John Cage - John Cage

Ten artykuł dotyczy kompozytora. Dla innych zastosowań, zobacz John Cage (ujednoznacznienie) .

John Cage
John Cage (1988).jpg
Klatka w 1988
Urodzić się
John Milton Cage Jr.

( 05.09.1912 )5 września 1912 r
Los Angeles, Kalifornia
Zmarł 12 sierpnia 1992 (1992-08-12)(w wieku 79)
Manhattan , Nowy Jork
Narodowość amerykański
Edukacja Pomona College
Zawód Kompozytor i teoretyk muzyki
Małżonkowie Xenia Cage (m. 1935⁠-1945)
Wzmacniacz) Merce Cunningham
Podpis
Podpis klatki.svg

John Milton Cage Jr. (5 września 1912 – 12 sierpnia 1992) był amerykańskim kompozytorem , teoretykiem muzyki , artystą i filozofem . Pionier nieokreśloności w muzyce , muzyce elektroakustycznej i nietypowym wykorzystaniu instrumentów muzycznych , Cage był jedną z czołowych postaci powojennej awangardy . Krytycy okrzyknęli go jednym z najbardziej wpływowych kompozytorów XX wieku. Odegrał także kluczową rolę w rozwoju tańca współczesnego , głównie dzięki współpracy z choreografem Merce Cunninghamem , który był również romantycznym partnerem Cage'a przez większość ich życia.

Cage jest chyba najbardziej znany ze swojej kompozycji 4′33″ z 1952 roku , która jest wykonywana bez zamierzonego dźwięku ; muzycy, którzy prezentują utwór, nie robią nic poza obecnością na czas określony w tytule. Treścią kompozycji nie są „cztery minuty i 33 sekundy ciszy”, jak się często zakłada, ale dźwięki otoczenia słyszane przez publiczność podczas występu. Wyzwaniem pracach do przyjętych definicji około muzykalność i doświadczenia muzyczne sprawiły, że popularny i kontrowersyjny temat zarówno w muzykologii i szersze estetyka w sztuce i wydajności . Cage był także pionierem fortepianu preparowanego (pianina o brzmieniu zmienianym przez przedmioty umieszczane pomiędzy lub na strunach lub młotach), dla którego napisał wiele utworów związanych z tańcem oraz kilka utworów koncertowych. Najbardziej znane z nich to Sonaty i Interludia (1946-48).

Jego nauczycielami byli Henry Cowell (1933) i Arnold Schoenberg (1933-35), obaj znani z radykalnych innowacji w muzyce, ale główne wpływy Cage'a tkwiły w różnych kulturach Azji Wschodniej i Południowej . Poprzez swoje studia filozofii indyjskiej i buddyzmu zen w latach 1940, Cage wszedł do idei aleatorycznej lub przypadkowego muzyki kontrolowanych przez, który zaczął komponować w 1951 roku I Ching , starożytną chińską klasyczny tekst narzędzie podejmowania decyzji, który korzysta przypadkowe operacje mające na celu sugerowanie odpowiedzi na pytania, które można postawić, stały się na resztę życia standardowym narzędziem kompozycyjnym Cage'a. W wykładzie „ Muzyka eksperymentalna” z 1957 r. opisał muzykę jako „bezcelową zabawę”, która jest „afirmacją życia – nie próbą wyprowadzenia porządku z chaosu ani sugestii ulepszeń w tworzeniu, ale po prostu sposobem przebudzenia się do samo życie, którym żyjemy”.

Życie

1912-1931: Wczesne lata

Cage urodził się 5 września 1912 roku w Szpitalu Dobrego Samarytanina w centrum Los Angeles. Jego ojciec, John Milton Cage Sr. (1886–1964), był wynalazcą, a jego matka, Lucretia („Crete”) Harvey (1881–1968), pracowała z przerwami jako dziennikarka dla „ Los Angeles Times” . Korzenie rodziny były głęboko amerykańskie: w wywiadzie z 1976 roku Cage wspomniał, że George'owi Washingtonowi towarzyszył przodek imieniem John Cage w badaniu kolonii Wirginii . Cage opisał swoją matkę jako kobietę z „poczuciem społeczeństwa”, która „nigdy nie była szczęśliwa”, podczas gdy jego ojca chyba najlepiej charakteryzują jego wynalazki: czasami idealistyczne, takie jak łódź podwodna napędzana olejem napędowym, która wydziela bąbelki spalin, starszy Klatka nie jest zainteresowana niewykrywalną łodzią podwodną; inne rewolucyjne i sprzeczne z normami naukowymi, takie jak „elektrostatyczna teoria pola” wszechświata. John Cage Sr. nauczył syna, że ​​„jeśli ktoś mówi „nie mogę”, to pokazuje, co robić”. W latach 1944–45 Cage napisał dwa małe utwory postaci poświęcone swoim rodzicom: Krecie i Tacie . Ten ostatni to krótki, żywiołowy utwór, który nagle się kończy, podczas gdy „Crete” to nieco dłuższy, w większości melodyjny kontrapunkt.

Pierwsze doświadczenia Cage'a z muzyką pochodziły od prywatnych nauczycieli gry na fortepianie z rejonu Wielkiego Los Angeles i kilku krewnych, w szczególności jego ciotki Phoebe Harvey James, która zapoznała go z muzyką fortepianową XIX wieku. Pierwsze lekcje gry na fortepianie otrzymał w czwartej klasie szkoły, ale chociaż lubił muzykę, bardziej interesował się czytaniem z nut niż rozwijaniem wirtuozowskiej techniki gry na fortepianie i najwyraźniej nie myślał o kompozycji. W liceum jednym z jego nauczycieli muzyki była Fannie Charles Dillon . Jednak w 1928 roku Cage był przekonany, że chce zostać pisarzem. Ukończył w tym roku z Los Angeles High School jako szkołę średnią , mając również na wiosnę danej mowy nagrodzonych w Hollywood Bowl proponując dzień ciszy dla wszystkich Amerykanów. Będąc „przyciszonym i cichym”, powiedział, „powinniśmy mieć okazję usłyszeć, co myślą inni ludzie”, wyprzedzając 4′33″ o ponad trzydzieści lat.

Cage zapisał się do Pomona College w Claremont jako kierunek teologiczny w 1928 roku. Często jednak ponownie przekraczał dyscypliny, jednak napotkał w Pomona prace artysty Marcela Duchampa za pośrednictwem profesora José Pijoana, pisarza Jamesa Joyce'a za pośrednictwem Dona Sample'a, filozofa Anandy Coomaraswamy'ego i Henry'ego Cowella . W 1930 zrezygnował, dochodząc do przekonania, że ​​„uczelnia nie jest dla pisarza przydatna” po incydencie opisanym w oświadczeniu autobiograficznym z 1991 roku:

Byłem zszokowany w college'u, widząc w bibliotece stu moich kolegów z klasy czytających kopie tej samej książki. Zamiast robić to, co oni, poszedłem do stosów i przeczytałem pierwszą książkę napisaną przez autora, którego nazwisko zaczynało się na Z. Otrzymałem najwyższą ocenę w klasie. To przekonało mnie, że instytucja nie działa prawidłowo. Wyszedłem.

Cage przekonał rodziców, że podróż do Europy byłaby korzystniejsza dla przyszłego pisarza niż studia. Następnie pojechał autostopem do Galveston i popłynął do Le Havre , skąd wsiadł do pociągu do Paryża. Cage przebywał w Europie około 18 miesięcy, próbując swoich sił w różnych formach sztuki. Najpierw studiował architekturę gotycką i grecką , ale uznał, że nie interesuje się architekturą na tyle, by poświęcić jej życie. Następnie zajął się malarstwem, poezją i muzyką. To właśnie w Europie, zachęcony przez swojego nauczyciela Lazare'a Lévy'ego , po raz pierwszy usłyszał muzykę współczesnych kompozytorów (m.in. Igora Strawińskiego i Paula Hindemitha ) i wreszcie poznał muzykę Jana Sebastiana Bacha , której wcześniej nie doświadczył.

Po kilku miesiącach w Paryżu, entuzjazm Cage'a do Ameryki została reaktywowana po przeczytaniu Walt Whitman „s liści trawy - chciał natychmiast powrócić, ale jego rodzice, z którymi regularnie wymieniane litery podczas całej podróży, przekonał go do pozostania w Europie na trochę dłużej i poznaj kontynent. Cage zaczął podróżować, odwiedzał różne miejsca we Francji, Niemczech i Hiszpanii, a także Capri i co najważniejsze Majorkę , gdzie zaczął komponować. Jego pierwsze kompozycje powstawały przy użyciu gęstych formuł matematycznych, ale Cage był niezadowolony z rezultatów i po odejściu zostawił gotowe utwory. Skojarzenie Cage'a z teatrem rozpoczęło się również w Europie: podczas spaceru po Sewilli był świadkiem, jak sam powiedział, „wielu jednoczesnych wizualnych i dźwiękowych wydarzeń, które łączą się w jednym doświadczeniu i wytwarzają przyjemność”.

1931-1936: Praktyki

Cage wrócił do Stanów Zjednoczonych w 1931 roku. Pojechał do Santa Monica w Kalifornii , gdzie utrzymywał się częściowo z małych, prywatnych wykładów o sztuce współczesnej. Poznał różne ważne postacie świata sztuki południowej Kalifornii, takie jak Richard Buhlig (który został jego pierwszym nauczycielem kompozycji) i mecenas sztuki Galka Scheyer . W 1933 Cage postanowił skoncentrować się na muzyce, a nie na malarstwie. „Ludzie, którzy słyszeli moją muzykę, mieli lepsze rzeczy do powiedzenia na jej temat, niż ci, którzy oglądali moje obrazy, mieli do powiedzenia o moich obrazach” – wyjaśnił później Cage. W 1933 wysłał część swoich kompozycji do Henry'ego Cowella; odpowiedź była „raczej niejasnym listem”, w którym Cowell zasugerował, że Cage studiował z Arnoldem Schoenbergiem — ówczesne pomysły muzyczne Cage'a obejmowały kompozycję opartą na 25- tonowym rzędzie , nieco podobnym do dwunastotonowej techniki Schoenberga . Cowell doradził również, aby Cage przed podejściem do Schoenberga wziął kilka wstępnych lekcji i polecił Adolpha Weissa , byłego ucznia Schoenberga.

Idąc za radą Cowella, Cage udał się do Nowego Jorku w 1933 roku i rozpoczął naukę u Weissa, a także brał lekcje u samego Cowella w The New School . Utrzymywał się finansowo, podejmując pracę przy myciu ścian w Brooklyn YWCA (World Young Women's Christian Association) . Rutyna Cage'a w tym okresie była najwyraźniej bardzo męcząca, z zaledwie czterema godzinami snu przez większość nocy i czterema godzinami kompozycji każdego dnia, począwszy od 4 rano. Kilka miesięcy później, jeszcze w 1933 roku, Cage stał się na tyle dobry w komponowaniu, że zbliżył się do Schönberga. Nie było go stać na cenę Schoenberga, a gdy o niej wspomniał, starszy kompozytor zapytał, czy Cage poświęci swoje życie muzyce. Po tym, jak Cage odpowiedział, że tak, Schoenberg zaoferował mu bezpłatne korepetycje.

Cage studiował u Schoenberga w Kalifornii: najpierw na Uniwersytecie Południowej Kalifornii, a następnie na Uniwersytecie Kalifornijskim w Los Angeles , a także prywatnie. Starszy kompozytor wywarł jeden z największych wpływów na Cage'a, który „dosłownie go czcił”, szczególnie jako przykład tego, jak żyć jako kompozytor. Ślubowanie, które Cage złożył, by poświęcić swoje życie muzyce, było najwyraźniej nadal ważne około 40 lat później, kiedy Cage „nie potrzebował tego [tj. pisania muzyki]”, kontynuował komponowanie, częściowo z powodu obietnicy, którą złożył. Metody Schoenberga i ich wpływ na Cage'a są dobrze udokumentowane przez samego Cage'a w różnych wykładach i pismach. Szczególnie znana jest rozmowa wspomniana w wykładzie z 1958 r. Nieokreślenie :

Po dwóch latach nauki u niego Schoenberg powiedział: „Aby pisać muzykę, trzeba mieć wyczucie harmonii”. Wyjaśniłem mu, że nie mam wyczucia harmonii. Powiedział wtedy, że zawsze napotkam przeszkodę, że będzie to tak, jakbym doszedł do ściany, przez którą nie mógłbym przejść. Powiedziałem: „W takim razie poświęcę swoje życie na uderzanie głową o ten mur”.

Cage uczył się u Schoenberga przez dwa lata, ale choć podziwiał swojego nauczyciela, postanowił odejść po tym, jak Schoenberg powiedział zgromadzonym uczniom, że stara się uniemożliwić im pisanie muzyki. Znacznie później Cage opowiedział o tym incydencie: „...Kiedy to powiedział, zbuntowałem się nie przeciwko niemu, ale przeciwko temu, co powiedział. Postanowiłem wtedy, bardziej niż kiedykolwiek wcześniej, pisać muzykę”. Chociaż Schoenberg nie był pod wrażeniem umiejętności kompozytorskich Cage'a w ciągu tych dwóch lat, w późniejszym wywiadzie, w którym początkowo powiedział, że żaden z jego amerykańskich uczniów nie był interesujący, dalej stwierdził w odniesieniu do Cage'a: „Był jeden… oczywiście, że jest nie kompozytorem, ale wynalazcą – geniuszem”. Cage później przyjął pseudonim „wynalazca” i zaprzeczył, że był w rzeczywistości kompozytorem.

W pewnym momencie, w latach 1934-35, podczas studiów u Schönberga, Cage pracował w sklepie ze sztuką i rzemiosłem swojej matki, gdzie poznał artystkę Xenię Andreyevnę Kashevaroff . Była urodzoną na Alasce córką rosyjskiego księdza; jej prace obejmowały piękną oprawę introligatorską , rzeźbę i kolaż . Chociaż Cage był zaangażowany w relacje z Donem Sample i żoną architekta Rudolpha Schindlera Pauline, kiedy poznał Xenię, od razu się zakochał. Cage i Kashevaroff pobrali się na pustyni w Yuma w Arizonie 7 czerwca 1935 roku.

1937–1949: Taniec nowoczesny i wpływy wschodnie

Zobacz też: Utwory na fortepian preparowany Johna Cage'a

Świeżo poślubiona para najpierw mieszkała z rodzicami Cage'a w Pacific Palisades , a następnie przeniosła się do Hollywood. W latach 1936-38 Cage zmienił wiele pracy, w tym jedną, która zapoczątkowała jego trwające całe życie związanie z tańcem współczesnym: akompaniator tańca na Uniwersytecie Kalifornijskim w Los Angeles . Wyprodukował muzykę do choreografii iw pewnym momencie prowadził ze swoją ciotką Phoebe kurs „Musical Accompaniments for Rhythmic Expression” na UCLA. W tym czasie Cage po raz pierwszy zaczął eksperymentować z niekonwencjonalnymi instrumentami, takimi jak artykuły gospodarstwa domowego, blachy i tak dalej. Zostało to zainspirowane przez Oskara Fischingera , który powiedział Cage'owi, że „wszystko na świecie ma ducha, którego można wyzwolić poprzez jego dźwięk”. Chociaż Cage nie podzielał idei duchów, te słowa zainspirowały go do zbadania dźwięków wytwarzanych przez uderzanie w różne niemuzyczne przedmioty.

W 1938 r., na polecenie Cowella, Cage pojechał do San Francisco, by znaleźć pracę i znaleźć innego studenta Cowella i kompozytora Lou Harrisona . Według Cowella, obaj kompozytorzy mieli wspólne zainteresowania perkusją i tańcem i prawdopodobnie połączyliby to, gdyby zostali przedstawieni sobie nawzajem. Rzeczywiście, po spotkaniu natychmiast nawiązali silną więź i rozpoczęli współpracę, która trwała przez kilka lat. Harrison wkrótce pomógł Cage'owi zdobyć stanowisko członka wydziału w Mills College , ucząc tego samego programu co na UCLA i współpracując z choreografem Marianem van Tuylem . Było obecnych kilka znanych grup tanecznych, a zainteresowanie Cage'a tańcem współczesnym wzrosło. Po kilku miesiącach wyjechał i przeniósł się do Seattle w stanie Waszyngton, gdzie znalazł pracę jako kompozytor i akompaniator u choreografki Bonnie Bird w Cornish College of the Arts . Lata szkoły w Kornwalii okazały się szczególnie ważnym okresem w życiu Cage'a. Oprócz nauczania i pracy jako akompaniator, Cage zorganizował zespół perkusyjny, który objechał Zachodnie Wybrzeże i przyniósł kompozytorowi pierwszą sławę. Jego reputację dodatkowo wzmocniło wynalezienie w 1940 roku preparowanego fortepianu — fortepianu, którego dźwięk zmieniały przedmioty umieszczane na, pod lub między strunami — w 1940 roku. Koncepcja ta była pierwotnie przeznaczona do występów wystawianych w pomieszczeniu zbyt małym, by zawierać pełny zespół perkusyjny. To także w Cornish School Cage poznał wiele osób, które zaprzyjaźniły się na całe życie, takich jak malarz Mark Tobey i tancerz Merce Cunningham . Ten ostatni miał zostać dożywotnim romantycznym partnerem i współpracownikiem artystycznym Cage'a.

Cage opuścił Seattle latem 1941 roku po tym, jak malarz László Moholy-Nagy zaprosił go do nauczania w Chicago School of Design (która później przekształciła się w IIT Institute of Design ). Kompozytor zgodził się częściowo, ponieważ miał nadzieję znaleźć w Chicago możliwości, które nie były dostępne w Seattle, aby zorganizować centrum muzyki eksperymentalnej. Te możliwości się nie zmaterializowały. Cage wykładał w Chicago School of Design i pracował jako akompaniator i kompozytor na Uniwersytecie w Chicago . W pewnym momencie jego reputacja jako kompozytora instrumentów perkusyjnych sprawiła, że ​​otrzymał zamówienie od Columbia Broadcasting System na skomponowanie ścieżki dźwiękowej do słuchowiska radiowego Kennetha Patchena . Wynik, Miasto ubiera się w garbaty kapelusz , został dobrze przyjęty, a Cage wywnioskował, że pojawią się ważniejsze zlecenia. W nadziei, że je znajdzie, wyjechał z Chicago do Nowego Jorku wiosną 1942 roku.

W Nowym Jorku Klatki po raz pierwszy zatrzymały się u malarza Maxa Ernsta i Peggy Guggenheim . Za ich pośrednictwem Cage poznał wielu ważnych artystów, takich jak Piet Mondrian , André Breton , Jackson Pollock , Marcel Duchamp i wielu innych. Guggenheim był bardzo pomocny: Cages mogli zostać z nią i Ernstem przez dowolny czas, a ona zaproponowała zorganizowanie koncertu muzyki Cage'a na otwarciu jej galerii, która obejmowała opłacenie transportu instrumentów perkusyjnych Cage'a z Chicago. Po tym, jak dowiedziała się, że Cage zapewnił sobie kolejny koncert, w Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MoMA) Guggenheim wycofał wszelkie wsparcie i nawet po ostatecznie udanym koncercie MoMA Cage został bezdomny, bezrobotny i bez grosza. Zamówienia, na które liczył, nie doszły do ​​skutku. On i Xenia spędzili lato 1942 roku z tancerką Jean Erdman i jej mężem Josephem Campbellem . Bez instrumentów perkusyjnych Cage ponownie zwrócił się do preparowanego fortepianu, tworząc pokaźny zbiór utworów do występów różnych choreografów, w tym Merce'a Cunninghama, który przeniósł się do Nowego Jorku kilka lat wcześniej. Cage i Cunningham w końcu zostali romantycznie zaangażowani, a małżeństwo Cage'a, rozpadające się już na początku lat 40., zakończyło się rozwodem w 1945 roku. Cunningham pozostał partnerem Cage'a do końca życia. Cage przeciwdziałał również brakowi instrumentów perkusyjnych, pisząc, przy jednej okazji, na głos i zamknięty fortepian: powstały utwór, The Wonderful Widow of Eighteen Springs (1942), szybko stał się popularny i był wykonywany przez słynny duet Cathy Berberian i Luciano Berio . W 1944 roku pojawił się w Maya Deren „s na lądowych , 15-minutowego niemego filmu eksperymentalnego.

Podobnie jak jego życie osobiste, życie artystyczne Cage'a przeszło kryzys w połowie lat 40. XX wieku. Kompozytor przeżywał narastające rozczarowanie ideą muzyki jako środka przekazu: publiczność rzadko akceptowała jego twórczość, a sam Cage miał kłopoty ze zrozumieniem muzyki swoich kolegów. Na początku 1946 roku Cage zgodził się być korepetytorem Gity Sarabhai, indyjskiego muzyka, który przyjechał do USA, aby studiować muzykę zachodnią. W zamian poprosił ją, aby nauczyła go o indyjskiej muzyce i filozofii. Cage uczestniczył również, pod koniec lat 40. i na początku lat 50., w wykładach DT Suzuki na temat buddyzmu zen i czytał dalej prace Coomaraswamy'ego . Pierwszymi owocami tych studiów były utwory inspirowane koncepcjami indyjskimi: Sonaty i Interludia na fortepian preparowany, Kwartet smyczkowy w czterech częściach i inne. Cage zaakceptował cel muzyki, jak wyjaśnił mu Sarabhai: „otrzeźwić i wyciszyć umysł, czyniąc go podatnym na boskie wpływy”.

Na początku 1946 roku jego były nauczyciel Richard Buhlig zaaranżował spotkanie Cage'a z urodzoną w Berlinie pianistką Grete Sultan , która uciekła przed nazistowskimi prześladowaniami do Nowego Jorku w 1941 roku. Stali się bliskimi przyjaciółmi na całe życie, a Cage poświęcił później część swojej Muzyki na fortepian oraz monumentalny cykl fortepianowy Etudes Australes do niej.

Lata 50.: Odkrywanie szansy

Po występie w Carnegie Hall w Nowym Jorku w 1949 roku Cage otrzymał stypendium Fundacji Guggenheima , które umożliwiło mu odbycie podróży do Europy, gdzie poznał kompozytorów takich jak Olivier Messiaen i Pierre Boulez . Ważniejsze było Cage'a szansa spotkania z Morton Feldman w Nowym Jorku na początku roku 1950. Oba kompozytorzy uczestniczył w New York Philharmonic koncert, gdzie orkiestra wykonała Anton Webern „s Symphony op. 21, a następnie utwór Siergieja Rachmaninowa . Cage poczuł się tak przytłoczony dziełem Weberna, że ​​wyszedł przed Rachmaninowem; aw holu spotkał Feldmana, który wyjeżdżał z tego samego powodu. Obaj kompozytorzy szybko się zaprzyjaźnili; jakiś czas później Cage, Feldman, Earle Brown , David Tudor i uczeń Cage'a, Christian Wolff, zaczęli być określani jako „szkoła nowojorska”.

Na początku 1951 roku Wolff podarował Cage'owi kopię I Ching — klasycznego chińskiego tekstu opisującego system symboli używany do identyfikacji porządku w przypadkowych zdarzeniach. Ta wersja I Ching była pierwszym pełnym angielskim tłumaczeniem i została opublikowana przez ojca Wolffa, Kurta Wolffa z Pantheon Books w 1950 roku. I Ching jest powszechnie używana do wróżenia , ale dla Cage'a stała się narzędziem do komponowania przy użyciu przypadku. Aby skomponować utwór muzyczny, Cage wymyślał pytania do zadania I Ching ; księga byłaby wtedy używana w podobny sposób, w jaki jest używana do wróżenia. Dla Cage'a oznaczało to „naśladowanie natury w jej sposobie działania”. Jego wieloletnie zainteresowanie samym dźwiękiem zaowocowało podejściem, które zaowocowało utworami, w których dźwięki były wolne od woli kompozytora:

Kiedy słyszę to, co nazywamy muzyką, wydaje mi się, że ktoś mówi. I mówić o swoich uczuciach lub o swoich pomysłach na relacje. Ale kiedy słyszę ruch uliczny, dźwięk ruchu ulicznego – na przykład tutaj na Szóstej Alei – nie mam wrażenia, że ​​ktoś mówi. Mam wrażenie, że dźwięk działa. A ja kocham działanie dźwięku... Nie potrzebuję dźwięku, żeby ze mną rozmawiać.

Choć Cage już kilkakrotnie wykorzystywał szansę, zwłaszcza w III części Koncertu na fortepian preparowany i orkiestrę kameralną (1950–51), I Ching otworzyła przed nim nowe możliwości w tej dziedzinie. Pierwszymi rezultatami nowego podejścia były Imaginary Landscape nr 4 na 12 radioodbiorników oraz Music of Changes na fortepian. Ta ostatnia praca została napisana dla Davida Tudora, którego Cage poznał przez Feldmana – kolejna przyjaźń, która trwała aż do śmierci Cage'a. Tudor miał premierę większości utworów Cage'a do początku lat 60., kiedy przestał grać na fortepianie i skoncentrował się na komponowaniu muzyki. I Ching stał się standardowym narzędziem Cage'a o składzie: użył go w praktycznie każdej pracy składa się po 1951 roku, a ostatecznie osiadł na algorytm komputerowy, który obliczonej liczby w sposób podobny do rzucania monet na I Ching .

Pomimo sławy Sonaty i Interludia oraz kontaktów, które pielęgnował z amerykańskimi i europejskimi kompozytorami i muzykami, Cage był dość ubogi. Choć nadal miał mieszkanie przy Monroe Street 326 (które zajmował od ok. 1946 r.), jego sytuacja finansowa w 1951 r. pogorszyła się tak bardzo, że pracując nad Music of Changes przygotował dla Tudora zestaw instrukcji, jak ukończyć utwór. w przypadku jego śmierci. Mimo to Cage zdołał przetrwać i prowadził aktywne życie artystyczne, dając wykłady, występy itp.

W latach 1952-53 zrealizował kolejny gigantyczny projekt – Williams Mix , utwór na taśmę , który pomogli stworzyć Earle Brown i Morton Feldman . Również w 1952 roku Cage skomponował utwór, który stał się jego najbardziej znanym i najbardziej kontrowersyjnym dziełem: 4′33″ . Partytura instruuje wykonawcę, aby nie grał na instrumencie przez cały czas trwania utworu – cztery minuty, trzydzieści trzy sekundy – i ma być postrzegana jako składająca się z dźwięków otoczenia, które słuchacze słyszą podczas jego wykonywania. Cage wymyślił „cichy kawałek” wiele lat wcześniej, ale niechętnie go zapisał; I rzeczywiście, premiera (wystawiona przez Tudora 29 sierpnia 1952 w Woodstock w stanie Nowy Jork ) wywołała poruszenie wśród publiczności. Reakcja na 4′33″ była tylko częścią większego obrazu: generalnie to przyjęcie przypadkowych procedur miało fatalne konsekwencje dla reputacji Cage'a. Prasa, która wcześniej przychylnie reagowała na wcześniejszą muzykę perkusyjną i preparowaną muzykę fortepianową, ignorowała jego nowe utwory, a wiele cennych przyjaźni i powiązań zostało utraconych. Pierre Boulez, który promował twórczość Cage'a w Europie, był przeciwny wykorzystywaniu przez Cage'a przypadku, podobnie jak inni kompozytorzy, którzy zdobyli rozgłos w latach pięćdziesiątych, np. Karlheinz Stockhausen i Iannis Xenakis .

W tym czasie Cage uczył także w awangardowym Black Mountain College na obrzeżach Asheville w Północnej Karolinie . Cage nauczał w college'u latem 1948 i 1952, a rezydował latem 1953. Będąc w Black Mountain College w 1952, zorganizował coś, co nazwano pierwszym „ happeningiem ” (patrz dyskusja poniżej) w Stanach Zjednoczonych, później zatytułowany Theatre Piece No. 1 , wielowarstwowe, multimedialne wydarzenie performatywne, wystawione tego samego dnia, w którym Cage wyobraził sobie, że „wpłynęłoby to na praktyki artystyczne lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych”. Oprócz Cage'a wśród uczestników znaleźli się Cunningham i Tudor.

Od 1953 roku Cage zajmował się komponowaniem muzyki do tańca współczesnego, w szczególności tańców Cunninghama (partner Cage'a również wykorzystał szansę z fascynacji ruchem ludzkiego ciała), a także opracowywał nowe metody wykorzystania przypadku w serii prac określał jako Dziesięć Tysięcy Rzeczy . Latem 1954 wyprowadził się z Nowego Jorku i zamieszkał w Gate Hill Cooperative w Stony Point w stanie Nowy Jork , gdzie jego sąsiedzi to David Tudor, MC Richards , Karen Karnes , Stan VanDerBeek i Sari Dienes . Sytuacja materialna kompozytora stopniowo się poprawiała: pod koniec 1954 roku mógł wraz z Tudorem wyruszyć w europejskie tournée. Od 1956 do 1961 Cage prowadził zajęcia z kompozycji eksperymentalnej w The New School, a od 1956 do 1958 pracował także jako dyrektor artystyczny i projektant typografii. Wśród jego dzieł zrealizowanych w ostatnich latach dekady znalazł się przełomowy w historii zapisu graficznego Koncert na fortepian i orkiestrę (1957-58) oraz Wariacje I (1958).

1960: Sława

Cage był związany z Wesleyan University i współpracował z członkami jego Wydziału Muzyki od lat 50. aż do swojej śmierci w 1992 roku. Na Uniwersytecie Norman O. Brown , filozof, poeta i profesor klasyki zaprzyjaźnił się z Cage, stowarzyszeniem, które okazało się owocne dla obu . W 1960 roku kompozytor został mianowany Fellow na wydziale Centrum Studiów Zaawansowanych (obecnie Centrum Nauk Humanistycznych) w Liberal Arts and Sciences w Wesleyan, gdzie rozpoczął prowadzenie zajęć z muzyki eksperymentalnej. W październiku 1961 roku Wesleyan University Press opublikowało Silence , zbiór wykładów i pism Cage'a na wiele różnych tematów, w tym słynny Wykład o Niczego, który został skomponowany przy użyciu złożonego schematu czasowego, podobnie jak niektóre utwory Cage'a. Cisza była pierwszą z sześciu książek Cage'a, ale pozostaje najbardziej poczytną i najbardziej wpływową. Na początku lat sześćdziesiątych Cage rozpoczął swoją dożywotnią współpracę z CF Peters Corporation . Walter Hinrichsen, prezes korporacji, zaproponował Cage'owi kontrakt na wyłączność i zainicjował publikację katalogu prac Cage'a, który ukazał się w 1962 roku.

Wydanie Peters wkrótce opublikowało dużą liczbę partytur Cage'a, a to, wraz z wydaniem Ciszy , doprowadziło do znacznie większego znaczenia kompozytora niż kiedykolwiek wcześniej – jedną z pozytywnych konsekwencji tego było to, że w 1965 roku Betty Freeman założyła roczne zasiłki na pokrycie kosztów utrzymania klatki, wydawane od 1965 r. do jego śmierci. W połowie lat 60. Cage otrzymywał tyle zleceń i próśb o występy, że nie był w stanie ich spełnić. Towarzyszył temu napięty harmonogram koncertów; w konsekwencji dorobek kompozytorski Cage'a z tej dekady był skąpy. Po orkiestrowym Atlas Eclipticalis (1961–62), utworze opartym na mapach gwiazd , który został w pełni zanotowany, Cage stopniowo przechodził do, jak sam mówi, „muzyki (nie kompozycji)”. Wynik 0′00″ , ukończony w 1962 roku, składał się pierwotnie z jednego zdania: „W sytuacji z maksymalnym wzmocnieniem wykonaj zdyscyplinowane działanie”, a w pierwszym wykonaniu zdyscyplinowanym działaniem był Cage piszący to zdanie. Partytura Wariacji III (1962) obfituje w instrukcje dla wykonawców, ale nie zawiera odniesień do muzyki, instrumentów muzycznych czy dźwięków.

Wiele Wariacji i innych prac z lat 60. było w rzeczywistości „ happeningami ”, formą sztuki założoną przez Cage'a i jego uczniów pod koniec lat 50. XX wieku. Zajęcia „kompozycji eksperymentalnej” Cage'a w The New School stały się legendarne jako amerykańskie źródło Fluxus , międzynarodowej sieci artystów, kompozytorów i projektantów. Większość jego uczniów miała niewielkie lub żadne doświadczenie muzyczne. Większość była artystami. Byli wśród nich Jackson Mac Low , Allan Kaprow , Al Hansen , George Brecht , Ben Patterson i Dick Higgins , a także wielu innych zaproszonych nieoficjalnie Cage. Znane utwory, które powstały podczas zajęć, to między innymi muzyka na tablicę czasu George'a Brechta i Alice Denham w 48 sekundach Ala Hansena . Jak twierdzi Cage, happeningi były wydarzeniami teatralnymi, które porzucają tradycyjne pojęcie widowni scenicznej i odbywają się bez poczucia określonego czasu trwania. Zamiast tego są pozostawione przypadkowi. Mają minimalny scenariusz, bez fabuły. W rzeczywistości „zdarzenie” jest tak nazwane, ponieważ występuje w teraźniejszości, próbując zatrzymać pojęcie upływu czasu. Cage wierzył, że teatr jest najbliższą drogą do integracji sztuki i życia. Termin „happeningi” został ukuty przez Allana Kaprowa, jednego z jego uczniów, który pod koniec lat pięćdziesiątych zdefiniował go jako gatunek. Cage spotkał Kaprowa podczas polowania na grzyby z Georgem Segalem i zaprosił go do swojej klasy. W ślad za tymi wydarzeniami Cage był pod silnym wpływem przełomowego traktatu Antonina Artauda Teatr i jego sobowtór , a wydarzenia tego okresu można postrzegać jako zwiastun późniejszego ruchu Fluxus. W październiku 1960 roku, Mary BAUERMEISTER „s Kolonia studio gospodarzem wspólny koncert Cage i artysty wideo Nam June Paika , który w trakcie jego wykonywania Etiudy na fortepian odcięcia krawat Cage'a, a następnie wylewa butelkę szamponu nad głowami Klatka i Tudor.

W 1967 roku książka Cage'a Rok od poniedziałku została po raz pierwszy opublikowana przez Wesleyan University Press. Rodzice Cage'a zmarli w ciągu dekady: ojciec w 1964, a matka w 1969. Cage rozsypał ich prochy w Górach Ramapo , niedaleko Stony Point i poprosił o to samo po jego śmierci.

1969-1987: Nowe wyjazdy

W pracach Cage'a z lat sześćdziesiątych znajdują się jedne z jego największych i najbardziej ambitnych, nie wspominając o społecznie utopijnych pracach, odzwierciedlających nastrój epoki, ale także jego przyswajanie pism Marshalla McLuhana o skutkach nowych mediów i R. Buckminstera Fuller , o sile technologii w promowaniu zmian społecznych. HPSCHD (1969), gigantyczne i długotrwałe dzieło multimedialne wykonane we współpracy z Lejarenem Hillerem , zawierało masowe nakładanie się siedmiu klawesynów grających przypadkowe fragmenty dzieł Cage'a, Hillera i doniczkową historię kanonicznych klasyków, z 52 taśmy z dźwiękami generowanymi komputerowo, 6400 slajdów z projektami, wiele dostarczonych przez NASA i wyświetlanych z sześćdziesięciu czterech rzutników slajdów, z 40 filmami kinowymi. Utwór został początkowo zaprezentowany podczas pięciogodzinnego występu na Uniwersytecie Illinois w 1969 roku, w którym publiczność przybyła po rozpoczęciu utworu i wyszła przed jego zakończeniem, swobodnie wędrując po audytorium w czasie, w którym tam była.

Również w 1969 roku Cage wyprodukował pierwszy od lat w pełni zapisany utwór: Cheap Imitation na fortepian. Kawałek jest szansa sterowany przeróbką Erik Satie „s Socrate i jak zarówno słuchaczy, a sam Cage zauważyć, otwarcie sympatyczny do jego źródła. Chociaż sympatia Cage'a do muzyki Satie była dobrze znana, skomponowanie osobistego utworu, w którym obecny jest kompozytor, było dla niego bardzo niezwykłe . Zapytany o tę pozorną sprzeczność, Cage odpowiedział: „Oczywiście, Cheap Imitation leży poza tym, co może wydawać się konieczne w mojej pracy w ogóle, a to jest niepokojące. Jestem pierwszym, któremu to przeszkadza”. Zamiłowanie Cage'a do tego utworu zaowocowało nagraniem – rzadkim zjawiskiem, ponieważ Cage nie lubił robić nagrań swojej muzyki – dokonanym w 1976 roku. Ogólnie rzecz biorąc, Cheap Imitation przyniosło poważną zmianę w muzyce Cage'a: ponownie zwrócił się do pisania w pełni zapisanych utworów na tradycyjne instrumenty , i wypróbował kilka nowych podejść, takich jak improwizacja , do których wcześniej odradzał, ale był w stanie wykorzystać w pracach z lat 70., takich jak Child of Tree (1975).

Tania Imitacja stała się ostatnim utworem, który Cage sam wykonał publicznie. Artretyzm nękał Cage'a od 1960 roku, a na początku lat 70. jego ręce były boleśnie spuchnięte i uniemożliwiały mu wykonywanie czynności. Mimo to w latach 70. nadal grał w Cheap Imitation , zanim w końcu musiał zrezygnować z występów. Przygotowanie rękopisów również stało się trudne: wcześniej publikowane wersje utworów były pisane kaligrafią Cage'a; teraz rękopisy do publikacji musieli uzupełniać asystenci. Sprawy komplikowało jeszcze odejście Davida Tudora z koncertów, co miało miejsce na początku lat 70. XX wieku. Tudor postanowił skoncentrować się na komponowaniu, więc Cage po raz pierwszy od dwóch dekad musiał zacząć polegać na zamówieniach od innych wykonawców i ich umiejętnościach. Takimi wykonawcami byli Grete Sultan , Paul Zukofsky , Margaret Leng Tan i wielu innych. Oprócz muzyki, Cage kontynuował pisanie książek z prozą i poezją ( mosestyka ). M została po raz pierwszy opublikowana przez Wesleyan University Press w 1973 roku. W styczniu 1978 roku Cage został zaproszony przez Kathana Browna z Crown Point Press do zaangażowania się w grafikę, a Cage produkował serie odbitek co roku aż do swojej śmierci; te, wraz z niektórymi późnymi akwarelami , stanowią największą część jego zachowanej sztuki wizualnej. W 1979 roku Puste słowa Cage'a zostały po raz pierwszy opublikowane przez Wesleyan University Press.

1987-1992: Ostatnie lata i śmierć

Zobacz także: Liczba sztuk

W 1987 roku Cage ukończył utwór Two na flet i fortepian, dedykowany wykonawcom Roberto Fabbriciani i Carlo Neri. Tytuł odnosił się do liczby potrzebnych wykonawców; muzyka składała się z krótkich, zapisanych fragmentów do grania w dowolnym tempie we wskazanych ramach czasowych. Cage napisał następnie około czterdziestu takich numerów , jak zaczęto je nazywać, z których jednym z ostatnich jest Osiemdziesiąt (1992, premiera w Monachium 28 października 2011 r.), zwykle wykorzystujący wariant tej samej techniki. Proces komponowania, w wielu późniejszych utworach liczbowych, polegał na prostym doborze zakresu wysokości dźwięków i wysokości z tego zakresu przy użyciu procedur losowych; muzyka została powiązana z anarchicznymi skłonnościami Cage'a. One 11 (tj. jedenasty utwór dla jednego wykonawcy), ukończony na początku 1992 roku, był pierwszym i jedynym wyjściem Cage'a na świat filmu.

Innym nowym kierunkiem, również przyjętym w 1987 roku, była opera: Cage wyprodukował w latach 1987-91 pięć oper o tym samym tytule Europera . Europery I i II wymagają większych sił niż III , IV i V , które są w skali komory.

John Cage (z lewej) i Michael Bach w Asyżu, Włochy, 1992

W latach 80. stan zdrowia Cage'a stopniowo się pogarszał. Cierpiał nie tylko na artretyzm, ale także na rwę kulszową i miażdżycę . Doznał udaru, który ograniczył ruchy lewej nogi, aw 1985 roku złamał rękę. W tym czasie Cage stosował dietę makrobiotyczną . Niemniej jednak, odkąd zaczął go nękać artretyzm, kompozytor był świadom swojego wieku i, jak zauważył biograf David Revill, „ogień, który zaczął włączać do swojej pracy wizualnej w 1985 roku, jest nie tylko ogniem, który odłożył na długo — ogień namiętności — ale także ogień jako przemijanie i kruchość”. 11 sierpnia 1992 roku, przygotowując wieczorną herbatę dla siebie i Cunninghama, Cage doznał kolejnego udaru. Został przewieziony do szpitala św. Wincentego na Manhattanie, gdzie zmarł rankiem 12 sierpnia. Miał 79 lat.

Zgodnie z jego życzeniem ciało Cage'a zostało skremowane, a jego prochy rozrzucone w górach Ramapo , niedaleko Stony Point w stanie Nowy Jork, w tym samym miejscu, w którym rozsypał prochy swoich rodziców. Śmierć kompozytora nastąpiła zaledwie na kilka tygodni przed obchodami 80. urodzin, zorganizowanymi we Frankfurcie przez kompozytora Waltera Zimmermanna i muzykologa Stefana Schaedlera. Impreza przebiegła zgodnie z planem, łącznie z wykonaniem Koncertu na fortepian i orkiestrę Davida Tudora i Ensemble Modern . Merce Cunningham zmarł z przyczyn naturalnych w lipcu 2009 roku.

Muzyka

Zobacz także: Lista kompozycji Johna Cagea

Wczesne utwory, struktura rytmiczna i nowe podejście do harmonii

Pierwsze ukończone elementy Cage'a są obecnie stracone. Według kompozytora najwcześniejsze utwory były bardzo krótkimi utworami na fortepian, skomponowanymi przy użyciu skomplikowanych procedur matematycznych i pozbawionymi „zmysłowego uroku i siły wyrazu”. Następnie Cage zaczął produkować elementy, improwizując i zapisując wyniki, dopóki Richard Buhlig nie zwrócił mu uwagi na znaczenie struktury. Większość utworów z początku lat 30., takich jak Sonata na klarnet (1933) i Kompozycja na 3 głosy (1934), jest wysoce chromatyczna i zdradza zainteresowanie Cage'a kontrapunktem . Mniej więcej w tym samym czasie kompozytor rozwinął także rodzaj techniki rzędowej z 25-dźwiękowymi rzędami. Po studiach u Schoenberga, który nigdy nie uczył swoich uczniów dodekafonii , Cage opracował kolejną technikę rzędów tonalnych, w której rzędy były dzielone na krótkie motywy, które następnie były powtarzane i transponowane zgodnie z zestawem reguł. To podejście zostało po raz pierwszy zastosowane w Dwóch utworach na fortepian (ok. 1935), a następnie, z modyfikacjami, w większych utworach, takich jak Metamorfoza i Pięć pieśni (oba 1938).

Rytmiczne proporcje Sonata III z Sonatami i Interludes do przygotowanego fortepianu

Wkrótce po tym, jak Cage zaczął pisać muzykę perkusyjną i muzykę do tańca współczesnego, zaczął używać techniki, która stawiała rytmiczną strukturę utworu na pierwszym planie. W Imaginary Landscape nr 1 (1939) są cztery duże sekcje po 16, 17, 18 i 19 taktów, a każda sekcja jest podzielona na cztery podsekcje, z których pierwsze trzy miały długość 5 taktów. First Construction (in Metal) (1939) rozwija tę koncepcję: istnieje pięć sekcji odpowiednio 4, 3, 2, 3 i 4 jednostek. Każda jednostka zawiera 16 taktów i jest podzielona w ten sam sposób: 4 takty, 3 takty, 2 takty itd. Ostatecznie treść muzyczna utworu opiera się na szesnastu motywach. Takie „zagnieżdżone proporcje”, jak je nazwał Cage, stały się stałym elementem jego muzyki w latach czterdziestych. Technika została podniesiona do wielkiej złożoności w późniejszych utworach, takich jak Sonaty i Interludia na fortepian preparowany (1946-48), w których wiele proporcji używało liczb niecałkowitych (1¼, ¾, 1¼, ¾, 1½ i 1½ dla Sonaty I , na przykład) lub A Flower , pieśń na głos i zamknięty fortepian, w której używane są jednocześnie dwa zestawy proporcji.

Pod koniec lat 40. Cage zaczął opracowywać kolejne metody odchodzenia od tradycyjnej harmonii. Na przykład w Kwartecie smyczkowym w czterech częściach (1950) Cage po raz pierwszy skomponował szereg gam : akordy o stałej instrumentacji. Utwór przechodzi z jednej gamy do drugiej. W każdym przypadku gama została wybrana tylko na podstawie tego, czy zawiera nutę niezbędną do melodii, a więc pozostałe nuty nie tworzą żadnej harmonii kierunkowej. Koncert na fortepian preparowany (1950–51) wykorzystywał system wykresów czasów trwania, dynamiki, melodii itp., z których Cage wybierał za pomocą prostych wzorów geometrycznych. Ostatnia część koncertu była krokiem w kierunku wykorzystania procedur przypadkowych, które Cage przyjął wkrótce potem.

Szansa

Wróżenie I Ching polega na uzyskaniu heksagramu przez losowe generowanie (takie jak rzucanie monetami ), a następnie przeczytanie rozdziału związanego z tym heksagramem.

System wykresów został również użyty (wraz z zagnieżdżonymi proporcjami) w przypadku dużego utworu fortepianowego Music of Changes (1951), tylko tutaj materiał z wykresów został wybrany za pomocą I Ching . Cała muzyka Cage'a od 1951 roku została skomponowana przy użyciu procedur przypadkowych, najczęściej z wykorzystaniem I Ching . Na przykład utwory z Muzyki na fortepian opierały się na niedoskonałościach papieru: same niedoskonałości zapewniały wysokość, rzut monetą, a liczby heksagramów I Ching służyły do ​​określania znaków chromatycznych, kluczy i technik gry. Cały cykl prac powstał poprzez zastosowanie operacji przypadkowych, tj. I Ching , do map gwiezdnych : Atlas Eclipticalis (1961–62) oraz cykl etiud: Etudes Australes (1974–75), Freeman Etudes (1977–90) oraz Etiudy Boreales (1978). Wszystkie etiudy Cage'a są niezwykle trudne do wykonania, co jest cechą podyktowaną poglądami społecznymi i politycznymi Cage'a: trudność ta zapewniłaby, że „przedstawienie pokazałoby, że niemożliwe nie jest niemożliwe” – jest to odpowiedź Cage'a na pogląd, że rozwiązywanie problemów politycznych i politycznych na świecie problemy społeczne są niemożliwe. Cage określił się jako anarchista i był pod wpływem Henry'ego Davida Thoreau .

Kolejna seria prac zastosowała przypadkowe procedury do wcześniej istniejącej muzyki innych kompozytorów: Cheap Imitation (1969; wg Erika Satie), Niektóre z „Harmonii Maine” (1978; wg Belchera ) oraz Hymns and Variations (1979) . W tych utworach Cage zapożyczał rytmiczną strukturę oryginałów i wypełniał ją wysokościami ustalonymi za pomocą procedur losowych lub po prostu zastępował niektóre wysokości dźwięków oryginału. Kolejna seria utworów, tzw. Utwory liczbowe , wszystkie ukończone w ciągu ostatnich pięciu lat życia kompozytora, posługują się przedziałami czasowymi : partytura składa się z krótkich fragmentów ze wskazaniem, kiedy je rozpocząć i zakończyć (np. od w dowolnym miejscu od 1′15″ do 1′45″ i od 2′00″ do 2′30″).

Metoda Cage'a z użyciem I Ching była daleka od prostej randomizacji. Procedury różniły się w zależności od składu i były zwykle złożone. Na przykład w przypadku Cheap Imitation , dokładne pytania zadawane I Ching brzmiały:

  1. Który z siedmiu trybów, jeśli weźmiemy jako tryby siedem skal rozpoczynających się na białych nutach i pozostających na białych nutach, którego z nich używam?
  2. Której z dwunastu możliwych transpozycji chromatycznych używam?
  3. W przypadku tego wyrażenia, do którego będzie miała zastosowanie ta transpozycja tego trybu, której nuty używam z siódemki, aby naśladować nutę, którą napisała Satie?

W innym przykładzie późnej muzyki Cage'a, Etudes Australes , procedura kompozycyjna polegała na umieszczeniu przezroczystego paska na mapie gwiezdnej, zidentyfikowaniu wysokości tonów z wykresu, przeniesieniu ich na papier, a następnie zapytaniu I Ching, które z tych tonów mają pozostać pojedyncze. , i które powinny stać się częściami agregatów (akordów), a agregaty zostały wybrane z tabeli około 550 możliwych agregatów, skompilowanej wcześniej.

Wreszcie, niektóre prace Cage'a, szczególnie te ukończone w latach 60., zawierają instrukcje dla wykonawcy, a nie pełną notację muzyczną. Partytura Wariacji I (1958) przedstawia wykonawcy sześć przezroczystych kwadratów, jeden z punktami różnej wielkości, pięć z pięcioma przecinającymi się liniami. Wykonawca łączy kwadraty i wykorzystuje linie i punkty jako układ współrzędnych , w którym linie są osiami o różnych charakterystykach dźwięków, takich jak najniższa częstotliwość, najprostsza struktura alikwotowa itp. Niektóre z graficznych partytur Cage'a (np. Koncert na fortepian i orkiestra , Fontana Mix (oba 1958)) przedstawić wykonawca z podobnymi trudnościami. Jeszcze inne prace z tego samego okresu składają się wyłącznie z instrukcji tekstowych. Wynik 0′00″ (1962; znany również jako 4′33″ nr 2 ) składa się z jednego zdania: „W sytuacji z maksymalnym wzmocnieniem wykonaj zdyscyplinowaną akcję”. Podczas pierwszego przedstawienia Cage napisał to zdanie.

Musicircus (1967) po prostu zaprasza wykonawców do wspólnego grania. Pierwszy Musicircus obejmował wielu wykonawców i grupy na dużej przestrzeni, którzy mieli rozpocząć i przestać grać w dwóch określonych przedziałach czasowych, z instrukcjami, kiedy grać indywidualnie lub w grupach w tych dwóch okresach. Rezultatem było masowe nakładanie się na siebie wielu różnych utworów muzycznych, zgodnie z przypadkowym rozkładem, tworząc wydarzenie o specyficznie teatralnym charakterze. Później odbyło się wiele Muzycyrków, które odbywają się nadal nawet po śmierci Cage'a. English National Opera stała się pierwszą firmą operową, która zorganizowała Cage Musicircus 3 marca 2012 roku w Londyńskim Koloseum. W ENO's Musicircus występowali artyści, w tym basista Led Zeppelin John Paul Jones i kompozytor Michael Finnissy wraz z dyrektorem muzycznym ENO Edwardem Gardnerem, ENO Community Choir, śpiewacy ENO Opera Works oraz kolektyw profesjonalnych i amatorskich talentów występujących w barach i przed domem Londyńska Opera w Koloseum.

Ta koncepcja cyrku miała pozostać ważna dla Cage'a przez całe jego życie i znalazła swoje miejsce w takich utworach jak Roaratorio, irlandzki cyrk o Finnegans Wake (1979), wielopoziomowe oddanie brzmienia zarówno jego tekstu Pisanie po raz drugi przez Finnegans Wake oraz tradycyjne nagrania muzyczne i terenowe wykonane w całej Irlandii. Utwór powstał na podstawie słynnej powieści Jamesa Joyce'a Finnegans Wake , która była jedną z ulubionych książek Cage'a i jedną, z której zaczerpnął teksty do kilku innych swoich dzieł.

Improwizacja

Ponieważ przypadkowe procedury były wykorzystywane przez Cage'a w celu wyeliminowania z muzyki upodobań i niechęci kompozytora i wykonawcy, Cage nie lubił koncepcji improwizacji, która nieuchronnie wiąże się z preferencjami wykonawcy. W wielu pracach rozpoczynających się w latach 70. znalazł sposoby na włączenie improwizacji. W Dziecku drzewa (1975) i Gałęziach (1976) aktorzy proszeni są o wykorzystanie jako instrumentów pewnych gatunków roślin, na przykład kaktusa . Strukturę utworów determinuje możliwość ich wyborów, podobnie jak twórczość muzyczna; wykonawcy nie mieli wiedzy o instrumentach. W wlotami (1977) wykonawcy odtwarzania dużych wypełnione wodą muszlowe Powłoki - ostrożnie przechylenia Shell kilka razy, to jest możliwe uzyskanie tworzący wewnątrz bańki, który wytwarzany dźwięk. Ponieważ jednak nie można przewidzieć, kiedy to nastąpi, wykonawcy musieli nadal przechylać muszle – w rezultacie występ był podyktowany czystym przypadkiem.

Sztuki wizualne, pisma i inne zajęcia

Wariacje III, nr 14 , grafika Cage'a z 1992 roku z serii 57

Chociaż Cage zaczął malować w młodości, zrezygnował z tego, aby zamiast tego skoncentrować się na muzyce. Jego pierwszy dojrzały projekt wizualny, Not Wanting to Say Anything About Marcel , pochodzi z 1969 roku. Praca składa się z dwóch litografii i grupy tego, co Cage nazwał pleksigramami : sitodrukiem na panelach z pleksiglasu . Panele i litografie składają się z bitów i kawałków słów w różnych krojach pisma, a wszystkie rządzone są przypadkowymi operacjami.

Od 1978 roku do śmierci Cage pracował w Crown Point Press, co roku produkując serie odbitek. Najwcześniejszym zrealizowanym tam projektem była akwaforta Partytura bez części (1978), stworzona na podstawie w pełni zapisanych instrukcji i oparta na różnych kombinacjach rysunków Henry'ego Davida Thoreau. Następnie w tym samym roku powstał Dziennik Siódmego Dnia , który Cage narysował z zamkniętymi oczami, ale który odpowiadał ścisłej strukturze opracowanej przy użyciu operacji przypadkowych. Wreszcie rysunki Thoreau stanowiły o ostatnich pracach zrealizowanych w 1978 roku, Sygnałach .

W latach 1979-1982 Cage wyprodukował kilka dużych serii grafik: Changes and Disappearances (1979-80), On the Surface (1980-82) i Déreau (1982). Były to ostatnie prace, w których wykorzystał grawerowanie. W 1983 roku zaczął używać różnych niekonwencjonalnych materiałów, takich jak wata bawełniana, pianka itp., a następnie używał kamieni i ognia ( Eninka , Wariacje , Ryoanji itp.) do tworzenia swoich prac wizualnych. W latach 1988-1990 wykonywał akwarele w Pracowni Górskiego Jeziora.

Jedynym wyprodukowanym przez Cage'a filmem był jeden z Number Pieces, One 11 , zamówiony przez kompozytora i reżysera Henninga Lohnera, który współpracował z Cage'em przy produkcji i reżyserii 90-minutowego filmu monochromatycznego. Został ukończony zaledwie kilka tygodni przed jego śmiercią w 1992 roku. Jeden 11 składa się w całości z obrazów przypadkowej gry światła elektrycznego. Prawykonanie odbyło się w Kolonii w Niemczech 19 września 1992 r. z towarzyszeniem wykonania na żywo utworu orkiestrowego 103 .

Przez całe dorosłe życie Cage był także aktywnym wykładowcą i pisarzem. Niektóre z jego wykładów znalazły się w kilku opublikowanych przez niego książkach, z których pierwszą była Cisza: wykłady i pisma (1961). Cisza obejmowała nie tylko proste wykłady, ale także teksty wykonane w eksperymentalnych układach oraz dzieła, takie jak Wykład o niczym (1949), skomponowane w strukturach rytmicznych. Kolejne książki zawierały też różnego rodzaju treści, od wykładów muzycznych po poezję – mesostykę Cage'a.

Cage był także zapalonym mikologiem- amatorem . Wraz z czterema przyjaciółmi założył Nowojorskie Towarzystwo Mikologiczne , a jego kolekcja mikologiczna znajduje się obecnie w dziale Zbiorów Specjalnych Biblioteki McHenry'ego na Uniwersytecie Kalifornijskim w Santa Cruz .

Odbiór i wpływ

Przypadkowe prace Cage'a, szczególnie utwory z późnych lat 40., takie jak Sonaty i Interludia , zyskały uznanie krytyków: Sonaty zostały wykonane w Carnegie Hall w 1949 roku. Przyjęcie przez Cage'a operacji losowych w 1951 roku kosztowało go wiele przyjaźni i wywołało liczne krytyki od kolegów kompozytorów. Zwolennicy serializmu, tacy jak Pierre Boulez i Karlheinz Stockhausen, odrzucali muzykę nieokreśloną; Boulez, który był kiedyś w przyjaznych stosunkach z Cage'em, skrytykował go za „przyjęcie filozofii zabarwionej orientalizmem, która maskuje podstawową słabość techniki kompozytorskiej”. Wybitni krytycy serializmu, tacy jak grecki kompozytor Iannis Xenakis, byli podobnie wrogo nastawieni do Cage'a: dla Xenakisa przyjęcie przypadku w muzyce było „nadużyciem języka i… zniesieniem funkcji kompozytora”.

Artykuł przez nauczyciela i krytyk Michael Steinberg , Tradycji i odpowiedzialności , krytykowane awangardowej muzyki w ogóle:

Rozwój muzyki, która jest całkowicie pozbawiona zaangażowania społecznego, zwiększa także oddzielenie kompozytora od publiczności i stanowi jeszcze inną formę odejścia od tradycji. Cynizm, z jakim wydaje się, że dokonano tego szczególnego odejścia, doskonale symbolizuje relacja Johna Cage'a z publicznego wykładu, który wygłosił: „Później, w okresie pytań, udzieliłem jednej z sześciu wcześniej przygotowanych odpowiedzi, niezależnie od zadanego pytania. było odzwierciedleniem mojego zaangażowania w Zen”. Chociaż słynny niemy utwór Mr. Cage'a [tj. 4′33″ ], czy jego Pejzaże na kilkanaście radioodbiorników mogą być mało interesujące jako muzyka, to mają one ogromne znaczenie historycznie, ponieważ reprezentują całkowitą rezygnację z władzy artysty.

Estetyczną pozycję Cage'a skrytykował m.in. wybitny pisarz i krytyk Douglas Kahn . W swojej książce „ Noise, Water, Meat: A History of Sound in the Arts” z 1999 roku Kahn przyznał, że Cage miał wpływ na kulturę, ale zauważył, że „jednym z głównych efektów baterii technik wyciszania Cage’a było wyciszenie społeczności”.

Chociaż wiele prac Cage'a pozostaje kontrowersyjnych, jego wpływ na niezliczonych kompozytorów, artystów i pisarzy jest godny uwagi.{} Po wprowadzeniu przez Cage'a przypadku, Boulez, Stockhausen i Xenakis pozostali krytyczni, jednak wszyscy przyjęli procedury losowe w niektórych swoich dziełach (chociaż w znacznie bardziej ograniczony sposób); a pisarstwo fortepianowe Stockhausena w jego późniejszym Klavierstücke było pod wpływem muzyki zmian Cage'a i Davida Tudora. Inni kompozytorzy, którzy zastosowali w swoich utworach procedury przypadkowe, to Witold Lutosławski , Mauricio Kagel i wielu innych. Muzykę, w której część kompozycji i/lub wykonania pozostawiono przypadkowi, nazwano muzyką aleatoryczną — terminem spopularyzowanym przez Pierre'a Bouleza. Na twórczość Helmuta Lachenmanna wpłynęła praca Cage'a z rozszerzonymi technikami .

Eksperymenty ze strukturą rytmiczną Cage'a i jego zainteresowanie dźwiękiem wpłynęły na wielu kompozytorów, poczynając od jego bliskich amerykańskich współpracowników Earle'a Browna, Mortona Feldmana i Christiana Wolffa (oraz innych amerykańskich kompozytorów, takich jak La Monte Young , Terry Riley , Steve Reich , i Philip Glass ), a następnie rozprzestrzenił się na Europę. Na przykład prawie wszyscy kompozytorzy angielskiej szkoły eksperymentalnej uznają jego wpływ: Michael Parsons , Christopher Hobbs , John White , Gavin Bryars , który uczył się krótko u Cage'a i Howard Skempton . Japoński kompozytor Tōru Takemitsu również powołał się na wpływ Cage'a.

Po śmierci Cage'a Simon Jeffes , założyciel Penguin Cafe Orchestra , skomponował utwór zatytułowany CAGE DEAD, wykorzystując melodię opartą na nutach zawartych w tytule, w kolejności ich występowania: C, A, G, E, D, E, A i D.

Wpływ Cage'a został również potwierdzony przez rockowe zespoły, takie jak Sonic Youth (który wykonał niektóre z Number Pieces) i Stereolab (który nazwał piosenkę po Cage), kompozytor i gitarzysta rockowy i jazzowy Frank Zappa oraz różni artyści i zespoły muzyki noise : rzeczywiście , jeden pisarz wyśledził pochodzenie muzyki noise do 4′33″ . Na rozwój muzyki elektronicznej wpłynął także Cage: w połowie lat 70. wytwórnia Briana Eno , Obscure Records, wydała utwory Cage'a. Preparowane pianino, które spopularyzował Cage, znalazło się na płycie Aphex Twina z 2001 roku, Drukqs . Praca Cage'a jako muzykologa pomogła spopularyzować muzykę Erika Satie, a jego przyjaźń z abstrakcyjnymi artystami ekspresjonistycznymi , takimi jak Robert Rauschenberg, pomogła wprowadzić jego idee do sztuki wizualnej. Pomysły Cage'a znalazły także drogę do projektowania dźwięku : na przykład zdobywca Oscara , projektant dźwięku Gary Rydstrom, wskazał na pracę Cage'a jako główny wpływ. Radiohead podjął współpracę w zakresie komponowania i wykonywania z zespołem tanecznym Cunninghama w 2003 roku, ponieważ lider grupy muzycznej Thom Yorke uważał Cage'a za jednego ze swoich „bohaterów sztuki wszechczasów”.

Obchody stulecia

W 2012 roku, wśród wielu amerykańskich i międzynarodowych obchodów stulecia, w Waszyngtonie odbył się ośmiodniowy festiwal, w którym miejsca znalazły się znacznie częściej w miejskich muzeach sztuki i na uniwersytetach niż w przestrzeniach widowiskowych. Na początku stulecia dyrygent Michael Tilson Thomas zaprezentował Cage's Song Books z San Francisco Symphony w Carnegie Hall w Nowym Jorku. Kolejna uroczystość miała miejsce na przykład w Darmstadt w Niemczech, które w lipcu 2012 roku w ramach corocznych kursów nowej muzyki przemianowało swój dworzec centralny na Dworzec Kolejowy John Cage . Na Ruhrtriennale w Niemczech Heiner Goebbels wystawił Europeras 1 i 2 w przebudowanej fabryce o powierzchni 36 000 stóp kwadratowych i zlecił produkcję Wykładu na temat Nic stworzonego i wykonanego przez Roberta Wilsona . Jacaranda Music zaplanowała cztery koncerty w Santa Monica w Kalifornii na stulecie tygodnia. John Cage Day to nazwa nadana kilku wydarzeniom, które odbyły się w 2012 roku z okazji setnej rocznicy jego urodzin.

Projekt z 2012 roku, którego kuratorem był Juraj Kojs z okazji stulecia urodzin Cage'a, zatytułowany On Silence: Homage to Cage. Składał się z 13 zamówionych utworów stworzonych przez kompozytorów z całego świata, takich jak Kasia Glowicka , Adrian Knight i Henry Vega , każdy trwający 4 minuty i 33 sekundy na cześć słynnego dzieła Cage'a z 1952 roku 4′33″ . Program był wspierany przez Fundację na rzecz Emerging Technologies and Arts, Laurę Kuhn i John Cage Trust.

W hołdzie pracy tanecznej Cage'a, Bill T. Jones/Arnie Zane Dance Company w lipcu 2012 roku „zagrał wciągający utwór zatytułowany „Story/Time”. Jones, odpowiednio,] siedział sam na scenie, czytając na głos… serie jednominutowych opowiadań, które [oni] napisali. Tancerze z kompanii Jonesa występowali jako [Jones] czytający."

Archiwa

  • Archiwum John Cage Trust znajduje się w Bard College w północnej części stanu Nowy Jork.
  • Kolekcja rękopisów muzycznych Johna Cage'a przechowywana przez wydział muzyczny nowojorskiej Biblioteki Publicznej ds. Sztuk Performatywnych zawiera większość rękopisów muzycznych kompozytora, w tym szkice, karty pracy, realizacje i prace niedokończone.
  • Dokumenty Johna Cage'a są przechowywane w Dziale Zbiorów Specjalnych i Archiwów Biblioteki Olin Uniwersytetu Wesleyan w Middletown, Connecticut. Zawierają rękopisy, wywiady, maile od fanów i efemerydy. Inne materiały obejmują wycinki, katalogi galerii i wystaw, kolekcję książek i seriali Cage'a, plakaty, obiekty, pocztówki z wystaw i ogłoszeń literackich oraz broszury z konferencji i innych organizacji
  • Kolekcja Johna Cage'a na Northwestern University w Illinois zawiera korespondencję, efemerydy i zbiór notacji kompozytora .

Zobacz też

Notatki wyjaśniające

Cytaty

Źródła

Dalsza lektura

Zasoby biblioteczne o
Johnie Cage
Autor: John Cage

Zewnętrzne linki

Informacje ogólne i katalogi

Kolekcje linków

Konkretne tematy

Słuchający

Głoska bezdźwięczna