Historia filmu - History of film

Plakat reklamowy z 1896 roku z obrazem z L'Arroseur arrosé . Lumière'a

Choć pojawienie się filmu jako medium artystycznego nie jest jasno zdefiniowane, to komercyjny, publiczny pokaz dziesięciu filmów krótkometrażowych braci Lumière w Paryżu 28 grudnia 1895 roku można uznać za przełom w kinematografii rzutowanej . Wcześniej były wyniki kinematograficzne i pokazy innych, takich jak bracia Skladanowsky , którzy wykorzystali swój własny Bioscop do wyświetlenia pierwszego ruchomego pokazu płatnej publiczności 1 listopada 1895 roku w Berlinie, ale brakowało im albo jakości, zaplecza finansowego, wytrzymałość lub szczęście w odnalezieniu impetu, który nadał kinematografii Lumière światowy sukces.

Wkrótce wytwórnie filmowe i studia zostały ustalone na całym świecie. W pierwszej dekadzie filmu kinowego film przeszedł od nowości do ugruntowanego przemysłu rozrywkowego. Najwcześniejsze filmy były czarno-białe, trwające mniej niż minutę, bez nagranego dźwięku i składały się z jednego ujęcia ze stabilnej kamery.

Konwencje dotyczące ogólnego języka filmowego rozwinęły się przez lata wraz z montażem , ruchami kamery i innymi technikami filmowymi, które odgrywają szczególną rolę w narracji filmów.

Efekty specjalne stały się elementem filmów od końca lat 90. XIX wieku, spopularyzowane przez filmy fantasy Georgesa Mélièsa . Wiele efektów było niemożliwych lub niepraktycznych do wykonania w sztukach teatralnych, a tym samym dodało więcej magii do wrażeń kinowych.

Udoskonalenia techniczne dodały długość (dochodząc do 60 minut dla filmu fabularnego w 1906 roku), zsynchronizowane nagrywanie dźwięku (główny nurt od końca lat 20.), kolor (główny nurt od lat 30. XX wieku) i 3D (główny nurt w kinach od początku lat 50. i od 2000 r. ). Dźwięk zakończył konieczność przerywania kart tytułowych , zrewolucjonizował możliwości narracyjne dla filmowców i stał się integralną częścią kręcenia filmów.

Popularne nowe media, w tym telewizja (główny nurt od lat 50.), wideo domowe (główny nurt od lat 80.) i internet (główny nurt od lat 90.) miały wpływ na dystrybucję i konsumpcję filmów. Produkcja filmowa zwykle odpowiadała treściami dopasowanymi do nowych mediów, nowinkami technicznymi (w tym szerokoekranowymi (główny nurt od lat 50.), filmami 3D i 4D oraz bardziej spektakularnymi filmami, aby utrzymać atrakcyjność pokazów kinowych.

Tańsze i łatwiejsze w obsłudze systemy (m.in. kamery 8mm , kamery wideo i smartfony ) pozwalały coraz większej liczbie osób tworzyć filmy o różnej jakości, w dowolnym celu (m.in. filmy domowe i wideoarty ). Jakość techniczna była zwykle niższa niż w przypadku profesjonalnych filmów, ale poprawiła się dzięki cyfrowemu wideo i przystępnym cenowo aparatom cyfrowym wysokiej jakości .

Udoskonalone z biegiem czasu metody produkcji cyfrowej stały się coraz bardziej popularne w latach 90., co zaowocowało coraz bardziej realistycznymi efektami wizualnymi i popularnymi pełnometrażowymi animacjami komputerowymi .

Pojawiły się różne gatunki filmowe, które z biegiem czasu cieszyły się różnym stopniem sukcesu, z ogromnymi różnicami na przykład między horrorami (główny nurt od lat 90. XX wieku), kronikami filmowymi (powszechnymi w amerykańskich kinach od 1910 do późnych lat 60.), musicalami (główny nurt od późnych lat 20. XX wieku). ) i filmy pornograficzne (doświadczające Złotego Wieku w latach 70.).

Przed 1900

Film jako forma sztuki czerpie z kilku wcześniejszych tradycji w takich dziedzinach jak (ustne) opowiadanie historii , literatura , teatr i sztuki wizualne . Formy sztuki i rozrywki, które już zawierały ruchome i/lub wyświetlane obrazy przed pojawieniem się technologii filmowej, obejmowały cieniografię , teatr cieni , kamerę obscura , latarnię magiczną i różne urządzenia do animacji stroboskopowejtrwałości wzroku ”.

Choć myśl, że pochodzi z Dalekiego Wschodu , technika cienia (i późniejsze zmiany w lalkarskich cieniach) wykorzystywała cienie rzucane przez ręce lub przedmioty do opowiadania historii. Lalkarstwo cieni cieszyło się popularnością przez wieki w Azji, zwłaszcza na Jawie , i ostatecznie rozprzestrzeniło się na Europę w epoce Oświecenia . Użycie camera obscura w opowiadaniu historii było rzadkie, ograniczone przez projekcję odwróconego obrazu podczas pokazywania, ale odkrycia opierały się na późniejszym użyciu magicznej latarni.

Niektóre starożytne obrazy bogów i duchów mogły zostać wyczarowane za pomocą (wklęsłych) luster, camera obscura lub nieznanych projektorów. W XVI wieku ceremonie nekromantyczne i wywoływanie widmowych zjaw przez szarlatanów „magów” ​​i „czarownice” wydawały się powszechne. Wydaje się, że pierwsze pokazy latarni magicznych kontynuowały tę tradycję, przedstawiając obrazy śmierci, potworów i innych przerażających postaci. Około 1790 roku praktyka ta rozwinęła się w rodzaj multimedialnego pokazu duchów, znanego jako fantasmagoria, który był znacznie bardziej dostępny, ponieważ zwykle reklamowano go jako zjawy wyprodukowane naukowo, aby udowodnić, że duchy nie są prawdziwe. Te bardzo popularne pokazy mogą zawierać mechaniczne slajdy, tylną projekcję, mobilne projektory, nakładanie , rozpuszczanie , żywych aktorów, dym (czasem do wyświetlania obrazów), zapachy, dźwięki, a nawet porażenia prądem.

Podczas gdy pierwsze pokazy latarni magicznych miały głównie na celu przestraszenie widzów, postępy kinooperatorów pozwoliły na kreatywne, a nawet edukacyjne opowiadanie historii, które przemawiały do ​​szerszej publiczności rodzinnej. Nowo pionierskie techniki, takie jak użycie rozpuszczających się widoków i chromatropa, pozwoliły na płynniejsze przejścia między dwoma wyświetlanymi obrazami i pomogły w zapewnieniu silniejszych narracji.

Urządzenia do animacji stroboskopowej wykazywały krótki ruch zapętlony i były zwykle przeznaczone do rozrywki, z zaskakującymi i często komicznymi rysunkami. Czasami technika ta była wykorzystywana do naukowej demonstracji, na przykład przez fizjologa Jana Purkyně do pokazania bicia serca oraz przez fizyka Johanna Heinricha Jakoba Müllera , który opublikował zestaw 8 płyt przedstawiających kilka ruchów fal (dźwięku, powietrza, wody itp. ). Wynalazca Joseph Plateau przypuszczał, że można go zaadaptować do użytku w Fantasmagorii, aw 1847 r. Mag Ludwig Döbler użył swojego Phantaskopu do wyświetlania animowanych akrobatów, żonglerów i tancerzy w części swojego programu, który z powodzeniem koncertował w kilku europejskich miastach.

1878–1895 Chronofotografia i wczesne nagrania animowane

Abe Edgington, którego właścicielem jest Leland Stanford; prowadzony przez C. Marvina, kłus w tempie 2-24 nad torem Palo Alto, 15 czerwca 1878 r.

Wczesne sekwencje fotograficzne, zwane chronofotografią , nie miały poważnej formy narracyjnej. Większość z tych sekwencji początkowo nie była przeznaczona do oglądania w ruchu, a zamiast tego została przedstawiona jako poważna, a nawet naukowa metoda badania ruchu. Sekwencje niemal wyłącznie obejmowały ludzi lub zwierzęta wykonujące prosty ruch przed kamerą. Począwszy od 1878 roku, wraz z publikacją wizytówek The Horse in Motion , fotograf Eadweard Muybridge rozpoczął setki chronofotograficznych badań ruchu zwierząt i ludzi w czasie rzeczywistym. Wkrótce po nim poszli inni chronofotografowie, tacy jak Étienne-Jules Marey , Georges Demenÿ i Ottomar Anschütz . W 1879 roku Muybridge zaczął wykładać na temat lokomocji zwierząt i używał swojego Zoopraxiscope do wyświetlania animacji konturów swoich nagrań, narysowanych na szklanych płytach. Długo po wprowadzeniu kina nagrania Muybridge'a były czasami animowane w bardzo krótkie filmy z płynnym ruchem (stosunkowo często materiał może być przedstawiony jako pętla, która płynnie powtarza ruch).

W 1887 roku Ottomar Anschütz zaczął prezentować swoje chronofotograficzne nagrania jako animowaną fotografię na małym ekranie z mlecznego szkła, a później w automatach do podglądu. Do publicznych prezentacji krótkich pętli Elektrotachyskopu zaczął nagrywać i dodawać tematy, które były bardziej zabawne niż zwykłe studia ruchu, takie jak zapaśnicy, tancerze, akrobaci, sceny z życia codziennego (Dwóch stolarzy na śniadaniu, Rodzinne jedzenie z jednej miski, Chłopcy). Walka, Gracze w karty, Dwóch mężczyzn biorących szczyptę tabaki, Namydlanie się u fryzjera). Niektóre sceny prawdopodobnie przedstawiały wyreżyserowane sceny komiczne, a wiele z nich mogło mieć bezpośredni wpływ na późniejsze filmy Edison Company, takie jak Sneeze Freda Otta .

1892-1895: Wczesne pokazy

W 1893 r. Edison wprowadził długo oczekiwany Kinetoscope , z zapętlonymi paskami filmowymi w wizjerze, który mógł działać przez około pół minuty, zanim zaczął od nowa. Wiele z tych filmów przedstawiało znanych wykonawców wodewilowych występujących w studiu Edisona Black Maria .

Émile Reynaud wykorzystywał swój Théâtre Optique („Teatr Optyczny”, opatentowany w 1888 roku) w okresie od 28 października 1892 do marca 1900 roku z ponad 12.800 przedstawieniami dla ponad 500 tysięcy odwiedzających w Musée Grévin w Paryżu. Jego Pantomimy Lumineuses były serią animowanych opowiadań, w tym Pauvre Pierrot i Autour d'une cabine .

25, 29 i 30 listopada 1894 r. Anschütz prezentował swoje obrazy na dużym ekranie w zaciemnionej Sali Wielkiej gmachu poczty w Berlinie. Od 22 lutego do 30 marca 1895 roku, w starym Reichstagu, dla 300-osobowej widowni wyświetlany był komercyjny 1,5-godzinny program składający się z 40 różnych scen, który przyciągnął około 4000 widzów.

Teatr Berlin Wintergarten gospodarzem wczesną prezentację filmu przez braci Skladanowsky w miesiącu listopadzie 1895. Ich około 15 minut obraz pokaz był częścią programu wieczornego, który trwał ponad trzy godziny, co dodatkowo uwzględnione wszystkie rodzaje odmiana działa. Skladanowscy pokazali osiem krótkich filmów (około 6 do 11 sekund przy 16 fps), wielokrotnie zapętlonych, a specjalnie skomponowana partytura była odtwarzana szczególnie głośno, by zagłuszyć hałas maszynerii. Film „Apotheose” pokazywał braci wchodzących do kadru z przeciwnych stron na białym tle, kłaniających się w kierunku kamery, jakby odbierali brawa i ponownie wychodzących z kadru. Kiedy ich pokaz dobiegł końca, odtworzyli akcję osobiście przed ekranem projekcyjnym. Popularny lokal był wypełniony po brzegi około 1500 bogatymi bywalcami każdego wieczornego programu, ale nie wszyscy oglądali filmy. Bioskop został podobno dobrze przyjęty gromkimi brawami i kwiatami rzucanymi na ekran. Jednak berlińskie gazety rzadko odnosiły się krytycznie do spektakli ze względu na dochód z umieszczanych przez nie reklam teatralnych.

Choć obecnie zaginiony film , Young Griffo v. Battle Charles Barnett , został wyświetlony 20 maja 1895 roku i jest uważany za pierwszy film wyświetlany dla płacącej publiczności.

Siedem miesięcy później bracia Lumière pokazali swój pierwszy komercyjny pokaz z Kinematografem w Paryżu 28 grudnia 1895 roku. Woleli filmy, takie jak „ Robotnicy opuszczający fabrykę Lumière”, jako prawdziwe dokumenty świata, w którym żyli, ale ich pokaz obejmował również wyreżyserowane komedia L'Arroseur Arrosé . W ciągu następnych dziesięciu lat ich firma wysyłała kamerzystów na cały świat, którzy byli wystawiani lokalnie przez kamerzystów, a następnie wysłana z powrotem do fabryki firmy w Lyonie, aby robili odbitki na sprzedaż każdemu, kto ich chciał. Do 1901 nakręcono prawie tysiąc tych filmów, prawie wszystkie z nich to aktualności.

1896–1900: nowość, tania rozrywka, wczesny przemysł

Widowisko realistycznych ruchomych fotografii wystarczyło, aby przemysł filmowy rozkwitł przed końcem stulecia. Ta era kinematografii, nazwana przez historyka filmu Toma Gunninga „kinem atrakcji”, oferowała stosunkowo tani i prosty sposób dostarczania masom rozrywki. Zamiast skupiać się na narracji, przekonuje Gunning, filmowcy polegali na zdolności zachwytu widzów „iluzoryczną mocą” oglądania sekwencji w ruchu. Filmy były wyświetlane głównie w tymczasowych witrynach sklepowych, w namiotach podróżujących wystawców na targach lub jako „głupich” aktów w programach wodewilowych. W tym okresie, zanim proces postprodukcji został jasno określony, wystawcy mogli korzystać ze swobody twórczej w swoich prezentacjach. Aby wzbogacić wrażenia widzów, niektórym pokazom towarzyszyli muzycy na żywo w orkiestrze, organy teatralne, efekty dźwiękowe na żywo i komentarz wypowiadany przez showmana lub kinooperatora.

Chociaż fakty i akty wodewilowe stanowiły większość filmów wczesnego przemysłu, powstały godne uwagi wyjątki, gdy widzowie przyzwyczaili się do nowości, jaką jest oglądanie ruchu na ekranie i szukanie nowszej rozrywki. W 1896 roku po raz pierwszy wydano La Fée aux Choux (Wróżka z kapusty) . Wyreżyserowana i zmontowana przez Alice Guy-Blaché opowieść jest prawdopodobnie najwcześniejszym filmem narracyjnym w historii, a także pierwszym filmem wyreżyserowanym przez kobietę. W tym samym roku The Edison Company wydała The Kiss w maju, odnosząc wielki sukces finansowy. Film, który przedstawiał pierwszy pocałunek w historii kina, doprowadził do pierwszych znanych wezwań do cenzury filmowej .

W 1896 roku magik Georges Méliès zaczął produkować, reżyserować i dystrybuować dzieło, które ostatecznie zawierało ponad 500 filmów krótkometrażowych wraz z założeniem Star Film Company . Méliès, który wcześniej wykorzystywał film jako iluzję w swoich magicznych aktach, zdał sobie sprawę, że film daje mu możliwość „tworzenia spektakli wizualnych nieosiągalnych w teatrze”. Jest uważany za „ojca chrzestnego efektów specjalnych” dzięki rozwojowi technik, takich jak sztuczka stop i wielokrotne ekspozycje . Zastosowanie tych technik pozwoliło na bardziej fantazyjne opowiadanie historii, m.in. Le Manoir du Diable ( Dom diabła) , powszechnie uważany za prekursora gatunku horroru .

Georges Méliès (z lewej) maluje tło w swojej pracowni

Chociaż projekcja szybko okazała się bardziej udanym formatem, widzowie peep-box nie zostali od razu porzuceni. WKL Dickson opuścił firmę Edisona w 1895 roku, aby wykorzystać jego Mutoscope , z dużym sukcesem. Jego firma kontynuowała produkcję dla widzów do 1909 roku, ale także opracowała projektor biografii. W 1896 roku zaczęli konkurować z Edisonem i wieloma innymi, którzy zaangażowali się na nowym rynku wyświetlania, produkcji i dystrybucji filmów. Amerykański mutoskop i Biograph Company był najbardziej udany wytwórnię filmową w Stanach Zjednoczonych przez jakiś czas, o największej produkcji aż do 1900 roku.

Kultowy obraz z „ Le Voyage dans la lune ” (1902)

J. Stuart Blackton i mag Albert E. Smith założyli Vitagraph Company of America w 1897 roku. W 1907 roku była to jedna z najbardziej płodnych amerykańskich wytwórni filmowych, produkująca wiele słynnych filmów niemych.

Pierwszy obracając aparat do robienia panoramowanie strzałów został zbudowany przez brytyjskiego pioniera Robert W. Paul w 1897 roku, z okazji królowa Victoria „s Diamentowy Jubileusz . Użył swojego aparatu, aby sfotografować procesję jednym ujęciem. Jego urządzenie miało kamerę zamontowaną na pionowej osi, którą można było obracać za pomocą przekładni ślimakowej napędzanej korbą, a Paul wprowadził ją do ogólnej sprzedaży w następnym roku. Ujęcia wykonane taką „panoramującą” głową były również określane w katalogach filmowych jako „panoramy”.

W Anglii do pionierów Roberta Paula, Jamesa Williamsona i GA Smitha oraz innych producentów dołączył w 1899 roku Cecil Hepworth, który w ciągu kilku lat wypuszczał 100 filmów rocznie, a jego firma stała się największą na brytyjskiej scenie.

Od 1900 roku Charles Pathé rozpoczął produkcję filmową pod marką Pathé-Frères, a Ferdinand Zecca został zatrudniony do faktycznego nakręcenia filmów. W 1905 Pathé była największą firmą filmową na świecie, którą zachowała do I wojny światowej.

Léon Gaumont rozpoczął produkcję filmową w 1900 roku, a jego produkcję nadzorowała Alice Guy .

1905–1914: innowacja i wczesne opowiadanie

Pierwszym, odnoszącym sukcesy, stałym teatrem, który nie wyświetlał nic poza filmami, był „Nickelodeon”, który został otwarty w Pittsburghu w 1905 roku. Do tego czasu w końcu było wystarczająco dużo kilkuminutowych filmów, aby wypełnić program trwający co najmniej pół godziny i który mógł zmieniane co tydzień, gdy lokalna publiczność się tym znudziła. Inni wystawcy w Stanach Zjednoczonych szybko poszli w ich ślady iw ciągu kilku lat działały tysiące takich nikeodeonów . Sytuacja w Ameryce doprowadziła od 1906 roku do światowego boomu w produkcji i wystawie filmów. Kina stały się popularnymi miejscami rozrywki i centrami towarzyskimi na początku XX wieku, podobnie jak kabarety i inne teatry.

Fotodrama stworzenia , po raz pierwszy pokazana publiczności w 1914 roku, była pierwszym ważnym scenariuszem, w którym wykorzystano zsynchronizowany dźwięk, ruchomy film i kolorowe slajdy. Do 1927 roku większość filmów produkowano bez dźwięku. Ten okres jest powszechnie określany mianem niemej epoki filmu.

W większości krajów zaczęto używać napisów , aby zapewnić dialog i narrację filmu, w ten sposób zrezygnowano z narratorów, ale w kinie japońskim ludzcy narratorzy znani jako benshi byli popularni w epoce niemej. Problemy techniczne zostały rozwiązane do 1923 roku.

Ilustrowane piosenki były godnym uwagi wyjątkiem od tego trendu, który rozpoczął się w 1894 roku w domach wodewilowych i utrzymywał się aż do końca lat 30. w kinach. Występy na żywo lub nagrania dźwiękowe zostały połączone z ręcznie kolorowanymi slajdami szklanymi wyświetlanymi przez stereooptyki i podobne urządzenia. W ten sposób narracja piosenki została zilustrowana serią slajdów, których zmiany następowały jednocześnie z rozwojem narracji. Głównym celem ilustrowanych piosenek było zachęcenie do sprzedaży nut i odniosły one duże sukcesy, osiągając miliony sprzedaży na jedną piosenkę. Później, wraz z narodzinami filmu, ilustrowane piosenki zostały wykorzystane jako materiał wypełniający przed filmami i podczas wymiany rolek .

Rozwój języka filmowego

Egzekucja Marii Stuart , wyprodukowana przez Edison Company do oglądania za pomocą kinetoskopu , ukazywałaegzekucję Marii Królowej Szkotów w pełnym widoku kamery. Efekt osiągnięto zastępując aktora atrapą do ostatniego ujęcia. Technika zastosowana w filmie jest postrzegana jako jedno z najwcześniejszych znanych zastosowań efektów specjalnych w filmie. Georges Méliès wykorzystał tę technikę również przy tworzeniu Escamotage d'un dame chez Robert-Houdin (Znikająca dama) . Kobieta znika dzięki zastosowaniutechnik poklatkowych .

Wstawka ze sceną wewnątrz okrągłej winiety przedstawiająca „widzenie snów” w Świętym Mikołaju (1899)

Inną podstawową techniką kinematografii trikowej była podwójna ekspozycja filmu w aparacie. Zostało to zapoczątkowane przez George'a Alberta Smitha w lipcu 1898 roku w Anglii. Scenografia została udrapowana na czarno, a po głównym ujęciu negatyw został ponownie wyeksponowany na nałożoną scenę. Jego Korsykańscy bracia zostali opisani w katalogu Warwick Trading Company w 1900 roku: „Dzięki niezwykle starannej fotografii duch wydaje się *całkiem przezroczysty*. Po wskazaniu, że został zabity przez pchnięcie mieczem i wzywając zemsty, znika Pojawia się „wizja” przedstawiająca fatalny pojedynek na śniegu”.

GA Smith zainicjował również technikę efektów specjalnych ruchu wstecznego . Zrobił to, powtarzając akcję po raz drugi, filmując ją odwróconą kamerą, a następnie łącząc ogon drugiego negatywu z ogonem pierwszego. Pierwszymi filmami zrealizowanymi przy użyciu tego urządzenia były Tipsy, Topsy, Turvy i The Awkward Sign Painter . Najwcześniejszym zachowanym przykładem tej techniki jest Dom, który zbudował Jack Smitha , wykonany przed wrześniem 1900 roku.

Cecil Hepworth poszedł dalej w tej technice, drukując negatyw ruchu do przodu klatka po klatce, tworząc w ten sposób odbitkę, w której pierwotna akcja była dokładnie odwrócona. W tym celu zbudował specjalną drukarkę, w której negatyw biegnący przez projektor był rzutowany na bramkę kamery przez specjalny obiektyw dając obraz tej samej wielkości. Ten układ został nazwany „drukarką projekcyjną”, a ostatecznie „ drukarką optyczną ”.

Użycie różnych prędkości kamery pojawiło się również około 1900 roku w filmach Roberta W. Paula i Hepwortha. Paul nakręcił sceny od W uciekającym samochodzie do Piccadilly Circus (1899) z kamerą obracającą się bardzo powoli. Kiedy film był wyświetlany ze zwykłą prędkością 16 klatek na sekundę, sceneria zdawała się przesuwać z dużą prędkością. Hepworth zastosował odwrotny efekt w The Indian Chief and the Seidlitz Powder (1901). Ruchy Szefa są przyspieszane przez obracanie kamery znacznie szybciej niż 16 klatek na sekundę. Daje to efekt , który nazwalibyśmy „ zwolnionym tempem ”.

Montaż filmów i ciągła narracja

Pierwsze filmy składające się z więcej niż jednego ujęcia pojawiły się pod koniec XIX wieku. Godnym uwagi przykładem był francuski film o życiu Jezusa Chrystusa , La vie du Christ (Narodziny, życie i śmierć Chrystusa) , przez Alice Guy . Nie były one przedstawiane jako ciągły film, poszczególne sceny były przeplatane slajdami z latarni, wykładem i żywymi chórami, aby wydłużyć czas trwania spektaklu do około 90 minut. Innym tego przykładem są reprodukcje scen z wojny grecko-tureckiej , wykonane przez Georgesa Mélièsa w 1897 roku. Chociaż każda scena była sprzedawana osobno, wystawcy pokazywali je jedna po drugiej. Nawet Cendrillon (Kopciuszek) Mélièsa z 1898 roku nie zawierał żadnej akcji, przechodzącej od jednego ujęcia do następnego. Aby zrozumieć, co się dzieje w filmie, publiczność musiała wcześniej poznać ich historie lub opowiedzieć je przez prezentera.

Dwie sceny składające się na Come Along, Do!

Ciągłość prawdziwy filmowy, obejmujący działania przejście z jednej sekwencji do innego, jest przypisana do brytyjskiego pioniera filmu Roberta W. Paul „s Come Along, NIE! , nakręcony w 1898 roku i jeden z pierwszych filmów, w których występuje więcej niż jedno ujęcie. W pierwszym ujęciu starsza para jest przed wystawą sztuki jedząc lunch, a następnie podąża za innymi ludźmi przez drzwi. Drugie ujęcie pokazuje, co robią w środku. „Cinematograph Camera No. 1” Paula z 1895 roku była pierwszą kamerą, w której zastosowano odwrócony obrót, co pozwoliło na kilkakrotne naświetlenie tego samego materiału filmowego, a tym samym na tworzenie superpozycji i wielokrotnych ekspozycji . Ta technika została po raz pierwszy użyta w jego filmie Scrooge z 1901 roku , czyli Duch Marleya .

Dalszy rozwój ciągłości akcji w filmach wielostrzałowych kontynuowano w 1899 w Brighton School w Anglii . W drugiej połowie tego roku George Albert Smith nakręcił Pocałunek w tunelu . Film zaczynał się od ujęcia z „widmowej przejażdżki” w miejscu, w którym pociąg wjeżdża do tunelu, a kontynuowany był akcją na planie przedstawiającym wnętrze wagonu kolejowego, gdzie mężczyzna kradnie całusa kobiecie, a następnie wraca do ujęcia z upiornej przejażdżki, gdy pociąg wyjeżdża z tunelu. Miesiąc później firma Bamforth w Yorkshire zrealizowała odświeżoną wersję tego filmu pod tym samym tytułem i w tym przypadku sfilmowała ujęcia pociągu wjeżdżającego i wyjeżdżającego z tunelu obok torów, do którego dołączyli przed i po swojej wersji filmu. pocałunek w przedziale pociągu.

1900

Pierwsze dwa ujęcia As Seen Through a Telescope (1900), z teleskopem POV symulowanym przez okrągłą maskę

W 1900 roku ciągłość akcji w kolejnych ujęciach została ostatecznie ustanowiona przez George'a Alberta Smitha i Jamesa Williamsona , którzy również pracowali w Brighton . W tym samym roku Smith nakręcił Jak widać przez teleskop , w którym główne ujęcie przedstawia scenę uliczną, w której młody mężczyzna wiąże sznurowadło, a następnie pieści stopę swojej dziewczyny, podczas gdy starszy mężczyzna obserwuje to przez teleskop. Następnie następuje cięcie, aby zamknąć ujęcie dłoni na stopie dziewczyny pokazanej w czarnej okrągłej masce, a następnie cięcie z powrotem do kontynuacji oryginalnej sceny. Jeszcze bardziej niezwykły jest film Jamesa Williamsona z 1900 roku Atak na chińską misję . Film, który historyk filmu John Barnes określił później jako „najbardziej rozwiniętą narrację ze wszystkich filmów nakręconych w Anglii do tego czasu”, otwiera się, gdy pierwsze ujęcie pokazuje chińskich rebeliantów bokserskich przy bramie; następnie przechodzi do rodziny misjonarskiej w ogrodzie, gdzie dochodzi do bójki. Żona sygnalizuje z balkonu brytyjskim marynarzom , którzy przychodzą i ich ratują. W filmie wykorzystano też pierwsze w historii filmu wycięcie „odwróconego kąta”.

GA Smith był pionierem w użyciu zbliżeń w swoich filmach z 1900 roku, Jak widziane przez teleskop i Grandma's Reading Glass . Następnie rozwinął idee podzielenia sceny nakręconej w jednym miejscu na serię ujęć zrobionych z różnych pozycji kamery w ciągu następnych kilku lat, zaczynając od The Little Doctors of 1901 (film, teraz uważany za zaginiony, został przerobiony na The Sick). Kociak w 1903 roku). W serii filmów, które w tym czasie wyprodukował, wprowadził także użycie subiektywnych i obiektywnych ujęć z punktu widzenia, kreację czasu snu oraz użycie cofania. Podsumował swoją pracę w Mary Jane's Mishap z 1903 roku, powtarzając cięcia do bliskiego ujęcia wygłupiającej się pokojówki. Połączył te efekty, wraz z nakładaniem się, użyciem przejść typu wycierania w celu oznaczenia zmiany sceny i innymi urządzeniami, zanim przeszedł do wynalezienia systemu barwnej kinematografii Kinemacolor . Jego filmy jako pierwsze ustanowiły podstawy spójnej narracji i tego, co stało się znane jako język filmowy lub „ gramatyka filmowa ”.

James Williamson był pionierem w tworzeniu filmów, które miały ciągłą akcję od ujęć do ujęć, takich jak jego film Stop złodziej z 1901 roku ! . Filmy tego gatunku zostały później nazwane „filmami pościgowymi”. Zostały one zainspirowane filmem Stop Thief Jamesa Williamsona ! z 1901 r., w którym włóczęga kradł udziec barani rzeźnikowi w pierwszym ujęciu, następnie był ścigany przez rzeźnika i różne psy w drugim ujęciu, a w trzecim został złapany przez psy. Kilka filmów brytyjskich powstałych w pierwszej połowie 1903 roku rozszerzyło metodę pościgowej konstrukcji filmu. Należą do nich An Elopement à la Mode i The Pickpocket: A Chase Through London , wykonane przez Alfa Collinsa dla brytyjskiego oddziału francuskiej firmy Gaumont , A Daring Daylight Burglary , wykonane przez Franka Mottershawa w Sheffield Photographic Company oraz Desperate Poaching Affray , wykonane przez Williama Haggara . Haggar w szczególności unowocześnił pierwsze zachowane ujęcia panoramiczne; że kłusownicy są ścigani przez leśników i policjantów i patelnie aparatu wzdłuż, tworząc poczucie pilności i szybkości. Jego filmy zostały również docenione za inteligentne wykorzystanie głębi inscenizacji i krawędzi ekranu, podczas gdy naukowiec filmowy Noël Burch pochwalił efektywne wykorzystanie przez Haggara przestrzeni pozaekranowej. Był także jednym z pierwszych filmowców, którzy celowo wprowadzali przemoc dla rozrywki; w Desperate Poaching Affray , złoczyńcy są widziani, jak strzelają do swoich prześladowców.

Kadr z filmu The Great Train Robbery , wyprodukowanego przez Edwina S. Portera

Inni filmowcy podjęli wszystkie te pomysły, w tym Amerykanin Edwin S. Porter , który zaczął kręcić filmy dla Edison Company w 1901 roku. Porter, kinooperator, został zatrudniony przez Thomasa Edisona do opracowania swojego nowego modelu projekcji, znanego jako Vitascope . Kiedy w 1902 roku zaczął robić dłuższe filmy, wstawiał rozmycie między każdym ujęciem, tak jak robił to już Georges Méliès, i często powtarzał tę samą czynność w rozmyciach. Jego film The Great Train Robbery (1903) trwał dwanaście minut, z dwudziestoma osobnymi ujęciami i dziesięcioma różnymi lokalizacjami wewnątrz i na zewnątrz. Wykorzystał metodę montażu przekrojowego , aby pokazać jednoczesną akcję w różnych miejscach. Ciągłość czasu w The Great Train Robbery była w rzeczywistości bardziej zagmatwana niż w filmach, na których był wzorowany, ale mimo to odniósł większy sukces niż oni ze względu na przemoc na Dzikim Zachodzie . Wielki Napad na Pociąg służył jako jeden z pojazdów, który zapoczątkował masową popularność tego medium filmowego.

Wczesny film przedstawiający odtworzenie bitwy pod Chemulpo Bay (film wyprodukowany w 1904 roku przez Edison Studios )

Firma Pathé we Francji również tworzyła imitacje i wariacje filmów Smitha i Williamsona od 1902 roku, wykorzystując cięcia między ujęciami, co pomogło ujednolicić podstawy konstrukcji filmu. Sama wielkość produkcji Pathé sprawiła, że ​​filmowcy dopracowali szczegóły dotyczące ciągłości filmu. Wpływowym francuskim filmem tego okresu była 14-minutowa Podróż na Księżyc Mélièsa . Był niezwykle popularny w momencie premiery i jest najbardziej znanym spośród setek filmów nakręconych przez Mélièsa. Był to jeden z pierwszych znanych filmów science fiction , wykorzystujący innowacyjną animację i efekty specjalne , w tym dobrze znany obraz lądowania statku kosmicznego w oku Księżyca.

Wczesna animacja

El Apóstol , pierwszy na świecie animowany film fabularny i Peludópolis , pierwszy animowany film fabularny z dźwiękiem, zostały wyprodukowane w formie wycinankowej przez włosko-argentyńskiego rysownika Quirino Cristiani .
Pojedyncza ramka z Zabawne grymasy śmiesznych twarzy animacje, pokazujące zastosowanie wycięcia techniką

Kiedy wprowadzono kinematografię, animacja była znana z różnych zabawek optycznych (w formie stroboskopowej), pokazów latarni magicznych (w formie mechanicznej) oraz z Pantomim Lumineuses Emile'a Reynauda . Zajęło ponad dekadę przed animacja zaczęła odgrywać rolę w kinach z poklatkowych filmów krótkometrażowych jak Segundo de Chomón „s Le Théâtre de Bob (1906) i J. Stuart Blackton ” s The Haunted Hotel (1907), jak również ręcznie rysowane filmy krótkie animacje, takie jak 1906 filmowych Blackton za Zabawne grymasy śmiesznych twarzy (z niektórych animacji cut-out) i Émile Cohl „s Fantasmagorie (1908).

Pierwszym na świecie animowanym filmem fabularnym był El Apóstol (1917), nakręcony przez włosko-argentyńskiego rysownika Quirino Cristiani z wykorzystaniem animacji wycinankowej. Cristiani wyreżyserował także pierwszy animowany film pełnometrażowy z dźwiękiem, Peludópolis , wydany ze ścieżką dźwiękową systemu synchronizacji dźwięku na płycie vitaphone. Niestety, pożar, który zniszczył studio filmowe producenta Federico Valle, spalił jedyne znane kopie filmów, które są obecnie uważane za zaginione.

Film fabularny

Filmy w tamtych czasach nie były dłuższe niż jedna rolka, chociaż w pierwszych latach kina nakręcono kilka filmów wielorolkowych o życiu Chrystusa. Pierwszym na świecie pełnometrażowym, wieloszpulowym filmem była australijska produkcja z 1906 roku zatytułowana The Story of the Kelly Gang .

Śledził życie legendarnego, niesławnego banity i buszrangera Neda Kelly'ego (1855-1880) i prowadził przez ponad godzinę na rolce o długości około 4000 stóp (1200 m). Po raz pierwszy został pokazany w Athenaeum Hall przy Collins Street w Melbourne w Australii 26 grudnia 1906 roku, a w Wielkiej Brytanii w styczniu 1908 roku.

Dojrzewanie i biznes filmowy

Plakat do wydania Biograph Studios z 1913 r.

Pierwszym odnoszącym sukcesy stałym teatrem, w którym pokazywano tylko filmy, był „Nickelodeon”, który został otwarty w Pittsburghu w 1905 roku. Do tego czasu było wystarczająco dużo kilkuminutowych filmów, aby wypełnić program trwający co najmniej pół godziny, a które można było zmienić tygodniowo, kiedy lokalna publiczność się tym znudziła. Inni wystawcy w Stanach Zjednoczonych szybko poszli w ich ślady iw ciągu dwóch lat w całych Stanach Zjednoczonych działało 8000 tych niklu . Doświadczenia amerykańskie doprowadziły do ​​światowego boomu w produkcji i wystawie filmów począwszy od 1906 roku. Do 1907 roku w Stanach Zjednoczonych, Wielkiej Brytanii i Francji otwarto specjalnie zbudowane kina dla filmów kinowych. Filmy pokazywane były często przy akompaniamencie muzyki dostarczonej przez pianistę, choć muzyków mogło być więcej. W największych miastach było też bardzo niewiele większych kin. Początkowo większość filmów w programach to filmy Pathé , ale to się dość szybko zmieniło, gdy amerykańskie firmy rozkręciły produkcję. Program składał się z zaledwie kilku filmów, a pokaz trwał około 30 minut. Rolka filmu o maksymalnej długości 300 m, która zwykle zawierała jeden pojedynczy film, stała się w tym okresie standardową jednostką produkcji i ekspozycji filmowej. Program był zmieniany dwa lub więcej razy w tygodniu, ale po kilku latach wprowadzono do pięciu zmian programu w tygodniu. Generalnie kina powstawały w uznanych dzielnicach rozrywkowych miast. W 1907 Pathé zaczął wynajmować swoje filmy kinom za pośrednictwem giełd filmowych, zamiast sprzedawać je wprost. Spór o patenty między wszystkimi głównymi amerykańskimi firmami filmowymi trwał nadal, a pod koniec 1908 roku zdecydowali się połączyć swoje patenty i utworzyć trust, aby wykorzystać je do kontrolowania amerykańskiego biznesu filmowego. Zainteresowane firmy to Pathé, Edison, Biograph, Vitagraph, Lubin, Selig, Essanay, Kalem oraz Kleine Optical Company, główny importer filmów europejskich. Firma George Eastman, jedyny producent taśmy filmowej w Stanach Zjednoczonych, również była częścią kombinatu, który nazwano Motion Picture Patents Company Motion Picture Patents Company (MPPC), a Eastman Kodak zgodził się dostarczać tylko członkom kliszy. Zbiory. Od wszystkich dystrybutorów i wystawców pobierano opłaty licencyjne za dystrybucję i wyświetlanie filmów. Firmom producenckim wchodzącym w skład trustu przydzielono kwoty produkcyjne (dwa rolki, czyli filmy, tydzień dla największych, jedna rolka tygodniowo dla mniejszych), które miały wystarczyć do zapełnienia programów licencjonowanych wystawców . Ale rynek był większy, bo chociaż 6000 wystawców podpisało umowę z MPPC, około 2000 innych nie. Mniejszość giełd (tj. dystrybutorów) pozostała poza MPPC iw 1909 roku te niezależne giełdy natychmiast zaczęły finansować nowe firmy produkujące filmy. Do 1911 roku było wystarczająco dużo filmów niezależnych i zagranicznych, aby zaprogramować wszystkie pokazy niezależnych wystawców, aw 1912 roku niezależni mieli prawie połowę rynku. MPPC została skutecznie pokonana w swoim planie kontrolowania całego rynku Stanów Zjednoczonych, a rządowa akcja antymonopolowa, która dopiero teraz rozpoczęła się przeciwko MPPC, nie była tak naprawdę konieczna, aby ją pokonać.

Na początku XX wieku, przed Hollywood , przemysł filmowy miał swoją siedzibę w Fort Lee w stanie New Jersey, po drugiej stronie rzeki Hudson od Nowego Jorku. Potrzebujący zimowej siedziby, filmowcy zostali przyciągnięci do Jacksonville na Florydzie ze względu na ciepły klimat, egzotyczne miejsca, doskonały dostęp do kolei i tańszą siłę roboczą, dzięki czemu miasto zyskało tytuł „Zimowej Filmowej Stolicy Świata”. Nowojorska firma Kalem Studios jako pierwsza otworzyła stałe studio w Jacksonville w 1908 roku. W ciągu następnej dekady ponad 30 wytwórni kina niemego założyło w mieście studia, w tym Metro Pictures (później MGM ), Edison Studios , Majestic Films , King-Bee Film Company , Vim Comedy Company , Norman Studios , Gaumont Studios i Lubin Manufacturing Company . Pierwszy film zrealizowany w technikolorze i pierwszy pełnometrażowy film kolorowy wyprodukowany w Stanach Zjednoczonych, The Gulf Between , również został nakręcony w 1917 roku w Jacksonville.

Jacksonville było szczególnie ważne dla afroamerykańskiego przemysłu filmowego . Jedną z godnych uwagi postaci w tym względzie jest europejski producent amerykański Richard Norman , który stworzył szereg filmów z czarnymi aktorami w stylu Oscara Micheaux i Lincoln Motion Picture Company . W przeciwieństwie do poniżających ról prezentowanych w niektórych białych filmach, takich jak Narodziny narodu , Norman i jemu współcześni starali się tworzyć pozytywne historie z Afroamerykanami w, jak to określił, „wspaniale przyjmującymi różne role”.

Jednak w większości konserwatywni mieszkańcy Jacksonville sprzeciwiali się charakterystycznym cechom wczesnego przemysłu filmowego, takim jak pościgi samochodowe na ulicach, symulowane napady na banki i alarmy przeciwpożarowe w miejscach publicznych, a nawet sporadyczne zamieszki. W 1917 roku konserwatywny demokrata John W. Martin został wybrany burmistrzem na platformie oswajania miejskiego przemysłu filmowego. W tym czasie południowa Kalifornia stawała się głównym centrum produkcji filmowej, w dużej mierze dzięki przeniesieniu się tam pionierów filmowych, takich jak William Selig i DW Griffith . Te czynniki szybko przypieczętowały upadek Jacksonville jako głównego miejsca docelowego filmu.

Innym czynnikiem, który przesunął się na zachód, był fakt, że aż do 1913 roku większość amerykańskich produkcji filmowych nadal była prowadzona w okolicach Nowego Jorku, ale z powodu monopolu patentów filmowych Thomasa A. Edisona, Inc. wielu filmowców przeniosło się do Południowej Kalifornii, począwszy od Seliga w 1909 roku. Słońce i sceneria były ważne dla produkcji westernów, które stały się głównym amerykańskim gatunkiem filmowym z pierwszymi gwiazdami kowbojów, GM Andersonem („Broncho Billy”) i Tomem Mieszaj . Selig był pionierem wykorzystywania (dość) dzikich zwierząt z zoo do serii egzotycznych przygód, w których aktorzy byli zagrożeni lub uratowani przez zwierzęta. Firma Kalem wysłała ekipy filmowe do miejsc w Ameryce i za granicą, by sfilmowały historie w miejscach, w których miały się wydarzyć. Kalem był także pionierem kobiecej bohaterki akcji z 1912 roku, z Ruth Roland grającą główne role w westernach.

We Francji Pathé utrzymała swoją dominującą pozycję, za nią wciąż podążał Gaumont, a następnie inne nowe firmy, które wydawały się zaspokajać boom filmowy. Firmą filmową o innym podejściu był Film d'Art. Film d'Art powstał na początku 1908 roku, aby realizować filmy o poważnym charakterze artystycznym. Ich deklarowanym programem było kręcenie filmów przy użyciu tylko najlepszych dramaturgów, artystów i aktorów. Pierwszym z nich był L'Assassinat du Duc de Guise ( Zabójstwo księcia de Guise ), temat historyczny rozgrywający się na dworze Henryka III . W tym filmie wykorzystali czołowych aktorów z Comédie-Française , a do filmu dołączono specjalną muzykę napisaną przez Camille Saint-Saënsa . Inne francuskie kierunki poszły w ich ślady i ta fala dała początek anglojęzycznemu opisowi filmów o artystycznych pretensjach skierowanych do wyrafinowanej publiczności jako „filmów artystycznych” . W 1910 roku francuskie firmy filmowe zaczęły robić filmy o długości dwóch, a nawet trzech rolek, choć większość wciąż miała długość jednej rolki. Tendencja ta była kontynuowana we Włoszech, Danii i Szwecji.

W Wielkiej Brytanii ustawa o kinematografii z 1909 r. była pierwszym aktem prawnym, który szczegółowo regulował przemysł filmowy . Wystawy filmowe często odbywały się w miejscach tymczasowych, a użycie do produkcji filmu wysoce łatwopalnego azotanu celulozy w połączeniu z oświetleniem reflektorów stwarzało znaczne zagrożenie pożarowe. Ustawa określiła ścisły kodeks budowlany, który wymagał m.in., aby projektor był zamknięty w ognioodpornej obudowie.

Regularne kroniki filmowe były wystawiane od 1910 r. i wkrótce stały się popularnym sposobem poznawania wiadomości – na potrzeby kronik filmowych nakręcono brytyjską ekspedycję antarktyczną na biegun południowy, podobnie jak odbywające się w tym samym czasie demonstracje sufrażystek . F. Percy Smith był wczesnym pionierem filmów przyrodniczych pracującym dla Charlesa Urbana i był pionierem wykorzystania poklatkowego i mikro kinematografii w swoim filmie dokumentalnym z 1910 roku na temat wzrostu kwiatów.

1910

Nowe kraje produkujące filmy

Włoski film epicki Cabiria

Wraz z ogólnoświatowym boomem filmowym coraz więcej krajów dołączyło do Wielkiej Brytanii, Francji, Niemiec i Stanów Zjednoczonych w poważnej produkcji filmowej. We Włoszech produkcja została rozłożona na kilka ośrodków, a Turyn był pierwszym i największym ośrodkiem działalności filmowej. Tam Ambrosio było pierwszą firmą w tej dziedzinie w 1905 roku i przez ten okres pozostał największą w kraju. Jego największym rywalem było Cines in Rome, które rozpoczęło produkcję w 1906 roku. Wielką siłą włoskiego przemysłu były epopeje historyczne, z dużymi obsadami i masywną scenerią. Już w 1911 roku Giovanni Pastrone „s dwa-bębnowy La caduta di Troia ( The Fall of Troy ) zrobił duże wrażenie na świecie, a to nastąpiło jeszcze większe okulary jak Quo Vadis? (1912), który trwał 90 minut, oraz Cabiria Pastrone'a z 1914 roku, która trwała dwie i pół godziny.

Włoskie firmy miały również silną linię w komedii slapstickowej, z aktorami takimi jak André Deed , znany lokalnie jako „Cretinetti”, a gdzie indziej jako „Foolshead” i „Gribouille”, osiągając światową sławę dzięki swoim niemal surrealistycznym gagom.

Najważniejszym krajem produkującym filmy w Europie Północnej do I wojny światowej była Dania. Firma Nordisk została założona tam w 1906 przez Ole Olsena , showmana z wesołego miasteczka, a po krótkim okresie naśladowania sukcesów francuskich i brytyjskich filmowców, w 1907 wyprodukował 67 filmów, w większości wyreżyserowanych przez Viggo Larsena, z sensacyjnymi tematami, takimi jak Den hvide Slavinde (Biały Niewolnik) , Isbjørnejagt (Polowanie na niedźwiedzia polarnego) i Løvejagten (Polowanie na lwa) . W 1910 roku do biznesu zaczęły dołączać nowe mniejsze duńskie firmy, które oprócz kręcenia większej liczby filmów o handlu białymi niewolnikami wniosły inne nowe tematy. Najważniejszym z tych znalezisk była Asta Nielsen w Afgrunden (Otchłań) , wyreżyserowana przez Urbana Gada dla Kosmorama. To połączyło cyrk, seks, zazdrość i morderstwo, wszystko przełożone z wielkim przekonaniem, i popchnęło innych duńskich filmowców dalej w tym kierunek. W 1912 duńskie firmy filmowe szybko się mnożyły.

Szwedzki przemysł filmowy był mniejszy i wolniejszy zacząć od przemysłu duńskiego. Tutaj Charles Magnusson , operator kronik filmowych dla sieci kin Svenskabiografteatern , rozpoczął dla nich w 1909 roku produkcję filmów fabularnych, sam wyreżyserował wiele filmów. Produkcja wzrosła w 1912 roku, kiedy firma zaangażowała Victora Sjöströma i Mauritza Stillera jako dyrektorów. Zaczęli od naśladowania tematów faworyzowanych przez duński przemysł filmowy, ale już w 1913 roku produkowali własne, uderzająco oryginalne dzieło, które sprzedawało się bardzo dobrze.

Rosja rozpoczęła swój przemysł filmowy w 1908 roku, kiedy Pathé kręcił tam kilka tematów fabularnych, a następnie tworzyli prawdziwe rosyjskie firmy filmowe przez Aleksandra Drankova i Aleksandra Chanzhonkowa . Firma Khanzhonkov szybko stała się największą rosyjską firmą filmową i pozostała nią do 1918 roku.

W Niemczech Oskar Messter był zaangażowany w kręcenie filmów od 1896 r., ale nie kręcił znaczącej liczby filmów rocznie do 1910 r. Kiedy rozpoczął się światowy boom filmowy, on i nieliczni inni ludzie z niemieckiego przemysłu filmowego kontynuowali sprzedawać odbitki z własnych filmów, co stawia ich w niekorzystnej sytuacji. Dopiero gdy w 1911 r. Paul Davidson , właściciel sieci kin, sprowadził z Danii do Niemiec Asta Nielsen i Urban Gad i założył dla nich firmę produkcyjną Projektions-AG „Union” ( PAGU ), rozpoczęło się przestawienie na wypożyczanie druków. Messter odpowiedział serią dłuższych filmów z Henny Porten w roli głównej, ale chociaż te dobrze radziły sobie w niemieckojęzycznym świecie, nie odniosły szczególnego sukcesu na arenie międzynarodowej, w przeciwieństwie do filmów Asty Nielsen. Kolejnym z rozwijających się niemieckich producentów filmowych tuż przed I wojną światową był niemiecki oddział francuskiej firmy Éclair , Deutsche Éclair. Zostało to wywłaszczone przez rząd niemiecki i przekształcone w DECLA, gdy zaczęła się wojna. Ale w sumie niemieccy producenci mieli tylko niewielką część niemieckiego rynku w 1914 roku.

Ogólnie rzecz biorąc, od około 1910 roku amerykańskie filmy miały największy udział w rynku we wszystkich krajach europejskich z wyjątkiem Francji, a nawet we Francji amerykańskie filmy właśnie zepchnęły lokalną produkcję z pierwszego miejsca w przededniu I wojny światowej. gdyby nie wybuchła wojna, amerykańskie filmy mogłyby stać się dominujące na całym świecie. Chociaż wojna znacznie pogorszyła sytuację europejskich producentów, techniczne walory amerykańskich filmów sprawiły, że stały się one coraz bardziej atrakcyjne dla widzów na całym świecie.

Technika filmowa

AE Smith kręci The Bargain Fiend w Vitagraph Studios w 1907 roku. Nad głową wiszą reflektory łukowe.

Nowe techniki filmowe, które zostały wprowadzone w tym okresie, to m.in. wykorzystanie sztucznego oświetlenia, efektów ognia i oświetlenia Low-key (tj. oświetlenia, w którym większość kadru jest ciemna), aby poprawić atmosferę podczas złowrogich scen.

Udoskonalono również ciągłość akcji od strzału do strzału, tak jak w emballé le Cheval Pathé (Uciekający koń) (1907), gdzie zastosowano krzyżowe cięcie między równoległymi akcjami . DW Griffith również zaczął używać cięcia poprzecznego w filmie The Fatal Hour , nakręconym w lipcu 1908 roku. Kolejnym osiągnięciem było użycie ujęcia z punktu widzenia , po raz pierwszy użytego w 1910 roku w filmie Vitagraph Back to Nature . Ujęcia wstawkowe były również wykorzystywane do celów artystycznych; włoski film La mala planta (Zła roślina) w reżyserii Mario Caseriniego zawierał ujęcie węża pełzającego nad „Złą rośliną”.

W miarę jak filmy stawały się coraz dłuższe, zatrudniono pisarzy specjalistów, aby uprościć bardziej złożone historie wywodzące się z powieści lub sztuk teatralnych do postaci, która mogłaby zmieścić się na jednej rolce. Gatunki zaczęły być używane jako kategorie; główny podział był na komedię i dramat, ale te kategorie były dalej podzielone.

Podtytuły zawierające linie dialogowe zaczęły być konsekwentnie używane od 1908 roku, na przykład w An Auto Heroine Vitagraph ; lub Wyścig o puchar Vitagraph i jak go wygrano . Dialog został ostatecznie umieszczony w środku sceny i stał się powszechny w 1912 roku. Wprowadzenie tytułów dialogowych zmieniło charakter narracji filmowej. Kiedy tytuły dialogowe były zawsze wycinane w scenie zaraz po tym, jak postać zaczyna mówić, a następnie zostawiane z wycięciem postaci tuż przed zakończeniem mówienia, wtedy było coś, co było właściwie odpowiednikiem dzisiejszego filmu dźwiękowego.

W czasie I wojny światowej i przemysłu

Styl wizualny Gabinetu dr Caligari obejmował celowo zniekształcone formy, złożone zabarwienia i smugi światła namalowane bezpośrednio na planie. Używa Mise-en-scène .

Lata I wojny światowej były dla przemysłu filmowego złożonym okresem przejściowym. Wystawa filmów zmieniła się z krótkich, jednobębnowych programów na filmy fabularne. Miejsca wystawowe stały się większe i zaczęły pobierać wyższe ceny.

W Stanach Zjednoczonych zmiany te przyniosły zniszczenie wielu firmom filmowym, z wyjątkiem firmy Vitagraph. Produkcja filmowa zaczęła przenosić się do Los Angeles podczas I wojny światowej. Universal Film Manufacturing Company powstała w 1912 roku jako firma parasolowa. Nowi uczestnicy to Jesse Lasky Feature Play Company i Famous Players, oba utworzone w 1913 roku, a później połączone w Famous Players-Lasky . Największym sukcesem tych latach był David Wark Griffith „s Narodziny narodu (1915). Griffith kontynuował to z jeszcze większą nietolerancją (1916), ale ze względu na wysoką jakość filmów produkowanych w USA, rynek na ich filmy był wysoki.

We Francji produkcja filmowa została wstrzymana z powodu ogólnej mobilizacji wojskowej kraju na początku wojny. Chociaż produkcja filmowa rozpoczęła się ponownie w 1915 roku, była na mniejszą skalę, a największe firmy stopniowo wycofywały się z produkcji. Włoska produkcja filmowa radziła sobie lepiej, choć tak zwane „filmy divy”, z udziałem udręczonych głównych bohaterek, okazały się komercyjną porażką. W Danii firma Nordisk tak bardzo zwiększyła produkcję w latach 1915 i 1916, że nie była w stanie sprzedać wszystkich swoich filmów, co doprowadziło do bardzo gwałtownego spadku duńskiej produkcji i utraty znaczenia Danii na światowej scenie filmowej.

Niemiecki przemysł filmowy został poważnie osłabiony przez wojnę. Najważniejszym z nowych producentów filmowych w tym czasie był Joe May , który w latach wojny nakręcił serię thrillerów i filmów przygodowych , ale Ernst Lubitsch zyskał również rozgłos dzięki serii bardzo udanych komedii i dramatów.

Nowe techniki

Złożona winieta nakręcona w Die Austernprinzessin (Księżniczka ostryg)

W tym czasie studia były zaciemnione, aby na zdjęcia nie miały wpływu zmieniające się światło słoneczne. Zostało to zastąpione reflektorami i reflektorami. W tym okresie przyjęło się powszechne przyjęcie irisingu na początku i na końcu scen. To rewelacja filmu nakręconego w okrągłej masce, która stopniowo powiększa się, aż wybiega poza kadr. Zastosowano inne ukształtowane szczeliny, w tym otwory pionowe i ukośne.

Nowym pomysłem przejętym z fotografii było „ soft focus ”. Zaczęło się to w 1915 roku, a niektóre ujęcia zostały celowo wyrzucone z ostrości, aby uzyskać wyrazisty efekt, jak w filmie Mary Pickford, Fanchon the Cricket .

To właśnie w tym okresie zaczęły powstawać efekty kamery mające na celu oddanie subiektywnych odczuć bohaterów filmu. Można je teraz zrobić jako ujęcia z punktu widzenia ( POV ), jak w The Story of the Glove Sidneya Drew (1915), gdzie chwiejne ujęcie z ręki drzwi i dziurki od klucza reprezentuje POV pijanego mężczyzny. Użycie anamorficznych (w ogólnym sensie zniekształconego kształtu) obrazów po raz pierwszy pojawiło się w tych latach w reżyserii Abla Gance'a La Folie du Docteur Tube (Szaleństwo Dr. Tube) . W tym filmie efekt działania leku podanego grupie ludzi został zasugerowany przez kręcenie scen odbitych w krzywym zwierciadle typu jarmark.

Symboliczne efekty przejęte z konwencjonalnej tradycji literackiej i artystycznej nadal pojawiały się w filmach w tych latach. W „ The Avenging Conscience” DW Griffitha (1914) tytuł „Narodziny złej myśli” poprzedza serię trzech ujęć bohatera patrzącego na pająka i mrówki jedzące owada. Sztuka i literatura symbolistyczna z przełomu wieków miała też bardziej ogólny wpływ na niewielką liczbę filmów zrealizowanych we Włoszech i Rosji. Główną cechą tej sztuki było przyjmowanie na wznak śmierci wynikającej z namiętności i zakazanych tęsknot, a także długo trwające stany delirium.

Wstawka strzał w Old Wives dla nowych ( Cecil B. DeMille , 1918)

Wykorzystanie zdjęć wkładki , tj zbliżeń obiektów innych niż twarze, już ustanowionych przez szkoły w Brighton, ale były rzadko używane przed 1914. Jest to naprawdę tylko z Griffith mściwą sumienia , że nowa faza w korzystaniu z Rozpocznie się wstawianie strzału. Poza wspomnianymi już symbolicznymi wstawkami, w filmie wykorzystano także dużą liczbę ujęć z Wielkiego Zbliżenia, w których widać ściskanie dłoni i stukanie stopami, jako sposób na podkreślenie tych części ciała jako wskaźników napięcia psychicznego.

Wkładki atmosferyczne zostały opracowane w Europie pod koniec 1910 roku. Ten rodzaj ujęć jest sceną, w której nie ma żadnej postaci z opowieści, ani żaden punkt widzenia nie jest widziany przez jednego z nich. Wczesnym przykładem jest wyreżyserowany przez Maurice'a Tourneura Duma klanu (1917), w którym seria ujęć fal uderzających o skalisty brzeg pokazuje surowe życie rybaków. Maurice Elvey „S Nelsona; The Story of England's Immortal Naval Hero (1919) ma symboliczną sekwencję, która przechodzi od obrazu cesarza Wilhelma II do pawia, a następnie do pancernika.

W 1914 roku kino kontynuacji było ugruntowaną formą kina komercyjnego. Jedna z zaawansowanych technik ciągłości obejmowała dokładne i płynne przejście od jednego strzału do drugiego. Cięcie pod różnymi kątami w scenie stało się również dobrze ugruntowaną techniką podziału sceny na ujęcia w amerykańskich filmach. Jeśli kierunek strzału zmieni się o więcej niż dziewięćdziesiąt stopni, nazywa się to cięciem pod kątem odwrotnym. Czołową postacią w pełnym rozwoju cięcia odwróconego kąta był Ralph Ince w swoich filmach, takich jak The Right Girl and His Phantom Sweetheart

Zastosowanie flash tylnych struktur rozwijały się w tym okresie, w zwykły sposób wprowadzania i wychodzenia flash-tylna są POPRZEZ rozpuszczenia. The Man That Might Have Been firmy Vitagraph ( William J. Humphrey , 1914) jest jeszcze bardziej złożony, z serią zadumy i retrospekcji, które kontrastują prawdziwe przejście bohatera przez życie z tym, co mogłoby się wydarzyć, gdyby jego syn nie umarł.

Po 1914 r. zaczęto stosować przekrojowe cięcie między równoległymi akcjami – bardziej w filmach amerykańskich niż europejskich. Przekrojowym był często używany, aby uzyskać nowe efekty kontrastu, takich jak cross-cut sekwencji w Cecil B. DeMille „s The Whispering Chorus (1918), w którym rzekomo martwy mąż mający łączność z prostytutką w chińskim den opium, a jednocześnie jego nieświadoma żona wychodzi za mąż ponownie w kościele.

W tych okresach popularność zyskało również nieme barwienie filmów. Bursztynowe zabarwienie oznaczało dzień lub jaskrawo oświetloną noc, niebieskie odcienie oznaczały świt lub słabo oświetloną noc, czerwone zabarwienie przedstawiało sceny pożaru, zielone zabarwienie oznaczało tajemniczą atmosferę, a brązowe odcienie (inaczej sepia ) były zwykle używane do filmów pełnometrażowych zamiast pojedynczych scen. Przełomowa epopeja DW Griffithsa Narodziny narodu , słynny film Dr Jekyll i pan Hyde z 1920 roku oraz epos Roberta Wiene'a z tego samego roku, Gabinet doktora Caligari , to kilka godnych uwagi przykładów przyciemnionych filmów niemych.

Sztuka filmowa

Ogólny trend w rozwoju kina, wywodzący się ze Stanów Zjednoczonych, zmierzał w kierunku wykorzystywania nowo opracowanych, specjalnie filmowych środków do wyrażania narracyjnej treści opowieści filmowych, i łączenia ich ze standardowymi strukturami dramatycznymi stosowanymi już w teatrze komercyjnym. DW Griffith miał najwyższą pozycję wśród amerykańskich reżyserów w branży, ze względu na dramatyczne podekscytowanie, jakie przekazywał publiczności swoimi filmami. Cecil B. DeMille „s Cheat (1915), przyniósł dylematy moralne stojące swoje postacie w bardziej subtelny sposób niż Griffith. DeMille był także w bliższym kontakcie z realiami współczesnego życia w Ameryce. Maurice Tourneur był również wysoko oceniany za piękno malarstwa swoich filmów, wraz z subtelnością operowania fantazją, a jednocześnie potrafił wydobyć ze swoich aktorów większy naturalizm w odpowiednich momentach, jak w Dziewczęcym szaleństwie (1917). ).

Sidney Drew był liderem w tworzeniu „grzecznej komedii”, podczas gdy slapstick został dopracowany przez Fatty Arbuckle i Charlesa Chaplina , którzy zaczynali w firmie Keystone Macka Sennetta . Zmniejszyli typowe gorączkowe tempo filmów Sennetta, aby dać widzom szansę docenienia subtelności i finezji ich ruchu oraz sprytności ich gagów. Do 1917 Chaplin wprowadzał też do swoich filmów bardziej dramatyczną fabułę, mieszając komedię z sentymentem.

W Rosji Jewgienij Bauer w wyjątkowy sposób nadał filmowi powolną intensywność gry połączoną z wydźwiękiem symbolistycznym.

W Szwecji Victor Sjöström nakręcił serię filmów, które w uderzający sposób połączyły realia życia ludzi z ich otoczeniem, a Mauritz Stiller rozwinął wyrafinowaną komedię na nowy poziom.

W Niemczech Ernst Lubitsch czerpał inspirację z pracy scenicznej Maxa Reinhardta , zarówno w komedii burżuazyjnej, jak i w spektaklu, i zastosował to w swoich filmach, których kulminacją były jego Die Puppe ( Lalka ), Die Austernprinzessin ( Księżniczka ostryg ) i Madame DuBarry .

1920

Hollywoodzki triumfator

Na początku I wojny światowej , francuski i włoski kino był najbardziej popularnym na całym świecie. Wojna nadeszła jako niszczycielska przerwa w europejskim przemyśle filmowym.

Niemieckie kino, naznaczone tamtych czasach, ten era niemieckiego ekspresjonizmu ruchu filmowego. Jego centrum był Berlin z Filmstudio Babelsberg , które jest najstarszym na świecie dużym studiem filmowym. Pierwsze ekspresjonistyczne filmy zrekompensowały brak szczodrych budżetów, wykorzystując scenografię z szalenie nierealistycznymi, geometrycznie absurdalnymi kątami, a także projekty namalowane na ścianach i podłogach, które przedstawiają światła, cienie i przedmioty. Fabuły i historie filmów ekspresjonistycznych często dotyczyły szaleństwa, szaleństwa , zdrady i innych „ intelektualnych ” tematów wywołanych doświadczeniami I wojny światowej. Filmy takie jak Gabinet doktora Caligari (1920), Nosferatu (1922), Metropolis ( 1927) i M (1931), podobnie jak ruch, którego byli częścią, wywarły historyczny wpływ na sam film. Wielu niemieckich i niemieckich reżyserów, aktorów, pisarzy i innych wyemigrowało do USA, gdy naziści doszli do władzy.

Amerykański przemysł, czyli „Hollywood”, jak zaczęto go nazywać po swoim nowym geograficznym centrum w Kalifornii , zyskał pozycję, którą utrzymuje mniej więcej od tego czasu: fabryka filmów dla świata i eksport swoich produktów do większości krajów na świecie .

W latach dwudziestych Stany Zjednoczone osiągnęły wciąż erę największej w historii produkcji, produkując średnio 800 filmów fabularnych rocznie, czyli 82% całości światowej (Eyman, 1997). Komedie Charliego Chaplina i Bustera Keatona , zawadiackie przygody Douglasa Fairbanksa i romanse Clary Bow , by przytoczyć tylko kilka przykładów, sprawiły, że twarze tych wykonawców stały się znane na wszystkich kontynentach. Opracowano i wyeksportowano zachodnią normę wizualną, która stała się klasyczną edycją ciągłości – chociaż jej przyjmowanie przebiegało wolniej w niektórych krajach niezachodnich bez silnych tradycji realistycznych w sztuce i dramacie, takich jak Japonia .

Rozwój ten był współczesny z rozwojem systemu studyjnego i jego największej metody reklamowej, systemu gwiezdnego , który charakteryzował amerykański film przez dziesięciolecia i dostarczał modeli dla innych branż filmowych. Wydajna, odgórna kontrola studiów nad wszystkimi etapami ich produktu umożliwiła nowy i stale rosnący poziom bogatej produkcji i wyrafinowania technicznego. Jednocześnie komercyjny reżim systemu i skupienie się na efektownym eskapizmie do pewnego stopnia zniechęciło do odwagi i ambicji, czego najlepszym przykładem jest krótka, ale wciąż legendarna kariera reżyserska obrazoburcy Ericha von Stroheima w późnych latach nastoletnich i latach dwudziestych.

Lata 30. XX wieku

Era dźwięku

Don Juan jest pierwszym filmem pełnometrażowym, w którym zastosowano system dźwiękowy Vitaphone z synchronizowaną partyturą i efektami dźwiękowymi, choć nie zawiera dialogów mówionych.

Pod koniec 1927 roku Warners wypuścił The Jazz Singer , który był w większości cichy, ale zawierał to, co powszechnie uważa się za pierwszy zsynchronizowany dialog (i śpiew) w filmie fabularnym; ale proces ten został faktycznie zrealizowany po raz pierwszy przez Charlesa Taze Russella w 1914 roku w długim filmie The Photo-Drama of Creation . Dramat ten składał się ze slajdów i ruchomych obrazów zsynchronizowanych z fonograficznym zapisem rozmów i muzyki. Wczesne procesy dźwięku na płycie , takie jak Vitaphone, zostały wkrótce zastąpione przez metody dźwięku na filmie , takie jak Fox Movietone , DeForest Phonofilm i RCA Photophone . Trend przekonał w dużej mierze niechętnych przemysłowcom, że „mówiące obrazy” lub „talkie” to przyszłość. Wiele prób podjęto przed sukcesem The Jazz Singer , co widać w Liście filmowych systemów dźwiękowych .

Zmiana była niezwykle szybka. Pod koniec 1929 roku Hollywood było prawie całkowicie gadające, z kilkoma konkurencyjnymi systemami dźwiękowymi (wkrótce zostaną ujednolicone). Całkowita wymiana walut była nieco wolniejsza w pozostałych częściach świata, głównie ze względów ekonomicznych. Z powodów kulturowych były również czynnikiem w krajach takich jak Chiny i Japonia , gdzie milczący współistniały z powodzeniem z dźwiękiem oraz w 1930 roku, rzeczywiście produkuje co byłoby niektóre z najbardziej cenionych klasyków w tych krajach, jak Wu Yonggang „s The Goddess (Chiny , 1934) i Yasujiro Ozu „s Urodziłem się, ale ... (Japonia, 1932). Ale nawet w Japonii postać taka jak benshi , żywy narrator, który był główną częścią japońskiego kina niemego, odkrył, że jego kariera aktorska dobiega końca.

Dźwięk jeszcze bardziej zacieśnił uścisk największych studiów w wielu krajach: ogromny koszt transformacji przytłoczył mniejszych konkurentów, podczas gdy nowatorstwo dźwięku przyciągnęło znacznie większą publiczność dla tych producentów, którzy pozostali. W przypadku Stanów Zjednoczonych niektórzy historycy przypisują dźwiękowi uratowanie hollywoodzkiego systemu studyjnego w obliczu Wielkiego Kryzysu (Parkinson, 1995). Tak zaczęło się to, co obecnie często nazywa się „Złotym Wiekiem Hollywood”, co z grubsza odnosi się do okresu od wprowadzenia dźwięku do późnych lat czterdziestych. W tym okresie kino amerykańskie osiągnęło szczyt wydajnie produkowanego przepychu i globalnego atrakcyjności. Czołowi aktorzy epoki są teraz uważani za klasyczne gwiazdy filmowe, takie jak Clark Gable , Katharine Hepburn , Humphrey Bogart , Greta Garbo , i największą kasową kasę lat 30., dziecięcą performerkę Shirley Temple .

Kreatywne oddziaływanie dźwięku

Jednak twórczo szybkie przejście było trudne i pod pewnymi względami film powrócił na krótko do warunków swoich najwcześniejszych dni. Późne lata dwudzieste były pełne statycznych, scenicznych talkie, gdy artyści przed i za kamerą zmagali się z surowymi ograniczeniami wczesnego sprzętu nagłaśniającego i własną niepewnością, jak wykorzystać nowe medium. Wielu wykonawców scenicznych, reżyserów i scenarzystów zostało wprowadzonych do kina, ponieważ producenci szukali personelu doświadczonego w opowiadaniu historii opartych na dialogach. Wielu głównych twórców kina niemego i aktorów nie było w stanie się przystosować i ich kariery zostały poważnie ograniczone, a nawet zakończone.

Ten niezręczny okres był dość krótkotrwały. Rok 1929 był rokiem przełomowym: William Wellman z Chinatown Nights i Człowiek, którego kocham , Rouben Mamoulian z Aplauzem , Alfred Hitchcock z Szantażem (pierwszy film dźwiękowy w Wielkiej Brytanii) znaleźli się wśród reżyserów, którzy nadawali talkom większą płynność i eksperymentowali z ekspresyjnym użyciem dźwięk (Eyman, 1997). W tym celu oboje skorzystali i posunęli dalej postęp techniczny w mikrofonach i kamerach oraz możliwości edycji i postsynchronizacji dźwięku (zamiast nagrywania całego dźwięku bezpośrednio w czasie filmowania).

Walt Disney przedstawia każdego z siedmiu krasnoludków w scenie z oryginalnego zwiastuna kinowego Królewny Śnieżki z 1937 roku .

Filmy dźwiękowe podkreślały czarną historię i przynosiły większe korzyści różnym gatunkom niż niemy. Najwyraźniej narodził się film muzyczny ; Pierwszym hollywoodzkim musicalem w klasycznym stylu był The Broadway Melody (1929), a jego pierwszym głównym twórcą był choreograf /reżyser Busby Berkeley ( 42nd Street , 1933, Dames , 1934). We Francji, awangardowy reżyser René Clair wykonane surrealistyczny wykorzystanie pieśni i tańca w komediach jak Pod dachami Paryża (1930) i Le Million (1931). Universal Pictures zaczęło wydawać gotyckie horrory , takie jak Dracula i Frankenstein (oba 1931). W 1933 r. RKO Pictures wypuściło klasyczny film Meriana C. Coopera o „gigantycznym potworze” King Kong . Trend ten kwitł najlepiej w Indiach , gdzie wpływ tradycyjnego dramatu pieśni i tańca sprawił, że musical stał się podstawową formą większości filmów dźwiękowych (Cook, 1990); Praktycznie niezauważane przez zachodni świat przez dziesięciolecia, to indyjskie kino popularne stało się jednak najbardziej płodnym na świecie. ( Zobacz także Bollywood . )

W tym czasie popularne stały się amerykańskie filmy gangsterskie, takie jak Mały Cezar i Wróg publiczny Wellmana (oba z 1931 r.). Dialog miał teraz pierwszeństwo przed „slapstick” w hollywoodzkich komediach: szybkim, dowcipnym przekomarzaniu się The Front Page (1931) lub It Happened One Night (1934), seksualnych podwójnych entrendres Mae West ( She Done Him Wrong , 1933) lub często przewrotnie anarchiczne nonsensowne gadanie braci Marx ( Zupa z kaczki , 1933). Walt Disney , który wcześniej pracował w branży filmów krótkometrażowych, wkroczył do filmów fabularnych z pierwszym anglojęzycznym filmem animowanym Królewna Śnieżka i siedmiu krasnoludków ; wydany przez RKO Pictures w 1937 roku. Rok 1939, ważny dla amerykańskiego kina, przyniósł takie filmy jak Czarnoksiężnik z krainy Oz i Przeminęło z wiatrem .

Kolor w kinie

Wcześniej uważano, że kolorowe filmy zostały po raz pierwszy wyświetlone w 1909 roku w Palace Theatre w Londynie (główny problem z kolorem polegał na tym, że technika stworzona przez George'a Smitha ( Kinemacolor ) wykorzystywała tylko dwa kolory: zielony i czerwony, które były zmieszane z dodatkiem). Ale tak naprawdę to w 1901 roku powstał pierwszy kolorowy film w historii. Ten film bez tytułu został wyreżyserowany przez fotografa Edwarda Raymonda Turnera i jego patrona Fredericka Marshalla Lee . Sposób, w jaki to zrobili, polegał na użyciu czarno-białych rolek filmu, ale mają filtry zielony, czerwony i niebieski, które przesuwają się po kamerze podczas robienia zdjęcia. Aby ukończyć film, połączyli oryginalny materiał filmowy i filtry na specjalnym projektorze. Jednak zarówno kręcenie filmu, jak i jego projekcja ucierpiały z powodu poważnych niepowiązanych problemów, które ostatecznie zatopiły pomysł.

Następnie w 1916 roku pojawiła się technika technikoloru (procedura trójchromatyczna (zielony, czerwony, niebieski), której zastosowanie wymagało potrójnego odcisku fotograficznego, wbudowania filtrów chromatycznych i aparatów o ogromnych rozmiarach). Pierwszym utworem audiowizualnym, który został całkowicie zrealizowany w tej technice, był krótkometrażowy film Walta DisneyaKwiaty i drzewa ” w reżyserii Burta Gilletta w 1932 roku. Mimo to pierwszym filmem, który zostanie wykonany w tej technice, będzie „The Vanities Fair” ( 1935) przez Roubena Mamouliana. Później technikolor został rozszerzony głównie na polu muzycznym jako „ Czarnoksiężnik z krainy Oz ” czy „ Deszczowy śpiew ”, w filmach takich jak „ Przygody Robin Hooda ” czy film animowany „ Królewna Śnieżka i Siedmiu”. Krasnoludy ”.

1940

II wojna światowa i jej następstwa

Pragnienie wojennej propagandy przeciwko opozycji wywołało renesans w przemyśle filmowym w Wielkiej Brytanii, z realistycznymi dramatami wojennymi, takimi jak 49 równoleżnik (1941), Went the Day Well? (1942), The Way Ahead (1944) oraz słynny film morski Noëla Cowarda i Davida Leana , W którym służymy w 1942, który zdobył specjalną Nagrodę Akademii . Są istniały obok bardziej ekstrawaganckie filmy jak Michael Powell i Emeric Pressburger 's życia i śmierci pułkownika Blimp (1943), A Canterbury Tale (1944) i sprawa życia i śmierci (1946), a także Laurence Olivier ' s 1944 Film Henryk V , na podstawie szekspirowskiej historii Henry V . Sukces Królewny Śnieżki i siedmiu krasnoludków pozwolił Disneyowi stworzyć więcej filmów animowanych, takich jak Pinokio (1940), Fantasia (1940), Dumbo (1941) i Bambi (1942).

Początek zaangażowania USA w II wojnę światową przyniósł także proliferację filmów zarówno jako patriotyzmu, jak i propagandy . Amerykańskie filmy propagandowe to Desperate Journey (1942), Mrs. Miniver (1942), Forever and a Day (1943) oraz Objective, Birma! (1945). Znane amerykańskie filmy z lat wojny to antynazistowski zegarek na Renie (1943), napisany przez Dashiella Hammetta ; Shadow of a Doubt (1943), reżyseria Hitchcocka według scenariusza Thorntona Wildera ; George M. Cohan biograficzny , Yankee Doodle Dandy (1942), w którym wystąpili James Cagney i ogromnie popularny Casablanca z Humphrey Bogart . Bogart by zagrać w 36 filmach między 1934 i 1942, w tym John Huston „s The Maltese Falcon (1941), jednego z pierwszych filmów teraz uważany za klasyczny film noir . W 1941 r. RKO Pictures wydało Citizen Kane autorstwa Orsona Wellesa . Jest często uważany za najlepszy film wszechczasów. Ustawiłby scenę dla nowoczesnego filmu, ponieważ zrewolucjonizował opowiadanie filmowe.

Warunki wojny przyniosły także zainteresowanie tematami bardziej fantastycznymi. Wśród nich znalazły się brytyjskie melodramaty Gainsborough (m.in. Człowiek w szarości i Zła dama ), a także filmy takie jak Here Comes Mr. Jordan , Heaven Can Wait , Poślubiłem czarownicę i Beztroski duch . Val Lewton wyprodukował także serię nastrojowych i wpływowych, niskobudżetowych horrorów , wśród których najbardziej znane to Cat People , Isle of the Dead i The Body Snatcher . Dekada prawdopodobnie przyniosła również tak zwane „zdjęcia kobiet”, takie jak Now, Voyager , Random Harvest i Mildred Pierce u szczytu swojej popularności.

W 1946 r. radio RKO wydało It's a Wonderful Life w reżyserii urodzonego we Włoszech filmowca Franka Capry . Żołnierze powracający z wojny stanowili inspirację do filmów takich jak „Najlepsze lata naszego życia” , a wielu z tych z branży filmowej służyło w jakimś stopniu podczas wojny. Doświadczenia Samuela Fullera z II wojny światowej miały wpływ na jego w dużej mierze autobiograficzne filmy z późniejszych dekad, takie jak Wielka Czerwona . Studio Aktorów zostało założone w październiku 1947 roku przez Elię Kazana , Roberta Lewisa i Cheryl Crawford , aw tym samym roku Oskar Fischinger nakręcił film Motion Painting nr 1 .

W 1943 roku Ossessione został pokazany we Włoszech, wyznaczając początek włoskiego neorealizmu . Do najważniejszych filmów tego typu w latach 40. należały Złodzieje rowerów , Rzym, Otwarte miasto i La Terra Trema . W 1952 roku na ekrany kin wszedł Umberto D , zwykle uważany za ostatni film tego typu.

Pod koniec lat 40. w Wielkiej Brytanii Ealing Studios rozpoczęło serię słynnych komedii, w tym Whisky Galore! , Paszport do Pimlico , Kind Hearts and Coronets i The Man in the White Suit , a Carol Reed wyreżyserował swoje wpływowe thrillery Odd Man Out , The Fallen Idol i The Third Man . David Lean szybko stawał się również siłą światowego kina dzięki Brief Encounter i jego adaptacji Dickensa Great Expectations i Oliver Twist , a Michael Powell i Emeric Pressburger mogli najlepiej doświadczyć swojej twórczej współpracy z filmami takimi jak Czarny Narcyz i Czerwone buty .

1950

Scena produkcyjna z hollywoodzkiego filmu Juliusz Cezar z 1950 r. z Charltonem Hestonem w roli głównej

Un-American Activities Committee Dom badane Hollywood na początku 1950 roku. Oprotestowane przez Hollywood Dziesiątkę przed komisją przesłuchania doprowadziły do umieszczenia na czarnej liście wielu aktorów, pisarzy i reżyserów, w tym Chayefsky'ego, Charliego Chaplina i Daltona Trumbo , a wielu z nich uciekło do Europy, zwłaszcza do Wielkiej Brytanii.

Zimnej wojny zeitgeist języku typu bliskiego nadajnika paranoi objawia się tematami takimi jak armie złych kosmitów atakujących ( Inwazja porywaczy ciał , The War of the Worlds ) i komunistycznych publicystów piątego ( Kandydat ).

W pierwszych latach powojennych przemysł filmowy był również zagrożony przez telewizję, a rosnąca popularność tego medium oznaczała bankructwo i zamknięcie niektórych kin. Upadek „systemu studyjnego” stał się bodźcem do autokomentarza takich filmów jak Sunset Boulevard (1950) i The Bad and the Beautiful (1952).

W 1950 roku Lettrists Avante-gardists spowodowane rozruchów na tym Cannes , gdy Izydor Isou jest Traktat o śluzu i wiecznoÅ prezentowany. Po krytyce Charliego Chaplina i rozstaniu z ruchem, ultra-lettryści nadal powodowali zakłócenia, pokazując swoje nowe techniki hipergraficzne . Najbardziej znany film jest Guy Debord „s Wycie dla Sade z 1952 r.

Zaniepokojony rosnącą liczbą zamkniętych teatrów, studiów i firm znalazłyby nowe i innowacyjne sposoby na przywrócenie publiczności. Obejmowały one próby poszerzenia ich atrakcyjności o nowe formaty ekranów. Cinemascope , który do 1967 roku pozostał wyróżnieniem 20th Century Fox , został ogłoszony w 1953 roku The Robe . VistaVision , Cinerama i Todd-AO szczyciły się podejściem „większe znaczy lepsze” do reklamowania filmów wśród zmniejszającej się amerykańskiej widowni. Zaowocowało to odrodzeniem epickich filmów, które wykorzystały nowe formaty wielkoekranowe. Niektóre z najbardziej udanych przykładów tych biblijnych i historycznych widowisk to Dziesięć Przykazań (1956), Wikingowie (1958), Ben-Hur (1959), Spartakus (1960) i El Cid (1961). Również w tym okresie w Todd-AO wyprodukowano wiele innych znaczących filmów , opracowanych przez Mike'a Todda na krótko przed jego śmiercią, w tym Oklahoma! (1955), W 80 dni dookoła świata (1956), Południowy Pacyfik (1958) i Kleopatra (1963) oraz wiele innych.

Sztuczki mnożyły się również, aby zwabić publiczność. Moda na film 3D trwała tylko dwa lata, 1952-1954 i pomogła sprzedać House of Wax and Creature from the Black Lagoon . Producent William Castle reklamował filmy z „Emergo” „Percepto”, pierwszym z serii sztuczek, które pozostały popularnymi narzędziami marketingowymi dla Castle'a i innych w latach sześćdziesiątych.

W Stanach Zjednoczonych tendencja po WW2 kierunku kwestionowania ustanowienie i normy społeczne i wczesne aktywizmu w ruchu praw obywatelskich znalazło odzwierciedlenie w filmach hollywoodzkich, takich jak Blackboard Jungle (1955) Na nabrzeżach (1954), Paddy Chayefsky „s Marty i Reginald Rose „s 12 gniewnych ludzi (1957). Disney kontynuował w szczególności tworzenie filmów animowanych; Kopciuszek (1950), Piotruś Pan (1953), Pani i włóczęga (1955) i Śpiąca królewna (1959). Zaczął jednak bardziej angażować się w filmy akcji na żywo, produkując takie klasyki, jak 20 000 lig podmorskich (1954) i Old Yeller (1957). Telewizja zaczęła poważnie konkurować z filmami wyświetlanymi w kinach, ale co zaskakujące, promowała więcej kin, zamiast je ograniczać.

Limelight to chyba film wyjątkowy przynajmniej pod jednym ciekawym względem. Jej dwa liderzy, Charlie Chaplin i Claire Bloom , byli w branży w co najmniej trzech różnych stuleciach. W XIX wieku Chaplin zadebiutował w teatrze w wieku ośmiu lat, w 1897 roku, w trupie tanecznej „The Eight Lancaster Lads”. W XXI wieku Bloom wciąż cieszy się pełną i produktywną karierą, występując w dziesiątkach filmów i seriali telewizyjnych wyprodukowanych do 2013 roku włącznie. Szczególne uznanie zyskała za rolę w The King's Speech (2010).

Złoty wiek kina azjatyckiego

Satyajit Ray , indyjski bengalski reżyser filmowy

Po zakończeniu II wojny światowej w latach 40., następna dekada, lata 50., oznaczały „złoty wiek” dla światowego kina nieanglojęzycznego , zwłaszcza dla kina azjatyckiego . Wiele z najbardziej krytyków azjatyckich filmów wszech czasów zostały wyprodukowane w tej dekadzie, w tym Yasujiro Ozu 's Tokyo Story (1953), Satyajit Ray ' s APU Trylogia (1955-1959) i Jalsaghar (1958), Kenji Mizoguchi „s Opowieść przy deszczu i księżycu (1954) i Sansho komornik (1954), Raj Kapoor 's Awaara (1951), Mikio Naruse ' s Chmury pływające (1955) Guru Dutt „s Pyaasa (1957) i Kaagaz Ke Phool (1959), a Akira Kurosawa filmy Rashomon (1950), Ikiru (1952), Siedmiu samurajów (1954) i Tron krwi (1957).

Podczas japońskiego kina 's 'Golden Age' z 1950 roku, udane filmy zawarte Rashomon (1950), Siedmiu samurajów (1954) i The Hidden Fortress (1958) przez Akira Kurosawa , jak również Yasujiro Ozu ' s Tokyo Story (1953) oraz Ishirō Honda „s Godzilla (1954). Filmy te wywarły głęboki wpływ na światowe kino. W szczególności Siedmiu samurajów Kurosawy zostało kilkakrotnie przerobionych na filmy zachodnie , takie jak Siedmiu wspaniałych (1960) i Bitwa poza gwiazdami (1980), a także zainspirowało kilka filmów Bollywood , takich jak Sholay (1975) i China Gate ( 1998). Rashomon został również przerobiony na The Outrage (1964) i zainspirował filmy z „ efektem Rashomona ” do opowiadania historii, takie jak Andha Naal (1954), The Usual Suspects (1995) i Hero (2002). Ukryta forteca była również inspiracją dla Gwiezdnych Wojen George'a Lucasa (1977). Inni znani japońscy filmowcy z tego okresu to Kenji Mizoguchi , Mikio Naruse , Hiroshi Inagaki i Nagisa Oshima . Kino japońskie stało się później jedną z głównych inspiracji ruchu New Hollywood lat 60. i 80. XX wieku.

W okresie „złotego wieku” kina indyjskiego w latach 50. produkowano 200 filmów rocznie, podczas gdy indyjskie filmy niezależne zyskały większe uznanie dzięki międzynarodowym festiwalom filmowym . Jednym z najbardziej znanych była Trylogia Apu (1955–1959) cenionego przez krytyków bengalskiego reżysera Satyajita Raya , którego filmy wywarły głęboki wpływ na światowe kino, z reżyserami takimi jak Akira Kurosawa, Martin Scorsese , James Ivory , Abbas Kiarostami , Elia Kazan , François Truffaut , Steven Spielberg , Carlos Saura , Jean-Luc Godard , Isao Takahata , Gregory Nava , Ira Sachs , Wes Anderson i Danny Boyle są pod wpływem jego stylu filmowego. Według Michaela Sragowa z The Atlantic Monthly „młodzieżowe dramaty o dojrzewaniu , które od połowy lat pięćdziesiątych zalewają domy artystyczne, zawdzięczają ogromny dług trylogii Apu”. Technika filmowa Subraty Mitry , polegająca na oświetleniu odbitym, również wywodzi się z Trylogii Apu . Inni znani indyjscy filmowcy z tego okresu to Guru Dutt , Ritwik Ghatak , Mrinal Sen , Raj Kapoor , Bimal Roy , K. Asif i Mehboob Khan .

Kino Korei Południowej doświadczył również „Złoty Wiek” w 1950 roku, począwszy od niezwykle udanego remake'u reżysera Lee Kyu-Hwan dnia Chunhyang-Jon (1955). W tym samym roku znany reżyser Kim Ki-young wypuścił prowincję Yangsan, co zapoczątkowało jego produktywną karierę. Pod koniec lat pięćdziesiątych nastąpił szybki wzrost zarówno jakości, jak i ilości filmów. Filmy południowokoreańskie, takie jak komedia Lee Byeong-ila z 1956 roku Sijibganeun nal (Dzień ślubu) , zaczęły zdobywać międzynarodowe nagrody. W przeciwieństwie do początku lat 50., kiedy kręcono tylko 5 filmów rocznie, w 1959 roku w Korei Południowej wyprodukowano 111 filmów.

Lata 50. były także „złotym wiekiem” dla kina filipińskiego , z pojawieniem się bardziej artystycznych i dojrzałych filmów oraz znaczną poprawą technik filmowych wśród filmowców. System studyjny wytworzył szaloną aktywność w lokalnym przemyśle filmowym, ponieważ wiele filmów było kręconych rocznie, a kilka lokalnych talentów zaczęło zdobywać uznanie za granicą. Wśród premier filipińskich reżyserów tamtej epoki byli Gerardo de Leon , Gregorio Fernández , Eddie Romero , Lamberto Avellana i Cirio Santiago .

1960

W latach 60. system studyjny w Hollywood podupadł, ponieważ wiele filmów kręcono obecnie w plenerach w innych krajach lub korzystano z obiektów studyjnych za granicą, takich jak Pinewood w Wielkiej Brytanii i Cinecittà w Rzymie. Filmy „hollywoodzkie” nadal były w dużej mierze skierowane do widowni rodzinnej i często to bardziej staromodne filmy przyniosły największe sukcesy wytwórni. Produkcje takie jak Mary Poppins (1964), My Fair Lady (1964) i Dźwięki muzyki (1965) należały do ​​największych producentów pieniędzy dekady. Wzrost liczby niezależnych producentów i firm produkcyjnych oraz wzrost siły poszczególnych aktorów również przyczynił się do upadku tradycyjnej hollywoodzkiej produkcji studyjnej.

W tym okresie w Ameryce wzrastała również świadomość kina obcojęzycznego. Na przełomie lat 50. i 60. francuscy reżyserzy Nowej Fali, tacy jak François Truffaut i Jean-Luc Godard, wyprodukowali takie filmy jak Przewroty za cztery centy , Bez tchu i Jules i Jim, które łamały zasady narracyjnej struktury hollywoodzkiego kina . Jak dobrze, widzowie byli uświadomienia włoskich filmach takich jak Federico Fellini „s La Dolce Vita (1960) (1963) oraz surowych dramatach Szwecji Ingmara Bergmana .

W Wielkiej Brytanii „Wolne kino” Lindsay Anderson , Tony'ego Richardsona i innych prowadzi do grupy realistycznych i innowacyjnych dramatów, takich jak Saturday Night i Sunday Morning , A Kind of Loving i This Sporting Life . Inne brytyjskie filmy, takie jak Repulsion , Darling , Alfie , Blowup i Georgy Girl (wszystkie w latach 1965-1966) pomogły zredukować zakazy seksu i nagości na ekranie, podczas gdy przypadkowy seks i przemoc w filmach o Jamesie Bondzie , poczynając od Dr. w 1962 roku serial stał się popularny na całym świecie.

W latach 60. Ousmane Sembène wyprodukował kilka filmów w języku francuskim i wolof i został „ojcem” kina afrykańskiego . W Ameryce Łacińskiej wielu filmowców kwestionowało dominację modelu „Hollywood”. Fernando Solanas i Octavio Getino postulowali politycznie zaangażowane Trzecie Kino w przeciwieństwie do Hollywood i europejskiego kina autorskiego .

Co więcej, nuklearna paranoja epoki i groźba apokaliptycznej wymiany nuklearnej (jak bliska rozmowa z ZSRR w 1962 r. podczas kryzysu kubańskiego ) wywołały reakcję również w środowisku filmowym. Filmy takie jak Stanley Kubrick „s Dr Strangelove i Fail Safe z Henry Fonda wyprodukowano w Hollywood, który niegdyś był znany ze swojej jawnej patriotyzm i wojennej propagandy.

W filmie dokumentalnym z lat sześćdziesiątych ten rozkwit kina bezpośredniego , obserwacyjnym stylu produkcji filmowej, a także pojawieniem się filmów bardziej jawnie partyzanckich jak w Roku Świni temat wojny wietnamskiej przez Emile de Antonio . Jednak pod koniec lat 60. hollywoodzcy filmowcy zaczęli tworzyć bardziej innowacyjne i przełomowe filmy, które odzwierciedlały rewolucję społeczną, która opanowała większość zachodniego świata, takie jak Bonnie i Clyde (1967), Absolwent (1967), 2001: Odyseja kosmiczna ( 1968), Rosemary's Baby (1968), Midnight Cowboy (1969), Easy Rider (1969) i The Wild Bunch (1969). Bonnie i Clyde są często uważani za początek tak zwanego Nowego Hollywood .

W japońskim kinie nagrodzony Oscarem reżyser Akira Kurosawa wyprodukował Yojimbo (1961), który, podobnie jak jego poprzednie filmy, wywarł ogromny wpływ na cały świat. Wpływ tego filmu jest najbardziej widoczne w Sergio Leone 's Za garść dolarów (1964) i Walter Hill ' s Last Man Standing (1996). Yojimbo było także początkiem trendu „ Człowiek bez imienia ”.

lata 70.

New Hollywood był okres po upadku systemu studio ciągu 1950 i 1960 roku, a pod koniec produkcji kodu , (który został zastąpiony w 1968 roku przez filmowej systemu klasyfikacji MPAA ). W latach 70. filmowcy coraz częściej przedstawiali treści o charakterze jednoznacznie seksualnym i pokazywali sceny strzelanin i bitew, które zawierały graficzne obrazy krwawych zgonów – dobrym tego przykładem jest „ Ostatni dom na lewejWesa Cravena (1972).

Kino postklasyczne to zmieniające się metody opowiadania historii producentów z Nowego Hollywood. Nowe metody dramaturgii i charakteryzacji odtwarzały oczekiwania widzów nabyte w okresie klasycznej/złotej ery: chronologia opowieści może być pomieszana, fabuły mogą zawierać niepokojące „ zakończenia ”, główni bohaterowie mogą zachowywać się w moralnie niejednoznaczny sposób, a linie między antagonista i protagonista mogą być nieostre. Początki narracji postklasycznej można dostrzec w filmach noir z lat 40. i 50. , w filmach takich jak Buntownik bez przyczyny (1955) czy w Psychozie Hitchcocka . W 1971 roku ukazały się kontrowersyjne filmy, takie jak Słomiane psy , Mechaniczna pomarańcza , Francuski łącznik i Brudny Harry . Wywołało to gorące kontrowersje dotyczące postrzeganej eskalacji przemocy w kinie.

W latach 70. pojawiła się nowa grupa amerykańskich filmowców, takich jak Martin Scorsese , Francis Ford Coppola , George Lucas , Woody Allen , Terrence Malick i Robert Altman . Zbiegło się to z rosnącą popularnością w literaturze filmowej i mediach teorii autorskiej , która zakładała, że ​​filmy reżysera wyrażają jego osobistą wizję i twórcze spostrzeżenia. Rozwój autorskiego stylu kręcenia filmów pomógł dać tym reżyserom znacznie większą kontrolę nad ich projektami, niż byłoby to możliwe we wcześniejszych epokach. To doprowadziło do jakichś wielkich sukcesów krytycznych i handlowych, jak Scorsese Taksówkarz , Coppoli Ojciec chrzestny filmów, William Friedkin „s Egzorcysta , Altmana Nashville , Allena Annie Hall and Manhattanu , Malicka Badlands i Niebiańskie dni , a polska imigranta Roman Polański ” s Chinatown . Jest też jednak spowodowało w niektórych awarii, w tym Peter Bogdanovich „s nareszcie Miłości i Michaela Cimino ” s niezwykle kosztowne Zachodnia epicki Niebios Brama , która pomogła doprowadzić do upadku jego Backer, United Artists .

Finansowa katastrofa Bramy Niebios oznaczała koniec wizjonerskich reżyserów „Nowego Hollywood”, którzy mieli nieograniczoną swobodę twórczą i finansową w rozwijaniu filmów. Fenomenalny sukces w 1970 roku z Spielberg „s Szczęki pochodzi koncepcję nowoczesnego« przeboju ». Jednak ogromny sukces filmu Gwiezdne wojny George'a Lucasa z 1977 roku doprowadził do znacznie więcej niż tylko popularyzacji kinowego hitu. Rewolucyjne wykorzystanie w filmie efektów specjalnych, montażu dźwięku i muzyki sprawiło, że stał się powszechnie uważany za jeden z najważniejszych pojedynczych filmów w historii tego medium, a także najbardziej wpływowy film lat 70. XX wieku. Studia hollywoodzkie coraz bardziej koncentrowały się na produkcji mniejszej liczby bardzo dużych filmów budżetowych z masowymi kampaniami marketingowymi i promocyjnymi. Ten trend został już zapowiedziany przez komercyjny sukces filmów katastroficznych, takich jak Przygoda Posejdona i Piekło w wieży .

W połowie lat 70. powstały kolejne teatry pornograficzne, eufemistycznie nazywane „kinami dla dorosłych”, i rozpoczęto legalną produkcję hardcorowych filmów pornograficznych . Filmy porno, takie jak Głębokie gardło i ich gwiazda Linda Lovelace, stały się czymś w rodzaju fenomenu kultury popularnej i zaowocowały serią podobnych filmów erotycznych. Kina pornograficzne w końcu wymarły w latach 80., kiedy popularyzacja domowych magnetowidów i kaset z pornografią pozwoliła widzom oglądać filmy erotyczne w domu. Na początku lat 70. widzowie anglojęzyczni stali się bardziej świadomi nowego kina zachodnioniemieckiego , z Wernerem Herzogiem , Rainerem Wernerem Fassbinderem i Wimem Wendersem wśród jego czołowych przedstawicieli.

W światowym kinie lata 70. przyniosły dramatyczny wzrost popularności filmów o sztukach walki , w dużej mierze dzięki ich ponownemu wymyśleniu przez Bruce'a Lee , który odszedł od artystycznego stylu tradycyjnych chińskich filmów o sztukach walki i dodał do nich znacznie większe poczucie realizmu. jego styl Jeet Kune Do. Zaczęło się od The Big Boss (1971), który odniósł wielki sukces w całej Azji . Jednak nie zyskał sławy w świecie zachodnim dopiero wkrótce po jego śmierci w 1973 roku, kiedy wypuszczono Enter the Dragon . Film stał się najbardziej udanym filmem o sztukach walki w historii kina, spopularyzował gatunek filmów o sztukach walki na całym świecie i ugruntował status Bruce'a Lee jako ikony kultury. Kino akcji w Hongkongu podupadało jednak z powodu fali filmów „ Bruceploitation ”. Tendencja ta w końcu dobiegła końca w 1978 roku z Martial Arts filmów komediowych , Snake w orła cień i pijanego mistrza reżyserii Yuen Woo-Ping , z udziałem Jackie Chana , kładąc podwaliny dla powstania kina akcji w Hong Kongu w 1980 roku .

Podczas gdy gatunek filmów muzycznych podupadł w Hollywood do tego czasu, filmy muzyczne szybko zyskały popularność w kinie indyjskim , gdzie termin „ Bollywood ” został ukuty dla rozwijającego się hinduskiego przemysłu filmowego w Bombaju (obecnie Mumbai), który ostatecznie zdominował południe Kino azjatyckie , wyprzedzając pod względem popularności bardziej doceniany przez krytyków przemysł filmowy bengalski . Hinduscy filmowcy połączyli hollywoodzką formułę muzyczną z konwencjami starożytnego teatru indyjskiego, tworząc nowy gatunek filmowy o nazwie „ Masala ”, który zdominował kino indyjskie pod koniec XX wieku. Te filmy „Masala” przedstawiały akcję , komedię, dramat , romans i melodramat jednocześnie, z dorzuceniem „filmów” do śpiewu i tańca. Trend ten rozpoczął się od filmów wyreżyserowanych przez Manmohana Desaia z Amitabhem Bachchanem , który pozostaje jednym z najbardziej popularne gwiazdy filmowe w Azji Południowej. Najpopularniejszym indyjskim filmem wszech czasów był Sholay (1975), film „Masala” inspirowany prawdziwym bandytą, a także Siedmiu samurajów Kurosawy i westerny spaghetti .

Koniec dekady pojawił się pierwszy poważny międzynarodowy obrót australijskiego kina, jak Peter Weir 's filmów Piknik pod Wiszącą Skałą i The Last Wave i Fred Schepisi ' s chant of Jimmie Blacksmith zyskał uznanie krytyków. W 1979 roku australijski filmowiec George Miller również przyciągnął międzynarodową uwagę swoim brutalnym, niskobudżetowym filmem akcji Mad Max .

lata 80.

W latach 80. widzowie coraz częściej oglądali filmy na swoich domowych magnetowidach . Na początku tej dekady studia filmowe podjęły kroki prawne w celu zakazania posiadania magnetowidów w domu jako naruszenie praw autorskich , co okazało się bezskuteczne. W końcu sprzedaż i wypożyczanie filmów na wideo domowe stało się znaczącym „drugim miejscem” ekspozycji filmów i dodatkowym źródłem przychodów dla przemysłu filmowego. Rynki direct-to-video (niszowe) zwykle oferowały tanie produkcje o niższej jakości, które nie zostały uznane za zbyt odpowiednie dla ogólnej widowni programów telewizyjnych i kinowych.

Do Lucas - Spielberg łączyć będzie dominować „Hollywood” Cinema Przez większość 1980 roku i prowadzą do większego naśladowania. Dwie kontynuacje „ Gwiezdnych wojen” , trzy „ Szczęki” i trzy „ Indiana Jones” pomogły w stworzeniu kontynuacji udanych filmów bardziej niż kiedykolwiek wcześniej. Lucas uruchomił również THX Ltd , oddział Lucasfilm w 1982 roku, podczas gdy Spielberg odniósł jeden z największych sukcesów dekady w ET the Extra-Terrestrial w tym samym roku. W 1982 roku ukazał się także Disney's Tron, który był jednym z pierwszych filmów dużego studia, w którym intensywnie wykorzystano grafikę komputerową . Amerykański kino niezależne trudem więcej podczas tej dekady, choć Martin Scorsese „s Wściekły byk (1980), After Hours (1985), a Król komedii (1983) przyczyniły się do ustalenia go jako jednego z najbardziej krytyków amerykańskich twórców filmowej era. Również w 1983 został wydany Scarface , co było bardzo dochodowe i przyniosło jeszcze większą sławę jej czołowemu aktorowi Al Pacino . Prawdopodobnie najbardziej udany film w handlu był Tim Burton „s 1989 wersja Bob Kane ” tworzenia s, Batman , który pobił rekordy kasowe. Przedstawienie obłąkanego Jokera przez Jacka Nicholsona przyniosło mu w sumie 60 000 000 dolarów po obliczeniu jego procentu brutto.

Brytyjskie kino zyskało rozmach na początku lat 80., kiedy pojawiła się firma Davida Puttnama Goldcrest Films . Filmy Rydwany ognia , Gandhi , Pola śmierci i Pokój z widokiem przemówiły do ​​„średniej” widowni, która była coraz bardziej ignorowana przez największe hollywoodzkie studia. Podczas gdy filmy z lat 70. pomogły zdefiniować współczesne przeboje kinowe , sposób, w jaki „Hollywood” wypuszczał swoje filmy, teraz się zmieni. Filmy w większości miałyby premierę w większej liczbie teatrów, choć do dziś niektóre filmy nadal mają premierę na trasie limitowanej/roadshow . Wbrew niektórym oczekiwaniom wzrost liczby multipleksów nie pozwolił na wyświetlanie mniej popularnych filmów, ale po prostu pozwolił na zwiększenie liczby seansów największych hitów. Jednak filmy, które były pomijane w kinach, coraz częściej dostawały drugą szansę na domowe wideo.

W latach 80. kino japońskie przeżyło odrodzenie, głównie dzięki sukcesom filmów anime . Na początku lat 80. pancernik kosmiczny Yamato (1973) i Mobile Suit Gundam (1979), oba nieudane jako seriale telewizyjne, zostały przerobione na filmy i odniosły ogromny sukces w Japonii. W szczególności Mobile Suit Gundam zapoczątkował serię Gundam mecha anime Real Robot . Sukces Macross: Czy pamiętasz miłość? zapoczątkował także franczyzę Macross z mecha anime. Była to również dekada, w której powstało Studio Ghibli . Studio wyprodukowało Hayao Miyazaki „pierwsze s film fantasy , Nausicaä z Doliny Wiatru (1984) i zamek w chmurach (1986), jak również Isao Takahata ” s Grobowiec świetlików (1988), z których wszystkie były bardzo odniósł sukces w Japonii i otrzymał uznanie krytyków na całym świecie. W tej dekadzie pojawiły się również oryginalne filmy animowane wideo (OVA); najbardziej wpływowy z tych wczesnych filmach OVA Noboru Ishiguro jest cyberpunk filmu Megazone 23 (1985). Najsłynniejszym filmem anime tej dekady był cyberpunkowy film Katsuhiro Otomo Akira (1988), który choć początkowo nie odniósł sukcesu w japońskich kinach, stał się międzynarodowym sukcesem.

Kino akcji w Hongkongu , które po śmierci Bruce'a Lee znajdowało się w stanie upadku z powodu niekończących się filmów o Bruceploitation , również przeżyło odrodzenie w latach 80., w dużej mierze dzięki ponownemu wynalezieniu gatunku kina akcji przez Jackie Chana . Wcześniej z powodzeniem łączył gatunki filmów komediowych i sztuk walki w filmach Wąż w cieniu orła i Pijany mistrz z 1978 roku . Kolejnym krokiem, jaki podjął, było połączenie tego gatunku komediowych sztuk walki z nowym naciskiem na skomplikowane i bardzo niebezpieczne akrobacje , przypominające erę kina niemego. Pierwszym filmem w tym nowym stylu kina akcji był Projekt A (1983), w którym powstał zespół kaskaderski Jackie Chan oraz „Trzej bracia” (Chan, Sammo Hung i Yuen Biao ). Film dodał do walk skomplikowane, niebezpieczne akrobacje i slapstickowy humor, i odniósł ogromny sukces na Dalekim Wschodzie . W rezultacie Chan kontynuował ten trend, tworząc filmy akcji o sztukach walki zawierające jeszcze bardziej rozbudowane i niebezpieczne akrobacje, w tym Wheels on Meals (1984), Police Story (1985), Armor of God (1986), Project A Part II (1987), Police Story 2 (1988) i Dragons Forever (1988). Inne nowe trendy zapoczątkowane w latach 80. to podgatunek „ dziewczyny z bronią ”, z którego sławę zyskała Michelle Yeoh ; a zwłaszcza gatunek „ heroiczny rozlew krwi ”, obracający się wokół triad , w dużej mierze zapoczątkowany przez Johna Woo i z którego Chow Yun-fat stał się sławny. Te trendy akcji w Hongkongu zostały później przyjęte przez wiele hollywoodzkich filmów akcji w latach 90. i 2000.

W kinie indyjskim, kolejny gwiazdor, uważany przez wielu za najbardziej naturalnego aktora w kinie indyjskim, Mohanlal zagrał w swoim pierwszym filmie. W latach 80. stał się supergwiazdą kina indyjskiego. Kino indyjskie jako całość zmieniało się w nowej fali filmów i reżyserów.

1990

Na początku lat 90. w Stanach Zjednoczonych powstało komercyjne kino niezależne. Chociaż kino było coraz bardziej zdominowane przez filmy z efektami specjalnymi, takie jak Terminator 2: Dzień sądu (1991), Park Jurajski (1993) i Titanic (1997), z których ten ostatni stał się najbardziej dochodowym filmem wszechczasów w tamtym czasie. Avatar (2009), również w reżyserii Jamesa Camerona, filmy niezależne, takie jak Steven Soderbergh „s Seks, kłamstwa i kasety wideo (1989) i Quentin Tarantino ” s Reservoir Dogs (1992) miał znaczący sukces komercyjny, zarówno w kinie i na kasetach video. Filmowcy związani z duńskim ruchem filmowym Dogme 95 wprowadzili manifest mający na celu oczyszczenie twórczości filmowej. Kilka pierwszych filmów zyskało uznanie krytyków na całym świecie, po czym ruch powoli zanikał. Najsłynniejszy film Scorsese Goodfellas został wydany w 1990 roku. Przez wielu uważany jest za jeden z najwspanialszych filmów, szczególnie w gatunku gangsterskim. Mówi się, że jest to najwyższy punkt w karierze Scorsese.

Rekrutacja do kin w 1995 r.

Główne amerykańskie studia zaczęły tworzyć własne „niezależne” firmy produkcyjne, aby finansować i produkować dania spoza głównego nurtu. Jeden z najbardziej udanych filmów niezależnych lat 90., Miramax Films , został kupiony przez Disneya na rok przed wydaniem niekontrolowanego hitu Tarantino Pulp Fiction w 1994 roku. W tym samym roku rozpoczęła się dystrybucja filmów i wideo online. Popularność zyskały także filmy animowane skierowane do widowni familijnej, m.in.: Piękna i Bestia Disneya (1991), Aladyn (1992) i Król Lew (1994). W 1995 roku pierwszy pełnometrażowy film animowany komputerowo , Toy Story , został wyprodukowany przez Pixar Animation Studios i wydany przez Disney. Po sukcesie Toy Story animacja komputerowa stała się dominującą techniką animacji pełnometrażowej, co pozwoliłoby konkurencyjnym firmom filmowym, takim jak DreamWorks Animation i 20th Century Fox, skutecznie konkurować z Disneyem własnymi, odnoszącymi sukcesy filmami. Pod koniec lat 90. rozpoczęło się kolejne przejście na kinematografię, od fizycznej taśmy filmowej do technologii kina cyfrowego . Tymczasem płyty DVD stały się nowym standardem wideo dla konsumentów, zastępując taśmy VHS.

2000s

Od końca 2000 roku platformy mediów strumieniowych , takie jak YouTube, umożliwiały każdemu, kto ma dostęp do Internetu i kamer (standardową funkcję smartfonów ), publikowanie filmów na całym świecie. Konkurując również z rosnącą popularnością gier wideo i innych form domowej rozrywki , branża ponownie zaczęła uatrakcyjniać produkcje kinowe, a nowe technologie 3D i epickie filmy (fantasy i superbohaterowie) stały się ostoją w kinach.

Film dokumentalny wzrosła również jako gatunek handlowej chyba po raz pierwszy z powodzeniem filmach takich jak Marsz pingwinów i Michael Moore „s Zabawy z bronią i Fahrenheita 9/11 . Nowy gatunek powstał dzięki „ Głosom IrakuMartina Kunerta i Erica Manesa , kiedy 150 niedrogich kamer DV zostało rozprowadzonych po całym Iraku, przekształcając zwykłych ludzi we współpracujących filmowców. Sukces Gladiatora doprowadził do ożywienia zainteresowania epickim kinem i Moulin Rouge! odnowione zainteresowanie kinem muzycznym . Systemy kina domowego stawały się coraz bardziej wyrafinowane, podobnie jak niektóre specjalne edycje płyt DVD, które miały być na nich wyświetlane. Trylogia Władca Pierścieni została wydana na DVD zarówno w wersji kinowej, jak iw specjalnej rozszerzonej wersji przeznaczonej wyłącznie dla widzów kina domowego.

W 2001 roku rozpoczęła się seria filmów o Harrym Potterze , a pod koniec 2011 roku stała się najbardziej dochodową serią filmową wszechczasów, dopóki Marvel Cinematic Universe nie minął jej w 2015 roku.

Równolegle do kina IMAX ukazywało się również więcej filmów , pierwszym z nich była animacja Disneya Planeta skarbów z 2002 roku ; a pierwsza akcja na żywo miała miejsce w 2003 roku w The Matrix Revolutions i ponownym wydaniu The Matrix Reloaded . Później w tej dekadzie Mroczny rycerz był pierwszym dużym filmem fabularnym, który przynajmniej częściowo nakręcono w technologii IMAX.

W ciągu tej dekady nastąpiła postępująca globalizacja kina, a filmy obcojęzyczne zyskują popularność na rynkach anglojęzycznych. Przykłady takich filmów to: Przyczajony tygrys, Ukryty smok (mandaryński), Amélie (francuski), Lagaan (hindi), Spirited Away (japoński), Miasto Boga (brazylijski portugalski), Męka Chrystusa (aramejski), Apocalypto (Majów). ) i Inglourious Basterds (wiele języków europejskich). Włochy są najczęściej nagradzanym krajem w Oscara dla najlepszego filmu nieanglojęzycznego , z 14 zdobytymi nagrodami, 3 nagrodami specjalnymi i 31 nominacjami .

W 2003 roku nastąpiło odrodzenie popularności filmów 3D. Pierwszym z nich był Ghosts of the Abyss Jamesa Camerona, który został wydany jako pierwszy pełnometrażowy film IMAX w 3D nakręcony przy użyciu systemu Reality Camera . Ten system kamer wykorzystywał najnowsze kamery wideo HD, a nie film, i został zbudowany dla Camerona przez nominowanego do nagrody Emmy reżysera obrazu Vince'a Pace'a, zgodnie z jego specyfikacją. Ten sam system kamer został użyty do kręcenia Spy Kids 3D: Game Over (2003), Aliens of the Deep IMAX (2005) oraz The Adventures of Sharkboy and Lavagirl in 3-D (2005).

Po tym, jak film 3D Jamesa Camerona Avatar stał się najbardziej dochodowym filmem wszechczasów, filmy 3D zyskały krótką popularność wśród wielu innych filmów wydawanych w 3D, z największymi krytycznymi i finansowymi sukcesami w dziedzinie animacji filmów fabularnych, takich jak Universal Pictures / Illumination Entertainment 's Despicable Me i DreamWorks Animation ' s Jak wytresować smoka , Shrek Forever After i Megamind . Avatar jest również godny uwagi ze względu na pionierskie, wysoce wyrafinowane wykorzystanie technologii przechwytywania ruchu i wywarł wpływ na kilka innych filmów, takich jak Rise of the Planet of the Apes .

2010s

W 2011 r. największymi branżami filmowymi pod względem liczby wyprodukowanych filmów fabularnych były te z Indii, Stanów Zjednoczonych, Chin, Nigerii i Japonii.

W Hollywood popularność i sukces finansowy filmów o superbohaterach znacznie wzrosła, a filmy oparte na komiksach Marvela i DC są regularnie publikowane co roku aż do chwili obecnej. Od 2019 roku gatunek superbohaterów jest dominującym gatunkiem, jeśli chodzi o wpływy z amerykańskich kas . Film o superbohaterach z 2019 roku Avengers: Endgame , był najbardziej udanym filmem wszechczasów w kasie.

2020s

Covid-19 pandemia

COVID-19 pandemia spowodowało zamknięć kin na całym świecie w odpowiedzi na lockdowns regionalnych i krajowych. Wiele filmów, które miały zostać wydane na początku lat 2020, napotkało opóźnienia w rozwoju, produkcji i dystrybucji, a inne były wydawane w usługach przesyłania strumieniowego z niewielkim lub żadnym oknem kinowym.

Zobacz też

Bibliografia

Dalsza lektura

  • Munslow, Alun (grudzień 2007). „Film i historia: Robert A. Rosenstone i Historia w filmie / Film o historii”. Ponowne przemyślenie historii . 4 (11): 565–575. doi : 10.1080/13642520701652103 . S2CID  145006358 .
  • Abla, Ryszarda. Kino idzie do miasta: Kino francuskie 1896–1914 University of California Press , 1998.
  • Acker, Sojuszniku. Reel Women: Pionierzy kina, 1896 do chwili obecnej . Londyn: BT Batsford, 1991.
  • Barr, Karolu. Wszystkie nasze wczorajsze dni: 90 lat brytyjskiego kina (British Film Institute, 1986).
  • Basten, Fred E. Glorious Technicolor: Magiczna tęcza w filmach . AS Barnes & Company, 1980.
  • Bowser, Eileen. Transformacja kina 1907–1915 (Historia kina amerykańskiego, t. 2) Synowie Charlesa Scribnera, 1990.
  • Rawlence, Krzysztof (1990). Brakująca rolka: nieopowiedziana historia zaginionego wynalazcy ruchomych obrazów . Ateneum Karola. Numer ISBN 978-0689120688.
  • Cook, David A. Historia filmu narracyjnego , wydanie drugie. Nowy Jork: WW Norton , 1990.
  • Kuzyni, Marku. The Story of Film: A Worldwide History , New York: Thunder's Mouth press, 2006.
  • Dixon, Wheeler Winston i Gwendolyn Audrey Foster. Krótka historia filmu , wydanie II. Nowy Brunszwik: Rutgers University Press , 2013.
  • Hennefeld, Maggie (grudzień 2016). „Śmierć od śmiechu, kobiecej histerii i wczesnego kina”. różnice: Journal of Feminist Cultural Studies . Wydawnictwo Uniwersytetu Książęcego . 27 (3): 45–92. doi : 10.1215/10407391-3696631 .
  • Król, Geoff. Nowe kino Hollywood: wprowadzenie . Nowy Jork: Columbia University Press , 2002.
  • Kolker, Robert Phillip (2009). Zmieniające oko: współczesne kino międzynarodowe . Cambridge: Open Book Publishers. doi : 10.11647/OBP.0002 . Numer ISBN 9781906924034.
  • Landry, Marci. Gatunki brytyjskie: kino i społeczeństwo, 1930-1960 (1991)
  • Merritt, Greg. Celluloid Mavericks: Historia amerykańskiego kina niezależnego . Prasa do ust Thundera, 2001.
  • Musser, Karol (1990). Pojawienie się kina: amerykański ekran do 1907 . Nowy Jork: Synowie Charlesa Scribnera. Numer ISBN 0-684-18413-3.
  • Nowell-Smith, Geoffrey, wyd. Oksfordzka historia kina światowego . Oxford University Press , 1999.
  • Parkinsona, Davida. Historia filmu . Nowy Jork: Thames & Hudson, 1995. ISBN  0-500-20277-X
  • Rocchio, Vincent F. Reel Rasizm. Konfrontacja z hollywoodzką konstrukcją kultury afroamerykańskiej . Westview Press, 2000.
  • Sierżancie, Amy. Kino brytyjskie: historia krytyczna (2008).
  • Schradera, Pawła. „Notatki o filmie noir”. Komentarz filmowy , 1984.
  • Steele, Asa (luty 1911). „Pokaz ruchomych obrazów: ... jak powstają filmy, kto pisze 'fabuły', kto cenzuruje sztuki i ile to wszystko kosztuje” . Dzieło świata: historia naszych czasów . XXI : 14018-14032 . Źródło 2009-07-10 .
  • Tsivian, Jurij. Cisi świadkowie: filmy rosyjskie 1908–1919 Brytyjski Instytut Filmowy , 1989.
  • Unterburger, Amy L. St. James Kobiety Encyklopedia filmowców: Kobiety po drugiej stronie kamery . Widoczna prasa atramentowa, 1999.
  • Usai, PC & Codelli, L. (redaktorzy) Przed Caligari: kino niemieckie, 1895-1920 Edizioni Biblioteca dell'Immagine, 1990.

Zewnętrzne linki

Multimedia związane z historią kina w Wikimedia Commons