Gioachino Rossini - Gioachino Rossini

Z Wikipedii, wolnej encyklopedii

obraz olejny głowy i tułowia młodego białego mężczyzny o średniej długości ciemnych włosach
Rossini jako młody człowiek, około 1810–1815

Gioachino Antonio Rossini (29 lutego 1792 - 13 listopada 1868) był włoskim kompozytorem, który zasłynął z 39 oper , choć napisał także wiele pieśni, kilka utworów kameralnych i fortepianowych, a także muzykę sakralną . Wyznaczał nowe standardy zarówno dla komicznej, jak i poważnej opery, zanim wycofał się z wielkoformatowych kompozycji jeszcze w wieku trzydziestu lat, u szczytu popularności.

Urodzony w Pesaro dla rodziców, którzy byli muzykami (ojciec trębacz, matka piosenkarka), Rossini zaczął komponować w wieku 12 lat i kształcił się w szkole muzycznej w Bolonii . Jego pierwszą operę wykonano w Wenecji w 1810 roku, gdy miał 18 lat. W 1815 roku zaangażował się w pisanie oper i kierowanie teatrami w Neapolu. W latach 1810–1823 napisał 34 opery dla sceny włoskiej, które były wystawiane w Wenecji, Mediolanie, Ferrarze , Neapolu i nie tylko; produktywność ta wymagała niemal formalnego podejścia do niektórych elementów (takich jak uwertury) i pewnej ilości pożyczek na własny rachunek. W tym okresie wyprodukował swoje najpopularniejsze dzieła, w tym opery komiksowe L'italiana w Algierii , Il barbiere di Siviglia (znany w języku angielskim jako Cyrulik sewilski ) i La Cenerentola , które doprowadziły do ​​szczytu odziedziczoną po nim tradycję operową buffa . mistrzowie, tacy jak Domenico Cimarosa i Giovanni Paisiello . Skomponował także dzieła operowe seria, takie jak Otello , Tancredi i Semiramide . Wszystkie one wzbudzały podziw za ich innowacyjność w melodii, harmonicznej i instrumentalnej barwie oraz dramatycznej formie. W 1824 roku podpisał kontrakt z Opéra w Paryżu, dla której wyprodukował operę z okazji koronacji Karola X , Il viaggio a Reims (później kanibalizowaną do swojej pierwszej francuskiej opery Le comte Ory ), rewizje dwóch jego włoskich opery Le siège de Corinthe i Moïse , aw 1829 roku jego ostatnia opera, Guillaume Tell .

Wycofanie się Rossiniego z opery przez ostatnie 40 lat życia nigdy nie zostało w pełni wyjaśnione; przyczynami mogą być zły stan zdrowia, bogactwo, które przyniósł mu sukces, oraz powstanie spektakularnej wielkiej opery pod wodzą kompozytorów takich jak Giacomo Meyerbeer . Od wczesnych lat trzydziestych XIX wieku do 1855 roku, kiedy opuścił Paryż i mieszkał w Bolonii, Rossini pisał stosunkowo niewiele. Po powrocie do Paryża w 1855 r. Zasłynął z sobotnich salonów muzycznych, do których regularnie uczęszczali muzycy oraz artystyczne i modowe kręgi Paryża, do których napisał zabawne utwory Péchés de vieillesse . Wśród gości byli Franz Liszt , Anton Rubinstein , Giuseppe Verdi , Meyerbeer i Joseph Joachim . Ostatnią ważną kompozycją Rossiniego była jego Petite messe solennelle (1863). Zmarł w Paryżu w 1868 roku.

życie i kariera

Wczesne życie

Rodzice Rossiniego
obraz starszego mężczyzny, uśmiechającego się do artystów
Giuseppe Rossini
(1758–1839)
obraz kobiety w średnim wieku, spoglądającej z powagą w stronę malarza
Anna Rossini
(1771–1827)

Rossini urodził się w 1792 roku w Pesaro , mieście na wybrzeżu Adriatyku we Włoszech, które było wówczas częścią Państwa Kościelnego . Był jedynym dzieckiem trębacza i waltornisty Giuseppe Rossiniego oraz jego żony Anny z domu Guidarini, szwaczki z zawodu, córki piekarza. Giuseppe Rossini był czarujący, ale porywczy i bezmyślny; ciężar utrzymania rodziny i wychowania dziecka spoczywał głównie na Annie, przy pewnej pomocy matki i teściowej. Stendhal , który w 1824 roku opublikował barwną biografię Rossiniego, napisał:

Rola Rossiniego od ojca była prawdziwym dziedzictwem Włocha: trochę muzyki, trochę religii i tom Ariosto . Reszta jego edukacji została przekazana legalnej szkole południowej młodzieży, stowarzyszeniu jego matki, młodym śpiewającym dziewczętom z zespołu, tym primadonnom w zarodku i plotkom z każdej wioski, przez którą przeszli. Pomógł temu i udoskonalił muzykalny fryzjer i kochający wiadomości karczmarz z wioski papieskiej.

Giuseppe był więziony co najmniej dwukrotnie: pierwszy raz w 1790 r. Za niesubordynację władzom lokalnym w sporze o zatrudnienie jako trębacza miejskiego; aw 1799 i 1800 za republikański aktywizm i wsparcie wojsk Napoleona przeciwko austriackim popierającym papieża. W 1798 roku, kiedy Rossini miał sześć lat, jego matka rozpoczęła karierę zawodowej śpiewaczki w operze komicznej i przez nieco ponad dekadę odniosła znaczny sukces w miastach, w tym w Trieście i Bolonii , zanim jej niewprawny głos zaczął słabnąć.

W 1802 roku rodzina przeniosła się do Lugo , niedaleko Rawenny , gdzie Rossini otrzymał dobre podstawowe wykształcenie w zakresie języka włoskiego, łaciny i arytmetyki oraz muzyki. Uczył się gry na waltorni u swojego ojca, a inną muzykę u księdza Giuseppe Malerbe, którego obszerna biblioteka zawierała dzieła Haydna i Mozarta , oba mało znane w tamtych czasach we Włoszech, ale inspirujące dla młodego Rossiniego. Był szybkim uczniem, w wieku dwunastu lat skomponował zestaw sześciu sonat na cztery instrumenty smyczkowe, które wykonano pod egidą bogatego mecenasa w 1804 roku. Dwa lata później został przyjęty do niedawno otwartego Liceo Musicale. , Bolonia , początkowo studiując śpiew, wiolonczelę i fortepian, a wkrótce potem dołączył do klasy kompozycji. Jeszcze jako student napisał mszę i kantatę, a po dwóch latach został zaproszony do kontynuowania studiów. Odrzucił ofertę: rygorystyczny akademicki reżim Liceo zapewnił mu solidną technikę kompozycyjną, ale jak ujął to jego biograf Richard Osborne, „jego instynkt kontynuowania nauki w prawdziwym świecie w końcu się utwierdził”.

Jeszcze w Liceo Rossini występował publicznie jako piosenkarz i pracował w teatrach jako korepetytor i klawiszowiec. W 1810 roku na wniosek popularnej tenor Domenico Mombelli pisał swój pierwszy operowy wynik, dwie-act operowy dramma Serio , Demetrio e Polibio , do libretta żony Mombelli użytkownika. Został wystawiony publicznie w 1812 roku, po pierwszych sukcesach kompozytora. Rossini i jego rodzice doszli do wniosku, że jego przyszłość leży w komponowaniu oper. Głównym ośrodkiem operowym w północno-wschodnich Włoszech była Wenecja ; pod opieką kompozytora Giovanniego Morandiego , przyjaciela rodziny, Rossini przeniósł się tam pod koniec 1810 roku, gdy miał osiemnaście lat.

Pierwsze opery: 1810–1815

Pierwszą operą Rossiniego wystawioną była jednoaktowa komedia La cambiale di matrimonio , wystawiona w małym Teatro San Moisè w listopadzie 1810 roku. Utwór odniósł wielki sukces, a Rossini otrzymał, jak mu się wówczas wydawało, znaczną sumę: „czterdzieści scudi - suma, której nigdy nie widziałem razem ”. Później opisał San Moisè jako idealny teatr dla młodego kompozytora uczącego się swojego rzemiosła - „wszystko ułatwiało debiut początkującego kompozytora”: nie miał chóru i niewielkiego zespołu dyrektorów; jego główny repertuar obejmował jednoaktowe opery komiksowe ( farsa ), wystawiane w skromnej scenerii i minimalnej próbie. Rossini podążył za sukcesem swojego pierwszego utworu z trzema kolejnymi farsami dla domu: L'inganno felice (1812), La scala di seta (1812) i Il signor Bruschino (1813).

Rossini utrzymywał związki z Bolonią, gdzie w 1811 roku z sukcesem wyreżyserował Pory roku Haydna , a swoją pierwszą pełnometrażową operą L'equivoco stravagante odniósł porażkę . Pracował także dla oper w Ferrarze i Rzymie. W połowie 1812 roku otrzymał prowizję od La Scala , Mediolan , gdzie jego dwóch akt komedia La pietra del paragone ran przez pięćdziesiąt trzy występy, znaczna bieg na czasie, który mu nie tylko korzyści finansowe przyniósł, ale zwolnienie z wojska serwis i tytuł maestro di cartello - kompozytora, którego nazwisko na plakatach reklamowych gwarantowało pełną salę. W następnym roku jego pierwsza opera seria , Tancredi , spisała się dobrze w La Fenice w Wenecji, a jeszcze lepiej w Ferrarze, z przepisanym, tragicznym zakończeniem. Sukces Tancrediego sprawił, że nazwisko Rossiniego stało się znane na całym świecie; produkcje opery nastąpiły w Londynie (1820) i Nowym Jorku (1825). W ciągu kilku tygodni od Tancrediego Rossini odniósł kolejny sukces kasowy dzięki swojej komedii L'italiana w Algierii , skomponowanej w wielkim pośpiechu i której premiera miała miejsce w maju 1813 roku.

Rok 1814 był mniej niezwykłym rokiem dla wschodzącego kompozytora, ani Il turco in Italia, ani Sigismondo nie zadowalały odpowiednio mediolańskiej i weneckiej publiczności. Rok 1815 był ważnym etapem w karierze Rossiniego. W maju przeniósł się do Neapolu , aby objąć stanowisko dyrektora muzycznego w teatrach królewskich. Należą do nich Teatro di San Carlo , wiodąca opera w mieście; jej menadżer Domenico Barbaia miał mieć tam znaczący wpływ na karierę kompozytora.

Neapol i Il Barbiere : 1815–1820

Scena burzy z Il Barbiere w litografii Alexandre Fragonard z 1830 roku

Muzyczny establishment Neapolu nie od razu witał Rossiniego, który był postrzegany jako intruz w jego ukochanych tradycjach operowych. Miasto było niegdyś operową stolicą Europy; Pamięć o Cimarosie była czczona, a Paisiello wciąż żył, ale nie było miejscowych kompozytorów jakiejkolwiek rangi, którzy mogliby za nimi podążać, a Rossini szybko zdobył publiczność i krytyków. Pierwszym dziełem Rossiniego dla San Carlo, Elisabetta, regina d'Inghilterra był dramat per musica w dwóch aktach, w których ponownie wykorzystał znaczące fragmenty swoich wcześniejszych utworów, nieznanych miejscowej publiczności. Naukowcy z Rossiniego, Philip Gossett i Patricia Brauner, piszą: „To tak, jakby Rossini chciał zaprezentować się neapolitańskiej publiczności, oferując wybór najlepszej muzyki z oper, które prawdopodobnie nie zostaną przywrócone w Neapolu”. Nowa opera została przyjęta z ogromnym entuzjazmem, podobnie jak neapolitańska premiera L'italiana w Algierii i zapewniona została pozycja Rossiniego w Neapolu.

Po raz pierwszy Rossini był w stanie regularnie pisać dla miejscowego zespołu znakomitych śpiewaków i dobrej orkiestry, z odpowiednimi próbami i harmonogramami, które sprawiły, że nie trzeba było komponować w pośpiechu, aby dotrzymać terminów. W latach 1815-1822 skomponował osiemnaście kolejnych oper: dziewięć dla Neapolu i dziewięć dla teatrów operowych w innych miastach. W 1816 roku dla Teatro Argentina w Rzymie skomponował operę, która miała stać się jego najbardziej znaną: Il barbiere di Siviglia ( Cyrulik sewilski ). Była już popularna opera o tym tytule Paisiello , a wersja Rossiniego pierwotnie nosiła ten sam tytuł, co jej bohater, Almaviva . Pomimo nieudanego wieczoru otwarcia, wpadek na scenie i wielu pro-Paisiello i anty-Rossiniego publiczności, opera szybko odniosła sukces, a do czasu jej pierwszego odrodzenia, kilka miesięcy później w Bolonii, została obciążona obecny włoski tytuł i szybko przyćmił ustawienie Paisiello.

obraz młodej kobiety w długiej białej sukni z fioletowym szalem;  trzyma lirę
Isabella Colbran , primadonna z Teatro San Carlo , która poślubiła Rossiniego w 1822 roku

Opery Rossiniego dla Teatro San Carlo były znacznymi, głównie poważnymi utworami. Jego Otello (1816) sprowokował lorda Byrona do napisania: „Ukrzyżowali Otella w operze: muzyka dobra, ale irytująca - ale jeśli chodzi o słowa!” Mimo to utwór cieszył się powszechną popularnością i często się odnosił , aż siedem dekad później został przyćmiony przez wersję Verdiego . Wśród innych jego prac dla domu były Mosè in Egitto , oparte na biblijnej opowieści o Mojżeszu i wyjściu z Egiptu (1818) oraz La donna del lago , z wiersza Sir Waltera Scotta Pani Jeziora” (1819). Dla La Scali napisał operę semiseria La gazza ladra (1817), a dla Rzymu swoją wersję opowiadania o Kopciuszku , La Cenerentola (1817). W 1817 odbyło się prawykonanie jednej z jego oper ( L'Italiana ) w paryskim Theâtre-Italien ; jego sukces doprowadził do wystawienia tam innych jego oper, a ostatecznie do jego kontraktu w Paryżu w latach 1824-1830.

Rossini starał się zachować jak największą prywatność, ale był znany ze swojej wrażliwości na śpiewaków w firmach, z którymi współpracował. Wśród jego kochanków we wczesnych latach życia byli Ester Mombelli (córka Domenico) i Maria Marcolini z firmy Bologna. Zdecydowanie najważniejsza z tych relacji - zarówno osobistych, jak i zawodowych - była z Isabellą Colbran , primadonną Teatro San Carlo (i byłą kochanką Barbaia). Rossini słyszał jej śpiew w Bolonii w 1807 roku, a kiedy przeniósł się do Neapolu, napisał dla niej kolejne ważne role w serialu opere .

Wiedeń i Londyn: 1820–1824

We wczesnych latach dwudziestych XIX wieku Rossini zaczynał męczyć Neapol. Niepowodzenie jego operowej tragedii Ermione z poprzedniego roku przekonało go, że on i neapolitańska publiczność mają siebie dość. Powstanie w Neapolu przeciwko monarchii, choć szybko stłumione , zaniepokoiło Rossiniego; kiedy Barbaia podpisał kontrakt na przewiezienie firmy do Wiednia, Rossini był zadowolony, że do nich dołączył, ale nie wyjawił Barbaii, że nie ma zamiaru wracać później do Neapolu. Podróżował z Colbranem w marcu 1822 roku, przerywając ich podróż do Bolonii, gdzie pobrali się w obecności jego rodziców w małym kościele w Castenaso, kilka mil od miasta. Panna młoda miała trzydzieści siedem lat, pan młody trzydzieści.

W Wiedniu Rossini został powitany przez bohatera; jego biografowie opisują to jako „bezprecedensowo gorączkowy entuzjazm”, „gorączkę Rossiniego” i „bliską histerii”. Autorytarny kanclerz cesarstwa austriackiego , Metternicha , lubił muzyki Rossiniego, i myślał, że wolne od wszelkich potencjalnego rewolucjonisty lub republikańskich stowarzyszeń. Dlatego z radością zezwolił firmie San Carlo na wykonanie oper kompozytora. W ciągu trzymiesięcznego sezonu zagrali sześć z nich, dla publiczności tak entuzjastycznej, że asystent Beethovena , Anton Schindler , określił to jako „bałwochwalczą orgię”.

rysunek pulchnego mężczyzny w dworskim stroju witającego szczuplejszego, łysiejącego, również w formalnym dworskim stroju
Jerzy IV (po lewej) witający Rossiniego w Brighton Pavilion , 1823

Będąc w Wiedniu, Rossini usłyszał symfonię Beethovena Eroica i był tak poruszony, że postanowił spotkać się z samotnym kompozytorem. W końcu udało mu się to zrobić, a później opisał to spotkanie wielu osobom, w tym Eduardowi Hanslickowi i Richardowi Wagnerowi . Przypomniał, że chociaż rozmowa była utrudniona przez głuchotę Beethovena i nieznajomość niemieckiego przez Rossiniego, Beethoven dał do zrozumienia, że ​​jego zdaniem talenty Rossiniego nie są przeznaczone do poważnej opery i że „przede wszystkim” powinien „robić więcej Barbiere (fryzjerzy) .

Po sezonie wiedeńskim Rossini wrócił do Castenaso, aby pracować ze swoim librecistą Gaetano Rossim nad Semiramide na zlecenie La Fenice. Premiera miała miejsce w lutym 1823 roku, jego ostatnie dzieło dla włoskiego teatru. Colbran zagrała, ale dla wszystkich było jasne, że jej głos poważnie słabnie, a Semiramide zakończyła karierę we Włoszech. Dzieło przetrwało tę jedną poważną wadę i weszło do międzynarodowego repertuaru operowego, pozostając popularne przez cały XIX wiek; słowami Richarda Osborne'a, przyniosło to „spektakularne zamknięcie włoskiej kariery [Rossiniego]”.

W listopadzie 1823 r. Rossini i Colbran wyruszyli do Londynu, gdzie zaoferowano lukratywny kontrakt. Zatrzymali się na cztery tygodnie w drodze do Paryża. Chociaż nie był tak gorączkowo witany przez paryżan, jak w Wiedniu, to jednak spotkał się z wyjątkowo gościnnym przyjęciem ze strony muzycznego establishmentu i publiczności. Kiedy brał udział w przedstawieniu Il barbiere w Théâtre-Italien, został oklaskiwany, wciągany na scenę i śpiewany przez muzyków. Zorganizowano bankiet dla niego i jego żony, w którym uczestniczyli czołowi francuscy kompozytorzy i artyści, a klimat kulturalny Paryża spodobał mu się.

Będąc w Anglii, Rossini został przyjęty i zrobiony przez króla Jerzego IV , chociaż kompozytor nie był już pod wrażeniem rodziny królewskiej i arystokracji. Rossini i Colbran podpisali kontrakty na sezon operowy w King's Theatre na Haymarket . Jej niedociągnięcia wokalne były poważną odpowiedzialnością i niechętnie wycofała się z występów. Opinia publiczna nie uległa poprawie, ponieważ Rossini nie zapewnił nowej opery, zgodnie z obietnicą. Impresario Vincenzo Benelli nie wywiązał się z kontraktu z kompozytorem, ale nie wiedziała o tym londyńska prasa i opinia publiczna, która winiła Rossiniego.

W biografii kompozytora z 2003 roku Gaia Servadio komentuje, że Rossini i Anglia nie są stworzeni dla siebie. Został pokłoniony przez przejście przez kanał La Manche i raczej nie był zachwycony angielską pogodą lub angielską kuchnią. Chociaż jego pobyt w Londynie był satysfakcjonujący finansowo - brytyjska prasa donosiła z dezaprobatą, że zarobił ponad 30 000 funtów - z radością podpisał kontrakt w ambasadzie francuskiej w Londynie na powrót do Paryża, gdzie czuł się znacznie bardziej jak w domu.

Paryż i ostatnie opery: 1824–1829

Nowy i wysoce opłacalny kontrakt Rossiniego z rządem francuskim został wynegocjowany za Ludwika XVIII , który zmarł we wrześniu 1824 r., Wkrótce po przybyciu Rossiniego do Paryża. Ustalono, że kompozytor wyprodukuje jedną wielką operę dla Académie Royale de Musique oraz operę buffa lub semiserię operową dla Théâtre-Italien. Miał też pomóc w prowadzeniu tego ostatniego teatru i zrewidować jedną ze swoich wcześniejszych prac, by tam odrodzić się. Śmierć króla i wstąpienie na tron Karola X zmieniło plany Rossiniego, a jego pierwszym nowym dziełem dla Paryża był Il viaggio a Reims , przedstawienie operowe wydane w czerwcu 1825 roku z okazji koronacji Karola. Była to ostatnia opera Rossiniego z włoskim librettem. Zezwolił tylko na cztery wykonania utworu, chcąc ponownie wykorzystać to, co najlepsze w muzyce w mniej efemerycznej operze. Około połowa partytury Le comte Ory (1828) pochodzi z wcześniejszej pracy.

kolorowy rysunek czołowych aktorów operowych w kostiumach
Isolier, Ory, Adèle i Ragonde w Le comte Ory

Wymuszona emerytura Colbrana nadwerężyła małżeństwo Rossinich, pozostawiając ją pustą, podczas gdy on nadal był w centrum muzycznej uwagi i stale poszukiwany. Pocieszała się tym, co Servadio określa jako „nową przyjemność z zakupów”; dla Rossiniego Paryż oferował ciągłe przysmaki dla smakoszy, ponieważ jego coraz bardziej pulchny kształt zaczął się odbijać.

Pierwszą z czterech oper, które Rossini napisał do francuskich librett, były Le siège de Corinthe (1826) i Moïse et Pharaon (1827). Oba były istotnymi przeróbkami utworów napisanych dla Neapolu: Maometto II i Mosè in Egitto . Rossini bardzo się starał, zanim rozpoczął pracę nad pierwszym, ucząc się francuskiego i zapoznając się z tradycyjnymi francuskimi operowymi sposobami deklamacji języka. Oprócz porzucenia części oryginalnej muzyki, która była w ozdobnym stylu niemodnym w Paryżu, Rossini dostosował się do lokalnych preferencji, dodając tańce, numery przypominające hymny i większą rolę dla chóru.

Matka Rossiniego, Anna, zmarła w 1827 roku; był jej oddany i głęboko czuł jej stratę. Ona i Colbran nigdy się nie dogadywali, a Servadio sugeruje, że po śmierci Anny Rossini poczuł urazę do kobiety, która przeżyła jego życie.

W 1828 roku Rossini napisał Le comte Ory , jedyną francuskojęzyczną operę komiksową. Jego determinacja do ponownego wykorzystania muzyki z Il viaggio a Reims spowodowała problemy dla jego librecistów, którzy musieli dostosować swoją oryginalną fabułę i napisać francuskie słowa, aby pasowały do ​​istniejących włoskich numerów, ale opera odniosła sukces i była widziana w Londynie w ciągu sześciu miesięcy od Premiera paryska, aw 1831 roku w Nowym Jorku. W następnym roku Rossini napisał swoją długo oczekiwaną francuską wielką operę Guillaume Tell , opartą na sztuce Friedricha Schillera z 1804 roku, która czerpała z legendy Williama Tell .

Wcześniejsza emerytura: 1830–1855

Guillaume Tell został dobrze przyjęty. Orkiestra i śpiewacy zebrali się przed domem Rossiniego po premierze i wykonali porywający finał drugiego aktu na jego cześć. Gazeta Le Globe skomentowała, że ​​rozpoczęła się nowa era muzyki. Gaetano Donizetti zauważył, że pierwszy i ostatni akt opery napisał Rossini, ale środkowy akt napisał Bóg. Praca odniosła niewątpliwy sukces, ale nie była hitem; publiczność zajęło trochę czasu, aby się z tym uporać, a niektórzy piosenkarze uznali to za zbyt wymagające. Mimo to powstał za granicą w ciągu kilku miesięcy od premiery i nie było podejrzeń, że będzie to ostatnia opera kompozytora.

zdjęcie chorego mężczyzny w średnim wieku
Rossini, około 1850 roku

Guillaume Tell , wspólnie z Semiramide , jest najdłuższą operą Rossiniego, trwającą trzy godziny i czterdzieści pięć minut, a wysiłek jej skomponowania wyczerpał go. Chociaż w ciągu roku planował operową oprawę opowieści Fausta , dopadły go wydarzenia i zły stan zdrowia. Po otwarciu Guillaume Tell Rossini opuścili Paryż i zatrzymali się w Castenaso. W ciągu roku wydarzenia w Paryżu sprawiły, że Rossini w pośpiechu wracał. Karol X został obalony w wyniku rewolucji w lipcu 1830 r., A nowa administracja, na czele której stał Ludwik Filip I , ogłosiła radykalne cięcia wydatków rządowych. Wśród cięć znalazła się dożywotnia renta Rossiniego, wygrana po ciężkich negocjacjach z poprzednim reżimem. Próba przywrócenia renty była jednym z powodów powrotu Rossiniego. Drugi miał być ze swoją nową kochanką, Olympe Pélissier . Opuścił Colbran w Castenaso; nigdy nie wróciła do Paryża i już nigdy nie mieszkali razem.

Przyczyny wycofania się Rossiniego z opery były nieustannie dyskutowane za jego życia i od jego czasów. Niektórzy przypuszczali, że w wieku trzydziestu siedmiu lat i o zmiennym zdrowiu, wynegocjowawszy znaczną rentę od rządu francuskiego i napisawszy trzydzieści dziewięć oper, po prostu planował przejść na emeryturę i trzymał się tego planu. W studium kompozytora z 1934 r. Krytyk Francis Toye ukuł frazę „Wielkie wyrzeczenie” i nazwał przejście Rossiniego na emeryturę „zjawiskiem wyjątkowym w historii muzyki i trudnym do porównania w całej historii sztuki”:

Czy jest jakiś inny artysta, który w ten sposób celowo u szczytu swojego życia wyrzekł się tej formy twórczości artystycznej, która uczyniła go sławnym w całym cywilizowanym świecie?

Poeta Heine porównał odejście Rossiniego na emeryturę do wycofania się Szekspira z pisania: dwóch geniuszy uznało, że dokonali tego, co nie do pokonania, i nie stara się za tym podążać. Inni, wtedy i później, sugerowali, że Rossini przeszedł na emeryturę z powodu irytacji z powodu sukcesów Giacomo Meyerbeera i Fromentala Halévy'ego w gatunku grand opéra. Współczesne stypendium Rossiniego generalnie odrzucało takie teorie, utrzymując, że Rossini nie miał zamiaru rezygnować z kompozycji operowej i że okoliczności, a nie osobisty wybór, sprawiły, że Guillaume Tell jego ostatnią operą. Gossett i Richard Osborne sugerują, że choroba mogła być głównym czynnikiem wpływającym na emeryturę Rossiniego. Mniej więcej od tego czasu Rossini miał sporadyczny zły stan zdrowia, zarówno fizyczny, jak i psychiczny. Miał zakontraktowane rzeżączkę w latach wcześniejszych, które później doprowadziły do bolesnych skutków ubocznych, z cewki moczowej do stawów ; cierpiał na ataki wyniszczającej depresji, które komentatorzy powiązali z kilkoma możliwymi przyczynami: cyklotymią , chorobą afektywną dwubiegunową lub reakcją na śmierć matki.

Przez następne dwadzieścia pięć lat po Guillaume Tell Rossini komponował niewiele, chociaż Gossett komentuje, że jego stosunkowo niewiele kompozycji z lat trzydziestych i czterdziestych XIX wieku nie wykazuje spadku inspiracji muzycznej. Należą do nich Soirées musicales (1830–1835: zestaw dwunastu pieśni na głosy solowe lub w duecie i fortepian) oraz Stabat Mater (rozpoczęte w 1831 r. I ukończone w 1841 r.). Po wygranej walce z rządem o rentę w 1835 r. Rossini opuścił Paryż i osiadł w Bolonii. Jego powrót do Paryża w 1843 r. Na leczenie przez Jeana Civiale wzbudził nadzieje, że może wyprodukować nową wielką operę - krążyły pogłoski, że Eugène Scribe przygotowuje dla niego libretto o Joannie d'Arc . Opéra została przeniesiona, aby w 1844 roku zaprezentować francuską wersję Otella, która zawierała również materiał z niektórych wcześniejszych oper kompozytora. Nie jest jasne, w jakim stopniu - jeśli w ogóle - Rossini był zaangażowany w tę produkcję, która w sumie została źle przyjęta. Bardziej kontrowersyjna była opera pasticcio Roberta Bruce'a (1846), w której Rossini, już wtedy wrócił do Bolonii, ściśle współpracował przy wyborze muzyki z jego wcześniejszych oper, które nie były jeszcze wykonywane w Paryżu, zwłaszcza La donna del lago. Opera starała się przedstawić Roberta jako nową operę Rossiniego. Ale chociaż Otello mógł przynajmniej twierdzić, że jest autentyczny, kanoniczny, Rossini, historyk Mark Everist zauważa, że ​​krytycy argumentowali, że Robert był po prostu „podrobionym towarem i to z minionej epoki”; cytuje Théophile'a Gautiera, żałując, że „brak jedności mógł zostać zamaskowany znakomitym wykonaniem; niestety tradycja muzyki Rossiniego zaginęła w Operze dawno temu”.

Okres po 1835 r. Był świadkiem formalnego oddzielenia Rossiniego od swojej żony, która pozostała w Castenaso (1837) i śmierci jego ojca w wieku osiemdziesięciu lat (1839). W 1845 roku Colbran poważnie zachorował, a we wrześniu Rossini odwiedził ją; miesiąc później zmarła. W następnym roku Rossini i Pélissier pobrali się w Bolonii. Wydarzenia Roku Rewolucji 1848 doprowadziły Rossiniego do opuszczenia obszaru Bolonii, gdzie poczuł się zagrożony powstaniem, i uczynił z Florencji swoją bazę, którą pozostawała do 1855 roku.

Na początku lat pięćdziesiątych XIX wieku zdrowie psychiczne i fizyczne Rossiniego pogorszyło się do tego stopnia, że ​​jego żona i przyjaciele obawiali się o jego zdrowie psychiczne lub życie. W połowie dekady stało się jasne, że musi wrócić do Paryża, aby skorzystać z najbardziej zaawansowanej opieki medycznej, jaka była wówczas dostępna. W kwietniu 1855 r. Rossini wyruszyli w ostatnią podróż z Włoch do Francji. Rossini wrócił do Paryża w wieku sześćdziesięciu trzech lat i uczynił go swoim domem na resztę życia.

Grzechy starości: 1855–1868

Oferuję te skromne piosenki mojej drogiej żonie Olympe jako proste świadectwo wdzięczności za serdeczną, inteligentną opiekę, jaką okazywała mi podczas mojej przewlekłej i strasznej choroby.

Dedykacja Musique anodine , 1857

Gossett zauważa, że ​​chociaż relacja z życia Rossiniego w latach 1830–1855 może być przygnębiająca, „nie będzie przesadą stwierdzenie, że w Paryżu Rossini powrócił do życia”. Odzyskał zdrowie i radość życia . Po osiedleniu się w Paryżu utrzymywał dwa domy: mieszkanie przy rue de la Chaussée-d'Antin , inteligentną dzielnicę centralną, oraz neoklasyczną willę zbudowaną dla niego w Passy , gminie teraz wchłoniętej przez miasto, ale potem na wpół -wiejski. Wraz z żoną założył salon, który stał się znany na całym świecie. Pierwsze z ich sobotnich wieczorów - wieczory samedi - odbyło się w grudniu 1858 roku, a ostatnie dwa miesiące przed jego śmiercią w 1868 roku.

Zdjęcie grubego starca wyglądającego genialnie i szczęśliwie
Rossiniego w 1865 roku

Rossini znów zaczął komponować. Jego muzyka z ostatniej dekady nie była generalnie przeznaczona do publicznego wykonywania, a na manuskryptach zwykle nie umieszczał dat powstania. W związku z tym muzykolodzy mieli trudności z określeniem konkretnych dat jego późnych dzieł, ale pierwszym lub jednym z pierwszych był cykl pieśni Musique anodine , dedykowany jego żonie i prezentowany jej w kwietniu 1857 r. Dla ich cotygodniowych salonów wyprodukował ponad 150 utworów, w tym pieśni, utwory fortepianowe solo i utwory kameralne na wiele różnych kombinacji instrumentów. Nazywał je swoimi Péchés de vieillesse - „grzechami starości”. Salony odbywały się zarówno w Beau Séjour - willi Passy - jak i zimą w paryskim mieszkaniu. Takie spotkania były stałym elementem paryskiego życia - pisarz James Penrose zauważył, że dobrze skomunikowani mogli z łatwością uczęszczać na różne salony prawie każdej nocy w tygodniu - ale wieczory samedi Rossinich szybko stały się najbardziej poszukiwane: „zaproszenie było najwyższa nagroda społeczna miasta ”. Muzyka, starannie dobrana przez Rossiniego, była nie tylko jego własną, ale zawierała utwory Pergolesiego , Haydna i Mozarta oraz współczesne utwory niektórych jego gości. Wśród kompozytorów, którzy bywali na salonach i czasami występowali, byli Auber , Gounod , Liszt , Rubinstein , Meyerbeer i Verdi . Rossini lubił nazywać siebie pianistą czwartej klasy, ale wielu znanych pianistów, którzy uczestniczyli w wieczorach samedi, było oszołomionych jego grą. Stałymi gośćmi byli skrzypkowie, tacy jak Pablo Sarasate i Joseph Joachim , a także czołowi śpiewacy tego dnia. W 1860 roku Wagner odwiedził Rossiniego poprzez wprowadzenie od przyjaciela Rossiniego, Edmonda Michotte'a, który jakieś czterdzieści pięć lat później napisał swoją relację z serdecznej rozmowy między dwoma kompozytorami.

Jednym z nielicznych późnych dzieł Rossiniego, które miały być wystawione publicznie, była jego Petite messe solennelle , wykonana po raz pierwszy w 1864 roku. W tym samym roku Rossini został mianowany przez Napoleona III wielkim oficerem Legii Honorowej .

Po krótkiej chorobie i nieudanej operacji raka jelita grubego Rossini zmarł w Passy 13 listopada 1868 roku w wieku siedemdziesięciu sześciu lat. Pozostawił Olympe życiowy interes w swojej posiadłości, która po jej śmierci, dziesięć lat później, przekazała gminie Pesaro na założenie Liceo Musicale i ufundował dom emerytowanych śpiewaków operowych w Paryżu. Po pogrzebie, w którym uczestniczyło ponad cztery tysiące osób w kościele Sainte-Trinité w Paryżu, ciało Rossiniego zostało pochowane na cmentarzu Père Lachaise . W 1887 r. Jego szczątki przeniesiono do kościoła Santa Croce we Florencji.

Muzyka

„Kod Rossini”

„Tous les genres sont bons, hors le genre ennuyeux”.

Rossini, w liście z 1868 r. (Powołując się na Voltaire'a )

Pisarz Julian Budden , zwracając uwagę na formuły przyjęte przez Rossiniego na początku swojej kariery, a następnie konsekwentnie przez niego przestrzegane w odniesieniu do uwertur, arii , struktur i zespołów, nazwał je „Code Rossini” w odniesieniu do Code Napoléon , prawnego system ustanowiony przez francuskiego cesarza. Na ogólny styl Rossiniego mógł rzeczywiście mieć większy wpływ Francuzi: historyk John Rosselli sugeruje, że francuskie rządy we Włoszech na początku XIX wieku oznaczały, że „muzyka nabrała nowych militarnych cech ataku, hałasu i szybkości. słychać w Rossiniego ”. Podejście Rossiniego do opery było nieuchronnie hamowane przez zmieniające się gusta i wymagania publiczności. Formalne, „klasycystyczne” libretta Metastasia, na których opierała się opera seria z końca XVIII wieku, zostały zastąpione tematami bardziej odpowiadającymi gustowi epoki romantyzmu , z opowieściami domagającymi się silniejszej charakterystyki i szybszego działania; kompozytor pracujący musiał spełnić te wymagania lub ponieść porażkę. Strategie Rossiniego wyszły naprzeciw tej rzeczywistości. Formuła była logistycznie niezbędna w karierze Rossiniego, przynajmniej na początku: w ciągu siedmiu lat 1812–1819 napisał 27 oper, często z bardzo krótkim wyprzedzeniem. Na przykład La Cenerentola (1817) miał nieco ponad trzy tygodnie na napisanie muzyki przed premierą.

Takie naciski doprowadziły do ​​kolejnego istotnego elementu procedur kompozycyjnych Rossiniego, nieuwzględnionego w „Kodeksie” Buddena, a mianowicie recyklingu. Kompozytor często przenosił udaną uwerturę do kolejnych oper: stąd uwertura do La pietra del paragone została później wykorzystana do opery seria Tancredi (1813), a (w odwrotnym kierunku) uwertura do Aureliano in Palmira (1813) zakończyła się jako ( i jest dziś znany jako) uwertura do komedii Il barbiere di Siviglia (Cyrulik sewilski) . W późniejszych utworach chętnie ponownie wykorzystywał arie i inne sekwencje. Spike Hughes zauważa, że ​​z dwudziestu sześciu numerów Eduardo e Cristina , wyprodukowanych w Wenecji w 1817 roku, dziewiętnaście zostało usuniętych z poprzednich prac. "Publiczność ... była wyjątkowo wesoła ... i spytała chytrze, dlaczego libretto zostało zmienione od czasu ostatniego występu". Rossini wyraził wstręt, gdy wydawca Giovanni Ricordi wydał pełne wydanie jego dzieł w latach pięćdziesiątych XIX wieku: „Te same utwory zostaną znalezione kilka razy, bo myślałem, że mam prawo usunąć z moich fiasków te, które wydawały się najlepsze, uratować ich z wraku ... Fiasko wydawało się dobre i martwe, a teraz spójrz, wskrzesili ich wszystkich! "

Zabiegi

Philip Gossett zauważa, że ​​Rossini „od samego początku był wytrawnym kompozytorem uwertur ”. Jego podstawowa formuła pozostała niezmienna przez całą jego karierę: Gossett określa je jako „części sonatowe bez sekcji rozwojowych , zwykle poprzedzone powolnym wstępem” z „wyraźnymi melodiami, żywiołowymi rytmami [i] prostą strukturą harmoniczną” oraz kulminacją crescendo . Richard Taruskin zauważa również, że drugi temat jest zawsze zapowiadany w solówce dętej drewnianej , której „chwytliwość” „wytrawia wyraźny profil w pamięci słuchowej” oraz że bogactwo i pomysłowość jego obsługi orkiestry, nawet w tych wczesnych prac, wyznacza początek „wielkiego rozkwitu orkiestracji w XIX wieku ”.

Arias

strona partytury muzycznej
Wyciąg z "Di tanti palpiti" ( Tancredi )

Sposób traktowania przez Rossiniego arii (i duetów) w stylu cavatina był rozwinięciem XVIII-wiecznej zwyczajności recytatywu i arii. Jak mówi Rosselli, w rękach Rossiniego „aria stała się motorem wyzwalania emocji”. Typowa struktura arii Rossiniego obejmowała liryczne wprowadzenie ( „cantabile” ) i bardziej intensywne, błyskotliwe zakończenie ( „cabaletta” ). Model ten można było na różne sposoby adaptować, tak aby fabuła posunęła się naprzód (w przeciwieństwie do typowego XVIII-wiecznego postępowania, w wyniku którego akcja została zatrzymana, gdy podjęto niezbędne powtórzenia arii da capo ). Na przykład mogą być przerywane komentarzami innych postaci (konwencja znana jako „pertichini” ) lub chór może interweniować między cantabile a cabaletta , aby rozpalić solistę. Jeśli takie zmiany niekoniecznie były wymysłem Rossiniego, to jednak uczynił je swoimi własnymi dzięki fachowemu obchodzeniu się z nimi. Momentem przełomowym w tym kontekście jest cavatina „Di tanti palpiti” od Tancredi , który zarówno Taruskin i Gossett (między innymi) pojedynczy jako przekształcające „najsłynniejszej arii Rossini kiedykolwiek napisała”, z „melodii, która wydaje się uchwycić melodic piękno i niewinność charakterystyczne dla włoskiej opery. " Obaj autorzy zwracają uwagę na typowy rossinowski akcent polegający na unikaniu „oczekiwanej” kadencji w arii poprzez nagłe przejście z tonacji domowej F na tonację As (patrz przykład); Taruskin zauważa ukryty kalambur, ponieważ słowa mówią o powrocie, ale muzyka zmierza w nowym kierunku. Wpływ był trwały; Notatki Gossett jak Rossinian cabaletta styl nadal informować włoską operę tak późno, jak Giuseppe Verdi „s Aida (1871).

Struktura

plakat wyłącznie tekstowy do spektaklu operowego, wymieniający obsadę
Plakat do występu Tancrediego w Ferrarze , 1813

Taka strukturalna integracja form muzyki wokalnej z dramatycznym rozwojem opery oznaczała odejście od metastazjańskiego prymatu arii; w utworach Rossiniego arie solowe stopniowo zajmują mniejszy udział w operach, na rzecz duetów (także zazwyczaj w formacie cantabile-caballetta ) i zespołów.

Pod koniec XVIII wieku twórcy opery buffa coraz bardziej rozwinęli dramatyczną integrację finałów każdego aktu. Finały zaczęły „rozszerzać się do tyłu”, zajmując coraz większą część aktu, przyjmując strukturę muzycznie ciągłego łańcucha, któremu towarzyszyła orkiestra, szeregu sekcji, z których każda miała własną charakterystykę szybkości i stylu, osadzonych na hałaśliwa i energiczna scena finałowa. W swoich operach komiksowych Rossini doprowadził tę technikę do szczytu i rozszerzył jej zakres daleko poza swoje poprzedniczki. O finale pierwszego aktu L'italiana w Algierii Taruskin pisze, że „[r] przechodząc przez prawie sto stron partytury wokalnej w rekordowym czasie, jest to najbardziej skoncentrowana pojedyncza dawka Rossiniego, jaka istnieje”.

Większe znaczenie dla historii opery miała umiejętność Rossiniego w rozwoju tej techniki w gatunku opery seria . Gossett w bardzo szczegółowej analizie finału pierwszego aktu Tancrediego identyfikuje kilka elementów praktyki Rossiniego. Należą do nich kontrast „kinetycznych” sekwencji akcji, często charakteryzowanych przez motywy orkiestrowe, z „statycznymi” wyrażeniami emocji, ostatnia „statyczna” sekcja w postaci kaballetty, w której wszyscy bohaterowie łączą się w końcowych kadencjach. Gossett twierdzi, że „od czasów Tancrediego Caballetta […] staje się obowiązkową sekcją zamykającą każdą jednostkę muzyczną w operach Rossiniego i jemu współczesnych”.

Wczesne prace

Z nielicznymi wyjątkami, wszystkie kompozycje Rossiniego przed Péchés de vieillesse jego przejścia na emeryturę zawierają głos ludzki. Jego pierwszym zachowanym dziełem (poza jedną pieśnią) jest jednak zestaw sonat smyczkowych na dwoje skrzypiec, wiolonczelę i kontrabas, napisany w wieku 12 lat, kiedy ledwie rozpoczął naukę kompozycji. Melodne i wciągające, wskazują, jak bardzo utalentowane dziecko było od wpływu postępu w formie muzycznej, który rozwinął Mozart, Haydn i Beethoven; akcent kładzie się raczej na melodyjną melodię, kolor, wariację i wirtuozerię, niż na transformacyjny rozwój . Te cechy są również widoczne we wczesnych operach Rossiniego, zwłaszcza w jego farsie (jednoaktowe farsy), a nie w jego bardziej formalnej serii opere . Gossett zauważa, że ​​te wczesne prace zostały napisane w czasie, gdy „zdeponował szaty Cimarosy i Paisiello były niewypełnione” - były to pierwsze i coraz bardziej doceniane kroki Rossiniego w ich przymierzaniu. Teatro San Moisè w Wenecji, gdzie jego farse zostały po raz pierwszy wykonany, a La Scala Theatre of Milan, który miał premierę jego dwóch akt opery La pietra del paragone (1812), szukali prace w tej tradycji; Gossett zauważa, że ​​w tych operach „muzyczna osobowość Rossiniego zaczęła nabierać kształtu ... wiele elementów, które pozostały w jego karierze”, w tym „[a] miłość do czystego dźwięku, ostrych i efektownych rytmów”. Niezwykły efekt zatrudniony w uwertury z Il Signor Bruschino (1813) wdrażania skrzypcowe łuki gwintowania rytmy na stoiskach muzycznych , jest przykładem takiego dowcipnego oryginalności.

Włochy, 1813–1823

obraz zamożnie wyglądającego mężczyzny w czarnym płaszczu z futrzanym kołnierzem
Domenico Barbaja w Neapolu w latach dwudziestych XIX wieku

Wielki sukces w Wenecji premier zarówno Tancrediego, jak i opery komicznej L'italiana w Algierii w odstępie kilku tygodni (odpowiednio 6 lutego 1813 i 22 maja 1813) przypieczętował reputację Rossiniego jako wschodzącego kompozytora operowego swojego Pokolenie. Od końca 1813 do połowy 1814 przebywał w Mediolanie, tworząc dwie nowe opery dla La Scali, Aureliano w Palmirze i Il Turco we Włoszech . Arsace in Aureliano zaśpiewał kastrat Giambattista Velluti ; była to ostatnia rola operowa, jaką Rossini napisał dla kastrata, gdyż normą stało się używanie głosów kontraltowych - kolejny przejaw zmiany gustu operowego. Plotka głosiła, że ​​Rossini był niezadowolony z ozdabiania jego muzyki przez Vellutiego ; ale w rzeczywistości w całym okresie włoskim, aż do Semiramide (1823), linie wokalne Rossiniego stawały się coraz bardziej kwieciste, co jest bardziej adekwatne do zmieniającego się stylu kompozytora.

Praca Rossiniego w Neapolu przyczyniła się do tego stylistycznego rozwoju. Miasto, które było kolebką oper Cimarosa i Paisiello, nie spieszyło się z uznaniem kompozytora z Pesaro, ale Domenico Barbaia zaprosił go w 1815 roku na siedmioletni kontrakt na zarządzanie jego teatrami i komponowanie oper. Po raz pierwszy Rossini mógł przez długi czas pracować z zespołem muzyków i śpiewaków, w tym między innymi Isabella Colbran , Andrea Nozzari , Giovanni David i inni, którzy, jak zauważa Gossett, „wszyscy specjalizowali się w kwiecistym śpiewie” i „ którego talenty wokalne pozostawiły niezatarty i niezupełnie pozytywny ślad w stylu Rossiniego ”. Pierwsze opery Rossiniego dla Neapolu, Elisabetta, regina d'Inghilterra i La gazzetta zostały w dużej mierze przetworzone z wcześniejszych dzieł, ale Otello (1816) odznacza się nie tylko wirtuozowskimi liniami wokalnymi, ale także mistrzowsko zintegrowanym ostatnim aktem, którego dramat podkreśla melodia, orkiestracja i barwa tonalna; tutaj, zdaniem Gossetta, „Rossini osiągnął pełnoletniość jako artysta dramatyczny”. Dalej komentuje:

Rozwój stylu Rossiniego od Elisabetty, regina d'Inghilterra do Zelmiry i ostatecznie Semiramide jest bezpośrednią konsekwencją ciągłości [której doświadczył w Neapolu]. Rossini skomponował nie tylko niektóre ze swoich najlepszych oper dla Neapolu, ale te opery głęboko wpłynęły na kompozycję operową we Włoszech i umożliwiły rozwój, który miał doprowadzić do powstania Verdiego.

karykatura mężczyzny w tureckim stroju, niosącego i walącego w duży bęben
„Il signor Tambourossini, ou la nouvelle mélodie” (1821). Ta litografia francuskiego artysty
Paula Delaroche'a, łącząca nazwisko kompozytora z tambourem (po francusku „bęben”), ukazuje europejską reputację wczesnego Rossiniego jako twórcy hałasu, w tym trąbki i bębna, którym towarzyszy sroka, kilka odniesień do jego wczesnych opery, ukazujące go i króla Midasa dosłownie depczącego nuty i skrzypce, podczas gdy Apollo (bóg muzyki) ucieka w tle.

Do tej pory kariera Rossiniego wzbudzała zainteresowanie w całej Europie. Inni przyjechali do Włoch, aby studiować odrodzenie włoskiej opery i wykorzystali jej lekcje, aby się rozwijać; wśród nich był urodzony w Berlinie Giacomo Meyerbeer, który przybył do Włoch w 1816 roku, rok po założeniu Rossiniego w Neapolu, i tam mieszkał i pracował aż do wyjazdu z nim do Paryża w 1825 roku; wykorzystał jednego z librecistów Rossiniego, Gaetano Rossiego , w pięciu ze swoich siedmiu włoskich oper, które zostały wyprodukowane w Turynie, Wenecji i Mediolanie. W liście do swojego brata z września 1818 r. Zawiera szczegółową krytykę Otella z punktu widzenia poinformowanego obserwatora spoza Włoch. Zjadliwie wypowiada się na temat zapożyczeń w pierwszych dwóch aktach, ale przyznaje, że trzeci akt „tak mocno ugruntował reputację Rossiniego w Wenecji, że nawet tysiąc szaleństw nie mogło go z niej okraść. Ale ten akt jest bosko piękny, a co to jest? tak dziwne jest to, że [jej] piękno ... jest rażąco nierosyńskie: wybitne, wręcz namiętne recytaty, tajemnicze akompaniamenty, mnóstwo lokalnego koloru. " Kontrakt Rossiniego nie przeszkodził mu w podjęciu innych zleceń, a przed Otelem w Rzymie (luty 1816) odbyła się premiera Il barbiere di Siviglia , będąca wielkim zwieńczeniem tradycji opery buffa . Richard Osborne kataloguje swoje doskonałości:

Poza fizycznym wpływem ... " Largo al factotum " Figara , Rossini ma też ucho do wokalnych i instrumentalnych barw o osobliwej cierpkości i blasku, jego bystre słownictwo i mistrzostwo wielkich form muzycznych z ich często błyskotliwymi i wybuchowe wewnętrzne wariacje. Dodajmy do tego to, co Verdi nazwał „bogactwem prawdziwych pomysłów muzycznych” w tej operze, oraz nietrudno znaleźć powody, dla których utwór w dłuższej perspektywie stał się najpopularniejszą operą buffa Rossiniego .

Oprócz La Cenerentola (Rzym, 1817) i „szkicu piórem i tuszem” farsa Adina (1818, wykonano dopiero w 1826), wszystkie inne prace Rossiniego w czasie jego kontraktu z Neapolem należały do tradycji operowej seria . Do najbardziej znanych z nich, wszystkie zawierające wirtuozowskie role wokalne, należały Mosè in Egitto (1818), La donna del lago (1819), Maometto II (1820), wszystkie wystawione w Neapolu oraz Semiramide , jego ostatnia opera napisana dla Włoch, wystawiona w La Fenice w Wenecji w 1823 roku. Trzy wersje opera semiseria Matilde di Shabran powstały w latach 1821/1822. Zarówno Mosè, jak i Maometto II mieli później przejść znaczącą przebudowę w Paryżu (patrz poniżej).

Francja, 1824–1829

strona partytury muzycznej
Wyciąg z Moïse Rossiniego opublikowanego w Le Globe , 31 marca 1827, w artykule Ludovica Viteta .

Już w 1818 roku Meyerbeer słyszał plotki, że Rossini stara się o lukratywne spotkanie w paryskiej Opéra - „Jeśli [jego propozycje] zostaną zaakceptowane, pojedzie do stolicy Francji i być może doświadczymy ciekawych rzeczy”. Miało minąć jakieś sześć lat, zanim to proroctwo się spełniło.

W 1824 roku Rossini, na mocy kontraktu z rządem francuskim, został dyrektorem Théâtre-Italien w Paryżu, gdzie przedstawił operę Il crociato in Egitto Meyerbeera i dla której napisał Il viaggio a Reims z okazji koronacji Karola X (1825 ). To była jego ostatnia opera do włoskiego libretta, którą później kanibalizował, tworząc swoją pierwszą francuską operę Le comte Ory (1828). Nowy kontrakt w 1826 roku oznaczał, że mógł skoncentrować się na produkcjach w Operze i w tym celu zasadniczo zrewidował Maometta II jako Le siège de Corinthe (1826) i Mosé jako Moïse et Pharaon (1827). Spełniając francuski gust, utwory są rozbudowywane (każdy o jeden akt), linie wokalne w rewizjach są mniej kwieciste, a struktura dramaturgiczna zostaje wzmocniona, a proporcje arii są zredukowane. Jednym z najbardziej uderzających dodatków był refren pod koniec III aktu Moïse , z powtórzeniem crescendo diatonicznej wznoszącej się linii basu, wznoszącej się najpierw o tercję małą , potem przez tercję wielką , przy każdym występie, i malejącą chromatyczną. górnej linii, która wzbudziła emocje widzów.

Rządowy kontrakt Rossiniego wymagał od niego stworzenia co najmniej jednej nowej „wielkiej opery” , a Rossini oparł się na historii Williama Tell , ściśle współpracując z librecistą Étienne de Jouy . W szczególności historia pozwoliła mu oddać się „ukrytemu zainteresowaniu pokrewnymi gatunkami muzyki ludowej, duszpasterskiej i malowniczej”. Wynika to jasno z uwertury, która jest wyraźnie programistyczna w opisywaniu pogody, scenerii i akcji, i przedstawia wersję ranz des vaches , szwajcarskiego wezwania pasterza, który „przechodzi szereg przemian podczas opery” i podaje go w postaci Richarda Zdaniem Osborne'a „coś w rodzaju motywu przewodniego ”. Zdaniem historyka muzyki Benjamina Waltona, Rossini „nasyca dzieło lokalnym kolorem do tego stopnia, że ​​nie ma już miejsca na nic innego”. Tym samym rola solistów jest znacznie ograniczona w porównaniu z innymi operami Rossiniego, bohater nie ma nawet własnej arii, podczas gdy chór Szwajcarów jest konsekwentnie na muzycznych i dramatycznych pierwszoplanach.

Projekty kostiumów dla Guillaume Tell , z Laure Cinti-Damoreau jako Mathilde, Adolphe Nourrit jako Arnold Melchtal i Nicolas Levasseur jako Walter Furst

Guillaume Tell miał premierę w sierpniu 1829 roku. Rossini przewidział także dla Opery krótszą, trzyaktową wersję, która w finale zawierała pas redoublé (szybki marsz) ostatnią część uwertury; został wykonany po raz pierwszy w 1831 roku i stał się podstawą przyszłych przedstawień Opery. Tell od początku odnosił wielkie sukcesy i był wielokrotnie reaktywowany - w 1868 roku kompozytor był obecny na jego 500. koncercie w Operze. Na początku The Globe entuzjastycznie donosił, że „otworzyła się nowa epoka nie tylko dla francuskiej opery, ale także dla dramatycznej muzyki gdzie indziej”. Okazało się, że to była epoka, w której Rossini nie miał uczestniczyć.

Wycofanie, 1830–1868

Malowidło przedstawiające scenografię wzorowane na murach zamku Sterling w późnym średniowieczu.
Scenografia do oryginalnej inscenizacji Roberta Bruce'a (1846)

Kontrakt Rossiniego wymagał od niego dostarczenia pięciu nowych prac dla Opery w ciągu 10 lat. Po premierze Powiadom był już rozważa pewne tematy operowe, w tym Goethego „s Fausta , ale jedyne znaczące dzieła ukończył przed porzucenie Paryża w 1836 roku były Stabat Mater , napisane dla prywatnej komisji w 1831 (później ukończona i opublikowana w 1841 roku ), a zbiór salonie muzyka wokalna soirees Musicales opublikowany w 1835 roku mieszkających w Bolonii, zajmował się uczy śpiewu w Liceo Musicale, a także stworzył Pasticcio z Tell , Rodolfo di Sterlinga , z korzyścią dla piosenkarza Nikolay Ivanov, dla których Giuseppe Verdi dostarczył kilka nowych arii. Ciągły popyt w Paryżu zaowocował produkcją „nowej” francuskiej wersji Otella w 1844 roku (z którą Rossini nie był zaangażowany) oraz „nowej” opery Robert Bruce, przy której Rossini współpracował z Louisem Niedermeyerem i innymi, aby przerobić muzykę dla La donna. del lago i inne jego dzieła, które były mało znane w Paryżu i pasowały do ​​nowego libretta. Powodzenie obu z nich było co najmniej kwalifikowane.

Dopiero po powrocie Rossiniego do Paryża w 1855 roku pojawiły się oznaki ożywienia jego muzycznego ducha. Strumień utworów na głosy, chór, fortepian i zespoły kameralne, napisanych na jego wieczory, Péchés de vieillesse (Grzechy starości) zostały wydane w trzynastu tomach od 1857 do 1868; z tych tomów od 4 do 8 składa się „56 półkomicznych utworów fortepianowych .... dedykowanych pianistom IV klasy, do których mam zaszczyt należeć”. Należą do nich pozorowany marsz żałobny , Marche et reminiscences pour mon dernier voyage (Marsz i wspomnienia z mojej ostatniej podróży). Gossett pisze o Péchés „Ich pozycja historyczna pozostaje do oceny, ale wydaje się prawdopodobne, że ich wpływ, bezpośredni lub pośredni, na kompozytorów takich jak Camille Saint-Saëns i Erik Satie był znaczący”.

Najbardziej znaczące dzieło ostatniej dekady Rossiniego, Petite messe solennelle (1863), zostało napisane na małe siły (pierwotnie głosy, dwa fortepiany i fisharmonia ), a zatem nie nadawało się do wykonania w sali koncertowej; a ponieważ zawierał głosy kobiet, nie można go było w tamtym czasie dopuszczać na występach kościelnych. Z tych powodów, sugeruje Richard Osborne, utwór ten został nieco przeoczony w kompozycjach Rossiniego. Nie jest ani szczególnie drobna (mała), ani całkowicie solennelle (uroczysta), ale wyróżnia się wdziękiem, kontrapunktem i melodią. Na końcu rękopisu napisał kompozytor

Drogi Boże, tu się skończyła, ta biedna mała msza. Czy to muzyka sakralna, którą napisałem, czy też muzyka cholerna? Urodziłem się dla opery buffa, jak dobrze wiesz. Trochę techniki, trochę serca i to wszystko. Bądź więc błogosławiony i daj mi raj.

Wpływ i dziedzictwo

bardzo ozdobny pomnik nagrobny z białego marmuru
Miejsce spoczynku Rossiniego w bazylice Santa Croce we Florencji; rzeźba Giuseppe Cassioli (1900)

Popularność melodii Rossiniego skłoniła wielu współczesnych wirtuozów do stworzenia na ich podstawie transkrypcji fortepianowych lub fantazji. Przykłady obejmują Sigismund Thalberg Fantasy „s na motywach moise , zestawy wariacji na temat«Non più mesta»z La Cenerentola autorstwa Henri Herz , Fryderyka Chopina , Franza Hünten , Anton Diabelli i Friedrich Burgmüller oraz transkrypcje Liszta z William Tell Overture ( 1838) i Soirées musicales .

Utrzymująca się popularność jego oper komiksowych (i spadek w wystawianiu jego serii operowej ), obalenie stylów śpiewania i inscenizacji jego okresu oraz wyłaniająca się koncepcja kompozytora jako „twórcy”, a nie rzemieślnika, zmniejszyły i zniekształciły twórczość Rossiniego. miejsce w historii muzyki, mimo że formy włoskiej opery przetrwały do okresu weryzmu, zawdzięczając jego innowacjom. O statusie Rossiniego wśród jego współczesnych włoskich kompozytorów wskazuje Messa per Rossini , projekt zapoczątkowany przez Verdiego w ciągu kilku dni po śmierci Rossiniego, który stworzył wspólnie z kilkunastoma innymi kompozytorami.

Jeśli główny spuścizna Rossiniego do opery włoskiej był w formach wokalnych i dramatycznej konstrukcji dla poważnej opery, jego spuścizna do francuskiej opery było stworzenie pomostu z opery buffa do rozwoju comique opera (a stamtąd poprzez Jacques Offenbach „s oper Bouffes do gatunek operetki ). Oper comiques wykazujące dług stylu Rossiniego obejmują François Adrien Boieldieu 's La Dame Blanche (1825) i Daniel Auber ' s Fra Diavolo (1830), a także prace przez Ferdinand Herold , Adolphe Adam i Fromental Halevy . Krytyczny dla stylu Rossiniego był Hector Berlioz , który pisał o swoim „melodyjnym cynizmie, pogardzie dla dramatyzmu i zdrowego rozsądku, jego niekończącym się powtarzaniu jednej formy kadencji, jego wiecznym, dziecięcym crescendo i brutalnym bębnie basowym”.

Być może było nieuniknione, że potężna reputacja, którą Rossini zbudował za swojego życia, zniknie później. W 1886 roku, niespełna dwadzieścia lat po śmierci kompozytora, Bernard Shaw napisał: „Niegdyś uniwersalny Rossini, którego Semiramid wydawał się naszym bardziej zielonym dziadkom cudem z Niniwy , w końcu przestał być postrzegany jako poważny muzyk”. W recenzji Il barbiere z 1877 r. Zauważył, że Adelina Patti śpiewała jako bis w scenie lekcyjnej „ Dom, słodki dom ”, ale „opera okazała się tak nieznośnie męcząca, że ​​niektórzy z jej widzów już okazywali uznanie dla uczucia ballada w najbardziej praktyczny sposób ”.

Na początku 20 wieku Rossini otrzymał hołdy zarówno Ottorino Respighi , który zaaranżowana Fragmenty Péchés de viellesse zarówno w swoim balecie La Boutique fantasque (1918) oraz w jego 1925 łazienką Rossiniana iz Benjamina Brittena , który dostosował muzyki Rossiniego dla dwie suity, Soirées musicales (op. 9) w 1936 r. i Matinées musicales (op. 24) w 1941 r. Richard Osborne wyróżnia trzytomową biografię Rossiniego Giuseppe Radiciottiego (1927–1929) jako ważny punkt zwrotny w kierunku pozytywów uznanie, czemu mógł sprzyjać również nurt neoklasycyzmu w muzyce. Zdecydowana przewartościowanie znaczenia Rossiniego rozpoczęło się dopiero później w XX wieku w świetle badań i tworzenia krytycznych wydań jego dzieł. Głównym motorem tych wydarzeń była „Fondazione G. Rossini”, która została utworzona przez miasto Pesaro w 1940 r. Ze środków pozostawionych miastu przez kompozytora. Od 1980 roku „Fondazione” wspiera coroczny Rossini Opera Festival w Pesaro.

W XXI wieku repertuar teatrów operowych Rossiniego na całym świecie pozostaje zdominowany przez Il barbiere , a La Cenerentola jest drugim najpopularniejszym. Kilka innych oper jest regularnie wystawianych, w tym Le comte Ory , La donna del lago , La gazza ladra , Guillaume Tell , L'italiana in Algeri , La scala di seta , Il turco in Italia i Il viaggio a Reims . Inne utwory Rossiniego w aktualnym repertuarze międzynarodowym, nadawane od czasu do czasu, to Adina , Armida , Elisabetta regina d'Inghilterra , Ermione , Mosé in Egitto i Tancredi . Festiwal Rossini in Wildbad specjalizuje się w produkcji rzadszych dzieł. Operabase wydajności wystawianie strona zapisuje 2.319 występy 532 przedstawieniach oper Rossiniego w 255 miejscach na całym świecie w ciągu trzech lat 2017-2019. Wszystkie opery Rossiniego zostały nagrane.

Notatki, referencje i źródła

Uwagi

Bibliografia

Źródła

Książki

Czasopisma i artykuły

Gazety

Notatki liniowe

Sieć

Linki zewnętrzne

Nuty