Muzyka Stanów Zjednoczonych - Music of the United States

Ten artykuł jest częścią serii poświęconej
Kultura Stanów Zjednoczonych
Społeczeństwo
Historia Język Ludzie Rasa i pochodzenie etniczne Religia
Sztuka i literatura
Architektura Sztuka Taniec Moda Literatura Komiksy Poezja Muzyka Rzeźba Teatr
Inne
Kuchnia jako sposób gotowania Festiwale Folklor Głoska bezdźwięczna Gazety Radio Kino telewizja Internet Pornografia Mitologia Sporty
Symbolika
Flaga Wielka pieczęć Zabytki Motto Hymn Ptak Miejsca światowego dziedzictwa
Portal Stany Zjednoczone
v T mi

Muzyka Stanów Zjednoczonych odzwierciedla PLURI-etnicznej ludności kraju przez najróżniejszych stylach. Jest to mieszanka muzyki inspirowanej m.in. muzyką Wielkiej Brytanii , Afryki Zachodniej , Irlandii , Ameryki Łacińskiej i Europy kontynentalnej. Najbardziej znane na całym świecie gatunki to jazz , blues , country , bluegrass , rock , rock and roll , R&B , pop , hip hop , soul , funk , gospel , disco , house , techno , ragtime , doo-wop , folk music , americana , boogaloo , tejano , reggaeton , surf i salsa . Muzyka amerykańska jest słyszana na całym świecie. Od początku XX wieku niektóre formy amerykańskiej muzyki popularnej zyskały niemal globalną publiczność.

Rdzenni Amerykanie byli najwcześniejszymi mieszkańcami krainy, która jest dziś znana jako Stany Zjednoczone i grali swoją pierwszą muzykę. Począwszy od XVII wieku, licznie przybywali imigranci z Wielkiej Brytanii, Irlandii, Hiszpanii, Niemiec i Francji, przynosząc ze sobą nowe style i instrumenty. Niewolnicy z Afryki Zachodniej wnieśli swoje muzyczne tradycje, a każda kolejna fala imigrantów przyczyniała się do tygla .

Niektóre muzyka popularna jest Electropop która opiera się na Wielkiej Brytanii, RFN, a niektóre japońskich wykonawców jest hop New school hip wpływem Afrika Bambaataa , który z kolei był pod wpływem Kraftwerk . Istnieją również pewne wpływy afroamerykańskie w tradycji muzycznej europejsko-amerykańskich osadników, takie jak jazz, blues, rock, country i bluegrass. Stany Zjednoczone widziały również udokumentowaną muzykę ludową i nagrały muzykę popularną wytworzoną w etnicznych stylach społeczności ukraińskiej , irlandzkiej , szkockiej , polskiej , latynoskiej i żydowskiej .

Wiele amerykańskich miast i miasteczek ma żywe sceny muzyczne, które z kolei wspierają wiele regionalnych stylów muzycznych. Z ośrodkami muzycznymi takimi jak Boston , Filadelfia , Seattle , Portland , Nowy Jork , San Francisco , Nowy Orlean , Detroit , Memphis , Houston , Las Vegas , Minneapolis , Chicago , St. Louis , Miami , Atlanta , San Juan , Nashville , Austin , Waszyngton DC , Los Angeles i mniejsze miasta, takie jak Asbury Park, New Jersey , Milwaukee , Cleveland , Asheville, Karolina Północna , Louisville , Oakland , Honolulu , Trójkąt Badawczy , Boulder, Kolorado , Madison, Wisconsin , Tupelo, Mississippi i Burlington , Vermont wyprodukowali i przyczynili się do wielu charakterystycznych stylów muzycznych z tego kraju. The Cajun i Creole tradycji w muzyce Louisiana , folk i popularne style muzyki hawajskiej i bluegrass i stary czas muzyka z Południowo stanach kilka przykładów różnorodności w amerykańskiej muzyce.

Charakterystyka

Raymond Carlos Nakai jest amerykańskim Indianinem pochodzenia Navajo / Ute . Jego albumy Earth Spirit i Canyon Trilogy są jedynymi albumami rdzennych Amerykanów, które otrzymały odpowiednio złoty i platynowy certyfikat RIAA.

Muzykę Stanów Zjednoczonych można scharakteryzować za pomocą synkopowania i asymetrycznych rytmów, długich, nieregularnych melodii , o których mówi się, że „odzwierciedlają szeroko otwartą geografię (amerykańskiego krajobrazu)” oraz „poczucie wolności osobistej charakterystyczne dla Ameryki”. życie". Niektóre odrębne aspekty muzyki amerykańskiej, takie jak format call-and-respons , wywodzą się z afrykańskich technik i instrumentów.

Przez późniejszy okres historii Ameryki, aż po czasy współczesne, związki między muzyką amerykańską i europejską były przedmiotem dyskusji wśród badaczy muzyki amerykańskiej. Niektórzy nawoływali do przyjęcia bardziej czysto europejskich technik i stylów, które czasami są postrzegane jako bardziej wyrafinowane lub eleganckie, podczas gdy inni naciskali na poczucie muzycznego nacjonalizmu, który celebruje wyraźnie amerykańskie style. Współczesny badacz muzyki klasycznej, John Warthen Struble, przeciwstawił Ameryce i Europie, dochodząc do wniosku, że muzyka Stanów Zjednoczonych jest z natury odrębna, ponieważ Stany Zjednoczone jako naród nie miały wieków muzycznej ewolucji. Zamiast tego muzyka Stanów Zjednoczonych to muzyka dziesiątek lub setek grup tubylczych i imigrantów, z których wszystkie rozwijały się w dużej mierze w izolacji regionalnej aż do wojny secesyjnej , kiedy ludzie z całego kraju zebrali się w jednostki wojskowe, wymieniając style muzyczne. i praktyki. Struble uznał ballady o wojnie secesyjnej za „pierwszą amerykańską muzykę ludową z dostrzegalnymi cechami, które można uznać za unikatowe dla Ameryki: pierwszą „amerykańską” brzmiącą muzykę, odróżniającą się od jakiegokolwiek regionalnego stylu pochodzącego z innego kraju”.

Wojna secesyjna i okres następujący po niej były świadkami powszechnego rozkwitu amerykańskiej sztuki , literatury i muzyki. Amatorskie zespoły muzyczne tej epoki można uznać za narodziny amerykańskiej muzyki popularnej. Autor muzyki, David Ewen, opisuje te wczesne zespoły amatorskie jako łączące „głębokość i dramatyzm klasyki z niewymagającą techniką, unikając złożoności na rzecz bezpośredniej ekspresji. Gdyby była to muzyka wokalna, słowa byłyby po angielsku, pomimo snobów deklarujących angielski język, którego nie można wyśpiewać. W pewnym sensie była to część całego przebudzenia Ameryki, które nastąpiło po wojnie secesyjnej, w czasie, w którym amerykańscy malarze, pisarze i „poważni” kompozytorzy zajmowali się specyficznymi tematami amerykańskimi”. W tym okresie ukształtowały się korzenie muzyki bluesowej, gospel, jazzu i country; w XX wieku stały się one rdzeniem amerykańskiej muzyki popularnej, która dalej ewoluowała w style takie jak rhythm and blues, rock and roll i hip hop.

Tożsamość społeczna

Wejście do Muzeum Grammy w LA Live

Alison Krauss jest najczęściej nagradzaną piosenkarką i najczęściej nagradzaną artystką w historii Grammy .

Muzyka przeplata się z aspektami amerykańskiej tożsamości społecznej i kulturowej, w tym poprzez klasę społeczną , rasę i pochodzenie etniczne , geografię , religię , język , płeć i seksualność . Relacja między muzyką a rasą jest prawdopodobnie najsilniejszym wyznacznikiem znaczenia muzycznego w Stanach Zjednoczonych. Rozwój afroamerykańskiej tożsamości muzycznej , wywodzący się z różnych źródeł z Afryki i Europy, był stałym tematem w historii muzyki Stanów Zjednoczonych . Istnieje niewiele dokumentów dotyczących muzyki afroamerykańskiej z czasów kolonialnych , kiedy style, piosenki i instrumenty z całej Afryki Zachodniej mieszały się z europejskimi stylami i instrumentami w tyglu niewolnictwa. W połowie XIX wieku wyraźnie znana i szeroko rozpowszechniona tradycja ludowa Afroamerykanów, a afroamerykańskie techniki muzyczne, instrumenty i obrazy stały się częścią głównego nurtu amerykańskiej muzyki poprzez wydarzenia spirytualistyczne , pokazy minstreli i niewolnicze pieśni. Afroamerykańskie style muzyczne stały się integralną częścią amerykańskiej muzyki popularnej poprzez blues , jazz , rhythm and blues , a następnie rock and roll , soul i hip hop ; wszystkie te style były konsumowane przez Amerykanów wszystkich ras, ale zostały stworzone w stylach i idiomach afroamerykańskich, zanim ostatecznie stały się powszechne w wydajności i konsumpcji w różnych liniach rasowych. Natomiast muzyka country wywodzi się zarówno z tradycji afrykańskich, jak i europejskich, a także rdzennych Amerykanów i Hawajów i od dawna postrzegana jest jako forma muzyki białej .

Klasy ekonomiczne i społeczne oddzielają muzykę amerykańską poprzez tworzenie i konsumpcję muzyki, takie jak mecenat klasy wyższej wśród symfonicznych słuchaczy i ogólnie ubogich wykonawców wiejskiej i etnicznej muzyki ludowej. Podziały muzyczne oparte na klasie nie są jednak absolutne, a czasami są postrzegane jako rzeczywiste; Na przykład popularna amerykańska muzyka country jest gatunkiem komercyjnym zaprojektowanym, aby „odwoływać się do tożsamości klasy robotniczej, niezależnie od tego, czy jej słuchacze faktycznie należą do klasy robotniczej”. Ludzie skupiają się bardziej na muzyce niż na czynnikach kulturowych, które artysta przyniósł ze sobą. Koncentrują się bardziej na popularności niż na tym, że ludzie przynieśli umiejętności, które rozwinęły gatunki, które zyskały na popularności. To bardzo pomogło w tworzeniu ruchów społecznych poprzez ich pochodzenie i kulturę. Muzyka country jest również spleciona z tożsamością geograficzną i ma specyficznie wiejski charakter i funkcję; inne gatunki, takie jak R&B i hip hop, są postrzegane jako z natury miejskie. Przez większą część amerykańskiej historii tworzenie muzyki było „działaniem sfeminizowanym”. W XIX wieku pianino i śpiew amatorski uważano za właściwe kobietom z klasy średniej i wyższej. Kobiety odgrywały również ważną rolę we wczesnej muzyce popularnej, chociaż zapisane tradycje szybko zostały zdominowane przez mężczyzn. Większość zdominowanych przez mężczyzn gatunków muzyki popularnej obejmuje również wykonawców, często w niszy atrakcyjnej głównie dla kobiet; należą do nich gangsta rap i heavy metal .

Historia

Różnorodność

Często mówi się, że Stany Zjednoczone są tyglem kulturowym , który przejmuje wpływy z całego świata i tworzy wyraźnie nowe metody ekspresji kulturowej. Chociaż aspekty muzyki amerykańskiej można wywieść z określonych początków, twierdzenie, że element muzyczny w jakiejś szczególnej oryginalnej kulturze jest z natury problematyczne, ze względu na ciągłą ewolucję muzyki amerykańskiej poprzez przeszczepianie i hybrydyzację technik, instrumentów i gatunków. Elementy muzyki zagranicznej przybyły do ​​Stanów Zjednoczonych zarówno poprzez formalne sponsorowanie wydarzeń edukacyjnych i popularyzacyjnych przez osoby indywidualne i grupy, jak i przez nieformalne procesy, takie jak przypadkowe przeszczepianie muzyki zachodnioafrykańskiej przez niewolnictwo i muzyki irlandzkiej przez imigrację. Najbardziej wyraźnie amerykańskie utwory muzyczne są wynikiem hybrydyzacji międzykulturowej poprzez bliski kontakt. Na przykład niewolnictwo mieszało osoby z wielu plemion w ciasnych pomieszczeniach, co zaowocowało wspólną tradycją muzyczną, która została wzbogacona poprzez dalsze hybrydyzowanie z elementami muzyki tubylczej, łacińskiej i europejskiej. Amerykańska różnorodność etniczna, religijna i rasowa wytworzyła również takie przemieszane gatunki, jak francusko-afrykańska muzyka kreolów z Luizjany , rdzenni, meksykańscy i europejscy fuzja muzyki Tejano oraz całkowicie zhybrydyzowana gitara slack-key i inne style współczesnej muzyki hawajskiej. .

Proces przeszczepiania muzyki między kulturami nie jest pozbawiony krytyki. Na przykład odrodzenie ludowe w połowie XX wieku przywłaszczyło sobie muzykę różnych ludów wiejskich, po części w celu promowania pewnych powodów politycznych, co skłoniło niektórych do kwestionowania, czy proces ten spowodował „komercyjne utowarowienie piosenek innych ludzi. … i nieuniknione rozmycie średniej” w odpowiednich muzykach. Wykorzystanie afroamerykańskich technik muzycznych, obrazów i próżności w muzyce popularnej, głównie przez i dla białych Amerykanów, było szeroko rozpowszechnione przynajmniej od połowy XIX wieku piosenek Stephena Fostera i powstania występów minstreli . Amerykański przemysł muzyczny aktywnie próbował spopularyzować białych wykonawców muzyki afroamerykańskiej, ponieważ są oni bardziej przyjemni dla Amerykanów z głównego nurtu i klasy średniej. Proces ten jest związany z powstaniem gwiazd tak różnych, jak Benny Goodman , Eminem i Elvis Presley , a także z popularnymi stylami, takimi jak blue-eyed soul i rockabilly .

Muzyka ludowa

Elvis Presley był amerykańskim piosenkarzem i aktorem. Uważany za jedną z najważniejszych ikon kultury XX wieku, często określany jest mianem „króla rock and rolla” lub po prostu „króla”.

Muzyka ludowa w USA jest zróżnicowana w wielu grupach etnicznych w kraju. Każde z plemion rdzennych Amerykanów gra swoje własne odmiany muzyki ludowej, w większości o charakterze duchowym. Muzyka afroamerykańska obejmuje blues i gospel , potomków muzyki zachodnioafrykańskiej sprowadzonej do Ameryki przez niewolników i zmieszanej z muzyką zachodnioeuropejską. W epoce kolonialnej style i instrumenty angielskie , francuskie i hiszpańskie zostały sprowadzone do obu Ameryk. Na początku XX wieku Stany Zjednoczone stały się głównym ośrodkiem muzyki ludowej z całego świata, w tym polki , ukraińskich i polskich skrzypców , aszkenazyjskich , klezmerskich i kilku rodzajów muzyki latynoskiej .

Rdzenni Amerykanie grali pierwszą muzykę ludową na terenie dzisiejszych Stanów Zjednoczonych, używając szerokiej gamy stylów i technik. Niektóre cechy wspólne są niemal powszechne wśród tradycyjnej muzyki rdzennych Amerykanów, zwłaszcza brak harmonii i polifonii oraz użycie słów i schodzących figur melodycznych. Tradycyjne instrumenty wykorzystują flet i wiele rodzajów instrumentów perkusyjnych , takich jak bębny , grzechotki i wytrząsarki . Odkąd nawiązano kontakt europejski i afrykański, indiańska muzyka ludowa rozwinęła się w nowych kierunkach, łącząc się z różnymi stylami, takimi jak europejskie tańce ludowe i muzyka Tejano . Współczesna muzyka rdzennych Amerykanów może być najbardziej znana z pow wow , zgromadzeń pan-plemiennych, na których wykonywane są tradycyjne tańce i muzyka.

„Pieśń Bice'waan” To jest nagranie z 1897 roku tradycyjnej pieśni zalotów Omaha. „Na starej prerii Kissimmee” To brytyjska melodia nagrana na Florydzie w 1940 roku przez Boba Halla, Waltera van Bassa, Neda Hugh Bassa i JC Kinga. „Stara Siwa Klacz” To dawna muzyka ludowa Appalachów z 1925 roku. Wykonywana przez Bascama Lamara Lunsforda. „Dolar Mamie” Jest to pieśń robocza do pielenia, nagrana w więzieniu stanowym w Mississippi w 1939 roku. „Caminode San Antonio” To corrido, zarejestrowane niedaleko Brownsville w Teksasie w 1939 roku. „Bawełniany Joe” Cotton-Eyed Joe to tradycyjna pieśń ludowa i taniec liniowy znany głównie w południowych Stanach Zjednoczonych, tutaj wykonywany przez Elmo Newcomer

Masz problemy z odtwarzaniem tych plików? Zobacz pomoc dla mediów .

W Trzynaście kolonii oryginalnego Stanach Zjednoczonych były wszystkie dawne posiadłości angielskie i kultura anglo stał się głównym fundamentem amerykańskiego folku i muzyki popularnej. Wiele amerykańskich piosenek folkowych jest identycznych z piosenkami brytyjskimi w aranżacjach, ale z nowymi tekstami, często jako parodie oryginalnego materiału. Piosenki amerykańsko-angielskie charakteryzują się również mniejszą ilością melodii pentatonicznych , mniej wyeksponowanym akompaniamentem (ale z większym użyciem dronów ) i większą ilością melodii w tonacji durowej. Tradycyjna muzyka anglo-amerykańska zawiera również różnorodne ballady , humorystyczne historie i opowieści o katastrofach, dotyczące górnictwa, wraków i morderstw. Legendarni bohaterowie, tacy jak Joe Magarac , John Henry i Jesse James, są częścią wielu piosenek. Tańce ludowe pochodzenia brytyjskiego obejmują taniec kwadratowy , wywodzący się od kadryla , połączony z amerykańską innowacją rozmówcy instruującego tancerzy. Religijne społeczeństwo komunalne znane jako Shakers wyemigrowało z Anglii w XVIII wieku i rozwinęło swój własny styl tańca ludowego. Ich wczesne piosenki można datować na brytyjskie wzorce pieśni ludowych. Inne stowarzyszenia religijne założyły swoje własne unikalne kultury muzyczne na początku historii Ameryki, takie jak muzyka Amiszów , Towarzystwo Harmonii i Klasztor Ephrata w Pensylwanii.

Przodkowie dzisiejszej populacji Afroamerykanów zostali przywiezieni do Stanów Zjednoczonych jako niewolnicy, pracujący głównie na plantacjach na południu. Pochodzili z setek plemion w Afryce Zachodniej i przynieśli ze sobą pewne cechy muzyki zachodnioafrykańskiej, w tym wokale i odpowiedzi oraz złożoną rytmiczną muzykę, a także synkopowane bity i zmieniające się akcenty. Afryki muzyczny nacisk na rytmicznym śpiewem i tańcem został przywieziony do Nowego Świata, gdzie stał się częścią odrębnej kultury ludowej, które pomogły Afrykanie „zachować ciągłość z przeszłością poprzez muzykę”. Pierwsi niewolnicy w Stanach Zjednoczonych śpiewali pieśni robocze , okrzyki polowe, a po chrystianizacji hymny . W XIX wieku w całym kraju, zwłaszcza na południu , ogarnęło wielkie przebudzenie religijnego zapału. Protestanckie hymny pisane głównie przez kaznodziejów z Nowej Anglii stały się elementem spotkań obozowych odbywających się wśród pobożnych chrześcijan na całym Południu. Kiedy czarni zaczęli śpiewać zaadaptowane wersje tych hymnów, nazwano je Negro spirituals . To właśnie z tych korzeni, pieśni duchowych, pieśni roboczych i okrzyków terenowych, rozwinął się blues, jazz i gospel.

Blues i duchowość

	"Jesteśmy Amerykanami" Nagrania etnograficzne zebrane dla Archiwum Amerykańskiej Piosenki Ludowej Biblioteki Kongresu. W wykonaniu Berthy Houston.
Masz problemy z odtwarzaniem tego pliku? Zobacz pomoc dla mediów .

Słowa duchowe były przede wszystkim wyrazem wiary religijnej, śpiewane przez niewolników na południowych plantacjach. Od połowy do końca XIX wieku duchy rozprzestrzeniły się z południa Stanów Zjednoczonych. W 1871 Fisk University stał się siedzibą Fisk Jubilee Singers , pionierskiej grupy, która popularyzowała duchowość w całym kraju. Na wzór tej grupy powstały kwartety gospel, a wraz z rozwojem kaznodziei i śpiewu kaznodziei na początku XX w., z którego zrodził się popularny styl muzyki gospel .

	„Armia faraona utonęła” Nagrany przez Thomasa Edisona w 1921, wydany w 1924.
Masz problemy z odtwarzaniem tego pliku? Zobacz pomoc dla mediów .

Blues to połączenie afrykańskich pieśni roboczych, polowych okrzyków i okrzyków. Rozwinął się na wiejskim Południu w pierwszej dekadzie XX wieku. Najważniejszą cechą bluesa jest użycie niebieskiej skali z spłaszczoną lub nieokreśloną tercją, a także typowo lamentacyjny tekst; chociaż oba te elementy istniały w muzyce ludowej Afroamerykanów przed XX wiekiem, skodyfikowana forma nowoczesnego bluesa (np. ze strukturą AAB) nie istniała aż do początku XX wieku.

Inne społeczności imigrantów

Dziekan Martin

Stany Zjednoczone to tygiel składający się z wielu grup etnicznych. Wiele z tych ludów podtrzymywało przy życiu tradycje ludowe swojej ojczyzny, często tworząc charakterystycznie amerykańskie style muzyki zagranicznej. Niektóre narodowości przyniosły lokalnych scen w regionach kraju, gdzie mają klastra, jak muzyka Zielonego Przylądka w Nowej Anglii , ormiańskiej muzyki w Kalifornii i włoskim i ukraińskiej muzyki w Nowym Jorku.

W kreolska są wspólnotą z różnym pochodzeniu non-Anglo, głównie potomkiem ludzi, którzy żyli w Luizjanie przed jego zakupem przez nas Cajuns są grupą frankojezycznych który przybył do Luizjany po opuszczeniu Acadia w Kanadzie. Miasto Nowy Orlean w stanie Luizjana , będąc głównym portem, działało jak tygiel dla ludzi z całego basenu karaibskiego. Rezultatem jest zróżnicowany i synkretyczny zestaw stylów muzyki Cajun i muzyki kreolskiej .

Hiszpania, a następnie Meksyk, kontrolowały większość obszaru, który jest obecnie zachodnimi Stanami Zjednoczonymi, aż do wojny meksykańsko-amerykańskiej , w tym cały stan Teksas. Po tym, jak Teksas dołączył do Stanów Zjednoczonych, rdzenni Tejanos mieszkający w tym stanie zaczęli rozwijać się kulturowo oddzielnie od swoich sąsiadów na południu i pozostali kulturowo odrębni od innych Teksańczyków. Kluczem do ewolucji wczesnej muzyki Tejano było połączenie tradycyjnych meksykańskich form, takich jak mariachi i corrido , oraz kontynentalnych stylów europejskich wprowadzonych przez niemieckich i czeskich osadników pod koniec XIX wieku. W szczególności akordeon został przyjęty przez muzyków ludowych Tejano na początku XX wieku i stał się popularnym instrumentem dla muzyków amatorów w Teksasie i północnym Meksyku.

Muzyka klasyczna

Muzyka klasyczna została sprowadzona do Stanów Zjednoczonych wraz z kilkoma pierwszymi kolonistami. Europejska muzyka klasyczna wywodzi się z tradycji sztuki europejskiej, muzyki kościelnej i koncertowej. Centralne normy tej tradycji rozwinęły się między 1550 a 1825 rokiem, koncentrując się na tak zwanym okresie powszechnej praktyki . Wielu amerykańskich kompozytorów klasycznych próbowało pracować w całości w ramach modeli europejskich aż do końca XIX wieku. Kiedy Antonín Dvořák , wybitny czeski kompozytor, odwiedził Stany Zjednoczone w latach 1892-1895, powtórzył myśl, że amerykańska muzyka klasyczna potrzebuje własnych wzorców, zamiast naśladować europejskich kompozytorów; pomagał inspirować kolejnych kompozytorów do tworzenia wyraźnie amerykańskiego stylu muzyki klasycznej. Na początku XX wieku wielu amerykańskich kompozytorów włączało do swojej twórczości różne elementy, od jazzu i bluesa po muzykę rdzennych Amerykanów.

Dawna muzyka klasyczna

Aaron Copland był określany przez swoich rówieśników i krytyków jako „dziekan amerykańskich kompozytorów”

W epoce kolonialnej istniały dwa odrębne obszary tego, co jest obecnie uważane za muzykę klasyczną. Jeden był związany z kompozytorami-amatorami i pedagogami, których styl wywodził się pierwotnie z prostych hymnów iz czasem nabierał wyrafinowania. Inną kolonialną tradycją była tradycja miast środkowoatlantyckich, takich jak Filadelfia i Baltimore, która wydała wielu wybitnych kompozytorów, którzy pracowali prawie wyłącznie w ramach modelu europejskiego; ci kompozytorzy byli głównie pochodzenia angielskiego i pracowali w stylu wybitnych angielskich kompozytorów tamtych czasów.

Budynek siedziby Capitol Records

Muzyka klasyczna została sprowadzona do Stanów Zjednoczonych w epoce kolonialnej. Wielu amerykańskich kompozytorów tego okresu pracowało wyłącznie z modelami europejskimi, podczas gdy inni, tacy jak William Billings , Supply Belcher i Justin Morgan , znany również jako First New England School , wypracowali styl niemal całkowicie niezależny od modeli europejskich. Z tych kompozytorów Billings jest najlepiej zapamiętany; był także wpływowy „jako założyciel amerykańskiego chóru kościelnego, jako pierwszy muzyk używający fletu i jako pierwszy wprowadzający wiolonczelę do nabożeństw”. Wielu z tych kompozytorów było śpiewakami-amatorami, którzy wypracowali nowe formy muzyki sakralnej nadające się do wykonywania przez amatorów, często stosujące metody harmoniczne, które według współczesnych standardów europejskich byłyby uważane za dziwaczne. Style tych kompozytorów pozostały nietknięte „wpływem wyrafinowanych europejskich rówieśników”, stosując skale modalne lub pentatoniczne lub melodie i unikając europejskich zasad harmonii.

Na początku XIX wieku Ameryka wydała różnych kompozytorów, takich jak Anthony Heinrich , który komponował w specyficznym, celowo amerykańskim stylu i był pierwszym amerykańskim kompozytorem, który pisał dla orkiestry symfonicznej. Wielu innych kompozytorów, najsłynniejsi William Henry Fry i George Frederick Bristow , popierało ideę amerykańskiego stylu klasycznego, choć ich dzieła miały bardzo europejską orientację. Jednak to John Knowles Paine stał się pierwszym amerykańskim kompozytorem, który został zaakceptowany w Europie. Przykład Paine'a zainspirował kompozytorów Drugiej Szkoły Nowej Anglii , do której należały takie postacie jak Amy Beach , Edward MacDowell i Horatio Parker .

Louis Moreau Gottschalk jest prawdopodobnie najlepiej zapamiętanym amerykańskim kompozytorem XIX wieku, według historyka muzyki Richarda Crawforda znanym z „wprowadzania rdzennych lub ludowych motywów i rytmów do muzyki na salę koncertową”. Muzyka Gottschalka odzwierciedlała mieszankę kulturową jego rodzinnego miasta, Nowego Orleanu, Luizjany, w którym występowała różnorodność muzyki latynoskiej, karaibskiej, afroamerykańskiej, cajuńskiej i kreolskiej. Był dobrze znany jako utalentowany pianista w swoim życiu, a także był znanym kompozytorem, który jest podziwiany, choć mało wykonywany.

XX wiek

Philip Glass we Florencji, 1993

Nowojorska scena muzyki klasycznej obejmowała Charlesa Griffesa , pochodzącego z Elmiry w stanie Nowy Jork , który zaczął publikować swój najbardziej innowacyjny materiał w 1914 roku. Jego wczesna współpraca polegała na próbach wykorzystania niezachodnich tematów muzycznych. Najbardziej znanym nowojorskim kompozytorem był George Gershwin . Gershwin był autorem tekstów dla Tin Pan Alley i teatrów na Broadwayu , a jego prace były pod silnym wpływem jazzu , a raczej prekursorów jazzu, które istniały w jego czasach. Prace Gershwina sprawiły, że amerykańska muzyka klasyczna stała się bardziej skoncentrowana i przyciągnęła niesłychaną ilość międzynarodowej uwagi. Po Gershwinie pierwszym głównym kompozytorem był Aaron Copland z Brooklynu, który wykorzystał elementy amerykańskiej muzyki ludowej, choć pozostała ona europejska w technice i formie. Później zwrócił się do baletu, a potem do muzyki serialowej . Charles Ives był jednym z najwcześniejszych amerykańskich kompozytorów klasycznych o trwałym międzynarodowym znaczeniu, produkującym muzykę w wyjątkowo amerykańskim stylu, choć jego muzyka była w większości nieznana aż do jego śmierci w 1954 roku.

Wielu późniejszych kompozytorów XX wieku, takich jak John Cage , John Corigliano , Terry Riley , Steve Reich , John Adams i Miguel del Aguila , używało technik modernistycznych i minimalistycznych . Reich odkrył technikę znaną jako phasing , w której dwie czynności muzyczne rozpoczynają się jednocześnie i są powtarzane, stopniowo rozstrajając się, tworząc naturalne poczucie rozwoju. Reich był również bardzo zainteresowany muzyką niezachodnią, włączając do swoich kompozycji afrykańskie techniki rytmiczne . Najnowsi kompozytorzy i wykonawcy są pod silnym wpływem minimalistycznych dzieł Philipa Glassa , pochodzącego z Baltimore z Nowego Jorku, Meredith Monk i innych.

Muzyka popularna

Stany Zjednoczone wydały wielu popularnych muzyków i kompozytorów we współczesnym świecie. Począwszy od narodzin nagrań muzycznych, amerykańscy wykonawcy nieprzerwanie przewodzą na polu muzyki popularnej, która z „wszystkich wkładów Amerykanów w światową kulturę… została wzięta do serca przez cały świat”. Większość historii muzyki popularnej zaczyna się od amerykańskiego ragtime lub Tin Pan Alley ; inni jednak śledzą muzykę popularną do renesansu i poprzez gazety , ballady i inne popularne tradycje. Inni autorzy zazwyczaj przyglądają się popularnym zapisom nutowym, śledząc amerykańską muzykę popularną do spiritualsów , pokazów minstreli , wodewilów i patriotycznych pieśni wojny secesyjnej.

Wczesna popularna piosenka

XIX-wieczny kompozytor piosenek Stephen Foster

	„Sztandar z gwiazdami” The Star-Spangled Banner w wykonaniu Freda Waringa i jego mieszkańców Pensylwanii (1942) „Gwiazdy i paski na zawsze” John Sousa „s gwiazdy i pasy na zawsze . Wykonywane przez United States Marine Corps zespołu „Dixie” Wykonanie Dixie z 1916 roku przez Metropolitan Mixed Chorus z Adą Jones i Billym Murrayem
Masz problemy z odtwarzaniem tych plików? Zobacz pomoc dla mediów .

Te patriotyczne pieśni świeckich rewolucji amerykańskiej stanowiły pierwszy rodzaj nurtu muzyki popularnej. Należą do nich „Drzewo wolności” Thomasa Paine'a . Tanio drukowane w formie gazetek , wczesne pieśni patriotyczne rozprzestrzeniły się po koloniach i były wykonywane w domu i na publicznych zebraniach. Pieśni Fife były szczególnie celebrowane i wykonywane na polach bitew podczas rewolucji amerykańskiej. Najdłużej trwającą z tych pięciu piosenek jest „ Yankee Doodle ”, dobrze znana do dziś. Melodia pochodzi z 1755 roku i była śpiewana przez wojska amerykańskie i brytyjskie. Piosenki patriotyczne opierały się głównie na angielskich melodiach, z nowymi tekstami dodanymi w celu potępienia brytyjskiego kolonializmu; inni jednak używali melodii z Irlandii, Szkocji lub gdzie indziej, albo nie wykorzystywali znanej melodii. Piosenka „ Hail, Columbia ” była głównym dziełem, które pozostało nieoficjalnym hymnem narodowym aż do przyjęcia „ The Star-Spangled Banner ”. Wiele z tej wczesnej amerykańskiej muzyki wciąż przetrwało w Sacred Harp . Chociaż stosunkowo nieznana poza Shaker Communities, Simple Gifts została napisana w 1848 roku przez Starszego Josepha Bracketta i od tego czasu melodia stała się znana na całym świecie.

Podczas wojny secesyjnej, kiedy żołnierze z całego kraju zmieszali się, różnorodne wątki amerykańskiej muzyki zaczęły się wzajemnie przenikać, w procesie, który był wspomagany przez rozwijający się przemysł kolejowy i inne osiągnięcia technologiczne, które ułatwiały podróżowanie i komunikację. Jednostki wojskowe obejmowały osoby z całego kraju, które szybko wymieniały melodie, instrumenty i techniki. Wojna była impulsem do stworzenia wyraźnie amerykańskich piosenek, które stały się i pozostały szalenie popularne. Do najpopularniejszych piosenek epoki wojny secesyjnej należał „ Dixie ”, napisany przez Daniela Decatur Emmetta . Piosenka, pierwotnie zatytułowana "Dixie's Land", została napisana na zakończenie występu minstreli ; najpierw rozprzestrzenił się w Nowym Orleanie, gdzie został opublikowany i stał się „jednym z największych sukcesów pieśni okresu przed wojną secesyjną”. Poza popularnymi pieśniami patriotycznymi, era wojny secesyjnej wyprodukowała również wiele kawałków orkiestr dętych .

Al Jolson , około 1916 roku, jest uznawany za najsłynniejszą i najlepiej opłacaną gwiazdę lat dwudziestych w Ameryce.

Po wojnie secesyjnej występy minstreli stały się pierwszą wyraźnie amerykańską formą muzycznej ekspresji. Pokaz minstreli był rdzenną formą amerykańskiej rozrywki składającą się z komiksowych skeczy, różnych występów, tańca i muzyki, zwykle wykonywanych przez białych ludzi w czarnej twarzy . Pokazy Minstrela wykorzystywały elementy afroamerykańskie w przedstawieniach muzycznych, ale tylko w uproszczony sposób; fabuły w serialach przedstawiały czarnych jako urodzonych niewolników i głupców, zanim ostatecznie związały się z abolicjonizmem . Pokaz minstreli został wymyślony przez Daniela Decatur Emmetta i Virginia Minstrels . Programy Minstrela wyprodukowały pierwszych dobrze zapamiętanych popularnych autorów piosenek w historii amerykańskiej muzyki: Thomasa D. Rice'a , Daniela Decatur Emmetta i, najsłynniejszego, Stephena Fostera . Po tym, jak popularność pokazów minstreli osłabła , popularne stały się pieśni szopów , podobne zjawisko.

Kompozytor John Philip Sousa jest ściśle związany z najpopularniejszym nurtem amerykańskiej muzyki popularnej tuż przed początkiem XX wieku. Były kapelmistrz United States Marine Band , Sousa pisał marsze wojskowe, takie jak „ The Stars and Stripes Forever ”, które odzwierciedlały jego „nostalgię za [swoim] domem i krajem”, nadając melodii „porywający męski charakter”.

Na początku XX wieku amerykański teatr muzyczny był głównym źródłem popularnych piosenek, z których wiele miało wpływ na blues, jazz, country i inne istniejące style muzyki popularnej. Centrum rozwoju tego stylu znajdowało się w Nowym Jorku, gdzie teatry na Broadwayu stały się jednymi z najbardziej znanych miejsc w mieście. Kompozytorzy teatralni i autorzy tekstów, tacy jak bracia George i Ira Gershwin, stworzyli wyjątkowo amerykański styl teatralny, który wykorzystywał amerykańską mowę i muzykę w języku narodowym. Musicale zawierały popularne piosenki i szybkie wątki, które często obracały się wokół miłości i romansu.

Blues i gospel

	„Szmata z liści klonu” Kompozycja Ragtime autorstwa Scotta Joplin
Masz problemy z odtwarzaniem tego pliku? Zobacz pomoc dla mediów .

Philip Paul Bliss

Blues to gatunek afroamerykańskiej muzyki ludowej, który jest podstawą większości współczesnej amerykańskiej muzyki popularnej. Blues można postrzegać jako część kontinuum stylów muzycznych, takich jak country, jazz, ragtime i gospel; chociaż każdy gatunek ewoluował w odrębne formy, ich początki były często niejasne. Wczesne formy bluesa ewoluowały w delcie Missisipi i wokół niej pod koniec XIX i na początku XX wieku. Najwcześniejsza muzyka bluesowa była przede wszystkim muzyką wokalną call and response , bez harmonii i akompaniamentu oraz bez formalnej struktury muzycznej. Niewolnicy i ich potomkowie stworzyli bluesa, dostosowując terenowe okrzyki i wrzaski, zamieniając je w namiętne solowe piosenki. Po zmieszaniu z chrześcijańskimi pieśniami duchowymi afroamerykańskich kościołów i spotkań przebudzeniowych, blues stał się podstawą muzyki gospel . Nowoczesna ewangelia rozpoczęła się w kościołach afroamerykańskich w latach dwudziestych XX wieku, w formie wiernych głoszących swoją wiarę w improwizowany, często muzyczny sposób (zeznania). Kompozytorzy tacy jak Thomas A. Dorsey komponowali utwory gospel, które wykorzystywały elementy bluesa i jazzu w tradycyjnych hymnach i pieśniach duchowych.

Piosenkarka bluesowa Bessie Smith

Ragtime był pierwotnie stylem fortepianowym, charakteryzującym się synkopowanymi rytmami i chromatykami . Jest to przede wszystkim forma muzyki tanecznej z wykorzystaniem chodzącego basu i zazwyczaj jest skomponowana w formie sonatowej . Ragtime to wyrafinowana i rozwinięta forma afroamerykańskiego tańca cakewalk , zmieszana ze stylami od europejskich marszów i popularnych piosenek po jigi i inne tańce grane przez duże afroamerykańskie zespoły w północnych miastach pod koniec XIX wieku. Najsłynniejszym wykonawcą i kompozytorem ragtime'u był Scott Joplin , znany z utworów takich jak „Maple Leaf Rag”.

Blues stał się częścią amerykańskiej muzyki popularnej w latach 20. XX wieku, kiedy popularne stały się klasyczne wokalistki bluesowe, takie jak Bessie Smith . W tym samym czasie wytwórnie płytowe uruchomiły dziedzinę muzyki wyścigowej , która była głównie bluesem skierowanym do afroamerykańskiej publiczności. Najsłynniejszy z tych zespołów zainspirował późniejszy popularny rozwój gatunków bluesowych i wywodzących się z bluesa, w tym legendarnego muzyka delta bluesa Roberta Johnsona i muzyka bluesowego z Piemontu Blind Willie McTell . Jednak pod koniec lat czterdziestych czysty blues był tylko niewielką częścią muzyki popularnej, został podporządkowany odłamom, takim jak rhythm & blues i rodzący się styl rock and rolla. Niektóre style elektrycznego, opartego na fortepianie bluesa, jak boogie-woogie , utrzymały liczną publiczność. Bluesowy styl gospel stał się również popularny w głównym nurcie Ameryki w latach pięćdziesiątych, kierowany przez piosenkarkę Mahalia Jackson . Gatunek bluesowy przeżył poważne odrodzenie w latach 50. z muzykami bluesowymi z Chicago, takimi jak Muddy Waters i Little Walter , a także w latach 60. w British Invasion i amerykańskim odrodzeniu muzyki ludowej, kiedy to muzycy country bluesowi , tacy jak Mississippi John Hurt i wielebny Gary Davis zostali ponownie odkryci. . Nowatorscy muzycy bluesowi z tych okresów mieli ogromny wpływ na muzyków rockowych, takich jak Chuck Berry w latach 50., a także na brytyjskie sceny bluesowe i bluesrockowe lat 60. i 70., w tym Erica Claptona w Wielkiej Brytanii i Johnny'ego Wintera w Teksasie.

Jazz

Jelly Roll Morton był pionierem wczesnego jazzu

Jazz to rodzaj muzyki charakteryzujący się swingowymi i niebieskimi nutami , wokalami call and response, polirytmami i improwizacją . Choć pierwotnie był rodzajem muzyki tanecznej, jazz był ważną częścią muzyki popularnej, a także stał się ważnym elementem zachodniej muzyki klasycznej. Jazz ma swoje korzenie w kulturowej i muzycznej ekspresji Afryki Zachodniej, a także w tradycjach muzycznych Afroamerykanów, w tym bluesa i ragtime, a także w muzyce europejskich zespołów wojskowych. Wczesny jazz był blisko spokrewniony z ragtime, od którego można go było odróżnić poprzez zastosowanie bardziej zawiłej improwizacji rytmicznej. Najwcześniejsze zespoły jazzowe przyjęły wiele ze słownictwa bluesowego, w tym wygięte i niebieskie nuty oraz instrumentalne „warczenie” i smugi, które w inny sposób nie są używane na instrumentach europejskich. Korzenie jazzu wywodzą się z Nowego Orleanu w stanie Luizjana , zamieszkanego przez Cajunów i czarnych Kreolów, którzy w XIX wieku połączyli francusko-kanadyjską kulturę Cajunów z własnymi stylami muzycznymi. Duże zespoły kreolskie, które grały na pogrzebach i paradach, stały się główną podstawą wczesnego jazzu, który rozprzestrzenił się od Nowego Orleanu do Chicago i innych północnych ośrodków miejskich.

Ella Fitzgerald Królowa Jazzu.

Chociaż jazz już dawno osiągnął pewną ograniczoną popularność, to Louis Armstrong , wraz ze swoim przyjacielem pianistą Earlem Hinesem , stał się jedną z pierwszych popularnych gwiazd i główną siłą w rozwoju jazzu . Armstrong, Hines i ich koledzy byli improwizatorami, potrafiącymi tworzyć liczne wariacje na jednej melodii. Armstrong spopularyzował również śpiew scat , improwizacyjną technikę wokalną, w której śpiewane są bezsensowne sylaby ( słowa ). Armstrong i Hines mieli wpływ na powstanie pewnego rodzaju popowego jazzu big bandowego zwanego swingiem . Swing charakteryzuje się silną sekcją rytmiczną, zwykle składającą się z kontrabasu i perkusji, tempa od średniego do szybkiego oraz urządzeń rytmicznych, takich jak nuta swingowa, która jest powszechna w większości jazzu. Swing to przede wszystkim fuzja jazzu lat 30. z elementami bluesa i Tin Pan Alley. Swing wykorzystywał większe zespoły niż inne gatunki jazzu, co doprowadziło do tego, że liderzy zespołu ciasno aranżowali materiał, który zniechęcał do improwizacji, która wcześniej była integralną częścią jazzu. Swing stał się główną częścią tańca afroamerykańskiego, a towarzyszył mu popularny taniec zwany swingiem .

Jazz wpłynął na wielu wykonawców wszystkich głównych stylów późniejszej muzyki popularnej, chociaż sam jazz nigdy więcej nie stał się tak ważną częścią amerykańskiej muzyki popularnej, jak w erze swingu. Jednak późniejsza XX-wieczna amerykańska scena jazzowa wyprodukowała kilka popularnych gwiazd crossoverów, takich jak Miles Davis . W połowie XX wieku jazz przekształcił się w różne podgatunki, zaczynając od bebopu . Bebop to forma jazzu charakteryzująca się szybkimi tempami, improwizacją opartą na strukturze harmonicznej, a nie melodii oraz użyciem spłaszczonej kwinty . Bebop powstał na początku i w połowie lat 40., później ewoluował w style takie jak hard bop i free jazz . Innowatorami stylu byli Charlie Parker i Dizzy Gillespie , którzy wywodzili się z małych klubów jazzowych w Nowym Jorku.

Muzyka country

Johnny Cash w 1969 roku był powszechnie uważany za jednego z najbardziej wpływowych muzyków XX wieku i jednego z najlepiej sprzedających się artystów muzycznych wszechczasów, sprzedając ponad 90 milionów płyt na całym świecie.

Muzyka country to przede wszystkim fuzja afroamerykańskiego bluesa i spirituals z folkową muzyką Appalachów , zaadaptowana dla popowej publiczności i spopularyzowana od lat 20. XX wieku. Początki kraju wywodzą się z wiejskiej południowej muzyki ludowej, która była głównie irlandzka i brytyjska, z muzyką afrykańską i kontynentalną. Melodie anglo-celtyckie, muzyka taneczna i ballady były najwcześniejszymi poprzednikami współczesnego kraju, znanego wówczas jako muzyka góralska . Wczesny hillbilly również zapożyczył elementy bluesa i czerpał więcej aspektów z dziewiętnastowiecznych piosenek popowych, gdy muzyka hillbilly przekształciła się w gatunek komercyjny, znany ostatecznie jako country i western, a potem po prostu country . Najwcześniejsze instrumentarium country obracało się wokół europejskich skrzypiec i afrykańskiego banjo , z później dodaną gitarą . Instrumenty strunowe, takie jak ukulele i gitara stalowa, stały się powszechne ze względu na popularność hawajskich grup muzycznych na początku XX wieku.

Neotradycyjny piosenkarz Randy Travis

Korzenie komercyjnej muzyki country sięgają 1927 roku, kiedy łowca talentów muzycznych Ralph Peer nagrał Jimmiego Rodgersa i The Carter Family . Popularny sukces był bardzo ograniczony, chociaż niewielkie zapotrzebowanie pobudziło niektóre komercyjne nagrania. Po II wojnie światowej wzrosło zainteresowanie stylami specjalnymi, takimi jak muzyka country, co doprowadziło do powstania kilku głównych gwiazd popu. Najbardziej wpływowym muzykiem country był Hank Williams , bluesowy wokalista country z Alabamy. Pozostaje znany jako jeden z największych autorów piosenek i wykonawców muzyki country, postrzegany jako „poeta ludowy” z „honky-tonk swagger” i „sympatiami klasy robotniczej”. Przez dekadę szorstkość honky-tonk stopniowo erodowała, gdy brzmienie Nashville stawało się coraz bardziej zorientowane na pop. Producenci, tacy jak Chet Atkins, stworzyli brzmienie Nashville, pozbawiając instrumentarium hillbilly elementów i używając płynnego oprzyrządowania i zaawansowanych technik produkcyjnych. Ostatecznie większość płyt z Nashville była w tym stylu, który zaczął zawierać chóry smyczkowe i wokalne.

Jednak na początku lat sześćdziesiątych dźwięk Nashville został postrzegany jako zbyt rozwodniony przez wielu bardziej tradycjonalistycznych wykonawców i fanów, co zaowocowało wieloma lokalnymi scenami, takimi jak dźwięk Bakersfield . Kilku wykonawców zachowało jednak popularność, jak choćby długoletnia ikona kultury Johnny Cash . Brzmienie Bakersfield zaczęło się w połowie lat 50., kiedy wykonawcy tacy jak Wynn Stewart i Buck Owens zaczęli wykorzystywać w swojej muzyce elementy zachodniego swingu i rocka, takie jak breakbeat . W latach 60. spopularyzowali ten dźwięk wykonawcy tacy jak Merle Haggard . Na początku lat 70. Haggard był również częścią kraju wyjętego spod prawa , obok takich piosenkarzy i autorów piosenek, jak Willie Nelson i Waylon Jennings . Outlaw country był zorientowany na rock i lirycznie skoncentrowany na kryminalnych wybrykach wykonawców, w przeciwieństwie do czystych wokalistów country z Nashville. W połowie lat 80. listy przebojów muzyki country były zdominowane przez piosenkarzy pop, wraz z rodzącym się odrodzeniem stylu country w stylu honky-tonk z rosnącą popularnością wykonawców takich jak Dwight Yoakam . Lata osiemdziesiąte przyniosły także rozwój alternatywnych wykonawców country, takich jak wujek Tupelo , którzy sprzeciwiali się bardziej popowemu stylowi mainstreamowego country. Na początku lat 2000. rockowe zespoły country pozostawały wśród najlepiej sprzedających się wykonawców w Stanach Zjednoczonych, zwłaszcza Garth Brooks .

Soul, R&B i Funk

	"Nadchodzi zmiana" Klasyczna piosenka soulowa Sama Cooke'a stała się hymnem praw obywatelskich. „Papa ma nową torbę” Przełomowy hit Jamesa Browna zapoczątkował rozwój funku.
Masz problemy z odtwarzaniem tych plików? Zobacz pomoc dla mediów .

Wokalista James Brown był krytyczny w przejściu rytmu i bluesa do muzyki soul i pionierskiej muzyki funk.

R&B, skrót od rhythm and bluesa , to styl, który powstał w latach 30. i 40. XX wieku. Wczesne R&B składało się z dużych jednostek rytmicznych „rozbijających się za wrzeszczącymi bluesowymi piosenkarzami (którzy musieli krzyczeć, aby ich usłyszeć ponad brzęczeniem i brzdąkaniem różnych zelektryfikowanych instrumentów i wzburzonych sekcji rytmicznych”). R&B nie było intensywnie nagrywane i promowane, ponieważ wytwórnie płytowe uważały, że nie nadaje się dla większości odbiorców, zwłaszcza białych z klasy średniej, z powodu sugestywnych tekstów i napędzających rytmów. Liderzy zespołów, tacy jak Louis Jordan, zmodernizowali brzmienie wczesnego R&B, używając zespołu z małą sekcją rogów i wybitnym instrumentarium rytmicznym. Pod koniec lat 40. miał na swoim koncie kilka przebojów i pomógł utorować drogę współczesnym, takim jak Wynonie Harris i John Lee Hooker . Wiele z najpopularniejszych piosenek R&B nie było wykonywanych w zabawnym stylu Jordana i jemu współczesnych; zamiast tego wykonywali je biali muzycy, tacy jak Pat Boone, w bardziej przystępnym stylu mainstreamowym, który zamienił się w popowe hity. Jednak pod koniec lat pięćdziesiątych pojawiła się fala popularnych wykonawców czarnego blues-rocka i R&B z wpływami country, takich jak Chuck Berry, którzy zyskali bezprecedensową sławę wśród białych słuchaczy.

Motown Records odniosło wielki sukces na początku i w połowie lat 60., produkując muzykę o czarnych amerykańskich korzeniach, która sprzeciwiała się segregacji rasowej w przemyśle muzycznym i na rynku konsumenckim. Dziennikarz muzyczny Jerry Wexler (który ukuł frazę „rytm i blues”) powiedział kiedyś o Motown: „[Zrobili] coś, o czym trzeba by powiedzieć na papierze, że jest niemożliwe. Wzięli czarną muzykę i przekazali ją bezpośrednio białemu amerykańskiemu nastolatkowi ”. Berry Gordy założył firmę Motown w 1959 roku w Detroit w stanie Michigan . Była to jedna z niewielu wytwórni R&B, które starały się wyjść poza rynek R&B (który był zdecydowanie czarny w amerykańskim sposobie myślenia) i specjalizowały się w muzyce crossover . Na początku lat sześćdziesiątych firma stała się wiodącym producentem (lub „linią montażową”, nawiązującą do jej motomiejskich początków) czarnej muzyki popularnej i sprzedawała swoje produkty jako „The Motown Sound” lub „The Sound of Young America” — który łączy w sobie elementy soul, funk, disco i R&B. Znani wykonawcy Motown to Four Tops , Temptations , the Supremes , Smokey Robinson , Stevie Wonder i Jackson 5 . Wizualna reprezentacja była kluczem do rozwoju Motown; położyli większy nacisk na media wizualne niż inne wytwórnie płytowe. Wiele osób po raz pierwszy zetknęło się z Motown w telewizji i filmie. Wizerunek artystów Motown, odnoszący sukcesy czarnoskórych Amerykanów, którzy zachowywali się z gracją i spokojem, rzucał widzom wyraźną formę czerni z klasy średniej, co było szczególnie atrakcyjne dla białych.

Muzyka soul to połączenie rytmu, bluesa i gospel, które zaczęło się pod koniec lat pięćdziesiątych w Stanach Zjednoczonych. Charakteryzuje się wykorzystaniem urządzeń gospel-muzyki, z większym naciskiem na wokalistów i wykorzystaniem motywów świeckich. Nagrania Raya Charlesa , Sama Cooke'a i Jamesa Browna z lat 50. są powszechnie uważane za początki duszy. Nagrania Charlesa Modern Sounds (1962) zawierały fuzję muzyki soul i country, country soul i przekraczały bariery rasowe w muzyce w tamtym czasie. Jedna z najbardziej znanych piosenek Cooke'a „ A Change Is Gonna Come ” (1964) została zaakceptowana jako klasyk i hymn Amerykańskiego Ruchu Praw Obywatelskich w latach 60-tych. Według AllMusic , James Brown był krytyczny, poprzez „namiętną ewangelią furię swojego wokalu i złożoną polirytmę swoich bitów”, w „dwóch rewolucjach w czarnej amerykańskiej muzyce. Był jedną z postaci najbardziej odpowiedzialnych za przekształcenie R&B w soul i był, jak większość by się zgodziła, postacią najbardziej odpowiedzialną za przekształcenie muzyki soul w funk późnych lat 60. i wczesnych 70.”.

Często nazywany „Królem Popu”, wokalista Michael Jackson był czołową postacią popularnego crossoveru w latach 80-tych. Jego teledysk do „ Thrillera ” z 1983 roku przełamał rasowe granice w muzyce pop w telewizji.

Pure soul został spopularyzowany przez Otisa Reddinga i innych artystów Stax Records w Memphis w stanie Tennessee . Pod koniec lat 60. artystka nagrywająca Atlantic, Aretha Franklin, stała się najpopularniejszą kobiecą gwiazdą soulu w kraju. Również w tym czasie soul podzielił się na kilka gatunków, pod wpływem psychodelicznego rocka i innych stylów. Społeczny i polityczny ferment lat 60. zainspirował artystów takich jak Marvin Gaye i Curtis Mayfield do wydania albumów z ostrymi komentarzami społecznymi, podczas gdy inna odmiana stała się muzyką bardziej zorientowaną na taniec, ewoluując w funk . Pomimo wcześniejszego pokrewieństwa z politycznymi i społecznymi motywami lirycznymi, Gaye pomógł spopularyzować muzykę i funk o tematyce seksualnej i romansowej, podczas gdy jego nagrania z lat 70., w tym Let's Get It On (1973) i I Want You (1976) pomogły rozwinąć cichą burzę dźwięk i format. Jeden z najbardziej wpływowych albumów, jakie kiedykolwiek nagrano, Sly & the Family Stone 's There's a Riot Goin' On (1971) został uznany za jeden z pierwszych i najlepszych przykładów dojrzałej wersji muzyki funkowej, po prototypowych przykładach brzmienia w wcześniejsza praca grupy. Artyści tacy jak Gil Scott-Heron i The Last Poets praktykowali eklektyczną mieszankę poezji, jazz-funku i soulu, z krytycznymi komentarzami politycznymi i społecznymi z afrocentrycznymi sentymentami. Proto-rapowe dzieła Scotta-Herona , w tym „ The Revolution Will Not Be Televised ” (1971) i Winter in America (1974), wywarły znaczny wpływ na późniejszych artystów hip-hopowych, podczas gdy jego wyjątkowe brzmienie z Brianem Jacksonem wpłynęło na artystów neo soulowych. .

Według RIAA piosenkarka Whitney Houston jest najlepiej sprzedającą się artystką R&B XX wieku. Nazywana „The Voice” jest uważana za jedną z najwybitniejszych wokalistek swojego pokolenia.

W połowie lat siedemdziesiątych popularne i komercyjne zespoły, takie jak Philly soulowa grupa The O'Jays i niebieskooka soulowa grupa Hall & Oates, osiągnęły główny nurtowy sukces. Pod koniec lat 70. większość gatunków muzycznych, w tym soul, była pod wpływem disco . Wraz z wprowadzeniem wpływów muzyki elektro i funku pod koniec lat 70. i na początku lat 80. muzyka soul stała się mniej surowa i bardziej sprytnie produkowana, co zaowocowało gatunkiem muzycznym, który po raz kolejny nazwano R&B , zwykle odróżniając się od wcześniejszego rytmu i bluesa. identyfikując go jako współczesny R&B .

Pierwsze współczesne gwiazdy R&B powstały w latach 80., wraz z gwiazdą dance-popu Michaelem Jacksonem , wokalistą funkującym funk Prince i falą wokalistek, takich jak Tina Turner i Whitney Houston . Michael Jackson i Prince zostali opisani jako najbardziej wpływowe postacie współczesnej muzyki R&B i muzyki popularnej, ze względu na ich eklektyczne wykorzystanie elementów z różnych gatunków. Prince był w dużej mierze odpowiedzialny za stworzenie brzmienia Minneapolis : „mieszanki rogów, gitar i elektronicznych syntezatorów wspieranych przez stały, skaczący rytm”. Prace Jacksona koncentrowały się na gładkiej muzyce tanecznej z wpływami ballady lub disco ; jako artysta „wyciągnął muzykę taneczną z zastoju disco swoim debiutem solowym dla dorosłych w 1979 roku, Off the Wall , połączył R&B z rockiem w Thrillerze i wprowadził stylizowane kroki, takie jak robot i moonwalk w trakcie swojej kariery”. Jackson jest często uznawany za „Króla Popu” za swoje osiągnięcia.

Beyoncé była jedną z najpopularniejszych amerykańskich piosenkarek R&B w 2000 roku.

Do 1983 roku koncepcja popularnego crossovera muzyki stała się nierozerwalnie związana z Michaelem Jacksonem. Thriller odniósł bezprecedensowy sukces, sprzedając ponad 10 milionów egzemplarzy w samych Stanach Zjednoczonych. Do 1984 roku album zdobył ponad 140 złotych i platynowych nagród i został uznany w Księdze Rekordów Guinnessa za najlepiej sprzedającą się płytę wszechczasów , tytuł, który nosi do dziś. Transmisja MTV „ Billie Jean ” była pierwszą dla każdego czarnoskórego artysty, przełamując w ten sposób „barierę kolorów” muzyki pop na małym ekranie. Thriller pozostaje jedynym teledyskiem rozpoznawanym przez National Film Registry .

Piosenkarka Ariana Grande została pierwszą solową artystką, która jednocześnie zajęła trzy pierwsze miejsca na Hot 100.

Janet Jackson współpracowała z byłymi współpracownikami Prince'a Jimmym Jamem i Terrym Lewisem przy jej trzecim studyjnym albumie Control (1986); drugi singiel z albumu „ Nasty ” został opisany jako źródło nowego brzmienia jack swing , gatunku unowocześnionego przez Teddy'ego Rileya . Praca Riley na Keith Sweat 's Make It trwać wiecznie (1987), Guy ' s Guy (1988) i Bobby Brown „s not Be Cruel (1998) wykonany nowy jack swing zszywki współczesnego R & B w połowie 1990 . New jack swing był stylem i trendem w muzyce wokalnej, często zawierającym rapowane zwrotki i automaty perkusyjne . Krzyżowy urok wczesnych współczesnych artystów R&B w głównym nurcie muzyki popularnej, w tym utwory Prince'a, Michaela i Janet Jackson, Whitney Houston, Tiny Turner, Anity Baker i The Pointer Sisters, stał się punktem zwrotnym dla czarnych artystów w branży, ponieważ ich sukces „była prawdopodobnie pierwszą wskazówką, że większy kosmopolityzm rynku światowego może spowodować pewne zmiany w karnacji muzyki popularnej”.

Wykorzystanie melizmy , tradycji gospel zaadaptowanej przez wokalistki Whitney Houston i Mariah Carey , stało się podstawą współczesnych piosenkarzy R&B począwszy od późnych lat osiemdziesiątych i przez całe lata dziewięćdziesiąte. Przeboje R&B Whitney Houston, takie jak „ All the Man That I Need ” (1990) i „ I Will Always Love You ” (1992), później stały się najlepiej sprzedającym się singlem fizycznym kobiecego zespołu wszechczasów, z ponad 20 milionami sprzedaży. kopie na całym świecie. Jej hitowa ścieżka dźwiękowa z 1992 roku The Bodyguard , spędziła 20 tygodni na szczycie listy Billboard Hot 200 , sprzedała się w ponad 45 milionach egzemplarzy na całym świecie i pozostaje najlepiej sprzedającym się albumem ze ścieżką dźwiękową wszechczasów.

Hip hop wpłynął na współczesny R&B później w latach 80., najpierw poprzez nowy jack swing, a następnie w pokrewnej serii podgatunków zwanych hip hop soul i neo soul . Hip hop soul i neo soul rozwinęły się później, w latach 90. XX wieku. Typowy dla twórczości Mary J. Blige , R. Kelly'ego i Bobby'ego Browna , ten pierwszy jest mieszanką współczesnego R&B z hip-hopowymi bitami, podczas gdy obrazy i motywy gangsta rapu mogą być obecne. Ten ostatni jest bardziej eksperymentalną, ostrzejszą i generalnie mniej mainstreamową kombinacją soulowych wokali w stylu lat 60. i 70. z pewnymi wpływami hip-hopu i zyskała uznanie głównego nurtu dzięki twórczości D'Angelo , Erykah Badu , Alicii Keys i Lauryn. Wzgórze . Doceniony przez krytyków album D'Angelo Voodoo (2000) został uznany przez pisarzy muzycznych za arcydzieło i kamień węgielny gatunku neo soul.

Muzyka popowa

Madonna jest nazywana „Królową Popu” od lat 80-tych. Znana jest z nieustannego odkrywania i wszechstronności w muzyce i prezentacji wizualnej.

Pop Music to gatunek muzyki popularnej, który powstał we współczesnej formie w połowie lat pięćdziesiątych w Stanach Zjednoczonych i Wielkiej Brytanii . W latach 50. i 60. muzyka pop obejmowała rock and rolla i style zorientowane na młodzież, na które miał wpływ. Rock i pop pozostawały z grubsza synonimami do późnych lat 60., kiedy to pop kojarzył się z muzyką, która była bardziej komercyjna, efemeryczna i dostępna. Chociaż większość muzyki, która pojawia się na listach przebojów, jest postrzegana jako muzyka pop, gatunek ten różni się od muzyki z list przebojów. Bing Crosby był jednym z pierwszych artystów, którzy otrzymali przydomek „King of Song” lub „King of Popular Music”. Indie pop , który rozwinął się pod koniec lat 70., oznaczał kolejne odejście od splendoru współczesnej muzyki pop, z zespołami gitarowymi utworzonymi zgodnie z ówczesnym nowatorskim założeniem, że można nagrywać i wydawać własną muzykę bez konieczności zawierania kontraktu płytowego od majora. etykieta. We wczesnych latach 80. na promocję muzyki pop duży wpływ miał rozwój muzycznych kanałów telewizyjnych, takich jak MTV , które „faworyzowały takich artystów, jak Michael Jackson i Madonna, którzy mieli silną atrakcyjność wizualną”. Lata 80-te są powszechnie pamiętane ze wzrostu wykorzystania zapisu cyfrowego , związanego z użyciem syntezatorów , z coraz większą popularnością muzyki synth-pop i innych gatunków elektronicznych z nietradycyjnymi instrumentami. Do 2014 roku muzyka pop na całym świecie przeniknęła elektroniczna muzyka taneczna . W 2018 roku naukowcy z Uniwersytetu Kalifornijskiego w Irvine doszli do wniosku, że od lat 80. muzyka pop stała się „smutniejsza”. Elementy szczęścia i jasności zostały ostatecznie zastąpione elektronicznymi bitami, dzięki czemu muzyka popowa stała się bardziej „smutna, ale taneczna”. Kelly Clarkson jest jedyną amerykańską piosenkarką, która od 2021 roku dwukrotnie zdobyła nagrodę Grammy za najlepszy popowy album wokalny , a Clarkson dwukrotnie wygrała. Clarkson i Justin Timberlake byli nominowani pięć razy, więcej niż jakikolwiek inny artysta, chociaż Clarkson jest jedynym artystą, który ma najwięcej nominowanych solowych albumów. Trzy Timberlake są solo, dwa z NSYNC .

Rock, metal i punk

Joan Baez i Bob Dylan byli głównymi postaciami odrodzenia amerykańskiej muzyki ludowej na początku lat 60. XX wieku . Dylan później zainteresował się folkiem rockowym po tym, jak zainspirował się brytyjską inwazją , zwłaszcza przebojowym nagraniem piosenki The Animals „ The House of the Rising Sun ”.

Rock and roll rozwinął się z country, bluesa i R&B. Dokładne pochodzenie i wczesne wpływy Rocka były przedmiotem gorących dyskusji i są przedmiotem wielu badań naukowych. Choć wprost w tradycji bluesowej, rock wziął elementy z afrokaraibskich i latynoskich technik muzycznych . Rock był stylem miejskim, powstałym na terenach, gdzie zróżnicowane populacje zaowocowały mieszanką gatunków afroamerykańskich, latynoskich i europejskich, od bluesa i country po polka i zydeco . Rock and roll po raz pierwszy pojawił się w muzyce popularnej dzięki stylowi zwanemu rockabilly , który połączył rodzące się brzmienie z elementami muzyki country. Rock and roll wykonywany na czarno odniósł wcześniej ograniczony sukces w głównym nurcie, ale to biały wykonawca Elvis Presley jako pierwszy zaapelował do publiczności głównego nurtu z czarnym stylem muzycznym, stając się jednym z najlepiej sprzedających się muzyków w historii i przyniósł rock and rolla. do odbiorców na całym świecie.

ZZ Top do 2014 roku sprzedał ponad 50 milionów albumów na całym świecie. ZZ Top został wprowadzony do Rock and Roll Hall of Fame w 2004 roku.

Lata 60. przyniosły kilka ważnych zmian w muzyce popularnej, zwłaszcza w rocku. Wiele z tych zmian miało miejsce dzięki brytyjskiej inwazji, w której zespoły takie jak The Beatles , The Who i The Rolling Stones stały się niezwykle popularne i wywarły głęboki wpływ na amerykańską kulturę i muzykę. Zmiany te obejmowały przejście od profesjonalnie skomponowanych piosenek do piosenkarza i autora tekstów oraz rozumienie muzyki popularnej jako sztuki , a nie formy handlu czy czystej rozrywki. Zmiany te doprowadziły do ​​powstania ruchów muzycznych związanych z celami politycznymi, takich jak Amerykański Ruch Praw Obywatelskich i sprzeciw wobec wojny w Wietnamie . Rock był na czele tej zmiany.

Na początku lat 60. rock dał początek kilku podgatunkom, zaczynając od surfowania . Surf był instrumentalnym gatunkiem gitar charakteryzującym się zniekształconym dźwiękiem, kojarzonym z młodzieżową kulturą surfingu w południowej Kalifornii . Zainspirowani lirycznym skupieniem się na surfingu, The Beach Boys rozpoczęli nagrywanie w 1961 roku z wyszukanym, przyjaznym dla popu i harmonijnym dźwiękiem. Gdy ich sława rosła, tekściarz The Beach Boys, Brian Wilson, eksperymentował z nowymi technikami studyjnymi i związał się z kontrkulturą . Kontrkultura była ruchem, który obejmował aktywizm polityczny i był ściśle związany z subkulturą hipisowską . Hipisi kojarzyli się z rockiem folkowym , country rockiem i psychodelicznym rockiem . Folk i country rock były związane z rozwojem upolitycznionej muzyki ludowej, prowadzonej przez Pete'a Seegera i innych, zwłaszcza na scenie muzycznej Greenwich Village w Nowym Jorku. Folk rock wszedł do mainstreamu w połowie lat 60., kiedy karierę rozpoczął wokalista i autor tekstów Bob Dylan . Redaktor AllMusic, Stephen Thomas Erlewine, przypisuje zwrot The Beatles w kierunku introspektywnego pisania piosenek w połowie lat 60. wpływowi Boba Dylana w tamtym czasie. Za nim podążyły liczne zespoły country-rockowe i łagodni, folkowi piosenkarze i autorzy piosenek. Psychedelic rock był ciężkim rodzajem gitarowego rocka, ściśle związanym z miastem San Francisco . Chociaż Jefferson Airplane był tylko miejscowy zespół mieć znaczny krajowy trafiony, Grateful Dead , kraju i bluegrass smaku jam rock , stał się charakterystycznym elementem psychodelicznej kontrkultury, związany z hipisów, LSD i innych symboli tamtych czasów. Niektórzy twierdzą, że Grateful Dead byli naprawdę najbardziej patriotycznym amerykańskim zespołem rockowym , jaki kiedykolwiek istniał; tworzenie i kształtowanie kultury, która definiuje dzisiaj Amerykanów.

The Eagles z pięcioma singlami numer jeden, sześcioma nagrodami Grammy, pięcioma nagrodami American Music Awards i sześcioma albumami numer jeden, Eagles były jednym z najbardziej udanych zespołów muzycznych lat 70.

Po burzliwych przemianach politycznych, społecznych i muzycznych lat 60. i wczesnych 70. muzyka rockowa uległa zróżnicowaniu. To, co wcześniej było dyskretnym gatunkiem znanym jako rock and roll, przekształciło się w ogólną kategorię zwaną po prostu muzyką rockową , która obejmowała różnorodne style opracowane w USA, takie jak punk rock . W latach 70. większość tych stylów ewoluowała na undergroundowej scenie muzycznej, podczas gdy publiczność głównego nurtu rozpoczęła dekadę od fali piosenkarzy i autorów piosenek, którzy czerpali z głęboko emocjonalnych i osobistych tekstów folk rocka z lat 60. W tym samym okresie pojawiły się bombastyczne zespoły rockowe z areny , bluesowe zespoły rockowe z południa i łagodne gwiazdy rocka . Począwszy od późnych lat 70. piosenkarz rockowy i autor tekstów Bruce Springsteen stał się główną gwiazdą, z przebojowymi piosenkami i gęstymi, nieprzeniknionymi tekstami, które wychwalały biednych i klasę robotniczą.

Aerosmith to amerykański zespół rockowy, czasami określany jako „The Bad Boys from Boston” i „The Greatest Rock and Roll Band w Ameryce”.

Punk był formą buntowniczego rocka, który rozpoczął się w latach 70. i był głośny, agresywny i często bardzo prosty. Punk powstał jako reakcja na muzykę popularną tego okresu, zwłaszcza disco i arena rock . Amerykańskie zespoły w tej dziedzinie obejmowały, najbardziej znane, The Ramones i Talking Heads , ten ostatni grający bardziej awangardowy styl, który był ściśle związany z punkiem, zanim przekształcił się w mainstreamową nową falę . Inne ważne zespoły to Blondie , Patti Smith i Television . W latach 80. niektórzy fani punka i zespoły rozczarowali się rosnącą popularnością tego stylu, co zaowocowało jeszcze bardziej agresywnym stylem zwanym hardcore punk . Hardcore był formą rzadkiego punka, składającą się z krótkich, szybkich, intensywnych piosenek, które przemawiały do ​​niezadowolonej młodzieży, z tak wpływowymi zespołami jak Bad Religion , Bad Brains , Black Flag , Dead Kennedys i Minor Threat . Hardcore zaczął się w metropoliach, takich jak Waszyngton, chociaż większość głównych amerykańskich miast miała swoje własne sceny lokalne w latach 80. XX wieku.

The Foo Fighters zdobyli 12 nagród Grammy , w tym Najlepszy Album Rockowy czterokrotnie.

Hardcore, punk i rock garażowy były korzeniami rocka alternatywnego , zróżnicowanej grupy podgatunków rocka, które wyraźnie sprzeciwiały się muzyce głównego nurtu i które wyrosły ze stylów punk i post-punk. W Stanach Zjednoczonych wiele miast rozwinęło lokalne sceny alternatywnego rocka, w tym Minneapolis i Seattle. Lokalna scena Seattle wyprodukowała muzykę grunge , mroczny i ponury styl inspirowany hardcorem, psychodelią i rockiem alternatywnym. Wraz z dodaniem bardziej melodyjnego elementu do brzmienia takich zespołów jak Nirvana , Pearl Jam , Soundgarden i Alice in Chains , grunge stał się szalenie popularny w Stanach Zjednoczonych w 1991 roku. Trzy lata później takie zespoły jak Green Day , The Offspring , Rancid , Bad Religion i NOFX trafiły do ​​głównego nurtu (z ich nowymi albumami Dookie , Smash , Let's Go , Stranger than Fiction i Punk in Drublic ) i przyniosły kalifornijską scenę punkową na całym świecie.

Metallica była jednym z najbardziej wpływowych zespołów heavy metalu , ponieważ wypełniła lukę między komercyjnym a krytycznym sukcesem gatunku. Zespół stał się najlepiej sprzedającym się zespołem rockowym lat 90-tych.

Heavy metal charakteryzuje się agresywnymi, napędzającymi rytmami, wzmocnionymi i przesterowanymi gitarami, wspaniałymi tekstami i wirtuozerską instrumentacją. Początki heavy metalu leżą w zespołach hard rockowych, które zaczerpnęły bluesa i rocka i stworzyły ciężkie brzmienie oparte na gitarze i perkusji. Pierwsze duże amerykańskie zespoły pojawiły się na początku lat 70., takie jak Blue Öyster Cult , KISS i Aerosmith . Metal ciężki pozostał jednak zjawiskiem w dużej mierze undergroundowym. W latach 80. powstał pierwszy poważny pop-metalowy styl, który przez kilka lat dominował na listach przebojów, zapoczątkowany przez metalowy akt Quiet Riot i zdominowany przez takie zespoły jak Mötley Crüe i Ratt ; to był glam metal , hard rock i pop fuzję z ochrypły ducha oraz glam -influenced wizualny estetyczny. Niektóre z tych zespołów, jak Bon Jovi , stały się międzynarodowymi gwiazdami. Zespół Guns N' Roses zyskał sławę pod koniec dekady dzięki wizerunkowi, który był reakcją na estetykę glam metalu.

W połowie lat 80. heavy metal rozgałęził się w tak wielu różnych kierunkach, że fani, wytwórnie płytowe i fanziny stworzyli wiele podgatunków. Stany Zjednoczone były szczególnie znane z jednego z tych podgatunków, thrash metalu , który został wprowadzony przez zespoły takie jak Metallica , Megadeth , Slayer i Anthrax , przy czym Metallica odniosła największy komercyjny sukces. Stany Zjednoczone były znane jako jedno z kolebek death metalu od połowy do późnych lat 80-tych. Najbardziej znana była scena na Florydzie, z takimi zespołami jak Death , Cannibal Corpse , Morbid Angel , Deicide i wieloma innymi. W całym kraju jest teraz niezliczona ilość zespołów death metalowych i deathgrindowych.

Hip hop

Lauryn Hill wykonywania

Jay-Z stał się znaną na całym świecie ikoną hip-hopu po śmierci The Notorious BIG i Tupaca Shakura w połowie lat dziewięćdziesiątych. Kanye West był mentorem Jay-Z i wyprodukował dla niego, zanim osiągnął podobny poziom sukcesu.

Hip hop to ruch kulturowy, którego częścią jest muzyka. Muzyka hip-hopowa w większości składa się z dwóch części: rapowania , dostarczania szybkich, bardzo rytmicznych i lirycznych wokali; i DJing i/lub produkcja , produkcja oprzyrządowania poprzez samplowanie , instrumentacja , turntablism lub beatbox , produkcja dźwięków muzycznych za pomocą tonów wokalnych. Hip hop powstał na początku lat 70. w The Bronx w Nowym Jorku. Jamajski imigrant DJ Kool Herc jest powszechnie uważany za protoplastę hip-hopu; przywiózł ze sobą z Jamajki praktykę wznoszenia toastów za rytmy popularnych piosenek. Emcees pierwotnie powstało, aby przedstawić piosenki soul, funk i R&B, które grali DJ-e, i aby tłum był podekscytowany i tańczył; z biegiem czasu DJ-e zaczęli izolować przerwy perkusyjne w piosenkach (kiedy rytm osiąga punkt kulminacyjny), tworząc powtarzający się rytm, do którego rapowali emcees.

Eminem w 1999 roku. Był najlepiej sprzedającym się artystą muzycznym lat 2000 w Stanach Zjednoczonych.

W przeciwieństwie do Motown, które swój sukces w głównym nurcie oparło na klasowym uroku swoich działań, które uczyniły rasową tożsamość nieistotną, hip hop lat 80., szczególnie hip hop, który przekształcił się w rock and rolla, opierał się na swojej (dorozumianej, ale dobitnej) identyfikacji z czarna tożsamość. Na początku lat 80. pojawiły się popularne piosenki hip-hopowe, a sławę głównego nurtu zyskały gwiazdy sceny, takie jak LL Cool J . Inni wykonawcy eksperymentowali z upolitycznionymi tekstami i świadomością społeczną lub połączyli hip hop z jazzem, heavy metalem, techno , funkiem i soulem. W drugiej połowie lat 80. pojawiły się nowe style, takie jak alternatywny hip hop i blisko pokrewna fuzja jazz rapu , której pionierami byli tacy raperzy jak De La Soul .

Gangsta rap to rodzaj hip hopu, który przede wszystkim charakteryzuje się lirycznym skupieniem się na seksualności macho, fizyczności i groźnym kryminalnym wizerunku. Choć początki gangsta rapu sięgają połowy lat 80. XX wieku w stylu Schoolly D z Filadelfii i Ice-T z Zachodniego Wybrzeża , styl ten poszerzył się i zaczął obowiązywać w wielu różnych regionach kraju, u raperów z Nowego Jorku, takich jak: jako Notorious BIG i wpływowa grupa hip-hopowa Wu-Tang Clan , a także dla raperów z Zachodniego Wybrzeża, takich jak Too Short i NWA . Charakterystyczna scena rapowa z Zachodniego Wybrzeża zrodziła na początku lat 90. brzmienie G-funku , które łączyło gangsta rapowe teksty z gęstym i mglistym dźwiękiem, często z funkowych sampli z lat 70 .; najbardziej znanymi orędownikami byli raperzy 2Pac , Dr. Dre , Ice Cube i Snoop Dogg . Gangsta rap nadal odgrywał ważną rolę w amerykańskiej muzyce popularnej do końca lat 90. i na początku XXI wieku.

Dominacja gangsta rapu w głównym nurcie hip-hopu została wyparta pod koniec 2000 roku, w dużej mierze ze względu na mainstreamowy sukces artystów hip-hopowych, takich jak Kanye West . Wynik bardzo nagłośnionej rywalizacji sprzedażowej między równoczesnym wydaniem trzeciego albumu studyjnego jego i gangsta rapera 50 Centa , odpowiednio Graduation i Curtis , został uznany za spadek. Konkurs zaowocował rekordowymi wynikami sprzedaży obu albumów, a West sprzedał ponad 50 Centów, sprzedając prawie milion egzemplarzy Graduation tylko w pierwszym tygodniu. Obserwatorzy branży zauważają, że zwycięstwo Westa nad 50 Centem dowiodło, że rap nie musi być zgodny z konwencjami gangsta-rapu, aby odnieść komercyjny sukces. West skutecznie utorował drogę nowej fali artystów hip-hopowych, w tym Drake'a , Kendricka Lamara i J. Cole'a , którzy nie podążyli za hardcorowo - gangsterską formą i stali się platynowymi artystami.

Inne niszowe style i muzyka latynoamerykańska

Album Christiny Aguilery Mi Reflejo osiągnął najwyższy poziom na listach Billboard Top Latin Albums i Latin Pop Albums, gdzie spędził 19 tygodni na szczycie obu list przebojów. Album był najlepiej sprzedającym się latynoskim popowym albumem 2000 roku i otrzymał 6x platynę (pole łacińskie) przez Recording Industry Association of America (RIAA).

Muzyka latynoska w Stanach Zjednoczonych

Amerykański przemysł muzyczny jest zdominowany przez duże firmy, które produkują, wprowadzają na rynek i dystrybuują określone rodzaje muzyki. Generalnie firmy te nie produkują lub produkują w bardzo ograniczonych ilościach nagrania w stylach, które nie przemawiają do bardzo dużej publiczności. Mniejsze firmy często wypełniają pustkę, oferując szeroką gamę nagrań w stylach od polki po salsę . Wiele małych branż muzycznych jest zbudowanych wokół głównych fanów, którzy mogą być skupieni głównie w jednym regionie, takim jak Tejano lub muzyka hawajska , lub mogą być szeroko rozproszone, jak publiczność dla żydowskich klezmerów .

Wśród latynoamerykańskich muzyków, którzy byli pionierami we wczesnych stadiach rock and rolla, byli Ritchie Valens , który nagrał kilka hitów, w szczególności „ La Bamba ”, a Herman Santiago napisał tekst do kultowej piosenki rock and rollowej „ Why Do Fools Fall in Miłość ”. Piosenki, które stały się popularne w Stanach Zjednoczonych i są słyszane w okresie świątecznym/świątecznym, to „¿Dónde Está Santa Claus?” to nowatorska piosenka bożonarodzeniowa z 12-letnim Augie Ríos była rekordowym hitem w 1959 roku z udziałem Mark Jeffrey Orchestra. „ Feliz Navidad ” (1970) José Feliciano to kolejna znana latynoska piosenka.

Demi Lovato zyskało rozgłos w 2008 roku, kiedy zagrali w telewizyjnym filmie Disney Channel Camp Rock i podpisali kontrakt z wytwórnią Hollywood Records.

Największy pojedynczy przemysł niszowy opiera się na muzyce latynoskiej. Muzyka latynoska od dawna wpływa na amerykańską muzykę popularną i była szczególnie istotną częścią rozwoju jazzu. Współczesne style pop Latin obejmują szeroki wachlarz gatunków importowanych z całej Ameryki Łacińskiej, w tym kolumbijskiej cumbii , portorykańskiego reggaeton i meksykańskiego corrido . Latynoska muzyka popularna w Stanach Zjednoczonych zaczęła się od fali zespołów tanecznych w latach 30. i 50. XX wieku. Najpopularniejsze style to conga , rumba i mambo . W latach pięćdziesiątych Perez Prado rozsławił cha-cha-cha , a powstanie jazzu afro-kubańskiego otworzyło wiele uszu na harmoniczne, melodyczne i rytmiczne możliwości muzyki latynoskiej. Najbardziej znaną amerykańską formą muzyki latynoskiej jest jednak salsa . Salsa zawiera wiele stylów i odmian; termin ten może być użyty do opisania większości form popularnych gatunków wywodzących się z Kuby. W szczególności jednak salsa odnosi się do określonego stylu, który został opracowany przez grupy imigrantów kubańskich i portorykańskich z połowy lat 70. z Nowego Jorku oraz stylistycznych potomków, takich jak salsa romantica z lat 80. XX wieku . Rytmy salsy są skomplikowane, z kilkoma schematami granymi jednocześnie. Clave rytm stanowi podstawę salsy piosenek i jest używany przez wykonawców jako wspólna podstawa rytmicznej własnych fraz .

Muzyka latynoamerykańska od dawna wpływa na amerykańską muzykę popularną, jazz , rytm i blues , a nawet muzykę country . Obejmuje to muzykę z Hiszpanii, Portugalii i (czasami) francuskojęzycznych krajów i terytoriów Ameryki Łacińskiej.

Dziś amerykański przemysł muzyczny definiuje muzykę latynoską jako każdy rodzaj wydawnictwa z tekstami głównie w języku hiszpańskim. Artyści i producenci głównego nurtu zwykle częściej pojawiają się w utworach artystów latynoskich, a także jest bardziej prawdopodobne, że piosenki anglojęzyczne przenoszą się do hiszpańskiego radia i odwrotnie.

Stany Zjednoczone odegrały znaczącą rolę w rozwoju elektronicznej muzyki tanecznej , w szczególności house i techno , które powstały odpowiednio w Chicago i Detroit .

Dziś muzyka latynoamerykańska stała się terminem dla muzyki wykonywanej przez Latynosów, niezależnie od tego, czy zawiera element latynoski, czy nie. Aktorki takie jak Shakira , Jennifer Lopez , Enrique Iglesias , Pitbull , Selena Gomez , Christina Aguilera , Gloria Estefan , Demi Lovato , Mariah Carey , Becky G , Paulina Rubio i Camila Cabello zajmują czołowe miejsca na listach przebojów. Iglesias, który ma na swoim koncie najwięcej #1 na Hot Latin Tracks Billboardu, wydał dwujęzyczny album, inspirowany miejskimi kreacjami, wydaje jednocześnie dwie zupełnie różne piosenki w formatach latynoskich i popowych.

Rząd, polityka i prawo

Barbra Streisand odniosła sukces na wielu polach rozrywki.

Rząd Stanów Zjednoczonych reguluje przemysł muzyczny, wymusza własności intelektualnej prawa, a także promuje i zbiera pewne rodzaje muzyki. Zgodnie z amerykańskim prawem autorskim utwory muzyczne, w tym nagrania i kompozycje, są chronione jako własność intelektualna, gdy tylko zostaną utrwalone w namacalnej formie. Właściciele praw autorskich często rejestrują swoje prace w Bibliotece Kongresu , która prowadzi zbiór materiałów. Ponadto Biblioteka Kongresu od początku XX wieku aktywnie poszukiwała materiałów o znaczeniu kulturowym i muzykologicznym, na przykład wysyłając badaczy do nagrywania muzyki ludowej. Wśród tych badaczy znajduje się pionierski amerykański kolekcjoner pieśni ludowych Alan Lomax , którego praca pomogła zainspirować odrodzenie korzeni z połowy XX wieku. Rząd federalny finansuje również National Endowments for the Arts and Humanities , które przyznaje granty muzykom i innym artystom, Smithsonian Institution , która prowadzi programy badawcze i edukacyjne, oraz Corporation for Public Broadcasting , która finansuje organizacje non-profit i nadawców telewizyjnych.

Muzyka od dawna wpływa na politykę Stanów Zjednoczonych . Partie i ruchy polityczne często wykorzystują muzykę i śpiew do przekazywania swoich ideałów i wartości oraz do zapewniania rozrywki podczas uroczystości politycznych. Kampania prezydencka Williama Henry'ego Harrisona była pierwszą, która w dużym stopniu skorzystała z muzyki, po czym dla głównych kandydatów stało się standardową praktyką wykorzystywanie piosenek do wzbudzania publicznego entuzjazmu. W ostatnich dziesięcioleciach politycy często wybierali piosenki tematyczne , z których niektóre stały się ikoniczne; na przykład piosenka „Happy Days Are Here Again” jest kojarzona z Partią Demokratyczną od kampanii Franklina D. Roosevelta w 1932 roku . Jednak od lat pięćdziesiątych muzyka straciła na znaczeniu w polityce, zastąpiona kampaniami telewizyjnymi z niewielką ilością muzyki lub bez niej. Niektóre formy muzyki stały się ściślej związane z protestami politycznymi, zwłaszcza w latach 60. XX wieku. Gwiazdy Ewangelii, takie jak Mahalia Jackson, stały się ważnymi postaciami w Ruchu Praw Obywatelskich , podczas gdy odrodzenie amerykańskiego folku pomogło szerzyć kontrkulturę lat 60. i sprzeciw wobec wojny wietnamskiej .

Przemysł i ekonomia

Sinatra w 1947, w Hali Liederkranz . Jest jednym z najlepiej sprzedających się artystów muzycznych wszechczasów, sprzedając ponad 150 milionów płyt na całym świecie.

Stany Zjednoczone mają największy na świecie rynek muzyczny o łącznej wartości detalicznej 4,9 miliarda dolarów w 2014 roku. Amerykański przemysł muzyczny obejmuje wiele dziedzin, od wytwórni płytowych po stacje radiowe i orkiestry społeczne. Całkowite przychody branży wynoszą około 40 miliardów dolarów na całym świecie i około 12 miliardów dolarów w Stanach Zjednoczonych. Większość największych światowych firm fonograficznych ma siedzibę w Stanach Zjednoczonych; są one reprezentowane przez Amerykańskie Stowarzyszenie Przemysłu Nagraniowego (RIAA). Główne wytwórnie płytowe produkują materiały artystów, którzy podpisali kontrakt z jedną z ich wytwórni płytowych , nazwa marki często kojarzona z określonym gatunkiem lub producentem płyt . Wytwórnie fonograficzne mogą również promować i promować swoich artystów poprzez reklamy, publiczne występy i koncerty oraz występy telewizyjne. Wytwórnie fonograficzne mogą być powiązane z innymi muzycznymi wytwórniami medialnymi, które produkują produkty związane z popularną nagraniem muzycznym. Należą do nich kanały telewizyjne, takie jak MTV , magazyny takie jak Rolling Stone i stacje radiowe. W ostatnich latach przemysł muzyczny pogrążył się w chaosie spowodowanym wzrostem pobierania z Internetu muzyki chronionej prawami autorskimi ; wielu muzyków i RIAA próbowało ukarać fanów, którzy nielegalnie pobierają muzykę chronioną prawami autorskimi.

Katy Perry otrzymała wiele nagród, w tym cztery Guinness World Records, Brit Award i Juno Award, a także znalazła się na liście „Najlepiej zarabiających kobiet w muzyce” Forbesa (2011-2016).

Stacje radiowe w Stanach Zjednoczonych często nadają muzykę popularną. Każda stacja muzyczna ma format lub kategorię odtwarzanych utworów; są one na ogół podobne, ale nie takie same, jak zwykła klasyfikacja rodzajowa. Wiele stacji radiowych w Stanach Zjednoczonych jest własnością i jest obsługiwanych lokalnie i mogą oferować eklektyczny asortyment nagrań; wiele innych stacji należy do dużych firm, takich jak Clear Channel , i zazwyczaj są one sformatowane na mniejszych, bardziej powtarzalnych listach odtwarzania . Sprzedaż komercyjną nagrań śledzi magazyn Billboard , który opracowuje szereg list przebojów dla różnych dziedzin sprzedaży nagrań muzycznych. Billboard Hot 100 jest top pop wykres dla singli , nagrania obejmującej garstki piosenek; dłuższe nagrania pop są albumami i są śledzone przez Billboard 200 . Chociaż nagrana muzyka jest powszechna w amerykańskich domach, wiele dochodów przemysłu muzycznego pochodzi od niewielkiej liczby wielbicieli; na przykład 62% sprzedaży albumów pochodzi z mniej niż 25% odbiorców muzyki kupujących muzykę. Całkowita sprzedaż płyt CD w Stanach Zjednoczonych przekroczyła 705 milionów sprzedanych egzemplarzy w 2005 roku, a sprzedaż singli prawie trzy miliony.

Chociaż główne wytwórnie płytowe dominują w amerykańskim przemyśle muzycznym, istnieje niezależny przemysł muzyczny ( muzyka indie ). Większość niezależnych wytwórni płytowych ma ograniczoną, jeśli w ogóle, dystrybucję detaliczną poza małym regionem. Artyści czasami nagrywają dla niezależnej wytwórni i zdobywają wystarczające uznanie, aby podpisać kontrakt z dużą wytwórnią; inni decydują się pozostać w niezależnej wytwórni przez całą swoją karierę. Muzyka indie może być w stylach ogólnie podobnych do muzyki głównego nurtu, ale często jest niedostępna, niezwykła lub w inny sposób nieatrakcyjna dla wielu ludzi. Muzycy indie często publikują niektóre lub wszystkie swoje utwory przez Internet, aby fani i inni mogli je pobrać i posłuchać. Oprócz nagrywania artystów różnego rodzaju, w Stanach Zjednoczonych istnieje wiele dziedzin profesjonalnego muzykowania, z których wiele rzadko nagrywa, w tym orkiestry społeczne, śpiewacy i zespoły weselne, śpiewacy salonowi i DJ-e z nocnych klubów. Amerykańska Federacja Muzyków to największy amerykański związek zawodowy dla profesjonalnych muzyków. Jednak tylko 15% członków Federacji ma stałe zatrudnienie w branży muzycznej.

Edukacja i stypendium

Billy Joel w Madison Square Garden, około 1995 roku.

Muzyka jest ważną częścią edukacji w Stanach Zjednoczonych i jest częścią większości lub wszystkich systemów szkolnych w kraju. Edukacja muzyczna jest na ogół obowiązkowa w publicznych szkołach podstawowych, aw późniejszych latach ma charakter fakultatywny.

Britney Spears jest uważana za ikonę popu i przypisuje się jej wpływ na odrodzenie popu dla nastolatków pod koniec lat 90-tych. Została „najlepiej sprzedającą się nastoletnią artystką wszechczasów” i zdobyła zaszczytne tytuły, w tym „Księżniczkę Popu”.

Naukowe studium muzyki w Stanach Zjednoczonych obejmuje prace związane z klasą społeczną, tożsamością rasową, etniczną i religijną, płcią i seksualnością, a także studia nad historią muzyki, muzykologią i innymi tematami. Studia akademickie nad muzyką amerykańską sięgają końca XIX wieku, kiedy badacze tacy jak Alice Fletcher i Francis La Flesche badali muzykę ludów Omaha , pracując dla Biura Etnologii Amerykańskiej i Muzeum Archeologii i Etnologii Peabody . W latach 90. XIX wieku i na początku XX w. dokonano nagrań muzykologicznych wśród rdzennych, latynoskich, afroamerykańskich i anglo-amerykańskich ludów Stanów Zjednoczonych. Wielu z nich pracowało dla Biblioteki Kongresu , najpierw pod kierownictwem Oscara Sonnecka , szefa Oddziałów Muzycznych Biblioteki. Wśród tych badaczy znaleźli się: Robert W. Gordon, założyciel Archive of American Folk Song oraz John i Alan Lomax ; Alan Lomax był najwybitniejszym z kilku kolekcjonerów pieśni ludowych, który pomógł zainspirować odrodzenie amerykańskiej kultury ludowej w XX wieku .

Lana Del Rey występująca w Irving Plaza w czerwcu 2012

Analiza naukowa muzyki amerykańskiej z początku XX wieku miała tendencję do interpretowania europejskich tradycji klasycznych jako najbardziej wartych badań, przy czym ludowa, religijna i tradycyjna muzyka zwykłych ludzi była oczerniana jako niskoklasowa i o niewielkiej wartości artystycznej lub społecznej. Historię muzyki amerykańskiej porównano ze znacznie dłuższymi zapisami historycznymi narodów europejskich i uznano, że czołowi pisarze, tacy jak kompozytor Arthur Farwell, nie chcą zastanowić się nad tym, jakie tradycje muzyczne mogą wynikać z kultury amerykańskiej, w swojej książce Music in America z 1915 roku . W 1930 roku John Tasker Howard „s Our American Music stała się standardem analizy, koncentrując się w dużej mierze na muzyce koncertowej złożonego w Stanach Zjednoczonych. Od czasu analizy muzykologa Charlesa Seegera w połowie XX wieku, historię muzyki amerykańskiej często opisywano jako ściśle związaną z postrzeganiem rasy i pochodzenia. Zgodnie z tym poglądem, zróżnicowane pochodzenie rasowe i etniczne Stanów Zjednoczonych zarówno promowało poczucie muzycznej separacji między rasami, jednocześnie nadal sprzyjając ciągłej akulturacji, ponieważ elementy muzyki europejskiej, afrykańskiej i tubylczej przesuwały się między polami. Gilbert Chase „s Ameryki muzyka, od pielgrzymów do chwili obecnej , był pierwszym wielkim dziełem zbadać muzykę całych Stanach Zjednoczonych, a rozpoznać tradycji ludowej jako bardziej znaczące kulturowo niż muzyki na sali koncertowej. Analiza Chase'a dotycząca zróżnicowanej amerykańskiej tożsamości muzycznej pozostaje dominującym poglądem wśród establishmentu akademickiego. Jednak do lat 60. i 70. większość badaczy muzyki w Stanach Zjednoczonych nadal studiowała muzykę europejską, ograniczając się tylko do niektórych dziedzin muzyki amerykańskiej, zwłaszcza wywodzących się z Europy stylów klasycznych i operowych, a czasem afroamerykańskiego jazzu. Bardziej współcześni muzykolodzy i etnomuzykolodzy badali różne tematy, od narodowej tożsamości muzycznej po indywidualne style i techniki poszczególnych społeczności w określonym czasie historii Ameryki. Wybitni ostatnie badania amerykańskiej muzyki m.in. Charles Hamm „s Muzyka w Nowym Świecie od 1983 roku i Richard Crawford ” s Ameryki życiu muzycznym od 2001 roku.

Wakacje i festiwale

	"Dzwonią dzwonki" Świecka piosenka świąteczna "Święta noc" Religijna piosenka świąteczna
Masz problemy z odtwarzaniem tych plików? Zobacz pomoc dla mediów .

Muzyka jest ważną częścią kilku amerykańskich świąt, szczególnie odgrywa ważną rolę w zimowych obchodach Bożego Narodzenia . Muzyka święta obejmuje zarówno pieśni religijne, takie jak „ O Święta Noc ”, jak i świeckie, takie jak „ Jingle Bells ”. Piosenki patriotyczne, takie jak hymn narodowy „ Gwiezdny sztandar ”, są ważnym elementem obchodów Dnia Niepodległości . Muzyka odgrywa również rolę w wielu regionalnych świętach, które nie są obchodzone w całym kraju, najbardziej znanym jest Mardi Gras , parada muzyki i tańca oraz festiwal w Nowym Orleanie w Luizjanie .

Stany Zjednoczone są domem dla wielu festiwali muzycznych , które prezentują style od bluesa i jazzu po indie rock i heavy metal. Niektóre festiwale muzyczne mają charakter ściśle lokalny, obejmują kilku wykonawców o ogólnokrajowej reputacji lub nie mają ich wcale, i są na ogół obsługiwane przez lokalnych promotorów. Duże wytwórnie płytowe prowadzą własne festiwale muzyczne, takie jak Lollapalooza i Ozzfest , które przyciągają ogromne tłumy.

Zobacz też

• Historia muzyki Stanów Zjednoczonych w latach 50.
• Historia muzyki Stanów Zjednoczonych w latach 60.
• Historia muzyki Stanów Zjednoczonych w latach 70.
• Historia muzyki Stanów Zjednoczonych w latach 80.
• Historia muzyki Stanów Zjednoczonych w latach 90.
• Muzyka Wielkiej Brytanii (lata 60.)
• Muzyka Wielkiej Brytanii (1970)
• Piosenki protestacyjne w Stanach Zjednoczonych

Uwagi

Bibliografia

• Baraka, Amiri ; Leroi Jonesa (1963). Blues People: Muzyka Murzynów w Białej Ameryce . Williama Morrowa. Numer ISBN 978-0-688-18474-2.
• Rumieniec, Steven (2001). Amerykański hardcore: historia plemienna . Dom Dzikich . Numer ISBN 978-0-922915-71-2.
• Pościg, Gilbert (2000). Muzyka Ameryki: od pielgrzymów do współczesności . Wydawnictwo Uniwersytetu Illinois. Numer ISBN 978-0-252-00454-4.
• Clarke, Donald (1995). Powstanie i upadek muzyki popularnej . Prasa św. Numer ISBN 978-0-312-11573-9.
• Collins, As (1996). Historie za wszech czasów Greatest 100 Songs Country Music . Książki bulwarowe. Numer ISBN 978-1-57297-072-4.
• Crawford, Richard (2001). Życie muzyczne Ameryki: historia . WW Norton & Company. Numer ISBN 978-0-393-04810-0.
• Edmonds, Ben (2001). Zróbmy to . Uwagi do wkładek broszury (wyd. Deluxe). Motown Records, oddział UMG Recordings, Inc. MOTD 4757.
• Ewen, Dawid (1957). Panorama amerykańskiej muzyki popularnej . Sala Prezydencka.
• Ferris, Jean (1993). Muzyczny krajobraz Ameryki . Brązowy i wzorcowy. Numer ISBN 978-0-697-12516-3.
• Flory, Andrzej (2017). Słyszę symfonię: Motown i Crossover R&B . Wydawnictwo Uniwersytetu Michigan . Numer ISBN 978-0-472-12287-5.
• Gilliland, John (1969). „Odtwórz prostą melodię” (audio) . Pop Kroniki . Biblioteki Uniwersytetu Północnego Teksasu .
• Hall, Roger L. (2006). Przewodnik po Shakerze muzyki . Sosna Prasa.
• Koskoff, Ellen, wyd. (2000). Garland Encyclopedia of World Music, tom 3: Stany Zjednoczone i Kanada . Wydawnictwo Garland. Numer ISBN 978-0-8240-4944-7.
• Garofalo, Reebee (1997). Rockin' Out: Muzyka popularna w USA . Allyn i bekon. Numer ISBN 978-0-205-13703-9.
• Gillett, Charlie (1970). The Sound of the City: The Rise of Rock and Roll . cytowany w Garofalo. Outerbridge i Dienstfrey. Numer ISBN 978-0-285-62619-5.
• Nelson, George (2007). Dokąd poszła nasza miłość?: The Rise and Fall of the Motown Sound? . Nowy Jork: University of Illinois Press. Numer ISBN 978-0-252-07498-1.
• Kempton, Artur (2003). Boogaloo: Kwintesencja amerykańskiej muzyki popularnej . Nowy Jork: Książki Panteonu. Numer ISBN 978-0-375-42172-3.
• Lipsitz, George (1982). Klasa i kultura w Ameryce zimnej wojny . JF Bergina. Numer ISBN 978-0-03-059207-2.
• Malone, Bill C. (1985). Muzyka country USA: wydanie poprawione . cytowany w Garofalo. Wydawnictwo Uniwersytetu Teksasu. Numer ISBN 978-0-292-71096-2.
• Nettl, Bruno (1965). Muzyka ludowa i tradycyjna kontynentów zachodnich . Prentice-Hall.
• Palmer, Robert (19 kwietnia 1990). cytowany w Garofalo. "Lata pięćdziesiąte". Toczący się kamień : 48.
• Ward, Ed, Geoffrey Stokes i Ken Tucker (1986). Rock of Ages: The Rolling Stone History of Rock and Roll . Prasa do walcowania kamienia. Numer ISBN 978-0-671-54438-6.CS1 maint: wiele nazwisk: lista autorów ( link )
• Broughton, Simon i Ellingham, Mark z McConnachie, James i Duane, Orla (red.) (2000). Przybliżony przewodnik po muzyce światowej . Rough Guides Ltd, Penguin Books. Numer ISBN 978-1-85828-636-5.CS1 maint: wiele nazwisk: lista autorów ( link ) CS1 maint: dodatkowy tekst: lista autorów ( link )
• Sawyers, czerwiec Skinner (2000). Muzyka celtycka: kompletny przewodnik . Prasa Da Capo. Numer ISBN 978-0-306-81007-7.
• Schuller, Gunther (1968). Wczesny jazz: jego korzenie i rozwój muzyczny . Oxford University Press. Numer ISBN 978-0-19-504043-2.
• Struble, John Warthen (1995). Historia amerykańskiej muzyki klasycznej . Fakty w aktach. Numer ISBN 978-0-8160-2927-3.
• Szatmary, Dawid (2000). Rockin' in Time: historia społeczna rock and rolla . Sala Prezydencka. Numer ISBN 978-0-13-022636-5.
• Weisbard, Eric (1995). Przewodnik po rekordach alternatywnych . Wydanie I. Zabytkowe książki. Numer ISBN 978-0-679-75574-6.
• Werner, Craig (1998). Nadejdzie zmiana: muzyka, rasa i dusza Ameryki . Pióropusz. Numer ISBN 978-0-452-28065-6.

Dalsza lektura

• Claghorn, Charles Eugene (1973). Słownik biograficzny muzyki amerykańskiej . Parker Publishing Company, Inc. ISBN 978-0-13-076331-0.
• Elson, Charles Louis (2005). Historia muzyki amerykańskiej . Wydawnictwo Kessingera. Numer ISBN 978-1-4179-5961-7.
• Gann, Kyle (1997). Muzyka amerykańska w XX wieku . Schirmera. Numer ISBN 978-0-02-864655-8.
• Hamm, Karol (1983). Muzyka w Nowym Świecie . WW Norton & Company. Numer ISBN 978-0-393-95193-6.
• Hitchcock, H. Wiley (1999). Muzyka w Stanach Zjednoczonych: wprowadzenie historyczne . Sala Prezydencka. Numer ISBN 978-0-13-907643-5.
• Kingman, Daniel (1990). Muzyka amerykańska: Panorama (wyd. 2). Nowy Jork: Książki Schirmera.
• Nicholls, David (red.) (1998). Historia muzyki amerykańskiej w Cambridge . Wydawnictwo Uniwersytetu Cambridge. Numer ISBN 978-0-521-45429-2.CS1 maint: dodatkowy tekst: lista autorów ( link )
• Seeger, Ruth Crawford (2003). Muzyka amerykańskiej pieśni ludowej i wybranych innych pism na temat amerykańskiej muzyki ludowej . Boydell & Brewer. Numer ISBN 978-1-58046-136-8.
• „Sztuki sceniczne, muzyka” . Biblioteka Zbiorów Kongresu .

Zewnętrzne linki

• Klipy audio: Tradycyjna muzyka Stanów Zjednoczonych. Musée d'Ethnographie de Genève . Dostęp 25 listopada 2010. (w języku francuskim)
• Amerykańska Gildia Muzyki
• Essential American Recordings Survey
• Stowarzyszenie Wydawców Muzycznych
• Stowarzyszenie Biblioteki Muzycznej
• Historyczne nuty amerykańskie
• Lester S. Levy Sheet Music Collection popularna muzyka amerykańska, 1780-1960