenie tej z Out of the Past . Lynch's Mulholland Drive (2001) kontynuował w jego charakterystycznym stylu, czyniąc z klasycznego noir Los Angeles miejsce na psychologiczną układankę w stylu noir. Czarno-biały debiut brytyjskiego reżysera Christophera Nolana , Following (1998), był jawnym hołdem dla klasycznego noir. W pierwszej dekadzie nowego stulecia był jednym z czołowych hollywoodzkich reżyserów neo-noir z uznanym Memento (2000) i remake'em Insomnia (2002).

Reżyser Sean Penn „s Pledge (2001), choć zaczerpnięte z bardzo własny odruchowy powieści Friedricha Dürrenmatta , grana Noir stosunkowo prosto, do katastrofalne skutki. Scenarzysta David Ayer zaktualizował klasyczną opowieść o złym gliniarzu w stylu noir, typowaną przez Shield for Murder (1954) i Rogue Cop (1954), swoimi scenariuszami do Training Day (2001) i adaptując historię Jamesa Ellroya, Dark Blue (2002) ; później napisał i wyreżyserował jeszcze mroczniejszy Harsh Times (2006). Collateral Michaela Manna (2004) przedstawia występ Toma Cruise'a jako zabójcę w rodowodzie Le Samouraï . Męki Mechanika (2004) w reżyserii Brada Andersona przywołują zarówno Fight Club, jak i Memento . W 2005 roku Shane Black wyreżyserował Kiss Kiss Bang Bang , opierając swój scenariusz częściowo na powieści kryminalnej Bretta Hallidaya , który swoje pierwsze opowiadania opublikował w latach 20. XX wieku. Film bawi się świadomością nie tylko klasycznego noir, ale także samej neo-noirowej refleksyjności.

Dzięki ultra brutalnym filmom, takim jak Sympathy for Mr. Vengeance (2002) i Thirst (2009), Park Chan-wook z Korei Południowej był najwybitniejszym reżyserem poza Stanami Zjednoczonymi, który regularnie pracował w trybie noir w nowym tysiącleciu . Najbardziej komercyjnie udanym neo-noirem tego okresu był Sin City (2005), wyreżyserowany przez Roberta Rodrigueza w ekstrawagancko stylizowanej czerni i bieli z plamami koloru. Film oparty jest na serii komiksów stworzonych przez Franka Millera (przypisywanego jako współreżyser filmu), które z kolei są otwarcie wdzięczne twórczości Spillane'a i innych autorów tajemnic z pulpy. Podobnie, powieści graficzne stanowią podstawę dla Drogi do zatracenia (2002) w reżyserii Sama Mendesa i Historii przemocy (2005) w reżyserii Davida Cronenberga ; ten ostatni został wybrany najlepszym filmem roku w corocznym plebiscycie Village Voice . Scenarzysta-reżyser Rian Johnson 's Brick (2005), w którym współcześni licealiści mówią wersją żarłacza na twardo z lat 30., zdobył Nagrodę Specjalną Jury za Oryginalność wizji na Festiwalu Filmowym w Sundance . Serial telewizyjny Veronica Mars (2004–2007) również wniósł młodzieżowy zwrot do filmu noir. Przykłady tego rodzaju ogólnego crossovera zostały nazwane „teen noir”.

Neo-noir filmy wydane w 2010s to Kim Jee-woon „s I Saw the Devil (2010), Fred Cavayé za punkt Blank (2010), Hong-jin Na „s Morza Żółtego (2010), Nicolas Winding Refn „s Dysk (2011), Claire Denis " Bastards (2013) i Dan Gilroy jest Nightcrawler (2014).

science fiction noir

Harrison Ford jako detektyw Rick Deckard w Blade Runner (1982). Jak wielu klasycznych noirów, akcja filmu rozgrywa się w Los Angeles, gdzie nieustannie pada. Para na pierwszym planie to znajomy motyw noir, podczas gdy „niebiesko-dymna strona zewnętrzna” aktualizuje tryb czarno-biały.

W epoce post-klasycznej znaczący trend w crossoverach noir obejmował science fiction . W Alphaville (1965) Jeana-Luca Godarda Lemmy Ostrożność to nazwa starej szkoły prywatnego detektywa w mieście jutra. The Groundstar Conspiracy (1972) skupia się na innym nieubłaganym badaczu i cierpiącym na amnezję o imieniu Welles. Soylent Green (1973), pierwszy poważny amerykański przykład, przedstawia dystopijny świat niedalekiej przyszłości za pomocą ewidentnej fabuły wykrywania noir; z Charltonem Hestonem (główna rola w Touch of Evil ), w filmie występują także klasyczne noir, Joseph Cotten, Edward G. Robinson i Whit Bissell . Film wyreżyserował Richard Fleischer , który dwie dekady wcześniej wyreżyserował kilka mocnych filmów B noir, w tym Napad na samochód pancerny (1950) i Wąską krawędź (1952).

Cyniczna i stylowa perspektywa klasycznego filmu noir miała kształtujący wpływ na cyberpunkowy gatunek science fiction, który pojawił się na początku lat 80.; filmem, który najbardziej bezpośrednio wpłynął na cyberpunk, był Blade Runner (1982), wyreżyserowany przez Ridleya Scotta , który oddaje sugestywny hołd klasycznemu trybowi noir (Scott następnie wyreżyserował przejmujący melodramat kryminalny noir z 1987 roku Someone to Watch Over Me ). Uczony Jamaluddin Bin Aziz zaobserwował, jak „przeciąga się cień Philipa Marlowe'a ” w innych „przyszłych filmach noir”, takich jak 12 małp (1995), Mroczne miasto (1998) i Raport mniejszości (2002). Debiutem fabularnym Finchera był Obcy 3 (1992), który nawiązywał do klasycznego, więziennego filmu noir, Brute Force .

Davida Cronenberga gniewu (1996), adaptacja spekulacyjnego powieści autorstwa JG Ballard , został opisany jako „film noir w barwach” siniaki. Bohater jest celem śledztwa w Gattaca (1997), który łączy motywy filmowe noir ze scenariuszem zadłużonym w Nowym wspaniałym świecie . The Thirteenth Floor (1999), podobnie jak Blade Runner , jest wyraźnym hołdem dla klasycznego noir, w tym przypadku zawierającym spekulacje na temat wirtualnej rzeczywistości . Science fiction, noir i anime łączą się w japońskich filmach z lat 90. Ghost in the Shell (1995) i Ghost in the Shell 2: Innocence (2004), oba wyreżyserowane przez Mamoru Oshii . The Animatrix (2003), oparty na i osadzony w świecie trylogii filmowej Matrix , zawiera krótki film anime w klasycznym stylu noir zatytułowany „A Detective Story”. Seriale anime z motywami science fiction noir obejmują Noir (2001) i Cowboy Bebop (1998).

Film „ Ex Machina ” z 2015 r. stawia niedopowiedziany film noir na mitach Frankensteina , z myślącą androidem Ava jako potencjalną femme fatale , jej twórcą Nathanem wcielającym się w agresywnego męża lub ojca, a jej niedoszłym ratownikiem Calebem jako „bezradnym włóczęgą”. zafascynowany Avą.

Parodie

Film noir był wielokrotnie parodiowany na wiele sposobów. W 1945 roku Danny Kaye zagrał w pierwszej celowej parodii filmu noir, Wonder Man . W tym samym roku Deanna Durbin była główną wokalistką w komediowym filmie noir Lady on a Train , w którym wyśmiewa się tęskny miserablizm marki Woolrich. Bob Hope zainaugurował parodię prywatnego oka w stylu noir Moją ulubioną brunetką (1947), grając małego fotografa, który jest mylony z detektywem z żelazną pięścią. Również w 1947 roku The Bowery Boys pojawili się w Hard Boiled Mahoney , który miał podobną fabułę dotyczącą błędnej tożsamości; ponownie sfałszowali ten gatunek w Private Eyes (1953). Dwie produkcje RKO z Robertem Mitchumem przenoszą film noir ponad granicę w autoparodię: The Big Steal (1949) w reżyserii Dona Siegela i His Kind of Woman (1951). W „Dziewczyna Hunt” balet w Vincente Minnelli „s Wszyscy na scenę (1953) jest destylacja dziesięć minut z-i grać na-noir w tańcu. The Cheap Detective (1978), z Peterem Falkiem w roli głównej , jest parodią kilku filmów, w tym klasyków Bogarta Sokół maltański i Casablanca . Czarno-biały Dead Men Don't Wear Plaid (1982) Carla Reinera przywłaszcza klipy klasycznych filmów noir dla farsowego pastiszu , podczas gdy jego Fatal Instinct (1993) wysyła klasyczne noir ( Double Indemnity ) i neo-noir ( Podstawowe). Instynkt ). Robert Zemeckis „s Kto wrobił królika Rogera (1988) rozwija noir zestaw Działka w 1940 LA wokół wielu postaci z kreskówek.

„Samotność towarzyszyła mi przez całe życie, wszędzie. W barach, samochodach, chodnikach, sklepach, wszędzie. Nie ma ucieczki. Jestem samotnym człowiekiem Boga”. Robert De Niro jako neo-noir antybohater Travis Bickle w Taksówkarz (1976)

Parodie noir są również w ciemniejszych tonach. Murder by Contract (1958), wyreżyserowany przez Irvinga Lernera , to śmiertelnie poważny żart na temat noir, z rozwiązaniem tak ponurym jak każdy z filmów, w których jest dzieciakiem. Bardzo niskobudżetowa produkcja Columbia Pictures , może kwalifikować się jako pierwszy celowy przykład tego, co obecnie nazywa się filmem neo-noir; prawdopodobnie było to źródło inspiracji zarówno dla Le Samouraï Melville'a, jak i Taksówkarza Scorsese . Belying swojej parodii szczepu, Długie pożegnanie " ostateczny akt s jest poważnie grób. Taksówkarz żwawo dekonstruuje „mroczny” film kryminalny, doprowadzając go do absurdalnej ekstremy, a następnie proponuje konkluzję, w której udaje się kpić z każdego możliwego oczekiwanego zakończenia – triumfalnego, tragicznego, zręcznie ambiwalentnego – będąc jednocześnie każdym z nich. Flirty z rozpryski stanie się jeszcze bardziej bezczelnie, Coenowie Śmiertelnie proste jest zarówno wymagającym pastisz i brutto przesady klasycznego noir. Dostosowane przez reżysera Robinson Devor z powieści Karola Willeford , kobietę Chaser (1999) wysyła się nie tylko tryb noir, ale cały proces filmowym Hollywood, z pozoru każdy strzał wystawił jako wizualny odpowiednik acerbic Marlowe wisecrack.

W innych mediach serial telewizyjny Sledge Hammer! (1986-88) paszkwil noir, obok takich tematów jak kara śmierci , fetyszyzm broni i Brudny Harry . Ulica Sezamkowa (1969-curr.) od czasu do czasu rzuca Kermit the Frog jako prywatny detektyw; szkice nawiązują do niektórych motywów typowych dla filmów noir, zwłaszcza do głosu lektora. Program radiowy Garrisona Keillora A Prairie Home Companion przedstawia powracającego Guya Noira , twardego detektywa, którego przygody zawsze przeradzają się w farsę (Guy pojawia się także w wyreżyserowanym przez Altmana filmie opartym na serialu Keillora). Nick Danger z Firesign Theatre przemierzał te same niezbyt wredne ulice, zarówno w radiu, jak i na albumach komediowych. Kreskówki, takie jak Garfield's Babes and Bullets (1989) i postacie z komiksów, takie jak Tracer Bullet of Calvin i Hobbes , parodiowały zarówno film noir, jak i pokrewną tradycję hardboiled – jedno ze źródeł, z których film noir wywodził się i które teraz przyćmiewa.

Identyfikowanie cech

Niektórzy uważają Vertigo (1958) za noir ze względu na fabułę, tonację i różne motywy, ale ma on typową dla lat 50. modernistyczną szatę graficzną i nowocześniejszą scenografię, która usunęłaby go z kategorii filmu noir. Inni twierdzą, że połączenie koloru i specyfika wizji reżysera Alfreda Hitchcocka wyklucza go z kategorii.

W swoim oryginalnym kanonie filmu noir z 1955 r. Raymond Borde i Etienne Chaumeton zidentyfikowali dwadzieścia dwa hollywoodzkie filmy wydane w latach 1941-1952 jako podstawowe przykłady; wymienili kolejne pięćdziesiąt dziewięć amerykańskich filmów z tego okresu jako istotnie związanych z dziedziną noir. Pół wieku później historycy i krytycy filmu doszli do porozumienia w sprawie kanonu około trzystu filmów z lat 1940-1958. -znani, kwalifikują się jako filmowi noir lub nie. Na przykład Noc myśliwego (1955), z Robertem Mitchumem w uznanym przez krytyków spektaklu, przez jednych krytyków traktowana jest jako film noir, a przez innych nie. Niektórzy krytycy to Podejrzenie (1941), wyreżyserowane przez Alfreda Hitchcocka, w swoich katalogach noir; inni to ignorują. Jeśli chodzi o filmy powstałe przed lub po okresie klasycznym, lub poza Stanami Zjednoczonymi w dowolnym momencie, konsensus jest jeszcze rzadszy.

Aby wesprzeć kategoryzację niektórych filmów jako noir i odrzucenie innych, wielu krytyków odwołuje się do zestawu elementów, które postrzegają jako przykłady tego trybu. Pytanie, co składa się na zestaw cech identyfikujących noir, jest podstawowym źródłem kontrowersji. Na przykład krytycy mają tendencję do definiowania wzorcowego filmu noir jako z tragicznym lub ponurym zakończeniem, ale wiele uznanych klasyków tego gatunku ma wyraźnie szczęśliwe zakończenia (np. Obcy na trzecim piętrze, Wielki sen , Ciemne przejście i Mroczny róg ), podczas gdy ton wielu innych rozwiązań noir jest ambiwalentny. Niektórzy krytycy postrzegają klasyczny noir jako charakterystyczny styl wizualny. Inni, zauważając, że wśród noirów jest rzeczywiście spora różnorodność stylistyczna, zamiast tego podkreślają fabułę i typ postaci. Jeszcze inni skupiają się na nastroju i postawie. Żadne badanie cech charakterystycznych klasycznego noir nie może być zatem uznane za ostateczne. W latach 90. i 2000. krytycy coraz częściej zwracali uwagę na tę różnorodną dziedzinę filmów zwaną neo-noir; po raz kolejny jest jeszcze mniej konsensusu co do cech definiujących takie filmy zrealizowane poza epoką klasyczną.

Styl wizualny

W technika low-key schematy wielu klasycznych film noir związane są z surowych światło / ciemność kontrastów i dramatyczny cienia deseniujących-stylu znanych jako światłocienia (termin przyjęty z malarstwa renesansowego). Cienie żaluzji weneckich czy prętów balustradowych rzucane na aktora, ścianę lub całą scenografię są ikonicznym wizualnie w noir i stały się banałem na długo przed epoką neo-noir. Twarze bohaterów mogą być częściowo lub całkowicie zasłonięte ciemnością – względna rzadkość w konwencjonalnym hollywoodzkim kinie. Podczas gdy czarno-biała kinematografia jest przez wielu uważana za jeden z podstawowych atrybutów klasycznego noir, kolorowe filmy Leave Her to Heaven (1945) i Niagara (1953) są rutynowo włączane do filmografii noir, podczas gdy Slightly Scarlet (1956) , Party Girl (1958) i Vertigo (1958) są klasyfikowane jako noir przez różną liczbę krytyków.

Film noir jest również znany z wykorzystywania ujęć pod niskim kątem , szerokokątnych i przekrzywionych lub ujęcia holenderskiego . Inne sposoby dezorientacji, stosunkowo powszechne w filmach noir, obejmują ujęcia ludzi odbitych w jednym lub kilku lusterkach, ujęcia przez zakrzywione lub matowe szkło lub inne zniekształcające obiekty (takie jak podczas sceny uduszenia w Nieznajomi z pociągu ) oraz sekwencje efektów specjalnych czasami dziwaczna natura. Fotografowanie noc za noc , w przeciwieństwie do hollywoodzkiej normy dzień za noc , było często stosowane. Od połowy 1940 roku do przodu, strzelanie położenie stawało się coraz częstsze w noir.

W analizie wizualnego podejścia do Kiss Me Deadly , późnego i świadomie stylizowanego przykładu klasycznego noir, krytyk Alain Silver opisuje, w jaki sposób wybory filmowe podkreślają tematykę i nastrój opowieści. W jednej ze scen postacie widziane przez „pomieszanie kanciastych kształtów” wydają się więc „złapane w namacalny wir lub zamknięte w pułapce”. Srebro jest argumentem za tym, że "światło boczne jest używane ... do odzwierciedlenia ambiwalencji postaci", podczas gdy ujęcia postaci, w których są oświetlone od dołu, "zgodne z konwencją ekspresji wizualnej, która kojarzy cienie rzucane w górę twarzy z nienaturalnym i złowieszczy”.

Struktura i środki narracyjne

Barbara Stanwyck i Burt Lancaster byli dwiema najbardziej płodnymi gwiazdami klasycznego noir. Złożona struktura Niestety, Wrong Number (1948) obejmuje historię w czasie rzeczywistym, wielu narratorów i retrospekcje w retrospekcjach.

Filmy noir mają zwykle niezwykle zawiłe fabuły, często zawierające retrospekcje i inne techniki montażu, które zakłócają, a czasem zaciemniają sekwencję narracyjną . Standardowym zabiegiem jest również kadrowanie całej głównej narracji jako retrospekcji. Narracja lektora, czasami używana jako narzędzie do strukturyzacji, zaczęła być postrzegana jako znak rozpoznawczy noir; Podczas gdy klasyczny noir jest ogólnie kojarzony z narracją pierwszoosobową (tj. przez bohatera), Stephen Neale zauważa, że ​​narracja trzecioosobowa jest powszechna wśród noirów w stylu półdokumentalnym. Neo-noirowie, tak różnorodni jak The Element of Crime (surrealistyczny), After Dark, My Sweet (retro) i Kiss Kiss Bang Bang (meta), wykorzystali kombinację retrospekcji i głosu.

W epoce klasycznej czasami podejmowano odważne eksperymenty z kinowym opowiadaniem historii: na przykład Lady in the Lake jest kręcona w całości z punktu widzenia głównego bohatera Philipa Marlowe'a; twarz gwiazdy (i reżysera) Roberta Montgomery'ego widoczna jest tylko w lustrach. The Chase (1946) bierze oniiryzm i fatalizm za podstawę swojego fantastycznego systemu narracji, przypominającego niektóre opowieści grozy, ale bez precedensu w kontekście rzekomo realistycznego gatunku. Na różne sposoby, zarówno Sunset Boulevard , jak i DOA są opowieściami martwych mężczyzn. Ostatnie dni noir znalazły się w czołówce eksperymentów strukturalnych w kinie popularnym, czego przykładem są takie filmy jak Pulp Fiction , Fight Club , czy Memento .

Fabuły, postacie i ustawienia

Zbrodnia, zwykle morderstwo, jest elementem niemal wszystkich filmów noir; Oprócz standardowej chciwości, motywacją przestępczą jest często zazdrość. Śledztwo kryminalne – prowadzone przez prywatnego detektywa, detektywa policyjnego (czasem działającego samotnie) lub zaniepokojonego amatora – jest najbardziej rozpowszechnioną, ale daleką od dominującej, podstawową fabułą. W innych działek wspólnymi bohaterami są zaangażowane w heists lub gier con lub w morderczych spiskach często obejmujących sprawy cudzołożny. Fałszywe podejrzenia i oskarżenia o przestępstwa są częstym elementem fabuły, podobnie jak zdrady i podwójne krzyże. Według J. Davida Slocuma „bohaterowie przyjmują dosłowną tożsamość zmarłych mężczyzn w prawie piętnastu procentach wszystkich noir”. Amnesia jest dość epidemiczna — „noirowska wersja zwykłego przeziębienia”, jak to określił historyk filmu Lee Server .

Pod koniec lat 40. trend noir odcisnął swoje piętno na innych gatunkach. Doskonałym przykładem jest Western Pursued (1947), pełen napięć psychoseksualnych i wyjaśnień behawioralnych wywodzących się z teorii Freuda .

Filmowi noir mają tendencję do kręcenia się wokół bohaterów, którzy są bardziej wadliwi i moralnie wątpliwi niż norma, często są facetami tego czy innego rodzaju. Charakterystyczni bohaterowie noir są określani przez wielu krytyków jako „ wyobcowani ”; słowami Silvera i Warda „przepełniony egzystencjalną goryczą”. Pewne archetypowe postacie pojawiają się w wielu filmach noir – twardzi detektywi, femme fatale, skorumpowani policjanci, zazdrośni mężowie, nieustraszeni likwidatorzy szkód i pisarze. Wśród bohaterów każdego paska szerzy się palenie papierosów. Od komentatorów historycznych, przez obrazy neo-noir, po popkulturowe efemerydy, prywatny detektyw i femme fatale zostały przyjęte jako kwintesencja postaci filmu noir, choć nie pojawiają się w większości filmów uważanych obecnie za klasyczne noir. Spośród dwudziestu sześciu noirów z National Film Registry, tylko w czterech gwiazda gra prywatnego detektywa: Sokół maltański , Wielki sen , Z przeszłości i Pocałuj mnie śmiertelnie . Tylko cztery inne łatwo kwalifikują się jako kryminały: Laura , Zabójcy , Nagie miasto i Dotyk zła . Zwykle występuje element zażywania narkotyków lub alkoholu, szczególnie jako część metody detektywa w celu rozwiązania przestępstwa, na przykład postać Mike'a Hammera w filmie Śmiertelnie pocałunek z 1955 roku, który wchodzi do baru i mówi: „Daj mi podwójnego burbona”. i zostaw butelkę". Chaumeton i Borde twierdzili, że film noir wyrósł z „literatury o narkotykach i alkoholu”.

Film noir często kojarzy się z miejską scenerią, a kilka miast – w szczególności Los Angeles, San Francisco, Nowy Jork i Chicago – jest miejscem, w którym znajduje się wiele klasycznych filmów. W oczach wielu krytyków miasto przedstawiane jest w noir jako „labirynt” lub „labirynt”. Bary, salony, kluby nocne i salony hazardowe są często miejscem akcji. Kulminacje wielu filmów noir rozgrywają się w skomplikowanych wizualnie, często przemysłowych sceneriach, takich jak rafinerie, fabryki, dworce kolejowe, elektrownie – najsłynniejsza z nich to wybuchowa konkluzja White Heat , której akcja rozgrywa się w zakładach chemicznych. W popularnej (i często krytycznej) wyobraźni w noir zawsze jest noc i zawsze pada.

Znaczący trend we współczesnym noir – nazwany przez krytyka DK Holma „film soleil” – zmierza dokładnie w przeciwnym kierunku, z opowieściami o oszustwie, uwodzeniu i korupcji, wykorzystującym jasne, wypalone słońcem scenerie, stereotypowo pustynię lub otwartą wodę. piekący efekt. Znaczącymi poprzednikami z klasycznych i wczesnych post-klasycznych epok są Dama z Szanghaju ; Robert Ryan pojazd Inferno (1953); francuska adaptacja Patricia Highsmith „s Utalentowany pan Ripley , Plein Soleil ( Purpurowy Noon w Stanach Zjednoczonych, a dokładniej wydanego w innym miejscu jak palącym słońcu lub w pełnym słońcu ; 1960); oraz w wersji The Killers w reżyserii Dona Siegela (1964). Tendencja ta osiągnęła szczyt w późnych latach 80. i 90., z filmami takimi jak Dead Calm (1989), After Dark, My Sweet (1990), The Hot Spot (1990), Delusion (1991), Red Rock West (1993) oraz serial telewizyjny Miami Vice .

Światopogląd, moralność i ton

„Masz odrobinę klasy, ale nie wiem, jak daleko możesz się posunąć”.
„Wiele zależy od tego, kto siedzi w siodle”.
Bogart i Bacall w Wielkim śnie .

Film noir jest często określany jako zasadniczo pesymistyczny. Najbardziej charakterystyczne opowieści w stylu noir opowiadają o ludziach uwięzionych w niechcianych sytuacjach (które na ogół nie spowodowały, ale są odpowiedzialne za zaostrzenie), walczących z przypadkowym, beztroskim losem i często skazanych na zagładę. Filmy są postrzegane jako przedstawiające świat, który jest z natury skorumpowany. Klasyczny film noir był kojarzony przez wielu krytyków z amerykańskim pejzażem społecznym tamtej epoki – w szczególności z poczuciem zwiększonego niepokoju i wyobcowania, które podobno nastąpiło po II wojnie światowej. Zdaniem pisarza Nicholasa Christophera „to tak, jakby wojna i społeczne erupcje w jej następstwie uwolniły demony, które zostały uwięzione w narodowej psychice”. O filmach noir, zwłaszcza tych z lat 50. i szczytu Czerwonej Paniki , często mówi się, że odzwierciedlają kulturową paranoję; Kiss Me Deadly jest noir najczęściej przedstawianym jako dowód tego twierdzenia.

Film noir jest często określany jako „moralna dwuznaczność”, jednak Kodeks Produkcyjny zobowiązał prawie wszystkich klasycznych noirów do dostrzeżenia, że ​​niezłomna cnota została ostatecznie nagrodzona, a występek, przy braku wstydu i odkupienia, surowo ukarany (choć dramatycznie niewiarygodny finał świadczenie obowiązkowej sprawiedliwości może być). Spora liczba współczesnych noirów łamie takie konwencje: występek triumfuje w filmach tak różnorodnych, jak ponure Chinatown i sprośny Hot Spot .

Ton filmu noir jest powszechnie uważany za stonowany; niektórzy krytycy uważają go za jeszcze ciemniejszy – „przytłaczająco czarny”, według Roberta Ottosona. Wpływowy krytyk (i filmowiec) Paul Schrader napisał w przełomowym eseju z 1972 roku, że „ film noir jest definiowany przez ton”, ton, który wydaje się postrzegać jako „beznadziejny”. Opisując adaptację Double Indemnity, analityk Noir Foster Hirsch opisuje „niezbędny beznadziejny ton” osiągnięty przez filmowców, który wydaje się charakteryzować jego pogląd na noir jako całość. Z drugiej strony, definitywni filmowi noirowie, tacy jak Wielki sen , Dama z Szanghaju , Szkarłatna ulica i samo podwójne odszkodowanie , słyną z ostrego reparacji, często przesiąkniętej seksualnym insynuacją i autorefleksyjnym humorem.

Zobacz też

• Film gris – termin ukuty przez eksperymentalnego filmowca Thoma Andersena
• skandynawski noir
• Lista tytułów filmów noir
• Lista tytułów neo-noir
• B film
• Wulgarna autyzm
• Film postmodernistyczny
• Film modernistyczny
• Film maksymalistyczny
• Minimalistyczny film

Uwagi

Cytaty

Źródła

Dalsza lektura

Zewnętrzne linki

Posłuchaj tego artykułu ( 1 godzina i 5 minut )

Ten plik audio został utworzony na podstawie rewizji tego artykułu z 26 lipca 2019 r. i nie odzwierciedla kolejnych edycji. ( 2019-07-26 )

( Pomoc audio  · Więcej artykułów mówionych )

• Film Noir: A Bibliography of Materials and Film Videographs of the UC Berkeley Library
• Film Noir: Esej wprowadzający z linkami do dyskusji dziesięciu ważnych noirów; część Obrazy. Dziennik filmu i kultury popularnej
• Film Noir Studies pism Jana Blaser, z filmu noir glosariusz, osi czasu i mediów związanych noir
• Kiss Me Deadly : Evidence of A Style (część 1) niepoprawiona wersja online eseju Alaina Silvera w trzech częściach: (2) i (3)
• A Guide to Film Noir Gatunek dziesięć strzał w dziesiątkę od Rogera Eberta
• Wprowadzenie do eseju Neo-Noir autorstwa Lee Horsley
• The Noir Thriller : Wstęp, fragment książki Lee Horsleya z 2001 roku
• What Is This Thing Called Noir?: Część I, II i III esej Alaina Silvera i Lindy Brookover
• Arthur Lyons Film Noir Festival , współsponsorowany przez Palm Springs Cultural Center
• Noir i Neonoir | Kolekcja Kryteriów
• Podkład do notebooków: Film Noir
• Kolekcja: „Film Noir, wizualność i motywy” z Muzeum Sztuki Uniwersytetu Michigan