Jackson Pollock - Jackson Pollock

Jackson Pollock
Marcin Polak.jpg
Portret studyjny w wieku około 16 lat
Urodzić się
Paul Jackson Pollock

( 1912-01-28 )28 stycznia 1912 r
Cody, Wyoming , Stany Zjednoczone
Zmarł 11 sierpnia 1956 (1956-08-11)(w wieku 44)
Edukacja Art Students League w Nowym Jorku
Znany z Obraz
Wybitna praca
Ruch Abstrakcyjny ekspresjonizm
Małżonka(e)
( M,  1945),
Patron(i) Peggy Guggenheim

Paul Jackson Pollock / P ɒ l ə k / (28 stycznia 1912 - 11 sierpnia 1956), amerykański malarz i główną postacią w ekspresjonizmu abstrakcyjnego ruchu. Powszechnie słynął ze swojej „ techniki kroplówki ” polegającej na wylewaniu lub rozpryskiwaniu płynnej farby domowej na poziomą powierzchnię, co umożliwiało mu oglądanie i malowanie swoich płócien pod każdym kątem. Nazywano to również malowaniem całościowym i malowaniem akcji, ponieważ zakrył całe płótno i używał siły całego ciała do malowania, często w szaleńczym stylu tanecznym. Ta skrajna forma abstrakcji podzieliła krytyków: jedni chwalili bezpośredniość kreacji, inni drwili z przypadkowych efektów. W 2016 roku obraz Pollocka zatytułowany Numer 17A podobno przyniósł 200 milionów dolarów w ramach prywatnego zakupu.

Pollock, samotnik i niestabilna osobowość, zmagał się z alkoholizmem przez większość swojego życia. W 1945 roku ożenił się z artystą Lee Krasnerem , który wywarł istotny wpływ na jego karierę i spuściznę. Pollock zginął w wieku 44 lat w wypadku jednego samochodu związanego z alkoholem, kiedy prowadził. W grudniu 1956 roku, cztery miesiące po śmierci, Pollock otrzymał pamiątkową wystawę retrospektywną w Museum of Modern Art (MoMA) w Nowym Jorku. Większa, bardziej obszerna wystawa jego prac odbyła się tam w 1967 roku. W latach 1998 i 1999 jego prace zostały uhonorowane dużymi wystawami retrospektywnymi w MoMA i The Tate w Londynie.

Wczesne życie (1912-1936)

Paul Jackson Pollock urodził się w Cody w stanie Wyoming w 1912 roku jako najmłodszy z pięciu synów. Jego rodzice, Stella May (z domu McClure) i LeRoy Pollock, urodzili się i dorastali w Tingley w stanie Iowa i kształcili się w Tingley High School. Matka Pollocka jest pochowana na cmentarzu Tingley w hrabstwie Ringgold w stanie Iowa . Jego ojciec urodził się pod nazwiskiem McCoy, ale przyjął nazwisko swoich przybranych rodziców, sąsiadów, którzy adoptowali go po tym, jak jego rodzice zmarli w ciągu roku od siebie. Stella i LeRoy Pollock byli prezbiterianami ; byli odpowiednio pochodzenia irlandzkiego i szkocko-irlandzkiego . LeRoy Pollock był rolnikiem, a później geodetą dla rządu, przemieszczając się do różnych prac. Stella, dumna z rodzinnego dziedzictwa jako tkaczy, produkowała i sprzedawała sukienki jako nastolatka. W listopadzie 1912 Stella zabrała swoich synów do San Diego; Jackson miał zaledwie 10 miesięcy i nigdy nie wróci do Cody'ego. Później dorastał w Arizonie i Chico w Kalifornii .

Mieszkając w dzielnicy Vermont Square w Los Angeles, zapisał się do Manual Arts High School , z której został wydalony. Został już wydalony w 1928 roku z innego liceum. We wczesnym okresie życia Pollock badał kulturę rdzennych Amerykanów podczas podróży ankietowych z ojcem. Był również pod silnym wpływem meksykańskich muralistów , zwłaszcza José Clemente Orozco , którego fresk Prometeusz nazwał później „największym obrazem Ameryki Północnej”.

W 1930 roku, podążając za swoim starszym bratem Charlesem Pollockiem , przeniósł się do Nowego Jorku, gdzie obaj studiowali pod kierunkiem Thomasa Harta Bentona w Art Students League . Wiejska tematyka Bentona w Ameryce miała niewielki wpływ na twórczość Pollocka, ale jego rytmiczne użycie farby i jego gwałtowna niezależność były bardziej trwałe. Na początku lat 30. Pollock spędził letnie tournee po zachodnich Stanach Zjednoczonych wraz z Glen Rounds , kolegą ze studiów artystycznych i Bentonem, ich nauczycielem.

Kariera (1936-1954)

Pollock został wprowadzony do stosowania płynnej farby w 1936 roku w eksperymentalnym warsztacie w Nowym Jorku przez meksykańskiego muralistę Davida Alfaro Siqueirosa . Później zastosował wylewanie farby jako jedną z kilku technik na płótnach z początku lat 40., takich jak Mężczyzna i kobieta oraz Kompozycja z wylewaniem I . Po przeprowadzce do Springs w stanie Nowy Jork zaczął malować swoimi płótnami rozłożonymi na podłodze w pracowni i rozwinął technikę, którą później nazwano „ kroplówką ”.

Od 1938 do 1942 Pollock pracował dla Federalnego Projektu Sztuki WPA . W tym czasie Pollock próbował poradzić sobie ze swoim ustalonym alkoholizmem; w latach 1938-1941 przechodził psychoterapię jungowską u dr Josepha L. Hendersona, a następnie w latach 1941-42 u dr Violet Staub de Laszlo. Henderson zaangażował go poprzez swoją sztukę, zachęcając Pollocka do robienia rysunków. W jego obrazach wyrażały się koncepcje i archetypy jungowskie. Niektórzy historycy postawili hipotezę, że Pollock mógł mieć chorobę afektywną dwubiegunową . Pollock podpisał kontrakt na galerię z Peggy Guggenheim w lipcu 1943. Otrzymał zlecenie stworzenia muralu o wymiarach 8 na 20 stóp (2,4 na 6,1 m) (1943) dla wejścia do jej nowej kamienicy. Za namową swojego przyjaciela i doradcy Marcela Duchampa Pollock namalował dzieło na płótnie, a nie na ścianie, aby było przenośne. Po obejrzeniu wielkiego muralu krytyk sztuki Clement Greenberg napisał: „Jeden raz na to spojrzałem i pomyślałem: 'Teraz to wspaniała sztuka' i wiedziałem, że Jackson był największym malarzem, jaki wyprodukował ten kraj”. Katalog wprowadzający jego pierwszą wystawę opisywał talent Pollocka jako „wulkaniczny. Ma ogień. Jest nieprzewidywalny. Jest niezdyscyplinowany.

Okres kapania

Najsłynniejsze obrazy Pollocka powstały w okresie „kroplówki” w latach 1947-1950. Stał się sławny po czterostronicowym rozkładzie w magazynie Life z 8 sierpnia 1949 r., który zapytał: „Czy jest on największym żyjącym malarzem w Stanach Zjednoczonych?”. Dzięki pośrednictwu Alfonso Ossorio , bliskiego przyjaciela Pollocka i historyka sztuki Michela Tapié , młody właściciel galerii Paul Facchetti , od 7 marca 1952 roku zdołał zrealizować pierwszą wystawę prac Pollocka w latach 1948-1951 w swoim Studio Paul Facchetti w Paryżu iw Europie. U szczytu swojej sławy Pollock nagle porzucił styl kroplówki.

Prace Pollocka po 1951 roku miały ciemniejszy kolor, w tym kolekcja malowana na czarno na niezagruntowanych płótnach . Obrazy te określano mianem „Czarnych nalewek”, a kiedy wystawiał je w galerii Betty Parsons w Nowym Jorku, żaden z nich nie był sprzedawany. Parsons później sprzedał jeden przyjacielowi za połowę ceny. Prace te ukazują Pollocka próbującego znaleźć równowagę między abstrakcją a przedstawieniem postaci .

Później powrócił do używania koloru i kontynuował elementy figuratywne. W tym okresie Pollock przeniósł się do Sidney Janis Gallery , bardziej komercyjnej galerii; zapotrzebowanie na jego prace ze strony kolekcjonerów było ogromne. W odpowiedzi na tę presję, wraz z osobistą frustracją, jego alkoholizm się pogłębił.

Związek z Lee Krasnerem

Obaj artyści spotkali się, gdy obaj wystawiali w Galerii McMillen w 1942 roku. Krasner nie był zaznajomiony, ale zaintrygowany twórczością Pollocka, i bez zapowiedzi udał się do jego mieszkania, aby spotkać się z nim po wystawie w galerii. W październiku 1945 Pollock i Lee Krasner pobrali się w kościele w obecności dwóch świadków. W listopadzie wyprowadzili się z miasta do obszaru Springs w East Hampton na południowym brzegu Long Island . Z pomocą zaliczki od Peggy Guggenheim kupili dom i stodołę o konstrukcji drewnianej przy 830 Springs Fireplace Road. Pollock przekształcił stodołę w studio. W tej przestrzeni doskonalił swoją wielką technikę „kroplówki” pracy z farbą, z którą na stałe utożsamiał się. Kiedy para znalazła się wolni od pracy, chętnie spędzali wspólnie czas na gotowaniu i pieczeniu, pracy w domu i ogrodzie oraz zabawianiu przyjaciół.

Studio Pollocka w Springs, Nowy Jork

Wpływ Krasner na twórczość męża był czymś, co krytycy zaczęli ponownie oceniać w drugiej połowie lat 60. ze względu na ówczesny rozwój feminizmu. Szeroka wiedza Krasner i jej wykształcenie w zakresie sztuki i technik nowoczesnych pomogły jej w unaocznieniu Pollockowi tego, czym powinna być sztuka współczesna. Często uważa się, że Krasner nauczyła męża dominujących zasad malarstwa modernistycznego. Pollock był wtedy w stanie zmienić swój styl, aby pasował do bardziej zorganizowanego i kosmopolitycznego gatunku sztuki współczesnej, a Krasner stał się jedynym sędzią, któremu mógł zaufać. Na początku małżeństwa dwóch artystów Pollock ufał opiniom swojego odpowiednika na temat tego, co działało lub nie działało w jego pracach. Krasner był również odpowiedzialny za przedstawienie go wielu kolekcjonerom, krytykom i artystom, w tym Herbert Matter , którzy pomogli mu w dalszej karierze jako wschodzącego artysty. Handlarz dziełami sztuki John Bernard Myers powiedział kiedyś, że „nie byłoby Jacksona Pollocka bez Lee Pollocka”, podczas gdy inny malarz Fritz Bultman określił Pollocka jako „twórczość Krasnera , jej Frankenstein”, obaj dostrzegali ogromny wpływ Krasnera na karierę Pollocka .

Historycy sztuki często dyskutują o wpływie Jacksona Pollocka na twórczość jego żony. Wiele osób uważało, że Krasner zaczęła odtwarzać i reinterpretować chaotyczne rozpryski farby męża we własnej pracy. Istnieje kilka relacji, w których Krasner zamierzała wykorzystać własną intuicję, jako sposób na przejście do techniki Pollocka „Jestem naturą”, aby odtworzyć naturę w swojej sztuce.

Późniejsze lata i śmierć (1955-1956)

Grób Jacksona Pollocka z tyłu z grobem Lee Krasnera z przodu na cmentarzu Green River

W 1955 Pollock namalował Scent and Search , swoje ostatnie dwa obrazy. W 1956 roku w ogóle nie malował, ale w domu Tony'ego Smitha robił rzeźby : konstrukcje z drutu, gazy i gipsu. Ukształtowane przez odlewanie z piasku mają mocno teksturowane powierzchnie, podobne do tego, co Pollock często tworzył na swoich obrazach.

Związek Pollocka i Krasnera zaczął się rozpadać w 1956 roku, z powodu ciągłego alkoholizmu Pollocka i niewierności z udziałem Ruth Kligman . 11 sierpnia 1956 r. o godzinie 22.15 Pollock zginął w wypadku jednego samochodu kabrioletem Oldsmobile , jadąc pod wpływem alkoholu. W tym czasie Krasner odwiedzała przyjaciół w Europie i nagle wróciła, słysząc wieści od przyjaciela. Jedna z pasażerów, Edith Metzger, również zginęła w wypadku, który miał miejsce niecałą milę od domu Pollocka. Drugi pasażer, Ruth Kligman, artystka i kochanka Pollocka, przeżyła. W grudniu 1956 roku, cztery miesiące po śmierci, Pollock otrzymał pamiątkową wystawę retrospektywną w Museum of Modern Art (MoMA) w Nowym Jorku. Większa, bardziej obszerna wystawa jego prac odbyła się tam w 1967 roku. W latach 1998 i 1999 jego prace zostały uhonorowane dużymi wystawami retrospektywnymi w MoMA i The Tate w Londynie.

Przez resztę życia jego wdowa Lee Krasner zarządzała jego majątkiem i dbała o to, aby reputacja Pollocka pozostała silna pomimo zmieniających się trendów w świecie sztuki. Para jest pochowana na cmentarzu Green River w Springs, gdzie duży głaz oznacza jego grób, a mniejszy – jej grób.

Kunszt

Wpływ i technika

Prace Thomasa Harta Bentona , Pabla Picassa i Joana Miró wpłynęły na Pollocka. Pollock zaczął używać farb na bazie żywic syntetycznych, zwanych emaliami alkidowymi , które w tamtym czasie były nowatorskim medium. Pollock opisał to użycie farb domowych, zamiast farb artysty, jako „naturalny wzrost z potrzeby”. Jako aplikatorów farby używał utwardzonych pędzli, patyczków, a nawet strzykawek do fastrygowania. Technika polewania i kapania farby Pollocka uważana jest za jeden z początków terminu action painting . Dzięki tej technice Pollock był w stanie osiągnąć bardziej bezpośredni sposób tworzenia sztuki, farba dosłownie spływała teraz z wybranego przez niego narzędzia na płótno. Przełamując konwencję malowania na pionowej powierzchni, dodał nowy wymiar, będąc w stanie oglądać i nakładać farbę na swoje płótna ze wszystkich kierunków.

Jednym z definitywnych wpływów na Pollocka była praca ukraińskiej amerykańskiej artystki Janet Sobel (1894–1968) (ur. Jennie Lechovsky). Peggy Guggenheim uwzględniła prace Sobel w swojej Galerii Sztuki tego stulecia w 1945 roku. Jackson Pollock i krytyk sztuki Clement Greenberg widzieli tam prace Sobel w 1946 roku, a później Greenberg zauważył, że Sobel miał „bezpośredni wpływ na technikę malowania kroplowego Jacksona Pollocka”. W swoim eseju „American-Type Painting” Greenberg zauważył, że te prace były pierwszymi z całości malarstwa , jakie widział, i powiedział: „Pollock przyznał, że te obrazy zrobiły na nim wrażenie”.

Malując w ten sposób, Pollock odszedł od przedstawienia figuratywnego i zakwestionował zachodnią tradycję używania sztalug i pędzla. Do malowania używał siły całego ciała, co wyrażało się na wielkich płótnach. W 1956 r. magazyn Time nazwał Pollocka „Jack the Dripper” ze względu na jego styl malarski.

Moje malarstwo nie pochodzi ze sztalugi. Wolę przykleić nierozciągnięte płótno do twardej ściany lub podłogi. Potrzebuję odporności twardej powierzchni. Na podłodze czuję się swobodniej. Czuję się bliżej, bardziej częścią obrazu, bo w ten sposób mogę go obejść, pracować z czterech stron i dosłownie być w obrazie.

Wciąż oddalam się od zwykłych narzędzi malarskich, takich jak sztalugi, palety, pędzle itp. Preferuję kije, kielnie, noże i kapiącą farbę płynną lub ciężkie impasto z dodatkiem piasku, potłuczonego szkła lub innych ciał obcych.

Kiedy jestem na obrazie, nie jestem świadomy tego, co robię. Dopiero po pewnym okresie „zapoznania się” widzę, o co mi chodziło. Nie boję się zmian, zniszczenia obrazu itp., bo obraz żyje własnym życiem. Staram się, żeby to przeszło. Dopiero gdy tracę kontakt z obrazem, powstaje bałagan. Inaczej jest czysta harmonia, łatwe dawanie i branie, a obraz wyjdzie dobrze.

—  Jackson Pollock, Moje Malarstwo , 1956

Pollock obserwował demonstracje malowania piaskowego przez rdzennych Amerykanów w latach 40. XX wieku. Odnosząc się do swojego stylu malowania na podłodze, Pollock stwierdził: „Czuję się bliżej, bardziej częścią obrazu, ponieważ w ten sposób mogę go obejść, pracować z czterech stron i dosłownie być w obrazie. metody indyjskich malarzy piaskowych z Zachodu”. Inne wpływy na jego technikę kroplówki to meksykańscy muraliści i surrealistyczny automatyzm. Pollock zaprzeczył poleganiu na „wypadku”; zwykle miał wyobrażenie o tym, jak chciał, aby pojawiło się konkretne dzieło. Jego technika łączyła ruch ciała, nad którym miał kontrolę, lepki przepływ farby, siłę grawitacji i wchłanianie farby przez płótno. Była to mieszanka czynników dających się kontrolować i nie dających się kontrolować. Rzucając, ociekając, przelewając i rozpryskując, poruszał się energicznie po płótnie, prawie jak w tańcu, i nie zatrzymywał się, dopóki nie zobaczył tego, co chciał zobaczyć.

Artykuł austriackiego artysty Wolfganga Paalena o sztuce totemicznej rdzennych mieszkańców Kolumbii Brytyjskiej, w którym koncepcja przestrzeni w sztuce totemistycznej jest rozpatrywana z punktu widzenia artysty, wywarł również wpływ na Pollocka; Pollock posiadał sygnowaną i zadedykowaną kopię magazynu „Amerindian Number of Paalen” (DYN 4–5, 1943). Widział też surrealistyczne obrazy Paalena na wystawie w 1940 roku. Innym silnym wpływem musiała być surrealistyczna technika fumage Paalena , która przemawiała do malarzy szukających nowych sposobów przedstawiania tego, co nazywano „niewidzialnym” lub „możliwym”. Technika została kiedyś zademonstrowana w warsztacie Matty, o czym Steven Naifeh opowiada: „Kiedy Matta demonstrował surrealistyczną technikę [Paalena] Fumage, Jackson [Pollock] zwrócił się do (Petera) Busy i powiedział scenicznym szeptem: „Mogę zrobić bez dymu. " " malarz przyjaciela Pollocka Fritz Bultmann nawet stwierdził: «To był Wolfgang Paalen, który to wszystko się zaczęło.»

W 1950 roku Hans Namuth , młody fotograf, chciał zrobić zdjęcia – zarówno fotosy, jak i ruchome – Pollocka przy pracy. Pollock obiecał rozpocząć nowy obraz specjalnie na sesję fotograficzną, ale kiedy przybył Namuth, Pollock przeprosił i powiedział, że obraz jest skończony.

Fotograf Hans Namuth obszernie udokumentował unikalne techniki malarskie Pollocka

Namuth powiedział, że kiedy wszedł do studia:

Kapiące mokre płótno pokrywało całą podłogę... Zapadła kompletna cisza... Pollock spojrzał na obraz. Potem niespodziewanie podniósł puszkę i pędzel do malowania i zaczął poruszać się po płótnie. To było tak, jakby nagle zdał sobie sprawę, że obraz nie jest skończony. Jego ruchy, początkowo powolne, stopniowo stawały się szybsze i bardziej taneczne, jakby rzucał na płótno czarną, białą i rdzawą farbę. Całkowicie zapomniał, że Lee i ja tam byliśmy; zdawał się nie słyszeć trzasku migawki aparatu... Moja sesja fotograficzna trwała tak długo, jak malował, może pół godziny. Przez cały ten czas Pollock nie zatrzymał się. Jak utrzymać ten poziom aktywności? Wreszcie powiedział: „To jest to”.

Najwspanialsze obrazy Pollocka ... pokazują, że jego cała linia nie rodzi pozytywnych ani negatywnych obszarów: nie czujemy, że jedna część płótna domaga się odczytania jako figury, abstrakcyjnej lub przedstawiającej, na tle innej części płótna odczytywane jako grunt. Linii Pollocka ani przestrzeni, przez którą się porusza, nie ma ani wewnątrz, ani na zewnątrz. ... Pollockowi udało się uwolnić linię nie tylko od jej funkcji przedstawiania przedmiotów w świecie, ale także od zadania opisywania lub ograniczania kształtów lub postaci, czy to abstrakcyjnych, czy przedstawiających, na powierzchni płótna.

—  Karmel, 132

Od nazewnictwa do numeracji

Kontynuując poszukiwania przez widza elementów figuratywnych w swoich obrazach, Pollock porzucił tytuły i zaczął numerować swoje prace. Powiedział o tym: „Patrz biernie i postaraj się otrzymać to, co obraz ma do zaoferowania, a nie przynoś tematu lub z góry przyjętego pomysłu na to, czego mają szukać”. Jego żona powiedziała: „Kiedyś nadawał obrazom konwencjonalne tytuły… ale teraz po prostu je numeruje. Liczby są neutralne.

Krytyczna debata

Praca Pollocka była przedmiotem ważnych debat krytycznych. Krytyk Robert Coates kiedyś wyśmiewał wiele prac Pollocka jako „zwykłą niezorganizowaną eksplozję przypadkowej energii, a zatem bez znaczenia”. Reynold's News w nagłówku z 1959 roku napisał: „To nie jest sztuka – to żart w złym guście”. Z drugiej strony, francuski malarz abstrakcyjny Jean Hélion zauważył, że po raz pierwszy zobaczył Pollocka: „Wypełniał przestrzeń, która toczy się i trwa, ponieważ nie ma początku ani końca”. Clement Greenberg wspierał prace Pollocka na gruncie formalistycznym. Pasowało to dobrze do poglądu Greenberga na historię sztuki jako postępujące oczyszczanie formy i eliminację treści historycznych. Uważał twórczość Pollocka za najlepsze malarstwo swoich czasów i kulminację tradycji zachodniej poprzez kubizm i Cézanne'a do Maneta .

W artykule w ARTnews z 1952 r. Harold Rosenberg ukuł termin „ action painting ” i napisał, że „to, co miało trafić na płótno, nie było obrazem, ale wydarzeniem. Gest na płótnie był gestem wyzwolenia z wartości – politycznej, estetycznej, moralnej”. Wiele osób zakładało, że wzorował swój paradygmat „action painter” na Pollocku.

Kongres Wolności Kultury , organizacji promujących kulturę amerykańską i wartości, wsparte przez Centralnej Agencji Wywiadowczej (CIA), sponsorowany wystawy prac Pollocka. Niektórzy lewicowi uczeni, w tym Eva Cockcroft , argumentowali, że rząd Stanów Zjednoczonych i bogata elita przyjęli Pollocka i abstrakcyjny ekspresjonizm, aby umieścić Stany Zjednoczone w czołówce światowej sztuki i zdewaluować socrealizm . Cockcroft napisał, że Pollock stał się „bronią zimnej wojny ”.

Pollock opisał swoją sztukę jako „ruch uczynił widzialne wspomnienia, zatrzymane w przestrzeni”.

Spuścizna

Uderzenie

Barwienie Pollocka na surowe płótno zostało zaadaptowane przez malarzy Color Field Helen Frankenthaler i Morrisa Louisa . Frank Stella uczynił „kompozycję na całej powierzchni” znakiem rozpoznawczym swoich prac z lat 60. XX wieku. Te happeningi artysty Allan Kaprow , rzeźbiarze Richard Serra i Eva Hesse i wielu współczesnych artystów zachowały nacisk Pollocka na proces tworzenia; wpływ na nie miał jego podejście do procesu, a nie wygląd jego pracy.

W 2004 roku One: Number 31, 1950 zajęło ósme miejsce w rankingu najbardziej wpływowych dzieł sztuki nowoczesnej w plebiscycie 500 artystów, kuratorów, krytyków i dilerów.

W popkulturze i mediach

W 1960 roku album Ornette'a Colemana Free Jazz: A Collective Improvisation zawierał obraz Pollocka, Białe światło , jako okładkę.

Na początku lat 90. trzy grupy filmowców opracowywały projekty biograficzne Pollocka, z których każda opierała się na innym źródle. Projekt, który na pierwszy rzut oka wydawał się najbardziej zaawansowany, był wspólnym przedsięwzięciem Barwood Films Barbra Streisand i TriBeCa Productions Roberta De Niro (rodzice De Niro byli przyjaciółmi Krasnera i Pollocka). Scenariusz Christophera Clevelanda miał być oparty na ustnej biografii Jeffreya Pottera z 1985 roku, To a Violent Grave , zbiorze wspomnień przyjaciół Pollocka. Streisand miał zagrać rolę Lee Krasnera, a De Niro miał zagrać Pollocka. Drugi miał być oparty na Love Affair (1974), pamiętniku Ruth Kligman , która była kochanką Pollocka na sześć miesięcy przed jego śmiercią. Film miał wyreżyserować Harold Becker , z Al Pacino w roli Pollocka.

W 2000 roku ukazał się biograficzny film Pollock , oparty na biografii nagrodzonej Pulitzerem , Jackson Pollock: An American Saga , wyreżyserowany przez Eda Harrisa , w którym wystąpił w roli głównej . Marcia Gay Harden zdobyła Oscara dla najlepszej aktorki drugoplanowej za rolę Lee Krasnera. Film był projektem Eda Harrisa, który wcielił się w Pollocka. Był nominowany do Oscara dla najlepszego aktora . Sam Harris namalował prace widoczne w filmie. Fundacja Pollocka-Krasnera nie autoryzowała ani nie współpracowała z żadną produkcją.

We wrześniu 2009 historyk sztuki Henry Adams twierdził w magazynie Smithsonian, że Pollock napisał swoje imię na swoim słynnym obrazie Mural (1943). Obraz jest teraz ubezpieczony na 140 mln USD. W 2011 roku republikański reprezentant stanu Iowa Scott Raecker przedstawił projekt ustawy, która miała wymusić sprzedaż dzieł sztuki, będących w posiadaniu Uniwersytetu Iowa, w celu sfinansowania stypendiów, ale jego projekt wywołał tak duże kontrowersje, że został szybko wycofany.

Rynek sztuki

W 1973 roku numer 11, 1952 (znany również jako Blue Poles ) został zakupiony przez australijski rząd Whitlam dla Galerii Narodowej Australii za 2 mln USD (1,3 mln AUD w momencie płatności). W tamtych czasach była to najwyższa cena, jaką kiedykolwiek zapłacono za nowoczesny obraz. Obraz jest obecnie jednym z najpopularniejszych eksponatów w galerii. Był centralnym punktem retrospektywy Muzeum Sztuki Nowoczesnej w 1998 roku w Nowym Jorku, po raz pierwszy od czasu zakupu obrazu w Ameryce.

W listopadzie 2006 roku nr 5 Pollocka , 1948 stał się najdroższym obrazem świata, kiedy został sprzedany prywatnie nieujawnionemu nabywcy za sumę 140 milionów dolarów. Kolejny rekord artysty ustanowiono w 2004 roku, kiedy nr 12 (1949), średniej wielkości obraz ściekowy, który był pokazywany w Pawilonie Stanów Zjednoczonych na Biennale w Wenecji w 1950 roku , przyniósł 11,7 miliona dolarów w Christie's w Nowym Jorku. W 2012 r. Numer 28, 1951 , jedno z połączeń artysty z kroplówką i pędzlem w odcieniach srebrzystej szarości z czerwienią, żółcią i ujęciami błękitu i bieli, również sprzedane w Christie's w stanie Nowy Jork za 20,5 mln USD – 23 mln USD z opłatami – w szacowanym przedziale od 20 do 30 mln USD.

W 2013 roku Pollock's Number 19 (1948) został sprzedany przez Christie's za zgłoszoną kwotę 58 363 750 USD podczas aukcji, która ostatecznie osiągnęła łączną sprzedaż 495 mln USD w ciągu jednej nocy, co według Christie's jest dotychczas rekordową jako najdroższa aukcja sztuki współczesnej.

W lutym 2016 r. Bloomberg News poinformował, że Kenneth C. Griffin kupił od Davida Geffena obraz Jacksona Pollocka z 1948 r. Numer 17A za 200 mln USD .

Problemy z autentycznością

Rada Uwierzytelniania Pollock-Krasner została utworzona przez Fundację Pollock-Krasner w 1990 roku w celu oceny nowo znalezionych prac do nadchodzącego dodatku do katalogu z 1978 roku. Jednak w przeszłości Fundacja Pollocka-Krasnera odmawiała angażowania się w sprawy dotyczące uwierzytelniania.

W 2006 roku powstał film dokumentalny Kto *$&% to Jackson Pollock? dotyczy Teri Horton, kierowcy ciężarówki, który kupił abstrakcyjny obraz za pięć dolarów w sklepie z używanymi rzeczami w Kalifornii w 1992 roku. Ta praca może być zaginionym obrazem Pollocka, ale jego autentyczność jest dyskusyjna.

Bez tytułu 1950 , który nowojorska Knoedler Gallery sprzedała w 2007 roku za 17 milionów dolarów Pierre'owi Lagrange'owi, multimilionerowi z londyńskiego funduszu hedgingowego, została pozwana przed Sądem Okręgowym Stanów Zjednoczonych dla Południowego Okręgu Nowego Jorku . Stwierdzono, że malowidło o skromnych rozmiarach (15 na 28 1/2 cala), wykonane w klasycznym stylu malarskim i podpisanym „J. Pollock”, zawierało żółte pigmenty farby, które nie były dostępne w handlu do około 1970 roku. uregulowane w poufnym porozumieniu w 2012 roku.

Komputerowa analiza fraktalna

W 1999 roku fizyk i artysta Richard Taylor wykorzystał analizę komputerową, aby pokazać podobieństwa między malowanymi wzorami Pollocka a fraktalami (wzory, które powtarzają się w wielu skalach rozmiarów) znalezionymi w naturalnej scenerii, odzwierciedlając własne słowa Pollocka „Jestem naturą”. Jego zespół badawczy nazwał ekspresjonizm fraktalny w stylu Pollocka .

W 2003 roku w szafce w Wainscott w stanie Nowy Jork znaleziono 24 obrazy i rysunki Pollockesque . W 2005 roku Fundacja Pollocka-Krasnera poprosiła o analizę fraktalną po raz pierwszy w sporze o autentyczność. Naukowcy z University of Oregon wykorzystali tę technikę, aby zidentyfikować różnice między wzorami w sześciu analizowanych spornych obrazach i 14 ustalonych Pollocks. Analiza pigmentu obrazów przeprowadzona przez naukowców z Uniwersytetu Harvarda wykazała obecność w jednym obrazie syntetycznego pigmentu, który nie został opatentowany do lat 80. XX wieku, oraz materiałów w dwóch innych, które nie były dostępne za życia Pollocka.

W 2007 roku zorganizowano wędrowną wystawę muzealną obrazów, której towarzyszyła obszerna książka, Pollock Matters , napisana przez Ellen G. Landau, jedną z czterech uczonych z byłego panelu uwierzytelniającego Fundacji Pollocka Krasnera z lat 90., oraz Claude'a Cernuschi, stypendysta ekspresjonizmu abstrakcyjnego. W książce Landau pokazuje wiele powiązań między rodziną, która jest właścicielem obrazów, a Jacksonem Pollockiem za jego życia, aby umieścić obrazy w tym, co uważa za ich właściwy kontekst historyczny. Landau przedstawia również wyniki badań kryminalistycznych Uniwersytetu Harvarda i przedstawia możliwe wyjaśnienia niespójności kryminalistycznych, które zostały znalezione na trzech z 24 obrazów. Jednak naukowiec, który wynalazł jeden z nowoczesnych pigmentów, odrzucił możliwość, że Pollock używał tej farby jako „nieprawdopodobnej do punktu fantazji”.

Następnie ponad 10 grup naukowych wykonało analizę fraktalną ponad 50 prac Pollocka. Badanie z 2015 roku, w którym wykorzystano analizę fraktalną jako jedną z technik, osiągnęło 93% wskaźnik sukcesu, odróżniając prawdziwych od fałszywych mintajów. Obecne badania Fractal Expressionism skupiają się na reakcji człowieka na oglądanie fraktali. Neuronaukowcy poznawczy wykazali, że fraktale Pollocka wywołują taką samą redukcję stresu u obserwatorów, jak fraktale generowane komputerowo i fraktale natury.

Archiwa

Lee Krasner przekazała dokumenty Pollocka do Archives of American Art w 1983 roku. Później zostały zarchiwizowane wraz z jej własnymi dokumentami. Archives of American Art zawiera również dokumenty Charlesa Pollocka, które zawierają korespondencję, zdjęcia i inne akta dotyczące jego brata Jacksona.

Oddzielna organizacja, Fundacja Pollocka-Krasnera , została założona w 1985 roku. Fundacja funkcjonuje jako oficjalny majątek zarówno dla Pollocka, jak i dla wdowy po nim, ale także na podstawie testamentu Krasnera służy „pomocy poszczególnym zasłużonym artystom pracującym z potrzebami finansowymi ”. Amerykańskim przedstawicielem ds. praw autorskich w Fundacji Pollocka-Krasnera jest Stowarzyszenie Praw Artystów .

Pollock-Krasner Dom i Studio jest własnością i jest zarządzana przez Fundację Stony Brook, nonprofit powiązanej Stony Brook University . Regularne zwiedzanie domu i studia odbywa się od maja do października.

Lista głównych prac

Studio-podłoga Pollocka w Springs, Nowy Jork , wizualny rezultat bycia jego główną powierzchnią malarską od 1946 do 1953

Bibliografia

Dalsza lektura

Zewnętrzne linki

Linki do muzeum