Sztuka indyjska - Indian art

Rysunek wspornika Yakshi. Wschodnia Torana Wielkiej Stupy w Sanchi , I wiek p.n.e./n.e., na terenie dzisiejszego Madhya Pradesh w Indiach
Priest-King jest wyryte steatite statuetka znalezione podczas wykopalisk miasta z epoki brązu z Mohendżo-Daro , w jakim jest dzisiaj Pakistan .
Jedno z pierwszych przedstawień Buddy , okres Kushan, I-II wiek n.e., Gandhara , na terenie dzisiejszego Pakistanu : Stojący Budda (Tokijskie Muzeum Narodowe)
Od przedstawień hinduskich bogów i innych mitologicznych postaci obraz Kalighat odzwierciedla różnorodne tematy, w tym wiele przedstawień życia codziennego.
Sarnath Lion Stolica Ashoki , ok. 250 p.n.e. Muzeum Sarnath , niedaleko Varanasi , Indie

Sztuka indyjska obejmuje różnorodne formy sztuki, w tym malarstwo , rzeźbę , ceramikę i tekstylia, takie jak tkanie jedwabiu . Geograficznie obejmuje cały subkontynent indyjski , w tym dzisiejsze Indie , Pakistan , Bangladesz , Sri Lankę , Nepal , a czasami wschodni Afganistan . Charakterystyczne dla sztuki indyjskiej jest silne wyczucie designu, które można zaobserwować w jej nowoczesnych i tradycyjnych formach.

Pochodzenie sztuki indyjskiej można doszukiwać się w prehistorycznych osadach z III tysiąclecia p.n.e. Na swojej drodze do czasów współczesnych sztuka indyjska miała wpływy kulturowe, a także wpływy religijne, takie jak hinduizm , buddyzm , dżinizm , sikhizm i islam . Pomimo tej złożonej mieszanki tradycji religijnych, generalnie dominujący styl artystyczny w każdym czasie i miejscu był wspólny dla głównych grup religijnych.

W sztuce historycznej rzeźba w kamieniu i metalu, głównie religijna, przetrwała w indyjskim klimacie lepiej niż inne media i dostarcza najwięcej najlepszych pozostałości. Wiele z najważniejszych starożytnych znalezisk, których nie ma w rzeźbionym kamieniu, pochodzi raczej z okolicznych, bardziej suchych regionów niż z samych Indii. Indyjskie tradycje pogrzebowe i filozoficzne wykluczają dobra grobowe , które w innych kulturach są głównym źródłem sztuki antycznej.

Indyjskie style artystyczne historycznie podążały za religiami indyjskimi z subkontynentu, wywierając szczególnie duży wpływ w Tybecie , Azji Południowo-Wschodniej i Chinach . Sama sztuka indyjska podlegała czasami wpływom, zwłaszcza z Azji Środkowej i Iranu oraz Europy.

Wczesna sztuka indyjska

Sztuka naskalna

Malowidło naskalne w jednym ze schronisk skalnych Bhimbetka.
Prehistoryczne petroglify w jaskiniach Edakkal, Wayanad

Sztuka naskalna Indii obejmuje płaskorzeźby naskalne, ryciny i obrazy, niektóre (ale nie wszystkie) z południowoazjatyckiej epoki kamienia . Szacuje się, że istnieje około 1300 miejsc sztuki naskalnej z ponad ćwierć miliona figur i figurek. Najwcześniejsze ryty naskalne w Indiach odkrył Archibald Carlleyle , dwanaście lat przed Jaskinią Altamira w Hiszpanii, chociaż jego praca ujrzała światło dzienne dopiero znacznie później za pośrednictwem J Cockburna (1899).

Dr VS Wakankar odkrył kilka malowanych skalnych schronów w środkowych Indiach, położonych wokół pasma górskiego Vindhya . Spośród nich ok. 750 miejsc tworzących schroniska skalne Bhimbetka zostało wpisanych na Listę Światowego Dziedzictwa UNESCO ; najwcześniejsze obrazy mają około 10 000 lat. Malowidła w tych miejscach często przedstawiały sceny z życia ludzkiego obok zwierząt oraz polowania z użyciem narzędzi kamiennych. Ich styl różnił się w zależności od regionu i wieku, ale najczęstszą cechą charakterystyczną był czerwony wash wykonany przy użyciu sproszkowanego minerału zwanego geru , który jest formą tlenku żelaza ( hematyt ).

Cywilizacja Doliny Indusu ( ok.  3300 pne  - ok.  1750 pne )

Pomimo swojej rozległości i wyrafinowania, cywilizacja Doliny Indusu wydaje się nie interesować publiczną sztuką na dużą skalę, w przeciwieństwie do wielu innych wczesnych cywilizacji. Szereg złotych, terakotowych i kamiennych figurek dziewcząt w tanecznych pozach zdradza obecność pewnych form tańca . Dodatkowo wśród figurek z terakoty znalazły się krowy, niedźwiedzie, małpy i psy.

Najczęściej spotykaną formą sztuki figuratywnej są małe rzeźbione pieczęcie . Odzyskano tysiące pieczęci steatytowych , a ich charakter fizyczny jest dość spójny. Rozmiary wahają się od 34 cali do 1 12 cali kwadratowych. W większości przypadków mają z tyłu przekłuty szef, aby pomieścić sznurek do noszenia lub do użytku jako ozdoba osobista. W Mohendżo-Daro znaleziono pieczęcie przedstawiające postać stojącą na głowie i inną, na pieczęci Pashupati , siedzącą ze skrzyżowanymi nogami w pozie podobnej do jogi . Liczba ta była różnie identyfikowana. Sir John Marshall zidentyfikował podobieństwo do hinduskiego boga Shivy .

Zwierzę przedstawione na większości fok na stanowiskach z okresu dojrzałego nie zostało jednoznacznie zidentyfikowane. Częściowo byk, część zebry, z majestatycznym rogiem, był źródłem spekulacji. Jak dotąd nie ma wystarczających dowodów na poparcie twierdzeń, że obraz miał znaczenie religijne lub kultowe, ale rozpowszechnienie wizerunku rodzi pytanie, czy zwierzęta na obrazach IVC są symbolami religijnymi. Najbardziej znanym dziełem jest brązowa Tańcząca dziewczyna z Mohendżo-Daro , która pokazuje niezwykle zaawansowane modelowanie ludzkiej sylwetki jak na tę wczesną datę.

Po zakończeniu cywilizacji Is Valley, aż do ery buddyjskiej, zadziwia brak sztuki o dużym stopniu wyrafinowania. Uważa się, że częściowo odzwierciedla to wykorzystanie łatwo psujących się materiałów organicznych, takich jak drewno.

okres wedyjski

Symboliczny, prawdopodobnie antropomorfologiczny artefakt. Kultura Miedziowego Skarbu (II tysiąclecie n.e.). Muzeum Mathury .

Tysiąclecie po upadku cywilizacji doliny Indusu , zbiegające się z migracją indoaryjską w okresie wedyjskim , pozbawione jest antropomorficznych przedstawień. Sugerowano, że wczesna religia wedyjska skupiała się wyłącznie na czczeniu czysto „elementarnych sił natury za pomocą wyszukanych ofiar”, które nie poddawały się łatwo antropomorfologicznym wyobrażeniom. Różne artefakty mogą należeć do kultury Copper Hoard (II tysiąclecie n.e.), niektóre z nich sugerują cechy antropomorfologiczne. Interpretacje różnią się co do dokładnego znaczenia tych artefaktów, a nawet kultury i periodyzacji, do której należały. Niektóre przykłady ekspresji artystycznej pojawiają się również w abstrakcyjnych wzorach ceramiki w okresie kultury ceramiki czarnej i czerwonej (1450-1200 pne) lub kultury ceramiki malowanej szarej (1200-600 p.n.e.), ze znaleziskami na dużym obszarze, w tym na obszarze Mathury.

Po około tysiącletniej przerwie większość wczesnych znalezisk odpowiada tak zwanemu „drugiemu okresowi urbanizacji” w połowie I tysiąclecia p.n.e. Antropomorficzne przedstawienie różnych bóstw najwyraźniej zaczęło się w połowie I tysiąclecia p.n.e., prawdopodobnie w wyniku napływu obcych bodźców zapoczątkowanego podbojem Doliny Indusu przez Achemenidów i powstaniem alternatywnych lokalnych wyznań kwestionujących wedyzm , takich jak buddyzm. , dżinizm i lokalne kulty ludowe.

Sztuka Mauryjska ( ok.  322  p.n.e. – ok.  185 p.n.e. )

Kapitał Pataliputra , wczesny przykład Mauryan rzeźby kamiennej, wyświetlając perskie i helleńskiego wpływy. III wiek p.n.e., Muzeum Patna

Północnoindyjskie imperium Maurya rozkwitało od 322 p.n.e. do 185 p.n.e iw maksymalnym stopniu kontrolowało cały subkontynent z wyjątkiem skrajnego południa, a także wpływy starożytnych tradycji indyjskich i starożytnej Persji , jak pokazuje stolica Pataliputra .

Cesarz Aśoka , który zmarł w 232 roku p.n.e., przyjął buddyzm mniej więcej w połowie swojego 40-letniego panowania i patronował kilku dużym stupom w kluczowych miejscach z życia Buddy , chociaż zachowało się bardzo niewiele dekoracji z okresu mauryjskiego, a tam może nie było wiele. Jest więcej z różnych wczesnych miejsc indyjskiej architektury wykutej w skale .

Najsłynniejszymi ocalałymi są duże zwierzęta, które pokonały kilka Filarów Ashoki , które wykazały pewny siebie i odważnie dojrzały styl i rzemiosło oraz pierwsze tego rodzaju odlewanie żelaza bez rdzy do tej pory, które było używane przez ludność wedyjską na obszarach wiejskich kraju, choć mamy bardzo niewiele szczątków pokazujących jego rozwój. Słynna, wolnostojąca Lwia Stolica Ashoka , z czterema zwierzętami, została przyjęta jako oficjalne godło Indii po uzyskaniu przez Indie niepodległości . Rzeźba i architektura mauryjska charakteryzuje się bardzo drobnym polerowaniem mauryjskim nadanym kamieniowi, co jest rzadko spotykane w późniejszych okresach.

Wiele małych popularnych figurek z terakoty znajduje się w archeologii w wielu często energicznych, choć nieco surowych stylach. Odnajdywane są zarówno postacie zwierząt, jak i ludzi, zazwyczaj samice uważane za bóstwa.

Kolosalne posągi Jakszy (II wiek p.n.e.)

Jakszowie wydają się być obiektem ważnego kultu we wczesnych okresach historii Indii, wielu z nich było znanych, takich jak Kubera , król Jakszów, Manibhadra czy Mudgarpani . Jakszowie to szeroka klasa duchów natury, zwykle życzliwych, ale czasami psotnych lub kapryśnych, związanych z wodą, płodnością, drzewami, lasem, skarbami i dziczą, i były przedmiotem powszechnego kultu. Wiele z nich zostało później włączonych do buddyzmu, dżinizmu czy hinduizmu.

W II wieku p.n.e. Yakshas stał się przedmiotem tworzenia kolosalnych obrazów kultowych, zwykle o wysokości około 2 metrów lub więcej, które są uważane za prawdopodobnie pierwsze indyjskie antropomorficzne wytwory w kamieniu. Chociaż niewiele starożytnych posągów Yakszy zachowało się w dobrym stanie, wigor tego stylu został oklaskiwany i wyraża zasadniczo indyjskie cechy. Często są brzuchate, dwurękie i groźnie wyglądające. Yashas są często przedstawiani z bronią lub atrybutami, takimi jak Yaksha Mudgarpani, który w prawej ręce trzyma maczugę mudgar , aw lewej postać małego stojącego wielbiciela lub dziecka łączącego ręce w modlitwie. Często sugeruje się, że styl kolosalnych posągów Jakszy miał istotny wpływ na powstanie późniejszych boskich wizerunków i postaci ludzkich w Indiach. Żeńskim odpowiednikiem Jaszów byli Jaszyni , często kojarzeni z drzewami i dziećmi, których zmysłowe postacie stały się wszechobecne w sztuce indyjskiej.

Sugerowano pewne wpływy hellenistyczne , takie jak geometryczne fałdy draperii lub postawa chodzenia posągów. Według Johna Boardmana rąbek sukni w monumentalnych wczesnych posągach Yaksha wywodzi się ze sztuki greckiej. Opisując draperie jednego z tych posągów, John Boardman pisze: „Nie ma on lokalnych przodków i wygląda najbardziej jak grecki późno-archaiczny manieryzm” i sugeruje, że prawdopodobnie wywodzi się z hellenistycznej sztuki pobliskiej Baktrii, gdzie ten wzór jest znany.

W produkcji kolosalnych posągów Yaksha wyrzeźbionych w rundzie, które można znaleźć w kilku miejscach w północnych Indiach, sztuka Mathura jest uważana za najbardziej zaawansowaną pod względem jakości i ilości w tym okresie.

Sztuka buddyjska ( ok.  150  p.n.e. – ok.  500 n.e. )

Medalion z poprzeczką ze słoniem i jeźdźcami, sztuka Mathura , ok. 150 p.n.e.

Główne przetrwanie sztuki buddyjskiej rozpoczyna się w okresie po Mauryjczykach, z których przetrwały duże ilości rzeźby. Niektóre kluczowe miejsca to Sanchi , Bharhut i Amaravati , niektóre z nich pozostają na miejscu , a inne w muzeach w Indiach lub na całym świecie. Stupy otoczone były ceremonialnymi płotami z czterema bogato rzeźbionymi toranami lub ozdobnymi bramami zwróconymi w kierunku kardynalnym. Są w kamieniu, choć wyraźnie przyjmują formy wypracowane w drewnie. Oni i ściany samej stupy mogą być mocno ozdobione płaskorzeźbami, głównie ilustrującymi życie Buddy. Stopniowo wyrzeźbiono naturalnej wielkości postacie, początkowo w głębokim reliefie, ale potem wolnostojące. Mathura była najważniejszym ośrodkiem tego rozwoju, który dotyczył zarówno sztuki hinduskiej, dżinizmu, jak i buddyzmu. Fasady i wnętrza wykutych w skale sal modlitewnych chaitya i klasztornych wihar przetrwały lepiej niż podobne wolnostojące konstrukcje gdzie indziej, które przez długi czas były głównie z drewna. Jaskinie w Ajanta , Karle , Bhaja i gdzie indziej zawierają wczesne rzeźby, często przewyższające liczebnie późniejsze dzieła, takie jak kultowe postacie Buddy i bodhisattwów , których nie znaleziono co najmniej przed 100 rokiem n.e.

Malarstwo ścienne, klasztor Hemis , Ladakh, Indie

Buddyzm rozwinął coraz większy nacisk na posągi Buddy, na które duży wpływ miała hinduska i dżinska religijna sztuka figuratywna. Postacie tego okresu, na które również wpłynęła sztuka grecko-buddyjska z wieków po podbojach Aleksandra Wielkiego . Ta fuzja rozwinęła się na dalekim północnym zachodzie Indii, zwłaszcza w Gandharze we współczesnym Afganistanie i Pakistanie . Indyjskie imperium Kushan rozprzestrzeniło się z Azji Środkowej, obejmując północne Indie we wczesnych wiekach naszej ery, i na krótko zleciło wykonanie dużych posągów, które były portretami dynastii królewskiej.

Dynastia Szunga (ok. 185 p.n.e. – 72 p.n.e.)

Wielka Stupa w Sanchi, c. 273 p.n.e. – 232 p.n.e. (Imperium Maurów), pow. 150 p.n.e. – 50 p.n.e. (dynastia Szunga)

Wraz z upadkiem cesarstwa Maurya kontrola Indii została przywrócona do starszego zwyczaju regionalnych dynastii, z których jedną z najważniejszych była dynastia Shunga (ok. 185 p.n.e. – 72 p.n.e.) w środkowych Indiach. W tym okresie, a także podczas panowania dynastii Satavahana, która miała miejsce równolegle z dynastią Shunga w południowych Indiach, powstały jedne z najbardziej znaczących wczesnobuddyjskich budowli. Prawdopodobnie najważniejszą architekturą tej dynastii jest stupa, zabytek religijny, który zwykle zawiera świętą relikwię buddyzmu. Te relikwie były często, choć nie zawsze, w jakiś sposób bezpośrednio związane z Buddą. Ponieważ stupy te zawierały szczątki samego Buddy, każda stupa była czczona jako przedłużenie ciała Buddy, jego oświecenie i osiągnięcie nirwany. Buddyści oddają cześć stupie, obchodząc ją zgodnie z ruchem wskazówek zegara.

Monumentalna jaskinia wykuta w skale, Wielka Chaitya w jaskiniach Karla , zbudowana około 120 CE

Jednym z najbardziej godnych uwagi przykładów buddyjskiej stupy z dynastii Shunga jest Wielka Stupa w Sanchi, którą uważano za założoną przez cesarza Mauryjczyków Aśokę ok. roku. 273 p.n.e. – 232 p.n.e. w okresie cesarstwa Maurya. W czasach dynastii Szunga Wielka Stupa została powiększona do obecnej średnicy 120 stóp, przykryta kamienną obudową, zwieńczona balkonem i parasolem oraz otoczona kamienną balustradą. 150 p.n.e. - 50 p.n.e.

Oprócz architektury inną znaczącą formą sztuki dynastii Shunga są misternie formowane tablice z terakoty. Jak widać na poprzednich przykładach z Imperium Mauryjskiego, styl, w którym detale powierzchni, nagość i zmysłowość są kontynuowane na terakotowych tablicach z dynastii Shunga. Najczęstszymi przedstawieniami figuralnymi na tych tablicach są kobiety, z których niektóre uważa się za boginie, które są przedstawiane głównie jako nagie piersi i noszące wyszukane nakrycia głowy.

Dynastia Satavahana (ok. I/3 w. p.n.e. – ok. III w. n.e.)

Dynastia Satavahana rządziła w środkowych Indiach i sponsorowała wiele dużych buddyjskich pomników, stup , świątyń i sal modlitewnych, w tym stupę Amaravati , jaskinie Karla i pierwszą fazę jaskiń Ajanta .

Bimbisara ze swoim królewskim orszakiem wychodzącym z miasta Rajagriha, aby odwiedzić Buddę

Stupy to pomniki religijne zbudowane na kopcach grobowych, które zawierają relikwie pod solidną kopułą. Stupy w różnych rejonach Indii mogą różnić się strukturą, rozmiarem i wyglądem; jednak ich znaczenia reprezentacyjne są dość podobne. Zostały zaprojektowane na podstawie mandali , wykresu kosmosu charakterystycznego dla buddyzmu. Tradycyjna stupa ma balustradę, która zapewnia wyznawcom buddyjskim świętą ścieżkę do praktykowania oddania okrążania w rytualnych sceneriach. Również starożytni Indianie uważali jaskinie za miejsca święte, ponieważ zamieszkiwali je święci mężowie i mnisi. Chaitya skonstruowano z grocie.

Płaskorzeźby przedstawiające buddyjskie postacie i epigrafy napisane literami brahmi często znajdują się w boskich miejscach charakterystycznych dla buddyzmu. Aby uczcić boskość, ludzie Satavahana wykonali również kamienne obrazy jako dekorację w buddyjskiej architekturze. W oparciu o znajomość geometrii i geologii stworzyli idealne obrazy przy użyciu zestawu złożonych technik i narzędzi, takich jak dłuta, młotki i kompasy z żelaznymi grotami.

Ponadto delikatne monety Satavahana pokazują zdolność tworzenia sztuki w tym okresie. Satavahanowie emitowali monety głównie z miedzi, ołowiu i potyny . Później do produkcji monet zaczęto używać srebra. Monety mają zazwyczaj szczegółowe portrety władców i inskrypcje pisane w języku tamilskim i telugu .

Imperium Kuszańskie (ok. 30 n.e. - ok. 375 n.e.)

Oficjalnie założone przez Kujula Kadphisesa , pierwszego cesarza Kushan, który zjednoczył plemiona Yuezhi , imperium Kushan było synkretycznym imperium w środkowej i południowej Azji, w tym w regionach Gandhara i Mathura w północnych Indiach. Od 127 do 151 n.e. Gandharan osiągnął swój szczyt pod panowaniem Kaniszki Wielkiego . W tym okresie sztuka Kuszańska odziedziczyła sztukę grecko-buddyjską . Rozkwitał buddyzm mahajany , a wizerunki Buddy jako ludzkiej postaci po raz pierwszy pojawiły się w sztuce. Ubrany w szatę mnicha i długi kawałek materiału owiniętego przez lewe ramię i wokół ciała, Budda został przedstawiony z 32 głównymi lakshanami (znakami rozpoznawczymi), w tym złotym ciałem, uszniszą (wypukłością) na szczycie jego głowa, ciężkie kolczyki, wydłużone małżowiny uszne, długie ramiona, odcisk czakry (koła) na dłoniach i podeszwach stóp oraz urna (znak między brwiami). Jedną z cech charakterystycznych sztuki Gandhary jest jej związek z naturalizmem sztuki hellenistycznej . Naturalistyczne cechy znalezione w rzeźbach Gandhara obejmują trójwymiarowe traktowanie draperii z nieregularnymi fałdami, które są w realistycznych wzorach o losowym kształcie i grubości. Fizyczna forma Buddy i jego bodhisattwów jest dobrze zdefiniowana, solidna i muskularna, z nabrzmiałymi klatkami piersiowymi, ramionami i brzuchem. Buddyzm i sztuka buddyzmu rozprzestrzeniły się na Azję Środkową i Daleki Wschód poprzez Baktrię i Sogdię , gdzie Imperium Kuszan spotkało się z chińską dynastią Han .

Sztuka Gupty ( ok.  320 n.e.  – ok.  550 n.e. )

Okres Gupty jest powszechnie uważany za klasyczny szczyt sztuki północnoindyjskiej dla wszystkich głównych grup religijnych. Chociaż malarstwo było ewidentnie rozpowszechnione i przetrwało w jaskiniach Ajanta , ocalałe dzieła to prawie wszystkie rzeźby religijne.

W tym okresie w sztuce hinduskiej pojawiło się ikoniczne bóstwo z rzeźbionego kamienia, a także figury Buddy i figury dżinizmu tirthankara , często na bardzo dużą skalę. Głównymi ośrodkami rzeźby były Mathura Sarnath i Gandhara , ostatnie centrum sztuki grecko-buddyjskiej .

Okres Gupty oznaczał „złoty wiek” klasycznego hinduizmu i widział najwcześniej zbudowaną architekturę świątyń hinduskich , chociaż przetrwania nie są liczne.

Średnie królestwa i okres późnego średniowiecza ( ok.  600 n.e.  – ok.  1300 n.e. )

W tym okresie hinduska architektura świątynna dojrzała do wielu regionalnych stylów, a duża część historycznych zapisów sztuki z tego okresu składa się z rzeźb świątynnych, z których znaczna część pozostaje na swoim miejscu. Historia polityczna średnich królestw Indii widziała podział Indii na wiele stanów, a ponieważ większość najwspanialszych budynków została zlecona przez władców i ich dwór, pomogło to w rozwoju różnic regionalnych. Malowanie, zarówno na dużą skalę na ścianach, jak i w miniaturowych formach, było niewątpliwie bardzo szeroko praktykowane, ale przetrwanie jest rzadkością. Średniowieczne brązy przetrwały najczęściej z południa Tamilów lub z podgórza Himalajów.

Dynastie południowych Indii ( ok.  III wiek n.e.  – ok.  1300 n.e. )

Napisy na filarach Ashoka wspomnieć współistnienie północnych królestw z triumwiratu z Chola , Chera i Pandya Tamilskich dynastii , położony na południe z góry Vindhya . Okres średniowiecza był świadkiem powstania i upadku tych królestw, w połączeniu z innymi królestwami w okolicy. To właśnie w okresie upadku i odrodzenia tych królestw odrodził się hinduizm . Sprzyjało to budowie licznych świątyń i rzeźb.

Shore Temple w Mamallapuram zbudowany przez Pallavas symbolizuje wczesnej hinduskiej architektury , z monolitycznym ulgi skalny i rzeźby bóstw hinduskich. Ich następcą zostali władcy Choli, którzy byli płodni w pogoni za sztuką . W Wielki Living Chola Świątynie tego okresu znane są ze swojej dojrzałości, wielkości i dbałością o szczegóły, i zostały uznane jako Listę Dziedzictwa UNESCO . Okres Choli znany jest również z rzeźb z brązu, techniki odlewania z traconego wosku i fresków . Dzięki hinduskich królów dynastii Chalukya , dżinizmu rozkwitła wraz Islam świadczy czwarty z Badami jaskiniowych świątyń będących Jain zamiast wedyjskiej . Królestwa południowych Indii nadal rządziły swoimi ziemiami, aż do najazdów muzułmańskich, które ustanowiły tam sułtanaty i zniszczyły większość świątyń oraz wspaniałe przykłady architektury i rzeźb

Świątynie Khajuraho ( ok.  800 n.e.  – ok.  1000 n.e. )

Wpisane na Listę Światowego Dziedzictwa UNESCO , grupa zabytków Khajuraho została zbudowana przez klan Chandela z dynastii Radźputów . Oprócz zwykłych świątyń hinduskich, 10% rzeźb przedstawia powykręcane ciała mężczyzn i kobiet, które rzucają światło na codzienne praktyki społeczno-kulturowe i religijne w średniowiecznych Indiach . Od czasu ich odkrycia stopień seksualności przedstawiony w tych rzeźbach wywołał zarówno negatywną, jak i pozytywną krytykę ze strony uczonych.

Świątynie Khajuraho były aktywnie używane w królestwach hinduskich, aż do ustanowienia sułtanatów Delhi w XIII wieku. Pod rządami muzułmańskimi aż do XVIII wieku wiele zabytków Khajuraho zostało zniszczonych, ale kilka ruin pozostało.

Dekan

Inne stany hinduistyczne są obecnie znane głównie dzięki zachowanym świątyniom i dołączonej rzeźbie. Należą do nich architektura Badami Chalukya (V do VI wieku), architektura Western Chalukya (XI do XII wieku) i architektura Hoysala (XI do XIV wieku), wszystkie skoncentrowane na współczesnym Karnataka .

Wschodnie Indie

We wschodniej części Indii, Odisha i Bengalu Zachodnim , Kalinga architektura była szeroka stylu świątynia, z lokalnych wariantów, przed muzułmańskim podbojem.

W starożytności Bengal był pionierem malarstwa w Azji pod panowaniem imperium Pala. Malarstwo miniaturowe i zwojowe rozkwitło w czasach Imperium Mogołów. Malarstwo Kalighat lub Kalighat Pat powstało w XIX-wiecznym Bengalu, w pobliżu świątyni Kalighat Kali w Kalkucie i będąc pamiątkami zabieranymi przez odwiedzających świątynię Kali, obrazy te z biegiem czasu rozwinęły się jako odrębna szkoła Malarstwo indyjskie. Od przedstawienia hinduskich bogów innych mitologicznych postaci, obrazy Kalighat rozwinęły się, aby odzwierciedlać różne tematy.

Wczesna epoka nowożytna i kolonialna ( ok.  1400 n.e.  – ok.  1800 n.e. )

Sztuka Mogołów

Chociaż islamskie podboje w Indiach miały miejsce już w pierwszej połowie X wieku, to dopiero w Imperium Mogołów można było obserwować cesarzy sprawujących mecenat nad sztukami pięknymi. Cesarz Humajun , podczas odbudowy Sułtanatu Delhi w 1555 roku, przywiózł ze sobą Mir Sayyid Ali i Abd al-Samad , dwóch najwybitniejszych malarzy ze słynnego atelier perskiego szacha Tahmaspa .

Za panowania Akbara (1556—1605) liczba malarzy wzrosła z około 30 podczas tworzenia Hamzanamy w połowie lat 60. do około 130 w połowie lat 90. XVI wieku. Według historyka dworskiego, Abu'l-Fazala , Akbar bezpośrednio interesował się sztuką, regularnie kontrolując swoich malarzy i nagradzając najlepszych. To właśnie w tym czasie perscy artyści byli przyciągani, aby wnieść swój niepowtarzalny styl do imperium. Elementy indyjskie były obecne w ich pracach od samego początku, z włączeniem lokalnej indyjskiej flory i fauny, które były nieobecne w tradycyjnym stylu perskim. Malowidła z tamtych czasów odzwierciedlały żywiołowość i włączenie królestwa Akbara, z produkcją miniatur perskich , malarstwa radźputów (w tym szkoły Kangra ) i stylu Pahari z północnych Indii. Wpłynęli również na akwarele w stylu Spółki, powstałe wiele lat później podczas rządów brytyjskich.

Wraz ze śmiercią Akbara tron objął jego syn Jahangir (1605–1627). Wolał, aby każdy malarz pracował nad pojedynczym dziełem, niż współpracę rozwijaną w czasach Akbara. Okres ten oznacza pojawienie się odrębnych stylów, w szczególności Bishan Das , Manohar Das , Abu al-Hasan , Govardhan i Daulat. Sam Jahangir potrafił zidentyfikować dzieło każdego artysty z osobna, nawet jeśli dzieło nie było nazwane. Pod jego rządami powstały Razmnama (perskie tłumaczenie hinduskiego eposu Mahabharata ) i ilustrowany pamiętnik Jahangira, nazwany Tuzuk-i Jahangiri . Jahangir został zastąpiony przez Shah Jahan (1628-1658), którego najbardziej znaczącym wkładem architektonicznym jest Taj Mahal . Obrazy pod jego rządami były bardziej formalne, przedstawiały sceny dworskie, w przeciwieństwie do osobistych stylów z czasów jego poprzednika. Aurangzeb (1658-1707), który wyznawał coraz bardziej ortodoksyjne przekonania sunnickie, siłą odebrał tron ​​swemu ojcu Szahdżahanowi. Wraz z zakazem muzyki i malarstwa w 1680 roku jego panowanie przyniosło upadek mecenatu Mogołów nad sztuką.

Wraz z upadkiem malarstwa na dworze cesarskim, artyści i ogólny wpływ malarstwa Mogołów rozprzestrzenił się na dwory książęce i miasta północnych Indii, gdzie zarówno portrety, ilustracje indyjskich eposów, jak i hinduskie malarstwo religijne rozwinęły się w wielu lokalnych szkołach i stylach. Wśród nich godne uwagi były szkoły Radźputa , Pahari , Dekanu , malarstwa Kangra .

Inne średniowieczne królestwa Indii

Ostatnie imperium południowych Indii pozostawiło po sobie spektakularne pozostałości architektury Widźajanagara , zwłaszcza w Hampi, Karnataka , często mocno zdobione rzeźbami. To rozwinęło tradycję Choli. Po podboju Mogołów tradycja świątynna nadal się rozwijała, głównie poprzez rozbudowę istniejących świątyń, dodając nowe mury zewnętrzne z coraz większymi gopuramami , często przyćmiewającymi starsze budynki w centrum. Były one zwykle gęsto pokryte gipsowymi posągami bóstw i innych postaci religijnych, które muszą być odnawiane w jasnych kolorach, aby nie erodowały.

W południowo-środkowych Indiach, pod koniec XV wieku po krajach Środka, sułtanat Bahmani rozpadł się na sułtanaty Dekanu skupione w Bijapur , Golconda , Ahmadnagar , Bidar i Berar . Użyli wedyjskich technik odlewania metalu, rzeźbienia w kamieniu i malowania, a także charakterystycznego stylu architektonicznego z dodatkiem cytadeli i grobowców z architektury Mogołów. Na przykład dynastia Baridi (1504–1619) z Bidaru była świadkiem wynalezienia naczynia bidri , które zostało zapożyczone z filarów asoki z okresu wedyjskiego i mauryjskiego z cynku zmieszanego z miedzią, cyną i ołowiem oraz inkrustowanych srebrem lub mosiądzem, a następnie pokrytych pasta błotna zawierająca salmon amoniaku , która nadała metalowi bazowemu czerń, podkreślając kolor i połysk inkrustowanego metalu. Dopiero po podboju Ahmadnagaru przez Mogołów w 1600 roku wpływy perskie, którym patronowali Turco-Mongołowie Mogołów, zaczęły wpływać na sztukę Dekanu.

okres brytyjski (1841-1947)

Brytyjskie rządy kolonialne miały wielki wpływ na sztukę indyjską, zwłaszcza od połowy XIX wieku. Wielu starych mecenasów sztuki stało się mniej zamożnych i wpływowych, a sztuka Zachodu stała się bardziej wszechobecna, gdy Imperium Brytyjskie założyło szkoły artystyczne w dużych miastach. Najstarsze, Rządowe Kolegium Sztuk Pięknych, Chennai , zostało założone w 1850 roku. W dużych miastach, w których mieszka wielu Europejczyków, rozpowszechnił się styl Company małych obrazów, tworzonych przez indyjskich artystów pracujących dla europejskich mecenasów East India Company . Styl wykorzystywał głównie akwarelę, aby przekazać miękkie tekstury i tony, w stylu łączącym wpływy zachodnich grafik i malarstwa Mogołów. W 1858 roku brytyjski rząd przejął zadanie administrowania Indiami pod rządami brytyjskiego radża . Wiele zamówień składanych przez indyjskich książąt było teraz całkowicie lub częściowo w stylu zachodnim lub hybrydowej architekturze indosaraceńskiej . Połączenie tradycji indyjskich ze stylem europejskim w tym czasie jest widoczne w obrazach olejnych Raja Ravi Varmy przedstawiających kobiety odziane w sari w wdzięczny sposób.

Bengalska Szkoła Sztuki

Bengalska Szkoła Sztuki, powszechnie nazywana szkołą bengalską, była ruchem artystycznym i stylem malarstwa indyjskiego, który powstał w Bengalu, głównie w Kalkucie i Shantiniketan, i rozkwitł na całym subkontynencie indyjskim podczas Brytyjskiego Raju na początku XX wieku. Znany również jako „indyjski styl malowania” we wczesnych latach, był kojarzony z indyjskim nacjonalizmem (swadeshi) i kierowany przez Abanindranatha Tagore (1871-1951), ale był również promowany i wspierany przez brytyjskich administratorów sztuki, takich jak EB Havell, główny Rządowego Kolegium Sztuki i Rzemiosła w Kalkucie od 1896 r.; ostatecznie doprowadziło to do rozwoju nowoczesnego malarstwa indyjskiego.

Tagore próbował później nawiązać kontakty z artystami japońskimi w ramach dążenia do skonstruowania panazjatyckiego modelu sztuki. Poprzez obrazy „Bharat Mata” Abanindranath ustanowił wzór patriotyzmu. Malarzami i artystami szkoły bengalskiej byli Nandalal Bose, MAR Chughtai, Sunayani Devi (siostra Abanindranath Tagore), Manishi Dey, Mukul Dey, Kalipada Ghoshal, Asit Kumar Haldar, Sudhir Khastgir, Kshitindranath Majumdar, Sughra Rababi.

W latach 1920-1925 Gaganendranath był pionierem eksperymentów w malarstwie modernistycznym. Partha Mitter opisuje go jako „jedynego indyjskiego malarza przed latami czterdziestymi, który używał w swoim malarstwie języka i składni kubizmu ”. Od 1925 artysta rozwijał złożony styl postkubistyczny.

Wraz z rozwojem ruchu Swadeshi w 1905 roku, artyści indyjscy próbowali wskrzesić tożsamość kulturową tłumioną przez Brytyjczyków, odrzucając romantyczny styl malarstwa Kompanii i manieryczną pracę Raja Ravi Varma i jego zwolenników. W ten sposób powstało to, co dziś znane jest jako Bengalska Szkoła Sztuki , kierowana przez przerobione style azjatyckie (z naciskiem na indyjski nacjonalizm) Abanindranatha Tagore (1871-1951), którego określa się mianem ojca nowoczesnej sztuki indyjskiej. Inni artyści z rodziny Tagore, tacy jak Rabindranath Tagore (1861–1941) i Gaganendranath Tagore (1867–1938), a także nowi artyści początku XX wieku, tacy jak Amrita Sher-Gil (1913–1941) byli odpowiedzialni za wprowadzenie Avant -garde zachodnie style do sztuki indyjskiej. Wielu innych artystów, takich jak Jamini Roy, a później SH Raza, czerpało inspirację z tradycji ludowych . W 1944 roku KCS Paniker założył Stowarzyszenie Malarzy Postępowych (PPA), dając początek „ruchowi madry” w sztuce.

Sztuka współczesna ( ok.  1900 n.e.-obecnie)

W 1947 Indie stały się niezależne od rządów brytyjskich. Grupa sześciu artystów - KH Ara , SK Bakre , HA Gade , MF Husain , SH Raza i Francis Newton Souza - założyła Bombay Progressive Artists' Group w 1952 roku, aby ustanowić nowe sposoby wyrażania Indii w epoce postkolonialnej . Chociaż grupa została rozwiązana w 1956 roku, miała ogromny wpływ na zmianę idiomu sztuki indyjskiej. Prawie wszyscy najważniejsi artyści Indii w latach pięćdziesiątych byli związani z grupą. Niektórzy z tych, którzy są dziś dobrze znani, to Bal Chabda, Manishi Dey , VS Gaitonde, Krishen Khanna , Ram Kumar , Tyeb Mehta , KG Subramanyan , A. Ramachandran , Devender Singh , Akbar Padamsee, John Wilkins , Himmat Shah i Manjit Bawa . Dzisiejsza sztuka indyjska jest tak zróżnicowana, jak nigdy wcześniej. Do najbardziej znanych artystów młodszego pokolenia należą Bose Krishnamachari i Bikash Bhattacharjee . Innym wybitnym pakistańskim modernistą był Ismail Gulgee , który po około 1960 przyjął abstrakcyjny idiom, który łączy aspekty islamskiej kaligrafii z abstrakcyjną wrażliwością ekspresjonistyczną (lub abstrakcjonistyczną gestykulacją ).

Malarstwo i rzeźba pozostały ważne w drugiej połowie XX wieku, choć w twórczości czołowych artystów, takich jak Nalini Malani , Subodh Gupta , Narayanan Ramachandran , Vivan Sundaram , Jitish Kallat często znajdowali radykalnie nowe kierunki. Bharti Dayal postanowiła zająć się tradycyjnym malarstwem Mithili w najbardziej współczesny sposób i stworzyła swój własny styl poprzez ćwiczenia własnej wyobraźni, wydają się świeże i niezwykłe.

Wzrost dyskursu o sztuce indyjskiej, zarówno w języku angielskim, jak i w językach narodowych Indii, zmienił sposób postrzegania sztuki w szkołach artystycznych. Krytyczne podejście stało się rygorystyczne; krytycy tacy jak Geeta Kapur , R. Siva Kumar , Shivaji K. Panikkar , Ranjit Hoskote , między innymi, przyczynili się do ponownego przemyślenia praktyki sztuki współczesnej w Indiach.

Materialna historia sztuki indyjskiej

Rzeźba

Chola brąz z Śiwy jako Nataraja ( "Lord of Dance"), Tamil Nadu , 10 lub 11 wieku.

Pierwsza znana rzeźba na subkontynencie indyjskim pochodzi z cywilizacji Doliny Indusu (3300-1700 pne), znaleziona w miejscach w Mohenjo-daro i Harappa we współczesnym Pakistanie . Należą do nich słynny mały tancerz z brązu. Jednak takie figurki z brązu i kamienia są rzadkie i znacznie przewyższają ich liczbę figurkami ceramicznymi i kamiennymi pieczęciami, często bardzo dobrze przedstawionymi zwierzętami lub bóstwami. Po upadku cywilizacji doliny Indusu niewiele jest zapisów rzeźbiarskich aż do czasów buddyjskich, z wyjątkiem skarbu miedzianych figur (nieco kontrowersyjnie) ok. 1930 roku. 1500 p.n.e. z Daimabad . Stąd wielka tradycja Indian monumentalnej rzeźby w kamieniu wydaje się rozpocząć stosunkowo późno, za panowania Ashoki od 270 do 232 roku pne, a Filary Ashoka wzniósł wokół Indii, niosąc swoje edykty i pokrytych przez znanych rzeźb zwierząt, głównie lwy , z których sześć przetrwało. Z wczesnobuddyjskich stup pielgrzymkowych zachowały się duże ilości rzeźby figuratywnej, głównie w formie płaskorzeźby, przede wszystkim Sanchi ; te prawdopodobnie wyrosły z tradycji używania drewna. Rzeczywiście, drewno nadal było głównym medium rzeźbiarskim i architektonicznym w Kerali we wszystkich okresach historycznych, aż do ostatnich dziesięcioleci.

W ciągu 2 do 1 wieku pne w dalekiej północy Indii , w sztuce grecko-buddyjskiej z Gandhara od tego, co teraz południowym Afganistanie i północnym Pakistanie , rzeźby stały się bardziej wyraźne, co stanowi epizodów życia i nauk Buddy. Chociaż Indie miały długą tradycję rzeźbiarską i mistrzostwo w bogatej ikonografii, Budda nigdy wcześniej nie był przedstawiany w ludzkiej postaci, a jedynie poprzez niektóre jego symbole. Być może dlatego, że rzeźba buddyjska Gandharan we współczesnym Afganistanie wykazuje wpływy artystyczne Grecji i Persji . Mówi się, że artystyczna szkoła rzeźby Gandhara wniosła falowane włosy, draperie zakrywające ramiona, buty i sandały, ozdoby z liści akantu itp.

Hinduskie, dżinistyczne i buddyjskie rzeźby z różowego piaskowca z Mathury od I do III wieku ne odzwierciedlały zarówno rodzime tradycje indyjskie, jak i wpływy zachodnie otrzymane dzięki grecko-buddyjskiej sztuce Gandhary i skutecznie stworzyły podstawę późniejszej indyjskiej rzeźby religijnej. Styl ten został opracowany i rozpowszechniony w większości Indii pod panowaniem Imperium Guptów (ok. 320-550), które pozostaje „klasycznym” okresem indyjskiej rzeźby, obejmując wcześniejsze jaskinie Ellora , chociaż jaskinie Elephanta są prawdopodobnie nieco późniejsze. Późniejsza rzeźba na dużą skalę pozostaje prawie wyłącznie religijna i generalnie raczej konserwatywna, często powraca do prostych frontalnych pozycji stojących dla bóstw, chociaż towarzyszące im duchy, takie jak apsary i yakshi, często mają zmysłowo zakrzywione pozy. Rzeźba jest często bardzo szczegółowa, ze skomplikowanym podkładem za główną postacią w wysokim reliefie. Sławny wosk tracony brązy w Chola dynastii (ok. 850-1250) z południowych Indiach , wiele zaprojektowany do noszenia w procesjach, m.in. kultowego formę Śiwy jako Nataraja z masywnych granitowych rzeźb Mahabalipuram pochodzącym z poprzedniego Pallava dynastii . Okres Choli jest również niezwykły ze względu na rzeźby i brązy. Wśród okazów istniejących w różnych muzeach świata iw świątyniach południowych Indii można zobaczyć wiele wspaniałych postaci Śiwy w różnych formach, Wisznu i jego żony Lakszmi , świętych Śiwy i wielu innych.

malowanie ścian

Fresk z jaskiń Ajanta , ok. 1900 r. 450-500

Tradycja i metody malowania klifów w Indiach stopniowo ewoluowały przez wiele tysięcy lat - istnieje wiele miejsc z prehistoryczną sztuką. Wczesne jaskinie obejmowały zwisające skały ozdobione sztuką wykutą w skale oraz wykorzystanie naturalnych jaskiń w okresie mezolitu (6000 pne). Ich użycie trwało na niektórych obszarach do czasów historycznych. Te skalne schrony Bhimbetka są na skraju Deccan Plateau , gdzie głęboka erozja pozostawiła ogromne piaskowca wychodnie. W wielu znalezionych jaskiniach i grotach znajdują się prymitywne narzędzia i dekoracyjne malowidła naskalne, które odzwierciedlają starożytną tradycję interakcji człowieka z ich krajobrazem, która trwa do dziś.

Najstarsze zachowane freski z okresu historycznego zachowały się w Jaskiniach Ajanta, przy czym Jaskinia 10 ma niektóre z I wieku n.e., chociaż większe i bardziej znane grupy pochodzą z V wieku. Pomimo warunków klimatycznych, które mają tendencję do przeciwdziałania przetrwaniu starszych obrazów, w sumie w Indiach znanych jest ponad 20 miejsc z malowidłami i śladami dawnych obrazów z czasów starożytnych i wczesnośredniowiecznych (do VIII do X wieku n.e.), chociaż to tylko maleńki ułamek tego, co kiedyś istniało. Najbardziej znaczące freski z okresu starożytnego i wczesnego średniowiecza znajdują się w jaskiniach Ajanta, Bagh , Ellora i Sittanavasal , z których ostatnia to Jain z VII-X wieku. Chociaż wiele wskazuje na to, że byli przez artystów przyzwyczajonych głównie do dekorowania pałaców, nie zachowały się żadne wczesne świeckie malowidła ścienne.

W Chola freski zostały odkryte w 1931 roku w circumambulatory przejściu świątyni Brihadisvara w Thanjavur , Tamil Nadu , a to pierwsze Chola okazy odkryte. Naukowcy odkryli technikę zastosowaną w tych freskach. Gładkie ciasto z mieszanki wapienia nakłada się na kamienie, co zajęło od dwóch do trzech dni. W tym krótkim czasie tak duże obrazy malowano naturalnymi organicznymi pigmentami. W okresie Nayak obrazy Choli zostały zamalowane. Znajdujące się pod spodem freski Chola mają w sobie żarliwy duch saivizmu . Prawdopodobnie zsynchronizowali się z ukończeniem świątyni przez Rajaraję Cholana Wielkiego.

Malarstwo ścienne Kerali ma dobrze zachowane freski lub malowidła ścienne lub ścienne na ścianach świątyni w Pundarikapuram, Ettumanoor i Aymanam i innych miejscach.

Malarstwo miniaturowe

Akbar na słoniu Hawa'I ściga innego słonia

Chociaż zachowało się niewiele miniatur indyjskich sprzed około 1000 roku n.e., a niektóre z następnych kilku stuleci, prawdopodobnie istniała znaczna tradycja. Te, które przetrwały, są początkowo ilustracjami tekstów buddyjskich, a następnie ich odpowiednikami dżinizmu i hinduizmu, a upadek buddyzmu, a także wrażliwy materiał pomocniczy rękopisu z liści palmowych prawdopodobnie wyjaśniają rzadkość wczesnych przykładów.

Malarstwo mogolskie w miniaturach na papierze rozwinęło się bardzo szybko pod koniec XVI wieku z połączonych wpływów istniejącej tradycji miniaturowej i artystów wykształconych w perskiej tradycji miniaturowej importowanej przez dwór cesarza Mogołów . Nowe składniki w stylu to znacznie większy realizm, zwłaszcza w portretach, oraz zainteresowanie zwierzętami, roślinami i innymi aspektami fizycznego świata. Malarstwo Dekan rozwinęło się mniej więcej w tym samym czasie na południowych dworach sułtanatu Dekanu , pod pewnymi względami bardziej żywotnymi, choć mniej zrównoważonymi i eleganckimi.

Miniatury były albo ilustrowane książkami, albo były pojedynczymi pracami dla muraqqas lub albumami malarstwa i kaligrafii islamskiej . Styl stopniowo rozprzestrzenił się w ciągu następnych dwóch stuleci wpływać malowanie na papierze w obu sądów książęcych muzułmańskich i hinduskich, rozwija się w wielu stylach regionalnych często nazywanych „sub-Mogołów”, w tym Radźputowie malarstwo , malarstwo pahari i wreszcie Spółka malowanie , A hybrydowy styl akwareli inspirowany sztuką europejską iw dużej mierze patronowany przez mieszkańców brytyjskiego raju . W ośrodkach „pahari” („górskich”), takich jak malarstwo Kangra, styl pozostał żywotny i rozwijał się do wczesnych dziesięcioleci XIX wieku. Od połowy XIX wieku obrazy sztalugowe w stylu zachodnim coraz częściej malowali hinduscy artyści kształceni w rządowych szkołach artystycznych.

Biżuteria

Para złotych kolczyków, I wiek p.n.e., Andhra Pradesh .

Subkontynencie indyjskim ma najdłuższą ciągłą spuściznę biżuterii podejmowania, z historii ponad 5000 lat. Wykorzystywanie biżuterii jako magazynu kapitału jest w Indiach bardziej powszechne niż w większości współczesnych społeczeństw, a złoto wydaje się zawsze preferować metal. Indie i okolice były ważnym źródłem wysokiej jakości kamieni szlachetnych , a biżuteria klasy rządzącej charakteryzuje się obfitym ich użyciem. Jednymi z pierwszych, którzy rozpoczęli tworzenie biżuterii byli mieszkańcy Cywilizacji Doliny Indusu . Wczesne szczątki są nieliczne, ponieważ nie zostały pochowane wraz z właścicielami.

Inne materiały

Drewno było niewątpliwie niezwykle ważne, ale rzadko przetrwało długo w klimacie indyjskim. Organiczne materiały zwierzęce, takie jak kość słoniowa lub kość, były odradzane przez religie dharmiczne , chociaż istnieją przykłady buddyjskie, takie jak kość słoniowa Begram , wiele produktów indyjskich, ale znalezionych w Afganistanie , oraz niektóre stosunkowo nowoczesne rzeźbione kły . W środowiskach muzułmańskich są bardziej powszechne.

Kontekstowa historia sztuki indyjskiej

Sztuka świątynna

Mrok okrywa okres między upadkiem Harappanów a określonym okresem historycznym rozpoczynającym się od Mauryów , aw okresie historycznym najwcześniejszą indyjską religią, która inspirowała wielkie zabytki sztuki, był buddyzm . Chociaż mogły istnieć wcześniejsze struktury w drewnie, które zostały przekształcone w struktury kamienne, nie ma na to żadnych fizycznych dowodów poza odniesieniami tekstowymi. Wkrótce po tym, jak buddyści zainicjowali wykute w skale jaskinie , hinduiści i dżiniści zaczęli je naśladować w Badami , Aihole , Ellora , Salsette , Elephanta , Aurangabad i Mamallapuram oraz Mughals . Wydaje się, że stałym elementem sztuki indyjskiej jest to, że różne religie miały bardzo podobny styl artystyczny w każdym konkretnym okresie i miejscu, choć naturalnie dostosowują ikonografię do religii, która je zleca. Prawdopodobnie te same grupy artystów pracowały dla różnych religii niezależnie od ich przynależności.

Sztuka indyjska trafiła również do Włoch w kontekście handlu indo-rzymskiego : w 1938 r. w ruinach Pompejów odnaleziono Pompeje Lakszmi (zniszczone podczas erupcji Wezuwiusza w 79 r. n.e.).

Sztuka buddyjska po raz pierwszy rozwinęła się w okresie Gandhara i okresach Amaravati około I wieku p.n.e. Rozkwitał bardzo w okresach Gupty i Pala, które składają się na Złoty Wiek Indii. Chociaż najwspanialsza sztuka tych indyjskich imperiów miała głównie charakter buddyjski, później imperia hinduskie, takie jak Pallava , Chola , Hoysala i Vijayanagara, również rozwinęły swoje własne style sztuki hinduskiej.

Nie ma linii czasu, która dzieli tworzenie świątyń wykutych w skale i wolnostojących świątyń zbudowanych z ciosanego kamienia, które rozwijały się równolegle. Budowę wolnostojących konstrukcji rozpoczęto w V wieku, a wykute w skale świątynie kontynuowano odkopywanie aż do XII wieku. Przykładem wolnostojącej świątyni strukturalnej jest Shore Temple , część Światowego Dziedzictwa UNESCO Mahabalipuram , ze smukłą wieżą, zbudowaną nad brzegiem Zatoki Bengalskiej z drobno rzeźbionymi granitowymi skałami wyciętymi jak cegły i pochodzącymi z VIII wieku. stulecie.

Sztuka ludowa i plemienna

Obraz Warli z Maharastra

Sztuka ludowa i plemienna w Indiach przybiera różne formy poprzez różnorodne media, takie jak ceramika, malarstwo, metaloplastyka, sztuka papieru, tkactwo i projektowanie przedmiotów, takich jak biżuteria i zabawki. Nie są to tylko przedmioty estetyczne, ale w rzeczywistości mają duże znaczenie w życiu ludzi i są związane z ich wierzeniami i rytuałami. Przedmioty mogą obejmować rzeźby, maski (używane w rytuałach i ceremoniach), obrazy, tkaniny, kosze, przedmioty kuchenne, broń i broń oraz samo ludzkie ciało (tatuaże i kolczyki). Istnieje głębokie znaczenie symboliczne, które jest przypisane nie tylko samym przedmiotom, ale także materiałom i technikom użytym do ich produkcji.

Często puranowi bogowie i legendy są przekształcane we współczesne formy i znajome obrazy. Jarmarki, festiwale, lokalni bohaterowie (głównie wojownicy) i lokalne bóstwa odgrywają istotną rolę w tych sztukach (przykład: sztuka Nakashi z Telangany lub Cherial Scroll Painting ).

Sztuka ludowa obejmuje również wyrazy wizualne wędrownych nomadów. To sztuka ludzi, którzy są narażeni na zmieniające się krajobrazy podczas podróży przez doliny i wyżyny Indii. Niosą ze sobą doświadczenia i wspomnienia różnych przestrzeni, a ich sztuka składa się z ulotnego i dynamicznego wzorca życia. Te wiejskie , plemienne i Pięknych koczowników stanowią matrycę ekspresji ludowej. Przykładami sztuki ludowej są Warli, Madhubani Art , Manjusha Art , Tikuli Art i Gond itp.

Podczas gdy większość plemion i tradycyjnych społeczności artystów ludowych jest zasymilowanych ze znanym rodzajem cywilizowanego życia, nadal praktykują swoją sztukę. Niestety, siły rynkowe i ekonomiczne sprawiły, że liczba tych artystów maleje. Różne organizacje pozarządowe i rząd Indii dokładają wszelkich starań, aby zachować i chronić tę sztukę oraz ją promować. Kilku naukowców w Indiach i na całym świecie studiowało te sztuki i dostępne jest na ich temat cenne stypendium.

Duch ludowy ma do odegrania ogromną rolę w rozwoju sztuki i ogólnej świadomości kultur tubylczych.

Modernizm kontekstowy

Rok 1997 był świadkiem dwóch równoległych gestów formacji kanonicznej. Z jednej strony wpływowa Grupa Baroda , koalicja, której pierwotnymi członkami byli Vivan Sundaram , Ghulam Mohammed Sheikh , Bhupen Khakhar i Nalini Malani – i która odcisnęła swoje piętno na historii w postaci wystawy „Miejsce dla ludzi” z 1981 roku. — została ostatecznie uhistoryczniona w 1997 r. wraz z publikacją Sztuki Współczesnej w Barodzie, antologii esejów pod redakcją szejka. Z drugiej strony, historyk sztuki R. Siva Kumar „s wystawa odniesienia i związane publikacja, A kontekstu modernizm , przywrócił Santiniketan artists- Rabindranath Tagore , Nandalal Bose , Benode Behariego Mukherjee i Ramkinkar Baij -to ich właściwym miejscu jako pomysłodawców o lokalnie osiągniętego, ale transkulturowego modernizmu w latach trzydziestych, na długo przed skomponowaniem przez postępowców swojego manifestu pod koniec lat czterdziestych. Siva Kumar zauważył, że wśród artystów Santiniketan „dokonują przeglądu tradycyjnych poprzedników w odniesieniu do nowych dróg otwartych przez kontakty międzykulturowe. Uważali to również za imperatyw historyczny. Zdali sobie sprawę, że kulturowa zaściankowość musi ustąpić miejsca eklektyzmowi i kulturowej nieczystości”.

Kala Bhavana (Instytut Sztuk Pięknych), Santiniketan . Posiada niezwykle znane grono wydziałowe i studenckie. Najbardziej znany jest z rozpowszechniania Bengal School of Art.

Pomysł kontekstowej modernizmu pojawiły się w 1997 roku od R. Siva Kumar „s Santiniketan: The Making of kontekstowej modernizmu jako postkolonialnej krytycznym narzędziem w zrozumieniu alternatywnego modernizmu w sztukach plastycznych z dawnych kolonii, takich jak Indie, zwłaszcza, że z Artyści Santiniketan.

Kilka terminów w tym Paul Gilroy „s licznika kultury nowoczesności i Tani Barlow ” s Colonial nowoczesności zostały wykorzystane do opisania rodzaju alternatywnej nowoczesności, które pojawiły się w kontekstach pozaeuropejskich. Profesor Gall twierdzi, że „kontekstowy modernizm” jest bardziej odpowiednim terminem, ponieważ „kolonialna w kolonialnej nowoczesności nie akceptuje odmowy wielu w skolonizowanych sytuacjach internalizowania niższości. Odmowa podporządkowania się nauczycielom artystycznym Santiniketana zawierała kontr-wizję nowoczesności, która miała na celu naprawienie rasowego i kulturowego esencjalizmu, który napędzał i charakteryzował imperialną zachodnią nowoczesność i modernizm. Te europejskie nowoczesności, projektowane przez triumfującą brytyjską potęgę kolonialną, prowokowały nacjonalistyczne reakcje, równie problematyczne, gdy zawierały podobne esencjalizmy”.

Według R. Siva Kumara „artyści Santiniketan byli jednymi z pierwszych, którzy świadomie zakwestionowali tę ideę modernizmu, rezygnując zarówno z internacjonalistycznego modernizmu, jak i historycystycznej rdzenności i próbowali stworzyć modernizm wrażliwy na kontekst”. Od wczesnych lat 80. studiował twórczość mistrzów Santiniketan i zastanawiał się nad ich podejściem do sztuki. Praktyka włączenia Nandalala Bosego , Rabindranatha Tagore , Rama Kinkera Baija i Benode Behari Mukherjee do Bengalskiej Szkoły Sztuki była, według Siva Kumara, myląca. Stało się tak, ponieważ pierwsi pisarze kierowali się raczej genealogią praktyk, niż ich stylami, światopoglądami i perspektywami praktyki artystycznej .

Modernizm kontekstowy w niedalekiej przeszłości znalazł zastosowanie w innych pokrewnych dziedzinach badań, zwłaszcza w architekturze .

Muzea sztuki w Indiach

Główne miasta

Muzea archeologiczne

Muzea sztuki współczesnej

Inne muzea

Zobacz też

Uwagi

Bibliografia

Dalsza lektura