Neoklasycyzm - Neoclassicism

Psyche ożywiona przez pocałunek Kupidyna ; autorstwa Antonio Canovy ; 1787; marmur; 155 cm × 168 cm; Żaluzja
Charles Towneley w swojej galerii rzeźby ; przez Johanna Zoffany'ego ; 1782; olej na płótnie; wysokość: 127 cm, szerokość: 102 cm; Galeria Sztuki i Muzeum Towneley Hall ( Burnley , Wielka Brytania)

Neoklasycyzm (pisany również jako neoklasycyzm ; z greckiego νέος nèos , „nowy” i grecki κλασικός klasikόs , „najwyższej rangi”) był zachodnim ruchem kulturowym w sztukach dekoracyjnych i wizualnych , literaturze , teatrze , muzyce i architekturze , inspiracja sztuką i kulturą starożytności klasycznej . Neoklasycyzm narodził się w Rzymie w dużej mierze dzięki pismom Johanna Joachima Winckelmanna , w czasach ponownego odkrycia Pompejów i Herkulanum , ale jego popularność rozprzestrzeniła się w całej Europie , gdy pokolenie europejskich studentów sztuki zakończyło swoją wielką podróż i wróciło z Włoch do swoich ojczyzny z nowo odkrytymi ideałami grecko-rzymskimi. Główny ruch neoklasyczny zbiegł się z XVIII-wieczną epoką oświecenia i trwał do początku XIX wieku, konkurując z romantyzmem . W architekturze styl ten trwał przez cały XIX, XX i aż do XXI wieku.

Europejski neoklasycyzm w sztukach wizualnych rozpoczął się ok. 1930 r. 1760 w opozycji do dominującego wówczas stylu rokoko . Architektura rokoko podkreśla wdzięk, ornamentykę i asymetrię; Architektura neoklasyczna opiera się na zasadach prostoty i symetrii, które były postrzegane jako cnoty sztuki Rzymu i starożytnej Grecji i były bardziej bezpośrednio zaczerpnięte z XVI-wiecznego renesansowego klasycyzmu . Każdy „neo”-klasycyzm wybiera niektóre modele z gamy możliwych klasyków, które są dla niego dostępne, a ignoruje inne. Neoklasyczni pisarze i mówcy, mecenasi i kolekcjonerzy, artyści i rzeźbiarze z lat 1765–1830 oddali hołd idei pokolenia Fidiasza , ale przykłady rzeźby, które faktycznie przyjęli, były bardziej prawdopodobnie rzymskimi kopiami rzeźb hellenistycznych . Zignorowali zarówno archaiczną sztukę grecką, jak i dzieła późnego antyku . Sztuka „Rokokowa” starożytnej Palmyry była objawieniem, dzięki rycinom w Ruinach Palmyry Wooda . Nawet Grecja była prawie nieodwiedzana, surowy zaścianek Imperium Osmańskiego , niebezpieczny do eksploracji, więc uznanie neoklasyków dla greckiej architektury było zapośredniczone rysunkami i rycinami , które subtelnie wygładziły i uregulowały, „poprawiły” i „przywróciły” zabytki Grecji, nie zawsze świadomie.

Styl empirowy , druga faza neoklasycyzmu w architekturze i sztuce zdobniczej , miał swoje centrum kulturalne w Paryżu w epoce napoleońskiej . Zwłaszcza w architekturze, ale także w innych dziedzinach, neoklasycyzm pozostał siłą długo po początku XIX wieku, z okresowymi falami odrodzenia w XX, a nawet XXI wieku, zwłaszcza w Ameryce i Rosji.

Historia

Neoklasycyzm to odrodzenie wielu stylów i ducha klasycznej starożytności, inspirowanych bezpośrednio z okresu klasycznego, które zbiegły się i odzwierciedlały rozwój filozofii i innych dziedzin epoki Oświecenia i był początkowo reakcją na ekscesy poprzedniego stylu rokoko . Chociaż ruch ten jest często opisywany jako przeciwny odpowiednik romantyzmu , jest to wielkie uproszczenie, które zwykle nie jest trwałe, gdy bierze się pod uwagę konkretnych artystów lub dzieła. Szczególnie dobrze pokazuje to przypadek rzekomego głównego orędownika późnego neoklasycyzmu, Ingresa . Odrodzenie można doszukiwać się w ustanowieniu formalnej archeologii .

Johann Joachim Winckelmann , często nazywany „ojcem archeologii”

Pisma Johanna Joachima Winckelmanna były ważne w kształtowaniu tego ruchu zarówno w architekturze, jak i sztukach wizualnych. Jego książki Myśli o naśladowaniu dzieł greckich w malarstwie i rzeźbie (1750) i Geschichte der Kunst des Alterthums („Historia sztuki starożytnej”, 1764) były pierwszymi, w których wyraźnie rozróżniono sztukę starożytnej Grecji i Rzymu oraz zdefiniowano okresy w obrębie sztuka, śledząc trajektorię od wzrostu do dojrzałości, a następnie imitację lub dekadencję, która ma wpływ do dnia dzisiejszego. Winckelmann uważał, że sztuka powinna dążyć do „szlachetnej prostoty i spokojnej wielkości” i chwalił idealizm sztuki greckiej, w której, jak mówił, odnajdujemy „nie tylko przyrodę w jej najpiękniejszej formie, ale także coś poza naturą, a mianowicie pewne idealne formy jej piękna , które, jak uczy nas starożytny interpretator Platona , pochodzą z obrazów stworzonych wyłącznie przez umysł”. Teoria ta była bardzo daleka od nowości w sztuce zachodniej, ale jego nacisk na ścisłe kopiowanie modeli greckich brzmiał: „Jedynym sposobem, abyśmy stali się wielcy, a jeśli to możliwe, niepowtarzalnymi, jest naśladowanie starożytnych”.

Wraz z nadejściem Grand Tour rozpoczęła się moda na kolekcjonowanie antyków, która położyła podwaliny pod wiele wspaniałych kolekcji szerząc neoklasyczne odrodzenie w całej Europie. „Neoklasycyzm” w każdej sztuce implikuje szczególny kanon „klasycznego” modelu.

W języku angielskim termin „neoklasycyzm” jest używany przede wszystkim w sztukach wizualnych; podobny ruch w literaturze angielskiej , który rozpoczął się znacznie wcześniej, nazywa się literaturą augustańską . To, które dominowało przez kilka dziesięcioleci, zaczęło zanikać, gdy neoklasycyzm w sztukach wizualnych stał się modny. Choć terminy różnią się, sytuacja w literaturze francuskiej była podobna. W muzyce okres ten przyniósł rozwój muzyki klasycznej , a „neoklasycyzm” jest używany w XX-wiecznych osiągnięciach . Jednak opery Christopha Willibalda Glucka reprezentowały specyficznie neoklasyczne podejście, wyrażone w jego przedmowie do opublikowanej partytury Alceste (1769), która miała na celu zreformowanie opery poprzez usunięcie ornamentyki , zwiększenie roli chóru zgodnie z grecką tragedią , i używając prostszych, pozbawionych ozdób linii melodycznych.

Anton Raphael Mengs ; Wyrok Paryża ; ok. 1757; olej na płótnie; wysokość: 226 cm, szerokość: 295 cm, kupiona przez Katarzynę Wielką z pracowni; Ermitaż ( Sankt Petersburg , Rosja)

Termin „neoklasyczny” został wymyślony dopiero w połowie XIX wieku, a styl określano wówczas takimi terminami, jak „styl prawdziwy”, „zreformowany” i „odrodzenie”; to, co było uważane za wskrzeszone, różniło się znacznie. Z pewnością bardzo zaangażowane były wzorce antyczne, ale styl ten można również uznać za odrodzenie renesansu, a zwłaszcza we Francji jako powrót do bardziej surowego i szlachetnego baroku epoki Ludwika XIV , za którym rozwinęła się spora nostalgia. gdy dominująca pozycja wojskowa i polityczna Francji zaczęła poważnie zanikać. Koronacyjny portret Napoleona Ingresa zapożyczył nawet z późnoantycznych dyptyków konsularnych i ich odrodzenia karolińskiego , co spotkało się z dezaprobatą krytyków.

Neoklasycyzm był najsilniejszy w architekturze , rzeźbie i sztuce zdobniczej , gdzie klasyczne modele w tym samym medium były stosunkowo liczne i dostępne; przykłady ze starożytnego malarstwa, które demonstrowały cechy, których pismo Winckelmanna odnajdywało w rzeźbie, było i nie ma. Winckelmann był zaangażowany w rozpowszechnianie wiedzy na temat pierwszych dużych malowideł rzymskich, które zostały odkryte w Pompejach i Herkulanum i, jak większość współczesnych, z wyjątkiem Gavina Hamiltona , nie zrobił na nich wrażenia, cytując uwagi Pliniusza Młodszego na temat upadku malarstwa w jego okres.

Co do malowania, grecki obraz został kompletnie zagubiony: Neoclassicist malarzy oryginalnie ożywił go, częściowo poprzez płaskorzeźba listwami , mozaiki i ceramiki malarstwa, a częściowo poprzez przykłady malowania i dekoracji renesansu z Raphael „s pokolenie, freski w Nero na Domus Aurea , Pompeje i Herkulanum , a także dzięki ponownemu podziwowi Nicolasa Poussina . Większość malarstwa „neoklasycznego” jest bardziej klasycyzująca w tematyce niż w czymkolwiek innym. Przez dziesięciolecia toczył się zażarty, ale często bardzo źle poinformowany spór o względne zalety sztuki greckiej i rzymskiej, a Winckelmann i jego koledzy helleniści byli generalnie po stronie zwycięskiej.

Malarstwo i grafika

Widok na tzw. Świątynię Zgody ze Świątynią Saturna, po prawej Łuk Septymiusza Sewera ; przez Giovanniego Battistę Piranesiego ; 1760-1778; akwaforta ; wielkość całego arkusza: 53,8 x 79,2 cm; Metropolitan Museum of Art (Nowy Jork)

Trudno jest odtworzyć radykalny i ekscytujący charakter wczesnego malarstwa neoklasycznego dla współczesnej publiczności; teraz uderza nawet tych pisarzy przychylnie nastawionych do tego jako „mdych” i „prawie całkowicie dla nas nieciekawych” – niektóre z komentarzy Kennetha Clarka na temat ambitnego Parnasusa Antona Raphaela Mengsa w Villa Albani , autorstwa artysty, którego opisał jego przyjaciel Winckelmann jako „największy artysta własny, a może i późniejszych”. Rysunki Johna Flaxmana , następnie przekształcone w druki , wykorzystywały bardzo prosty rysunek linii (uważany za najczystsze klasyczne medium) i figury głównie z profilu, aby przedstawić Odyseję i inne tematy, i kiedyś „zwolniły artystyczną młodzież Europy”, ale są teraz „zaniedbany”, podczas gdy obrazy Historia z Angelica Kauffman , głównie portrecista, są opisane jako posiadający „unctuous miękkość i tediousness” przez Fritza Novotny . Rokokowa frywolność i ruch barokowy zostały odarte, ale wielu artystów usiłowało umieścić cokolwiek na swoim miejscu, a wobec braku starożytnych przykładów malarstwa historycznego, innych niż greckie wazy używane przez Flaxmana, Raphael był zwykle używany jako model zastępczy, jak zalecał Winckelmann.

Przysięga Horatii ; przez Jacques-Louis David ; 1784; olej na płótnie; wysokość: 330 cm, szerokość: 425 cm; Żaluzja
Diana i Kupidyn ; przez Pompeo Batoniego ; 1761; olej na płótnie; 124,5 x 172,7 cm; Muzeum Sztuki Metropolitan

Twórczość innych artystów, których niełatwo określić jako mdłych, łączyła aspekty romantyzmu z generalnie neoklasycznym stylem i wpisała się w historię obu nurtów. Niemiecko-duński malarz Asmus Jacob Carstens ukończył bardzo niewiele dużych dzieł mitologicznych, które zaplanował, pozostawiając głównie rysunki i studia kolorystyczne, którym często udaje się zbliżyć do przepisu Winckelmanna o „szlachetnej prostocie i spokojnej wielkości”. W przeciwieństwie do niezrealizowanych systemów Carstens', to akwaforty z Giovanniego Battisty Piranesiego były liczne i opłacalne, i z powrotem przez tych, czyniąc Grand Tour we wszystkich częściach Europy. Jego głównym tematem były budynki i ruiny Rzymu i był bardziej stymulowany przez starożytność niż przez współczesność. Nieco niepokojąca atmosfera wielu jego wedut (poglądów) dominuje w jego serii 16 rycin Carceri d'Invenzione (" Wyimaginowane więzienia"), których "opresyjna architektura cyklopowa" wyraża "sny strachu i frustracji". Urodzony w Szwajcarii Johann Heinrich Füssli większość swojej kariery spędził w Anglii i chociaż jego fundamentalny styl opierał się na zasadach neoklasycznych, jego tematy i traktowanie częściej odzwierciedlały „gotycki” nurt romantyzmu i dążył do wywołania dramatu i podniecenia.

Klasycyzmu w malarstwie zyskał nowy kierunek z sensacyjnym sukcesie Jacques-Louis David „s przysięga horacjuszy w Paryżu Salonie 1785 roku . Pomimo przywoływania republikańskich cnót, było to zlecenie rządu królewskiego, które David nalegał na malowanie w Rzymie. Davidowi udało się połączyć idealistyczny styl z dramatyzmem i siłą. Perspektywa centralna jest prostopadła do płaszczyzny obrazu, podkreślona przez ciemną arkadę z tyłu, na tle której niczym na fryzie ustawione są bohaterskie postacie , z nutą sztucznego oświetlenia i inscenizacji operowej oraz klasyczną kolorystyką Nicolasa Poussina . David szybko stał się przywódcą sztuki francuskiej, a po rewolucji francuskiej został politykiem sprawującym kontrolę nad wieloma rządowymi mecenatami w sztuce. Udało mu się zachować swoje wpływy w okresie napoleońskim , zwracając się do prac szczerze propagandowych, ale musiał opuścić Francję na wygnanie w Brukseli podczas Restauracji Burbonów .

Wśród wielu uczniów Davida był Jean-Auguste-Dominique Ingres , który przez całą swoją długą karierę uważał się za klasyka, pomimo dojrzałego stylu, który ma niejednoznaczny związek z głównym nurtem neoklasycyzmu i wielu późniejszych dywersji w kierunku orientalizmu i stylu trubadurów, które są trudne do odróżnienia od dzieł jego bezwstydnie romantycznych rówieśników, z wyjątkiem tego, że jego prace zawsze nadają rysunkowi prymat. Wystawiał w Salonie przez ponad 60 lat, od 1802 roku do początków impresjonizmu , ale jego styl, raz ukształtowany, niewiele się zmienił.

Rzeźba

Porównanie popiersia bogini Romów z I-II wne w Luwrze (po lewej); oraz popiersie wyrzeźbione ok. 1821/1824 przez Bertela Thorvaldsena z National Gallery of Art ( Waszyngton )

O ile malarstwo neoklasyczne cierpiało na brak starożytnych modeli, o tyle rzeźba neoklasyczna cierpiała z powodu ich nadmiaru, chociaż przykładów rzeczywistej greckiej rzeźby z „okresu klasycznego” rozpoczynającego się około 500 rpne było wtedy bardzo niewiele; najbardziej cenionymi dziełami były głównie kopie rzymskie. Czołowi rzeźbiarze neoklasycystyczni w swoich czasach cieszyli się ogromną reputacją, ale obecnie są mniej szanowani, z wyjątkiem Jean-Antoine'a Houdona , którego prace stanowiły głównie portrety, bardzo często jako popiersia, które nie poświęcają silnego wrażenia osobowości modela. idealizm. Jego styl stał się bardziej klasyczny wraz z kontynuacją jego długiej kariery i reprezentuje raczej płynny postęp od rokokowego uroku do klasycznej godności. W przeciwieństwie do niektórych rzeźbiarzy neoklasycznych nie nalegał, aby jego modelki nosiły rzymskie stroje lub były nagie. Wcielił się w większość znanych postaci Oświecenia i udał się do Ameryki, aby wyprodukować pomnik Jerzego Waszyngtona , a także popiersia Thomasa Jeffersona , Bena Franklina i innych założycieli nowej republiki.

Antonio Canova i Duńczyk Bertel Thorvaldsen mieszkali w Rzymie, a oprócz portretów wyprodukowali wiele ambitnych postaci i grup naturalnej wielkości; obaj reprezentowali silnie idealizującą tendencję w rzeźbie neoklasycznej. Canova ma lekkość i wdzięk, gdzie Thorvaldsen jest bardziej surowy; różnica jest zilustrowana w ich odpowiednich grupach Trzech Gracji . Wszystko to, a także Flaxman, były nadal aktywne w latach 20. XIX wieku, a romantyzm powoli wpływał na rzeźbę, gdzie wersje neoklasycyzmu pozostały dominującym stylem przez większość XIX wieku.

Wczesnym neoklasycyzmem w rzeźbie był Szwed Johan Tobias Sergel . John Flaxman był także, a może głównie, rzeźbiarzem, tworzącym głównie płaskorzeźby o surowym klasycznym charakterze, które są porównywalne w stylu z jego grafikami; przez kilka lat projektował i modelował ceramikę neoklasyczną dla Josiaha Wedgwooda . Johann Gottfried Schadow i jego syn Rudolph , jeden z niewielu neoklasycznych rzeźbiarzy umierających młodo, byli czołowymi niemieckimi artystami, z Franzem Antonem von Zaunerem w Austrii. Późnobarokowy austriacki rzeźbiarz Franz Xaver Messerschmidt zwrócił się do neoklasycyzmu w połowie kariery, na krótko przed tym, jak wydaje się, że przeszedł jakiś kryzys psychiczny, po którym przeszedł na emeryturę do kraju i poświęcił się bardzo charakterystycznym „głowom charakteru” łysych postaci ciągnąc ekstremalną mimikę twarzy. Podobnie jak Carceri Piranesiego , cieszyły się one wielkim zainteresowaniem w czasach psychoanalizy na początku XX wieku. Holenderski rzeźbiarz neoklasyczny Mathieu Kessels studiował u Thorvaldsena i pracował prawie wyłącznie w Rzymie.

Ponieważ przed latami trzydziestymi XIX wieku Stany Zjednoczone nie miały własnej tradycji rzeźbiarskiej, z wyjątkiem nagrobków, wiatrowskazów i dziobów okrętowych, przyjęto tam europejski styl neoklasyczny, który miał panować przez dziesięciolecia, czego przykładem jest rzeźby Horatio Greenougha , Harriet Hosmer , Hirama Powersa , Randolpha Rogersa i Williama Henry'ego Rineharta .

Architektura i sztuka dekoracyjna

Styl Adama , wnętrze Syon House w Londynie, zaprojektowane przez Roberta Adama w latach 60. XVIII wieku
„Sala etruska ”, z Poczdamu (Niemcy), ilustracja Friedricha Wilhelma Klose ok. 1840 r.

Sztuka neoklasyczna była jednocześnie tradycyjna i nowa, historyczna i nowoczesna, konserwatywna i postępowa.

Neoklasycyzm po raz pierwszy zyskał wpływy w Anglii i Francji dzięki pokoleniu francuskich studentów sztuki wykształconych w Rzymie i pod wpływem pism Winckelmanna, i szybko został przyjęty przez postępowe kręgi w innych krajach, takich jak Szwecja, Polska i Rosja. Początkowo klasycyzujący wystrój został wszczepiony w znane europejskie formy, jak we wnętrzach kochanka Katarzyny II , hrabiego Orłowa , zaprojektowanych przez włoskiego architekta z zespołem włoskich stukadorów : tylko pojedyncze owalne medaliony jak kamee i płaskorzeźba overdoor odrobina neoklasycyzmu; umeblowanie jest w pełni włoskie rokoko.

Druga fala neoklasycystyczna, bardziej surowa, bardziej zbadana (za pośrednictwem rycin ) i bardziej świadomie archeologiczna, wiąże się z rozkwitem Cesarstwa Napoleońskiego . We Francji pierwsza faza neoklasycyzmu została wyrażona w „stylu Ludwika XVI”, a druga w stylach zwanych „Directoire” lub Empire . Styl rokoko pozostał popularny we Włoszech, dopóki reżimy napoleońskie nie przyniosły nowego archeologicznego klasycyzmu, który został przyjęty jako deklaracja polityczna przez młodych, postępowych, miejskich Włochów o republikańskich skłonnościach.

W sztuce zdobniczej przykładem neoklasycyzmu są meble empirowe wykonane w Paryżu, Londynie, Nowym Jorku, Berlinie; w meblach biedermeier wyprodukowanych w Austrii; w muzeach Karla Friedricha Schinkla w Berlinie, Banku Anglii Sir Johna Soane'a w Londynie i nowo wybudowanej „ kapicie ” w Waszyngtonie; aw Wedgwood „s płaskorzeźb i«czarne»basaltes wazony . Styl był międzynarodowy; Szkocki architekt Charles Cameron stworzył włoskie pałacowe wnętrza dla urodzonej w Niemczech Katarzyny II Wielkiej w rosyjskim Sankt Petersburgu.

Wewnątrz, neoklasycyzm dokonał odkrycia prawdziwego klasycznego wnętrza, inspirowanego odkryciami w Pompejach i Herkulanum . Rozpoczęły się one pod koniec lat czterdziestych XVIII wieku, ale osiągnęły szeroką publiczność dopiero w latach sześćdziesiątych XVII wieku, wraz z pierwszymi luksusowymi tomami ściśle kontrolowanej dystrybucji Le Antichità di Ercolano ( Zabytki Herkulanum ). Starożytność Herkulanum pokazała, że ​​nawet najbardziej klasycyzujące barokowe , czy najbardziej „rzymskie” sale Williama Kenta opierały się na architekturze bazyliki i świątyni odwróconej na zewnątrz, stąd ich często patetyczny wygląd dla współczesnych oczu: wywinięte framugi okienne w złocone lustra, kominki zwieńczone frontami świątyń. Nowe wnętrza starały się odtworzyć autentycznie rzymskie i autentycznie wewnętrzne słownictwo.

Techniki stosowane w stylu obejmowały bardziej płaskie, lżejsze motywy, rzeźbione w płaskorzeźbie przypominające niski fryz lub malowane monotonnie en camaïeu ("jak kamee"), pojedyncze medaliony lub wazony lub popiersia lub bukrania lub inne motywy, zawieszone na wawrzynu lub wstążce , ze smukłymi arabeskami na tle, być może, „czerwonym pompejskim” lub bladymi odcieniami lub kolorami kamienia. Styl we Francji był początkowo stylem paryskim, Goût Grec („styl grecki”), a nie stylem dworskim; kiedy Ludwik XVI wstąpił na tron ​​w 1774 roku, Maria Antonina , jego kochająca modę królowa, wniosła na dwór styl Ludwika XVI. Jednak aż do przełomu wieków nie podjęto prawdziwej próby zastosowania podstawowych form mebli rzymskich, a producenci mebli chętniej czerpali ze starożytnej architektury, podobnie jak złotnicy chętniej sięgali po starożytną ceramikę i kamień. rzeźbienie niż metaloplastyka: „Projektanci i rzemieślnicy... zdają się czerpać niemal perwersyjną przyjemność z przenoszenia motywów z jednego medium na drugie”.

Od około 1800 r. świeży napływ greckich przykładów architektonicznych, widzianych za pośrednictwem rycin i rycin, nadał nowy impet neoklasycyzmowi, greckiemu odrodzeniu . W tym samym czasie styl empirowy był bardziej okazałą falą neoklasycyzmu w architekturze i sztuce zdobniczej. Oparty głównie na stylach Cesarstwa Rzymskiego, powstał i wziął swoją nazwę od panowania Napoleona w Pierwszym Cesarstwie Francuskim , gdzie miał idealizować przywództwo Napoleona i państwo francuskie. Styl odpowiada bardziej burżuazyjnemu stylowi Biedermeier na ziemiach niemieckojęzycznych, stylowi federalnemu w Stanach Zjednoczonych, stylowi Regency w Wielkiej Brytanii i stylowi Napoleona w Szwecji. Według historyka sztuki Hugh Honora „cesarstwo tak dalekie od bycia, jak się czasem przypuszcza, kulminacją ruchu neoklasycznego, oznacza jego szybki upadek i przekształcenie z powrotem w zwykłe antyczne odrodzenie, pozbawione wszelkich szlachetnych idei. i siła przekonania, która zainspirowała jego arcydzieła”. Wcześniejszą fazę tego stylu nazywano stylem Adama w Wielkiej Brytanii i „Louis Seize”, czyli Ludwika XVI we Francji.

Neoklasycyzm nadal był główną siłą w sztuce akademickiej w XIX wieku i później — nieustanną antytezą odrodzenia romantyzmu lub gotyku — chociaż od końca XIX wieku często był uważany za antynowoczesny, a nawet reakcyjny, we wpływowych krytycznych kręgi. Centra kilku europejskich miast, zwłaszcza Sankt Petersburga i Monachium , upodobniły się do muzeów architektury neoklasycystycznej.

Neoklasycyzm kontrastował z architekturą neogotycką (często związaną z romantycznym ruchem kulturalnym), wywodzącym się z XVIII wieku, który zyskał popularność w XIX wieku. Podczas gdy neoklasycyzm charakteryzował się stylami, geometrycznymi liniami i porządkiem z wpływami greckimi i rzymskimi, gotycka architektura odrodzenia kładła nacisk na średniowieczne budynki, często o rustykalnym, „romantycznym” wyglądzie.

Francja

Styl Ludwika XVI (1760-1789)

Oznacza przejście od rokoka do klasycyzmu. W przeciwieństwie do klasycyzmu Ludwika XIV , który przekształcił ozdoby w symbole, styl Ludwika XVI przedstawia je tak realistycznie i naturalnie, jak to tylko możliwe, tzn. gałęzie laurowe to naprawdę gałęzie laurowe, róże takie same i tak dalej. Jedną z głównych zasad dekoracyjnych jest symetria. We wnętrzach stosuje się bardzo jasne kolory, w tym biały, jasnoszary, jasnoniebieski, różowy, żółty, bardzo jasny liliowy i złoty. Unika się nadmiaru zdobnictwa. Powrót do starożytności to przede wszystkim powrót do linii prostych: na porządku dziennym były sztywne piony i poziomy. Serpentyny nie były już tolerowane, z wyjątkiem sporadycznych półkola lub owalu. Wystrój wnętrz również uhonorował ten zamiłowanie do rygoru, w wyniku czego płaskie powierzchnie i kąty proste powróciły do ​​​​mody. Ornament był używany do zapośredniczenia tej surowości, ale nigdy nie kolidował z podstawowymi liniami i zawsze był rozmieszczony symetrycznie wokół centralnej osi. Mimo to ébénistes często nachylają kąty przednie, aby uniknąć nadmiernej sztywności.

Motywy zdobnicze stylu Ludwika XVI inspirowane były starożytnością , stylem Ludwika XIV oraz naturą. Charakterystyczne elementy stylu: pochodnia skrzyżowana z pochwą ze strzałkami, krążki utrwalane, giloszowe , podwójne kokardki, dymiące kokardy, liniowe powtórzenia drobnych motywów ( rozety , koraliki, jajka), trofea lub medaliony kwiatowe zwisające z zawiązanej wstążki , Acanthus liści, gadrooning, przeplot, meandry , rogi obfitości , maszkaronami , starożytny urny, statywy, palniki perfum, delfinów i lwów, RAM głowy, chimer i gryfów . Greco-Roman motywy architektoniczne są również bardzo używany: kanelur , pilastry (karbowany i unfluted), karbowany tralki (skręcona i prosto), kolumny ( zaangażowany i unengaged, czasami zastępuje caryathids ), Volute karnisze , tryglifami z guttae (w ulgi i trompe -l'œil ).

Styl empirowy (1804-1815)

Hôtel Gouthière (Paryż), na Rue Pierre-Bullet nr. 6

Reprezentuje nowe społeczeństwo francuskie, które wyszło z rewolucji, która nadała ton we wszystkich dziedzinach życia, w tym w sztuce. W tym okresie wynaleziono maszynę żakardową (która rewolucjonizuje cały system szycia, do tej pory ręczny). Jednym z dominujących kolorów jest czerwień, ozdobiona złoconym brązem . Stosowane są również jasne kolory, w tym biały, kremowy , fioletowy, brązowy, niebieski, ciemnoczerwony, z niewielkimi zdobieniami z pozłacanego brązu. Architektura wnętrz to drewniane panele ozdobione złoconymi płaskorzeźbami (na białym lub kolorowym tle). Motywy są umieszczone geometrycznie. Ściany pokryte są stiukami , tapetami pr tkaninami. Gzymsy kominkowe wykonane są z białego marmuru, na rogach mają kariatydy lub inne elementy: obeliski , sfinksy , skrzydlate lwy itp. Na ich szczytach umieszczono przedmioty z brązu, w tym zegary kominkowe . Drzwi składają się z prostych prostokątnych paneli, ozdobionych centralną postacią inspirowaną Pompejami. Tkaniny empirowe to adamaszki na niebieskim lub brązowym tle, satyny na zielonym, różowym lub fioletowym tle, aksamity w tych samych kolorach, broszki zdobione złotem lub srebrem oraz tkaniny bawełniane. Wszystkie one były używane we wnętrzach na zasłony, do okrycia niektórych mebli, na poduszki czy obicia (skóra jest również używana do tapicerowania).

Całym empirowym ornamentem rządzi rygorystyczny duch symetrii nawiązujący do stylu Ludwika XIV . Generalnie motywy po prawej i lewej stronie utworu odpowiadają sobie w każdym szczególe; kiedy tego nie robią, poszczególne motywy same w sobie są całkowicie symetryczne w kompozycji: antyczne głowy z identycznymi warkoczami opadającymi na każde ramię, przednie postacie Zwycięstwa z symetrycznie ułożonymi tunikami, identyczne rozety lub łabędzie po bokach zamka itp. Podobnie jak Ludwik XIV , Napoleon miał zestaw emblematów jednoznacznie związanych z jego rządami, w szczególności orła, pszczołę, gwiazdy oraz inicjały I (dla Imperatora ) i N (dla Napoleona ), które były zwykle wyryte w cesarskiej koronie laurowej. Motywy stosowane obejmują: figury Victory palmy łożyska, greckich tancerzy, nagie i nanoszone kobiety, figury zabytkowych wozów, skrzydlate putta , maszkarony z Apollina , Hermesa i Gorgon , łabędzie, lwy, szefowie woły, konie i dzikie zwierzęta, motyle, pazury, uskrzydlone chimery , sfinksy , bukranie , koniki morskie, dębowe wieńce wiązane cienkimi wstążkami, pnące winorośle, makowe rinceaux , rozety , gałązki palmowe i wawrzyn. Istnieje wiele Greco-Roman ones: sztywne i płaskie akantu liście, palmety , rogi obfitości , koraliki, amphoras , statywy, przedmiotów ułożonych w łuskę oponami, caduceuses z Merkurym , wazony, kaski, płonące pochodnie, skrzydlate trębaczy i starożytne instrumenty muzyczne (tuby, grzechotki, a zwłaszcza liry ). Pomimo ich antycznego pochodzenia, żłobienie i tryglify, tak rozpowszechnione za Ludwika XVI, zostały porzucone. Revival egipskie motywy są szczególnie częste na początku okresu: skarabeusze , Lotos stolice , dyski skrzydlate, obeliski, piramidy , figury noszenie nemeses , kariatydy pl GAINE obsługiwane przez boso iz kobiet egipskich nakryć głowy.

Wielka Brytania

Styl Adama

Styl Adama stworzyli dwaj bracia Adam i Jakub , którzy wydali w 1777 tom akwafort z dekoracją wewnętrzną. W dekoracji wnętrz wykonanej według rysunków Roberta Adama ściany, sufity, drzwi i wszelkie inne powierzchnie podzielone są na duże płyciny: prostokątne, okrągłe, kwadratowe, ze stiukami i motywami grecko-rzymskimi na krawędziach. Użyte ozdoby to festony , perły, opaski z jajkiem i strzałkami , medaliony i wszelkie inne motywy używane w starożytności klasycznej (zwłaszcza etruskie ). Elementy dekoracyjne, takie jak kamienne wazony w kształcie urny, pozłacane sztućce, lampy i statuetki mają to samo źródło inspiracji, klasycznego antyku.

Styl Adama kładzie nacisk na wyrafinowane prostokątne lustra, oprawione jak obrazy (w ramach ze stylizowanymi liśćmi) lub z frontonem nad nimi, podtrzymującym urnę lub medalion. Inny projekt luster Adama ma kształt okna weneckiego , z dużym lustrem centralnym pomiędzy dwoma innymi cieńszymi i dłuższymi. Innym rodzajem luster są lustra owalne, zwykle ozdobione girlandami. Meble w tym stylu mają zbliżoną konstrukcję do mebli Ludwika XVI .

Stany Zjednoczone

Styl federalny

Na kontynencie amerykańskim na architekturę i wystrój wnętrz duży wpływ miały style rozwinięte w Europie. Smak francuski mocno zaznaczył jej obecność w stanach południowych (po rewolucji francuskiej przeniosła się tu część emigrantów, aw Kanadzie duża część ludności ma francuskie pochodzenie). Praktyczny duch i sytuacja materialna ówczesnych Amerykanów nadawały wnętrzom typowy klimat. Wszystkie amerykańskie meble, dywany, zastawa stołowa, ceramika i srebra, ze wszystkimi wpływami europejskimi, czasem islamskimi , tureckimi czy azjatyckimi , zostały wykonane zgodnie z amerykańskimi normami, smakiem i wymogami funkcjonalnymi. Istniał w USA okres stylu Queen Anne i Chippendale . Swój własny styl, styl federalny, rozwinął się całkowicie w XVIII i na początku XIX wieku, który rozkwitł pod wpływem brytyjskiego smaku. Pod wpływem neoklasycyzmu powstała architektura, wnętrza i meble. Styl, choć posiada wiele cech różniących się w zależności od stanu, jest jednolity. Struktury architektury, wnętrz i mebli są klasycystyczne i zawierają wpływy baroku i rokoka . Użyte kształty to prostokąty, owale i półksiężyce. Panele stiukowe lub drewniane na ścianach i sufitach odtwarzają motywy klasycystyczne. Meble bywają zdobione intarsją florystyczną oraz intarsjami z brązu lub mosiądzu (czasem złocony ).

Ogród botaniczny

W Anglii literatura augustańska miała bezpośrednią paralelę z augustańskim stylem projektowania krajobrazu. Powiązania są wyraźnie widoczne w pracach Aleksandra Pope'a . Najlepszymi zachowanymi przykładami neoklasycznych ogrodów angielskich są Chiswick House , Stowe House i Stourhead .

Neoklasycyzm i moda

Rewolucyjna socjalistka Thérésa Tallien
Portret Antoine Valedau z 1809 r.

W modzie neoklasycyzm wpłynął na znacznie większą prostotę kobiecych sukienek i długotrwałą modę na biel jeszcze przed Rewolucją Francuską, ale dopiero po niej we Francji modne stały się gruntowne próby naśladowania dawnych stylów. przynajmniej dla kobiet. Klasyczne kostiumy od dawna nosiły modne damy udające na portrecie jakąś postać z mitu greckiego lub rzymskiego (szczególnie wysyp takich portretów młodej modelki Emmy, Lady Hamilton z lat 80. XVIII wieku), ale takie kostiumy nosiły tylko do portretu siedzącego i bali maskujących do okresu rewolucji, a może, jak w innych egzotycznych stylach, rozbierania się w domu. Ale style noszone na portretach Juliette Récamier , Josephine de Beauharnais , Thérésy Tallien i innych paryskich wyznawców trendów były również przeznaczone do publicznych wyjść. Widząc panią Tallien w operze, Talleyrand zażartował, że: „ Il n'est pas possible de s'exposer plus somptueusement! ” („Nie można było piękniej się rozbierać”). W 1788 roku, tuż przed rewolucją, nadworna portrecistka Louise Élisabeth Vigée Le Brun wydała grecką kolację, podczas której kobiety miały na sobie proste, białe greckie tuniki. Krótsze klasyczne fryzury, tam gdzie to możliwe z lokami, były mniej kontrowersyjne i bardzo szeroko stosowane, a włosy były teraz odkryte nawet na zewnątrz; z wyjątkiem strojów wieczorowych, czepki lub inne okrycia były zwykle noszone nawet wcześniej w pomieszczeniach. Zamiast tego do wiązania lub ozdabiania włosów używano cienkich wstążek lub filetów w stylu greckim.

Bardzo lekkie i luźne suknie, zwykle białe i często z szokująco nagimi ramionami, wznosiły się od kostki aż do stanika, gdzie wokół ciała znajdował się mocno podkreślony cienki rąbek lub krawat, często w innym kolorze. Kształt jest obecnie często znany jako sylwetka Imperium, chociaż poprzedza Pierwsze Cesarstwo Francuskie Napoleona, ale jego pierwsza cesarzowa Józefina de Beauharnais miała wpływ na rozprzestrzenianie się w całej Europie. Długi prostokątny szal lub chusta, bardzo często zwykły czerwony, ale z ozdobną obwódką na portretach, pomagał w chłodniejsze dni i najwyraźniej był owinięty wokół brzucha podczas siedzenia – dla których preferowano półleżące pozycje. Na początku XIX wieku takie style rozpowszechniły się w całej Europie.

Neoklasyczna moda dla mężczyzn była o wiele bardziej problematyczna i nigdy tak naprawdę nie wystartowała, z wyjątkiem włosów, gdzie odegrała ważną rolę w krótszych stylizacjach, które w końcu zarzuciły używanie peruk, a następnie pudru do białych włosów dla młodszych mężczyzn. Spodnie były symbolem barbarzyńcy dla Greków i Rzymian, ale poza pracownią malarza, a zwłaszcza rzeźbiarza, niewielu ludzi było gotowych je porzucić. W istocie, termin ten triumf czystego spodni lub Pantalone , nad cullottes lub kolana spodni z Ancien Régime . Nawet kiedy David zaprojektował nowy francuski „strój narodowy” na prośbę rządu w okresie szczytowego entuzjazmu rewolucji w 1792 roku do zmiany wszystkiego, zawierał on dość obcisłe legginsy pod płaszczem, który zatrzymywał się powyżej kolan. Duży odsetek zamożnych młodych mężczyzn spędził większość kluczowego okresu w służbie wojskowej z powodu francuskich wojen rewolucyjnych i mundurów wojskowych, które zaczęły podkreślać krótkie kurtki z przodu, dając pełny widok na obcisłe dopasowane spodnie, były często noszone, gdy nie były na służbie, i miały wpływ na męskie style cywilne.

Problem spodni został uznany przez artystów za barierę w tworzeniu współczesnych obrazów historycznych ; podobnie jak inne elementy współczesnego stroju były postrzegane przez wielu artystów i krytyków jako nieodwracalnie brzydkie i nieheroiczne. Zastosowano różne strategie, aby uniknąć przedstawiania ich we współczesnych scenach. W James Dawkins i Robert Wood Discovering the Ruins of Palmyra (1758) autorstwa Gavina Hamiltona , dwa dżentelmeńskie antyki są przedstawione w arabskich szatach przypominających togę . W Watson and the Shark (1778) Johna Singletona Copleya główna postać może być prawdopodobnie pokazana nago, a kompozycja jest taka, że ​​z ośmiu innych pokazanych mężczyzn tylko jeden pokazuje wyraźnie jedną nogę zamkową . Jednak Amerykanie Copley i Benjamin West przewodzili artystom, którzy z powodzeniem pokazali, że spodnie mogą być używane w scenach heroicznych, takimi dziełami jak Śmierć generała Wolfe'a Westa (1770) i Śmierć majora Peirsona Copleya , 6 stycznia 1781 (1783), chociaż spodni nadal ostrożnie unikano w Tratwie Meduzy , ukończonej w 1819 roku.

Klasycznie inspirowane męskie fryzury obejmowały Bedford Crop , prawdopodobnie prekursor większości prostych nowoczesnych męskich fryzur, który został wymyślony przez radykalnego polityka Francisa Russella, piątego księcia Bedford jako protest przeciwko opodatkowaniu pudru do włosów ; zachęcał swoich przyjaciół do przyjęcia go, obstawiając ich, że tego nie zrobią. Inny wpływowy styl (lub grupa stylów) został nazwany przez francuskiego „à la Titus” na cześć Tytusa Juniusa Brutusa (nie w rzeczywistości rzymskiego cesarza Tytusa, jak to często zakładano), z włosami krótkimi i warstwowymi, ale nieco spiętrzonymi na koronie, często ze skrępowanymi kołdrami lub zamkami zwisającymi; warianty są znane z włosów zarówno Napoleona, jak i Jerzego IV z Wielkiej Brytanii. Styl miał zostały wprowadzone przez aktora François-Joseph Talma , który upstaged jego wigged współpracowników aktorów, gdy pojawia się w produkcjach takich dziełach jak Voltaire „s Brutus (o Lucius Junius Brutus , który nakazuje wykonanie jego syna Tytusa) . W 1799 roku paryski magazyn o modzie donosił, że nawet łysi mężczyźni nosili peruki Tytusa, a styl ten był również noszony przez kobiety, Journal de Paris donosił w 1802 roku, że „ponad połowa eleganckich kobiet nosiła włosy lub peruki à la Titus .

Późniejszy neoklasycyzm

Budynek Zachodni (1941) Narodowej Galerii Sztuki w Waszyngtonie

W architekturze amerykańskiej neoklasycyzm był jednym z przejawów amerykańskiego ruchu renesansowego , ok. 193. 1890-1917; jego ostatnią manifestacją była architektura Beaux-Arts , a jej ostatnimi dużymi projektami publicznymi były Pomnik Lincolna (wtedy bardzo krytykowany), Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie (również mocno krytykowana przez społeczność architektoniczną jako myśląca wstecz i staromodny w swoim projekcie) oraz Roosevelt Memorial w Amerykańskim Muzeum Historii Naturalnej . Po ich ukończeniu uznano je za stylistyczne anachronizmy. W brytyjskim raju monumentalne planowanie miasta New Delhi sir Edwina Lutyensa oznacza zachód słońca neoklasycyzmu. Druga wojna światowa miała rozbić najbardziej tęsknotę za (i imitacją) mitycznego czasu.

Konserwatywni modernistyczni architekci, tacy jak Auguste Perret we Francji, zachowali rytmy i odstępy architektury kolumnowej nawet w budynkach fabrycznych. Gdzie kolumnada byłby potępił jako „reakcyjne”, budynek jest pilaster -jak karbowany paneli pod powtarzając fryz wyglądał „postępowy”. Pablo Picasso eksperymentował z motywami klasycyzującymi w latach bezpośrednio po I wojnie światowej , a styl Art Deco , który wysunął się na pierwszy plan po paryskiej Exposition des Arts Décoratifs w 1925 roku , często sięgał po motywy neoklasyczne, nie wyrażając ich wprost : surowe, blokowe komody autorstwa É .-J. Ruhlmann lub Süe & Mare ; wyraziste, wyjątkowo płaskorzeźbione fryzy z dziewczętami i gazelami w każdym medium; modne sukienki, które były drapowane lub cięte po skosie, aby odtworzyć greckie linie; taniec artystyczny Isadory Duncan ; Streamline Moderne stylistyka amerykańskich urzędach pocztowych i powiatowych budynków sądowych zbudowany dopiero w 1950; i dziesięciocentówka Roosevelta .

Istniał cały XX-wieczny ruch w sztuce, zwany także neoklasycyzmem. Obejmowała przynajmniej muzykę, filozofię i literaturę. Było to między końcem I wojny światowej a końcem II wojny światowej. (Aby uzyskać informacje na temat aspektów muzycznych, zobacz XX-wieczna muzyka klasyczna i Neoklasycyzm w muzyce . Aby uzyskać informacje na temat aspektów filozoficznych, zobacz Wielkie księgi .)

Ten literacki ruch neoklasyczny odrzucił skrajny romantyzm (na przykład) Dada , na rzecz powściągliwości, religii (w szczególności chrześcijaństwa) i reakcyjnego programu politycznego. Chociaż podwaliny tego ruchu w literaturze angielskiej położył TE Hulme , najsłynniejszymi neoklasykami byli TS Eliot i Wyndham Lewis . W Rosji ruch skrystalizował się już w 1910 roku pod nazwą Acmeism , z Anną Achmatową i Osipem Mandelsztamem jako czołowymi przedstawicielami.

W muzyce

Neoklasycyzm w muzyce to ruch XX wieku; W tym przypadku odradzały się klasyczne i barokowe style muzyczne XVII i XVIII wieku, z ich zamiłowaniem do tematyki greckiej i rzymskiej, a nie muzyka samego antycznego świata. (Początek XX wieku nie rozróżnił jeszcze w muzyce okresu baroku, z którego kompozytorzy neoklasyczni czerpali głównie, z tego, co obecnie nazywamy okresem klasycznym). Ruch ten był reakcją w pierwszej połowie XX wieku na rozpadającą się chromatykę późny romantyzm i impresjonizm, pojawiające się równolegle z muzycznym modernizmem, który dążył do całkowitego porzucenia tonacji klawiszy. Manifestował pragnienie czystości i prostoty stylu, co pozwalało na dość dysonansowe parafrazowanie klasycznych procedur, ale starało się zdmuchnąć pajęczyny romantyzmu i mroczne przebłyski impresjonizmu na rzecz odważnych rytmów, asertywnej harmonii i czystych przekrojów. zbiegający się z modą na rekonstruowane „klasyczne” tańce i kostiumy w balecie i wychowaniu fizycznym .

Suita taneczna z XVII-XVIII wieku przeżyła niewielkie odrodzenie przed I wojną światową, ale neoklasycy nie byli całkiem zadowoleni z niezmodyfikowanego diatonizmu i kładli nacisk na jaskrawy dysonans zawieszeń i ornamentów, kanciaste cechy XVII-wiecznej harmonii modalnej i energiczne linie kontrapunktowego pisania części. Starożytne powietrze i tańce Respighiego (1917) wytyczyły drogę dla brzmienia, do którego aspirowali neoklasycy. Chociaż praktyka zapożyczania stylów muzycznych z przeszłości nie była rzadkością w całej historii muzyki, muzyka artystyczna przechodziła okresy, w których muzycy używali nowoczesnych technik w połączeniu ze starszymi formami lub harmoniami, aby tworzyć nowe rodzaje dzieł. Godne uwagi cechy kompozycyjne to: nawiązanie do diatonicznej tonacji, konwencjonalnych form (suity taneczne, concerti grossi, formy sonatowe itp.), idea muzyki absolutnej nieskrępowanej skojarzeniami opisowymi lub emocjonalnymi, użycie lekkich faktur muzycznych oraz zwięzłość muzycznej ekspresji . W muzyce klasycznej było to szczególnie postrzegane w latach 20. i 50. XX wieku. Najbardziej znanym kompozytorem posługującym się tym stylem jest Igor Strawiński ; skutecznie rozpoczął muzyczną rewolucję swoim Bachowskim Oktetem na instrumenty dęte (1923). Szczególna praca indywidualna, która reprezentuje ten styl jest dobrze Prokofiewa „s Klasyczny Symphony No. 1 w D, który przypomina symfonicznego stylu Haydna czy Mozarta . Balet neoklasyczny, opracowany przez George'a Balanchine'a, oczyścił rosyjski styl imperialny pod względem kostiumów, kroków i narracji, wprowadzając jednocześnie innowacje techniczne.

Architektura w Rosji i Związku Radzieckim

Pałac Ostankino , zaprojektowany przez Francesco Camporesi i ukończony w 1798 roku w Moskwie, Rosja

W latach 1905–1914 architektura rosyjska przeszła krótki, ale wpływowy okres odrodzenia neoklasycystycznego ; trend ten rozpoczął się od odtworzenia stylu empirowego z okresu aleksandryjskiego i szybko rozszerzył się na różne szkoły neorenesansowe, palladiańskie i zmodernizowane, ale rozpoznawalne klasycznie. Kierowali nimi architekci urodzeni w latach 70. XIX wieku, którzy osiągnęli szczyt twórczy przed I wojną światową, jak Iwan Fomin , Władimir Szczuko i Iwan Żółtowski . Po ożywieniu gospodarki w latach dwudziestych ci architekci i ich zwolennicy nadal pracowali w środowisku głównie modernistycznym ; niektórzy (Zholtovsky) ściśle przestrzegali kanonu klasycznego, inni (Fomin, Schuko, Ilya Golosov ) wypracowali własne zmodernizowane style.

Wraz z rozprawą z niezależnością architektów i oficjalną negacją modernizmu (1932), wykazaną przez międzynarodowy konkurs na Pałac Sowietów , neoklasycyzm został natychmiast wypromowany jako jeden z wyborów w architekturze stalinowskiej , choć nie jedyny. Współistniał z umiarkowanie modernistyczną architekturą Borisa Iofana , na pograniczu współczesnego Art Deco (Schuko); ponownie najczystsze przykłady stylu zostały stworzone przez szkołę Zholtovsky, która pozostała odosobnionym zjawiskiem. Interwencja polityczna była katastrofą dla przywódców konstruktywistycznych , ale została szczerze przyjęta przez architektów szkół klasycznych.

Neoklasycyzm był łatwym wyborem dla ZSRR, ponieważ nie opierał się na nowoczesnych technologiach konstrukcyjnych ( konstrukcja stalowa lub żelbetowa ) i mógł być odtwarzany w tradycyjnym murze . W ten sposób projekty Zholtovsky'ego, Fomina i innych starych mistrzów były łatwo powielane w odległych miastach pod ścisłym racjonowaniem materiałów . Poprawa technologii budowlanej po II wojnie światowej pozwoliła stalinowskim architektom zapuścić się w budowę drapaczy chmur, choć stylistycznie te drapacze chmur (w tym „eksportowana” architektura Pałacu Kultury i Nauki , Warszawy i Międzynarodowego Centrum Kongresowego w Szanghaju ) niewiele mają wspólnego z modelami klasycznymi. Neoklasycyzm i neorenesans przetrwały w mniej wymagających projektach mieszkaniowych i biurowych do 1955 roku, kiedy Nikita Chruszczow położył kres kosztownej stalinowskiej architekturze.

Architektura w XXI wieku

Po zastoju w okresie dominacji nowoczesnej architektury (mniej więcej po II wojnie światowej do połowy lat 80.), neoklasycyzm doznał pewnego odrodzenia.

Od pierwszej dekady XXI wieku współczesna architektura neoklasyczna jest zwykle klasyfikowana pod pojęciem nowej architektury klasycznej . Czasami jest również określany jako neohistoryzm lub tradycjonalizm. Również wiele dzieł architektury postmodernistycznej czerpie inspirację i zawiera wyraźne odniesienia do neoklasycyzmu, Dzielnicy Antygony i Teatru Narodowego Katalonii w Barcelonie . W architekturze ponowoczesnej pojawiają się niekiedy elementy historyczne, takie jak kolumny, kapitele czy tympanon.

W przypadku szczerej architektury w tradycyjnym stylu, która trzyma się regionalnej architektury, materiałów i rzemiosła, najczęściej używa się terminu Architektura tradycyjna (lub wernakularna). Driehaus Architecture Prize przyznawana jest do największych płatników w zakresie architektury 21 wieku tradycyjnym lub klasycznego, a pochodzi z pulą nagród dwukrotnie wyższa niż modernistycznej Pritzker Prize .

W Stanach Zjednoczonych różne współczesne budynki użyteczności publicznej są budowane w stylu neoklasycznym, czego przykładem jest Centrum Symfoniczne Schermerhorn w Nashville z 2006 roku .

W Wielkiej Brytanii wielu architektów działa w stylu neoklasycznym. Przykładami ich pracy są dwie biblioteki uniwersyteckie: Maitland Robinson Library Quinlana Terry'ego w Downing College i Robert Adam Architects Sackler Library .

Zobacz też

Uwagi

Bibliografia

  • Clark, Kenneth , The Romantic Rebellion: Romantic versus Classic Art , 1976, Omega. ISBN  0-86007-718-7 .
  • Honor, Hugh , Neoklasycyzm. Styl i cywilizacja 1968 (przedruk 1977), Penguin
  • Gontar, Cybele, „Neoklasycyzm”, Na osi czasu historii sztuki Heilbrunn. Nowy Jork: Metropolitan Museum of Art, 2000 – online
  • Hunt, Lynn, „Wolność ubioru w rewolucyjnej Francji”, w Od królewskiego do republikańskiego ciała: włączenie polityki w XVII i XVIII wieku we Francji , Redakcja: Sara E. Melzer, Kathryn Norberg, 1998, University of California Press , 1998, ISBN  0520208072 ,9780520208070
  • Fritz Novotny , Malarstwo i rzeźba w Europie, 1780-1880 , wydanie 2 (przedruk 1980).
  • Rifelj, Carol De Dobay, Fryzury: włosy w dziewiętnastowiecznej literaturze i kulturze francuskiej , 2010, University of Delaware Press, ISBN  0874130999 , 9780874130997, książki Google

Dalsza lektura

  • Brown, Kevin (2017). Artyści i patroni: Sztuka dworska i rewolucja w Brukseli pod koniec Ancien Regime , Dutch Crossing, Taylor i Francis
  • Eriksen, Svend. Wczesny neoklasycyzm we Francji (1974)
  • Friedlaender, Walter (1952). David do Delacroix (pierwotnie opublikowany w języku niemieckim; przedruk 1980)
  • Gromort, Georges, ze wstępnym esejem Richarda Sammonsa (2001). Elementy architektury klasycznej (Classical America Series in Art and Architecture)
  • Harrison, Charles; Paul Wood i Jason Gaiger (eds) (2000; repr. 2003). Sztuka w teorii 1648–1815: antologia zmieniających się idei
  • Hartop, Christopher, ze wstępem Tima Knoxa (2010). Ideał klasyczny: angielskie srebro, 1760–1840 , wyw. Kot. Cambridge: John Adamson ISBN  978-0-9524322-9-6
  • Irwin, Dawid (1966). Angielska sztuka neoklasyczna: studia inspiracji i smaku
  • Johnsona, Jamesa Williama. „Czym był neoklasycyzm?” Journal of British Studies , obj. 9, nie. 1, 1969, s. 49–70. online
  • Rosenblum, Robert (1967). Przemiany w sztuce końca XVIII wieku

Zewnętrzne linki