Minimalna muzyka - Minimal music

Minimal music (zwany również minimalizmem ) to forma muzyki artystycznej lub innej praktyki kompozytorskiej, która wykorzystuje ograniczone lub minimalne materiały muzyczne. Wyróżniające się cechy muzyki minimalistycznej to powtarzające się wzory lub impulsy , stabilne drony , harmonia spółgłosek i powtarzanie fraz muzycznych lub mniejszych jednostek. Może zawierać takie cechy, jak przesunięcie fazowe , co skutkuje tak zwaną muzyką fazową , lub techniki przetwarzania, które podlegają ścisłym regułom, zwykle określane jako muzyka procesu . Podejście jest oznaczony przez non-narracji, nie- celowościowa i nie- reprezentacyjnych podejściem i zwraca uwagę na aktywność słuchać , skupiając się na wewnętrznych procesach muzyki.

Podejście to powstało na scenie New York Downtown w latach 60. i początkowo było postrzegane jako forma muzyki eksperymentalnej zwanej New York Hypnotic School. W tradycji muzyki zachodniej sztuki , amerykańscy kompozytorzy La Monte Young , Terry Riley , Steve Reich i Philip Glass byli uważani za jednych z pierwszych, którzy opracowali techniki kompozytorskie wykorzystujące podejście minimalistyczne. Ruch początkowo obejmował dziesiątki kompozytorów, chociaż tylko pięciu (Young, Riley, Reich, Glass, a później John Adams ) pojawiło się, aby publicznie kojarzyć się z amerykańską muzyką minimal; inni mniej znani pionierzy to Pauline Oliveros , Phill Niblock i Richard Maxfield . W Europie muzyka Louisa Andriessena , Karel Goeyvaerts , Michael Nyman , Howard Skempton , Eliane Radigue , Gavin Bryars , Steve Martland , Henryka Góreckiego , Arvo Pärta i John Tavener wykazuje minimalistyczne cechy.

Nie jest jasne, skąd pochodzi termin minimal music . Steve Reich zasugerował, że można to przypisać Michaelowi Nymanowi, twierdzeniu, które dwaj uczeni, Jonathan Bernard i Dan Warburton, również sformułowali na piśmie. Philip Glass uważa, że ​​to Tom Johnson ukuł to zdanie.

Krótka historia

Słowo „minimalne” zostało prawdopodobnie po raz pierwszy użyte w odniesieniu do muzyki w 1968 roku przez Michaela Nymana, który „wydedukował przepis na udany happening „minimalnej muzyki” z rozrywki przedstawionej przez Charlotte Moorman i Nam June Paika na ICA ”, które obejmował wykonanie Springen przez Henning Christiansen oraz szereg nieznanych kawałków wydajność techniki. Nyman później rozszerzył swoją definicję minimal music w swojej książce z 1974 roku Experimental Music: Cage and Beyond . Tom Johnson, jeden z nielicznych kompozytorów, którzy identyfikowali się jako minimalistyczny, również twierdzi, że jako pierwszy użył tego słowa jako nowego krytyka muzycznego The Village Voice . Opisuje „minimalizm”:

Idea minimalizmu jest znacznie większa, niż wielu ludziom wydaje się. Obejmuje, z definicji, każdą muzykę, która działa z ograniczonymi lub minimalnymi materiałami: utwory wykorzystujące tylko kilka nut, utwory zawierające tylko kilka słów tekstu lub utwory napisane na bardzo ograniczone instrumenty, takie jak zabytkowe talerze, koła rowerowe, lub szklanki whisky. Zawiera utwory, które przez długi czas wytrzymują jedno podstawowe elektroniczne dudnienie. Zawiera utwory wykonane wyłącznie z nagrań rzek i strumieni. Zawiera elementy, które poruszają się w nieskończonych kręgach. Zawiera elementy, które tworzą nieruchomą ścianę dźwięku saksofonu. Zawiera utwory, których stopniowe przejście od jednego rodzaju muzyki do drugiego zajmuje bardzo dużo czasu. Zawiera utwory, które pozwalają na wszystkie możliwe wysokości, o ile mieszczą się między C i D. Zawiera utwory, które spowalniają tempo do dwóch lub trzech nut na minutę.

Już w 1965 roku historyk sztuki Barbara Rose nazwała Dream Music La Monte Younga , charakterystycznie łagodną dynamikę Mortona Feldmana i różnych nienazwanych kompozytorów „wszystkich, w mniejszym lub większym stopniu, zadłużeni wobec Johna Cage'a ” jako przykłady „minimal art”. , ale nie używał konkretnie wyrażenia „minimalna muzyka”.

Najwybitniejszymi kompozytorami minimalistycznymi są John Adams , Louis Andriessen , Philip Glass , Steve Reich , Terry Riley i La Monte Young . Inni, którzy byli związani z tym podejściem kompozytorskim, to Michael Nyman , Howard Skempton , John White , Dave Smith i Michael Parsons . Wśród kompozytorów afroamerykańskich estetykę minimalistyczną przyjęły takie postacie, jak muzyk jazzowy John Lewis i multidyscyplinarny artysta Julius Eastman .

Wczesne kompozycje Glassa i Reicha są dość surowe, z niewielkimi ozdobnikami w głównym temacie . Są to utwory na małe zespoły instrumentalne, których kompozytorzy często byli członkami. W przypadku Glassa zespoły te składają się z organów, instrumentów dętych – zwłaszcza saksofonów – i wokalistów, podczas gdy utwory Reicha kładą większy nacisk na młotki i instrumenty perkusyjne. Większość utworów Adamsa jest napisana na bardziej tradycyjne europejskie instrumentarium muzyki klasycznej , w tym pełną orkiestrę , kwartet smyczkowy i fortepian solo.

Muzyka Reich and Glass wcześnie została sponsorowana przez galerie sztuki i muzea, prezentowana we współpracy z minimalistami sztuk wizualnych, takimi jak Robert Morris (w przypadku Glassa), Richard Serra , Bruce Nauman i filmowiec Michael Snow (jako wykonawcy, w przypadku Reicha). Obudowa).

Wczesny rozwój

Muzyka Moondoga z lat 40. i 50., oparta na kontrapunkcie rozwijającym się statycznie w stałych pulsach, w często nietypowych sygnaturach czasowych, wpłynęła zarówno na Philipa Glassa, jak i Steve'a Reicha. Glass napisał, że on i Reich potraktowali pracę Moondoga „bardzo poważnie, zrozumieli i docenili ją znacznie bardziej niż to, na co byliśmy narażeni w Juilliard”.

Kompozycja Trio na smyczki La Monte Younga z 1958 roku składa się prawie wyłącznie z długich tonów i pauz . Został opisany jako punkt wyjścia dla muzyki minimalistycznej.

Jedną z pierwszych minimalistycznych kompozycji był listopad Dennisa Johnsona, napisany w 1959 roku. Utwór na fortepian solo, trwający około sześciu godzin, wykazywał wiele cech, które zaczęto kojarzyć z minimalizmem, takie jak diatoniczna tonacja, powtarzanie fraz, proces addytywny. i czas trwania. La Monte Young przypisuje ten utwór jako inspirację dla jego własnego wielkiego dzieła, The Well-Tuned Piano.

W 1960 roku Terry Riley napisał kwartet smyczkowy w czystym, nieodmienionym C-dur. W 1963 roku Riley wykonał dwie elektroniczne prace z użyciem taśmy opóźniającej, Mescalin Mix i The Gift , które wprowadziły ideę powtórzenia do minimalizmu. W 1964 roku Riley's In C stworzył przekonująco wciągające faktury z warstwowego wykonania powtarzanych fraz melodycznych. Utwór jest punktowany na dowolną grupę instrumentów i/lub głosów. Keith Potter pisze, że „pięćdziesiąt trzy moduły zapisane na jednej stronie, praca ta często była postrzegana jako początek muzycznego minimalizmu”. W latach 1965 i 1966 Steve Reich wyprodukował trzy utwory — It's Gonna Rain i Come Out na taśmę oraz Piano Phase dla wykonawców na żywo — które wprowadziły ideę przesunięcia fazowego, czyli pozwalającą na powtarzanie dwóch identycznych fraz lub próbek dźwiękowych z nieco różnymi prędkościami. powoli wychodzą ze sobą w fazie. Począwszy od 1968 roku z 1 + 1 Philip Glass napisał serię prac, które włączały proces addytywny (forma oparta na sekwencjach takich jak 1, 1 2, 1 2 3, 1 2 3 4) do repertuaru technik minimalistycznych; prace te obejmowały Dwie strony , Muzyka w piątych , Muzyka w przeciwstawnym ruchu i inne. Glass był pod wpływem Ravi Shankara i muzyki indyjskiej od czasu, gdy przydzielono mu filmową transkrypcję muzyki Ravi Shankara na zachodnią notację. Zdał sobie sprawę, że na Zachodzie czas jest podzielony jak kromka chleba ; Indianie i inne kultury biorą małe jednostki i łączą je ze sobą.

Styl

Według Richarda E. Roddy Muzyka „minimalistyczna” opiera się na powtarzaniu wolno zmieniających się wspólnych akordów [akordy diatoniczne do więcej niż jednej tonacji, albo triady, albo tylko durowe, albo durowe i molowe – patrz: wspólny ton ] w stałych rytmach, często pokrytych liryczną melodią w długich, łukowatych frazach… [To] wykorzystuje powtarzające się wzorce melodyczne, harmonie spółgłosek, rytmy motoryczne i celowe dążenie do piękna słuchowego.” Timothy Johnson uważa, że ​​minimal music jako styl ma przede wszystkim ciągłą formę, bez rozłącznych sekcji. Bezpośrednią tego konsekwencją jest nieprzerwana faktura składająca się z zazębiających się wzorów rytmicznych i pulsów. Cechuje go dodatkowo zastosowanie jasnych barw i energetyczny maniery. Jego brzmienia harmoniczne są wyraźnie proste, zwykle diatoniczne, często składają się ze znanych triad i akordów septymowych i prezentowane są w powolnym rytmie harmonicznym. Johnson nie zgadza się jednak z Roddą, twierdząc, że najbardziej charakterystyczną cechą muzyki minimalistycznej jest całkowity brak rozbudowanych linii melodycznych. Zamiast tego są tylko krótkie segmenty melodyczne, wysuwające na pierwszy plan organizację, kombinację i indywidualne cechy krótkich, powtarzalnych rytmicznych wzorów.

Leonard B. Meyer opisał minimal music w 1994 roku:

Ponieważ nie ma sensu ruchu ukierunkowanego na cel, [minimalna] muzyka nie wydaje się przemieszczać z jednego miejsca do drugiego. W każdym segmencie muzycznym może istnieć pewne poczucie kierunku, ale często segmenty te nie prowadzą do siebie ani nie sugerują się nawzajem. Po prostu podążają za sobą.

Jak ujął to Kyle Gann , tonalności stosowanej w muzyce minimal brakuje „zorientowanych na cele europejskich skojarzeń”.

David Cope wymienia następujące cechy jako możliwe cechy muzyki minimalnej:

Znane dzieła, które wykorzystują tę technikę, to sekcja numeryczna Glass'a Einstein on the Beach , kawałki taśmy Reicha Come Out and It's Gonna Rain oraz Shaker Loops Adamsa .

Krytyczny odbiór

Robert Fink przedstawia podsumowanie kilku godnych uwagi krytycznych reakcji na minimal music:

[...] być może można to rozumieć jako rodzaj patologii społecznej, jako dźwiękowy znak, że publiczność amerykańska jest prymitywna i niewykształcona ( Pierre Boulez ); że dzieci w dzisiejszych czasach po prostu chcą się ukamienowany ( Donalda Henahana i Harold Schonberg w New York Times); że tradycyjne zachodnie wartości kulturowe uległy erozji w liberalnym następstwie lat 60. (Samuel Lipman); że minimalistyczne powtórzenie jest niebezpiecznie uwodzicielską propagandą, podobną do przemówień i reklam Hitlera ( Eliott Carter ); nawet, że towarowy-fetyszyzm współczesnego kapitalizmu śmiertelnie uwięził autonomiczną jaźń w minimalistycznym narcyzmie ( Christopher Lasch ).

Elliott Carter utrzymywał konsekwentne stanowisko krytyczne wobec minimalizmu iw 1982 roku posunął się nawet do porównania go z faszyzmem, stwierdzając, że „w przemówieniach Hitlera i w reklamach słychać też ciągłe powtarzanie. Ma to swoje niebezpieczne aspekty”. Zapytany w 2001 roku, jak czuje się w stosunku do minimal music, odpowiedział, że „otacza nas świat minimalizmu. Wszystkie te śmieciowe wiadomości, które dostaję każdego dnia, powtarzają się; kiedy patrzę na telewizję, widzę tę samą reklamę i staram się śledzić film, który jest wyświetlany, ale co pięć minut mówi mi się o kociej karmach . To minimalizm”. Fink zauważa, że ​​ogólna niechęć Cartera do muzyki jest reprezentatywna dla formy muzycznego snobizmu, który ogólnie odrzuca powtarzanie. Carter skrytykował nawet użycie powtórzeń w muzyce Edgarda Varèse i Charlesa Ivesa , stwierdzając, że „nie rozumiem popularności tego rodzaju muzyki, która opiera się na powtórzeniach. W cywilizowanym społeczeństwie rzeczy nie muszą być powiedział więcej niż trzy razy”.

Ian MacDonald twierdził, że minimalizm jest „beznamiętną, bezpłciową i emocjonalnie pustą ścieżką dźwiękową Wieku Maszyn , jego utopijny egoizm jest jedynie wyrazem ludzkiej bierności w obliczu masowej produkcji i Bomby ”.

Steve Reich twierdził, że taka krytyka jest niesłuszna. W 1987 roku stwierdził, że jego twórczość kompozytorska odzwierciedla kulturę popularną powojennego amerykańskiego społeczeństwa konsumpcyjnego, ponieważ „elitarna muzyka serialna w europejskim stylu ” po prostu nie jest reprezentatywna dla jego doświadczeń kulturowych. Reich stwierdził, że

Stockhausen , Berio i Boulez bardzo uczciwie przedstawiali, jak to było zbierać kawałki po II wojnie światowej. Ale dla niektórych amerykańskich w 1948 lub 1958 lub 1968 w realnym kontekście statecznikach, Chuck Berry i miliony sprzedanych hamburgery-zamiast udawać, że jesteśmy naprawdę będzie mieć ciemnobrązowy Angst od Wiednia to kłamstwo, kłamstwo muzyczny.

Kyle Gann , sam kompozytor minimalistyczny, twierdził, że minimalizm reprezentuje przewidywalny powrót do prostoty po tym, jak rozwój wcześniejszego stylu osiągnął ekstremalną i nieprześcignioną złożoność. Paralele obejmują pojawienie się prostego barokowego stylu continuo, będącego następstwem skomplikowanej renesansowej polifonii, oraz prostej wczesnoklasycznej symfonii, będącej następstwem monumentalnych postępów Bacha w barokowym kontrapunkcie . Ponadto krytycy często przeceniali prostotę nawet wczesnego minimalizmu. Michael Nyman zwrócił uwagę, że duża część uroku muzyki dawnej Steve'a Reicha miała związek z percepcyjnymi zjawiskami, które w rzeczywistości nie były odtwarzane, ale wynikały z subtelności w procesie przesunięcia fazowego. Innymi słowy, muzyka często nie brzmi tak prosto, jak się wydaje.

W dalszej analizie Ganna minimalizm ewoluował w latach 80. w mniej surowe, bardziej złożone style, takie jak postminimalizm i totalizm , wyrywając się z mocno ujętej w ramy powtarzalności i zastoju wczesnego minimalizmu i wzbogacając go zbiegiem innych rytmicznych i strukturalnych wpływów.

W muzyce popularnej

Minimalna muzyka miała pewien wpływ na rozwój muzyki popularnej. Eksperymentalny skała akt The Velvet Underground miał połączenie z nowojorskiej sceny down-town, z którego wyłoniła minimal music, zakorzenione w ścisłej współpracy z John Cale i La Monte Young , ostatnim wpływającego pracy Cale'a z zespołem. Album Terry'ego Riley'a A Rainbow in Curved Air (1969) został wydany w erze psychodelii i flower power , stając się pierwszym minimalistycznym dziełem, które odniosło sukces crossover, przemawiając do publiczności rockowej i jazzowej. Teoretyk muzyki Daniel Harrison ukuł The Beach Boys ' Smiley Smile (1967) eksperymentalną pracę «protominimal skale», opracowanie: „[Album] można niemal uznać za dzieło muzyki artystycznej w zachodniej tradycji klasycznej , a jej innowacje w muzyczny język rocka można porównać do tych, które wprowadziły atonalne i inne nietradycyjne techniki do tej klasycznej tradycji”. Rozwój konkretnych gatunków rocka eksperymentalnego, takich jak krautrock , space rock (od lat 80.), noise rock i post-rock, był pod wpływem minimal music.

Sherburne (2006) zasugerował, że zauważone podobieństwa między minimalistycznymi formami elektronicznej muzyki tanecznej a amerykańską muzyką minimalną łatwo mogą być przypadkowe. Wiele technologii muzycznych stosowanych w muzyce tanecznej tradycyjnie projektowano tak, aby pasowały do ​​metod komponowania opartych na pętlach, co może wyjaśniać, dlaczego niektóre cechy stylistyczne stylów, takich jak minimal techno, brzmią podobnie do muzyki minimal art. Jedna grupa, która wyraźnie nie mają świadomości amerykańskiej minimal tradycji jest brytyjski otoczenia działać ORB . Ich produkcja z 1990 roku „ Little Fluffy Clouds ” zawiera próbkę pracy Steve'a Reicha „ Electric Counterpoint” (1987). Dalsze potwierdzenie możliwego wpływu Steve'a Reicha na elektroniczną muzykę taneczną pojawiło się wraz z wydaniem w 1999 roku albumu Reich Remixed, który zawierał reinterpretacje między innymi takich artystów jak DJ Spooky , Mantronik , Ken Ishii i Coldcut .

Minimalistyczni kompozytorzy

Zobacz też

Bibliografia

Źródła

  • Anderson, Wirginia. 2013. „Systemy i inne minimalizm w Wielkiej Brytanii”. W The Ashgate Research Companion to Minimalist and Postminimalist Music , pod redakcją Keitha Pottera, Kyle’a Ganna i Pwylla ap Siôn, 80–106. Farnham, Surrey: Ashgate. ISBN  978-1-4094-3549-5 .
  • Bernard, Jonathan W. 1993. „Minimalistyczna estetyka w sztukach plastycznych i muzyce”. Perspektywy Nowej Muzyki 31, no. 1 (zima): 86–132. JSTOR  833043
  • Bernard, Jonathan W. 2003. „Minimalizm, postminimalizm i odrodzenie tonalności w najnowszej muzyce amerykańskiej”. Muzyka amerykańska 21, nie. 1 (wiosna): 112–33. JSTOR  3250558
  • Radź się, Davidzie. 1997. Techniki współczesnego kompozytora . Nowy Jork, Nowy Jork: Schirmer Books. ISBN  0-02-864737-8 .
  • Emmersonie, Szymonie. 2007. Muzyka, media elektroniczne i kultura . Aldershot: Ashgate Publishers Limited.
  • Fink, Robercie. 2005. Powtarzanie się: amerykańska muzyka minimalna jako praktyka kulturowa . Berkeley: Wydawnictwo Uniwersytetu Kalifornijskiego. ISBN  0-520-24036-7 (tkanina). ISBN  0-520-24550-4 (pbk).
  • Gann, Kyle. 1997. Muzyka amerykańska w XX wieku . Schirmera. ISBN  0-02-864655-X .
  • Gann, Kyle. 1987. „Niech X = X: Minimalizm kontra serializm”. Village Voice (24 lutego): 76.
  • Gann, Kyle. 1998. „ Las z nasion minimalizmu: esej o muzyce postminimalnej i totalistycznej ”. KyleGann.com.
  • Gann, Kyle. 2001. „ Muzyka minimalna, maksymalny wpływ: bezpośrednie dziedzictwo minimalizmu: postminimalizm ”. New Music Box: The Web Magazine z American Music Center (1 listopada) (dostęp 4 lutego 2012).
  • Gann, Kyle. 2006. Śródmieście muzyki: Pisma z Village Voice . Berkeley: Wydawnictwo Uniwersytetu Kalifornijskiego. ISBN  0-520-22982-7 .
  • Gann, Kyle. 2010. „Rekonstrukcja listopada”. Muzyka amerykańska 28, nr. 4 (zima): 481-91. doi : 10.5406/americanmusic.28.4.0481
  • Garland, Peter i La Monte Young. 2001. „Jennings, Terry”. The New Grove Dictionary of Music and Musicians , pod redakcją Stanleya Sadie i Johna Tyrrella. Londyn: Macmillan.
  • Szkło, Filipie. 2007. „Przedmowa”. W Scotto Robert M. Moondog, Wiking z 6. Alei: Autoryzowana Biografia . Los Angeles: proces. ISBN  978-0-9760822-8-6 .
  • Gotte, Ulli. 2000. Muzyka minimalna: Geschichte, Asthetik, Umfeld . Taschenbucher zur Musikwissenschaft, 138. Wilhelmshaven: Noetzel. ISBN  3-7959-0777-2 .
  • Harrison Daniel (1997). „Po zachodzie słońca: muzyka eksperymentalna The Beach Boys” (PDF) . W Covach, John; Boone, Graeme M. (red.). Zrozumienie rocka: eseje w analizie muzycznej . Oxford University Press. s. 33–57. Numer ISBN 9780199880126.
  • Johnson, Timothy A. 1994. „Minimalizm: estetyka, styl czy technika?” Kwartalnik Muzyczny 78, nr. 4 (zima): 742-73. JSTOR  742508
  • Johnson, Tom. 1989. Głos nowej muzyki: Nowy Jork 1972-1982 - zbiór artykułów pierwotnie opublikowanych przez Village Voice . Eindhoven, Holandia: Het Apollohuis . ISBN  90-71638-09-X .
  • Kostelanetz, Richard i R. Flemming. 1997. Pisma na szkle: eseje, wywiady, krytyka . Berkeley i Los Angeles: University of California Press; Nowy Jork: Książki Schirmera.
  • Linke, Ulrich. 1997. Minimal Music: Dimensionen eines Begriffs . Folkwang-Texte Bd. 13. Essen: Die blaue Eule. ISBN  3-89206-811-9 .
  • Lovisa, Fabian R. 1996. Minimalna muzyka: Entwicklung, Komponisten, Werke . Darmstadt: Wissenschaftliche Buchgesellschaft.
  • MacDonald, Ian. 2003. „Muzyka ludowa”. Londyn: Pimlico Publishing. ISBN  1-84413-093-2 .
  • Mertens, Wim. 1983. Amerykańska muzyka minimalna: La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass . Przetłumaczone przez J. Hautekieta; przedmowa Michaela Nymana. Londyn: Kahn i Averill; Nowy Jork: Alexander Broude. ISBN  0-900707-76-3
  • Meyer, Leonard B. 1994. Muzyka, sztuka i idee: wzorce i przewidywania w kulturze XX wieku , wydanie drugie. Chicago i Londyn: University of Chicago Press. ISBN  0-226-52143-5
  • Nymana, Michała . 1968. „Muzyka minimalna”. Widz 221, nr. 7320 (11 października): 518-19.
  • Nymana, Michaela. 1974. Muzyka eksperymentalna: klatka i nie tylko . Londyn: Studio Vista ISBN  0-289-70182-1 ; przedruk 1999, Cambridge: Cambridge University Press. ISBN  0-521-65383-5 .
  • Pastor, Michael. 1974. „Systemy w sztuce i muzyce”. Musical Times 117, no. 1604 (październik): 815-18. JSTOR  960175
  • Perlein, Gilbert i Bruno Corà (red.). 2000. Yves Klein: Niech żyje niematerialne! Katalog wystawy zorganizowanej w Musée d'art moderne et d'art contemporain, Nicea, 28 kwietnia – 4 września 2000 oraz Museo Pecci, Prato, 23 września 2000 – 10 stycznia 2001. Nowy Jork: Delano Greenidge Wydania, 2000, ISBN  978-0-929445-08-3 .
  • Potter, Keith. 2000. Czterech minimalistów muzycznych: La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass . Muzyka w serii XX wieku. Cambridge i Nowy Jork: Cambridge University Press. ISBN  0-521-48250-X .
  • Potter, Keith. 2001. „Minimalizm”. The New Grove Dictionary of Music and Musicians , wydanie drugie, pod redakcją Stanleya Sadie i Johna Tyrrella. Londyn: Macmillan Publishers; Nowy Jork: Słowniki muzyczne Grove'a.
  • Rodda, Richard E. (1999). Nuty, Koncerty skrzypcowe Johna Adamsa i Philipa Glassa , Robert McDuffie (skrzypce). Telarc, CD-80494.
  • Róża, Barbaro. 1965. „Sztuka ABC”. Sztuka w Ameryce 53, nr. 5 (październik-listopad): 57-69.
  • Schönbergera, Elmera. 2001. „Andriessen: (4) Louis Andriessen”. The New Grove Dictionary of Music and Musicians , wydanie drugie, pod redakcją Stanleya Sadie i Johna Tyrrella. Londyn: Macmillan Publishers; Nowy Jork: Słowniki muzyczne Grove'a.
  • Schwarz, K. Robert. 1996. Minimaliści . Seria kompozytorów XX wieku. Londyn: Fajdon. ISBN  0-7148-3381-9 .
  • Sherburne, Filip (2006). „Dyscyplina cyfrowa: minimalizm w domu i techno” . W Cox, Christoph; Warner, Daniel (wyd.). Kultura audio: odczyty w muzyce współczesnej . Nowy Jork: kontinuum. s. 319–326. Numer ISBN 978-0-8264-1615-5.
  • Sickiego, Larry'ego. 2002. Muzyka awangardy XX wieku: podręcznik biokrytyczny . Westport, CT: Greenwood Press. ISBN  0313017239
  • Strickland, Edwardzie. 1993. Minimalizm: Początki . Bloomington: Indiana University Press. ISBN  0-253-35499-4 (tkanina); ISBN  0-253-21388-6 (pbk, poprawiony i nieco poprawiony druk, 2000). Rozdział T, s. 241-56, przedrukowany jako Strickland 1997.
  • Strickland, Edwardzie. 1997. „Minimalizm: T (1992)”. W Writings on Glass: Essays, Interviews, Criticism , pod redakcją Richarda Kostelanetza i Roberta Flemminga, s. 113–130. Berkeley i Los Angeles: University of California Press; Nowy Jork: Książki Schirmera. ISBN  0-520-21491-9 . Przedruk rozdziału ze Strickland 1993.
  • Sweeney Turner, Steve. 1995. „Znużenie i rozluźnienie na żałośnie rozrastającym się polu poczty”. Musical Times 136, nr. 1833 (listopad): 599-601. JSTOR  1003498
  • Warburton, Dan. 1988. „Terminologia robocza dla muzyki minimalnej”. INTEGRAL 2: 135-59. JSTOR  40213909

Zewnętrzne linki