Akt (sztuka) - Nude (art)

Dawid Michała Anioła
Dawid  (1504)
„Jakiż duch jest tak pusty i ślepy, że nie może rozpoznać faktu, że stopa jest szlachetniejsza niż but, a skóra piękniejsza niż szata, w którą jest przyodziana?”
Michał Anioł

Akt , jako forma sztuki wizualnej, która skupia się na nieubranej ludzkiej postaci, jest trwałą tradycją w sztuce zachodniej . Było to zajęcie starożytnej sztuki greckiej , a po okresie pół uśpienia w średniowieczu powrócił na centralną pozycję wraz z renesansem . Nieubrane postacie często odgrywają również rolę w innych rodzajach sztuki, takich jak malarstwo historyczne , w tym sztuka alegoryczna i religijna , portretowanie , czy sztuka dekoracyjna . Od prehistorii po najwcześniejsze cywilizacje, nagie postacie kobiece są ogólnie rozumiane jako symbole płodności lub dobrego samopoczucia.

W Indiach Grupa Zabytków Khajuraho zbudowana między 950 a 1050 rokiem n.e. znana jest z rzeźb erotycznych, które stanowią około 10% dekoracji świątynnych. Japońskie ryciny to jedna z nielicznych niezachodnich tradycji, które można nazwać aktem, ale działalność wspólnych kąpieli w Japonii przedstawiana jest jako kolejna aktywność społeczna, bez znaczenia, jakie na Zachodzie przypisuje się brakowi ubioru. W każdej epoce akt odzwierciedlał zmiany w postawach kulturowych dotyczących seksualności, ról płciowych i struktury społecznej.

Jedną z często cytowanych książek na temat aktu w historii sztuki jest The Nude: a Study in Ideal Form autorstwa Lorda Kennetha Clarka , opublikowana po raz pierwszy w 1956 roku. nagi. Clark twierdzi, że bycie nagim oznacza pozbycie się ubrania i oznacza zakłopotanie i wstyd, podczas gdy akt jako dzieło sztuki nie ma takich konotacji. To oddzielenie formy artystycznej od kwestii społecznych i kulturowych przez długi czas pozostawało w dużej mierze niezbadane przez klasycznych historyków sztuki.

Jedną z charakterystycznych cech współczesnej epoki w sztuce było zatarcie granicy między nagim a aktem. Prawdopodobnie po raz pierwszy miało to miejsce w przypadku obrazu „Naga Maja” (1797) Goi, który w 1815 roku zwrócił uwagę hiszpańskiej inkwizycji . Szokujące było to, że ukazywała konkretną modelkę we współczesnej scenerii, z włosami łonowymi, a nie gładką doskonałością bogiń i nimf, które zamiast odwracać wzrok, odwzajemniały spojrzenie widza. Niektóre z tych samych cech szokowały prawie 70 lat później, kiedy Manet wystawiał swoją Olimpię , nie ze względu na kwestie religijne, ale ze względu na jej nowoczesność. Zamiast być ponadczasową odaliską, którą można było bezpiecznie oglądać z dystansem, obraz Maneta miał przedstawiać prostytutkę tamtych czasów, być może nawiązując do własnych praktyk seksualnych męskich widzów.

Rodzaje przedstawień

Ariadna śpi na wyspie Naxos (1808–1812) Johna Vanderlyna . Obraz był początkowo uważany za zbyt seksualny, aby można go było wyświetlać w Akademii Sztuk Pięknych w Pensylwanii . „Chociaż nagość w sztuce była publicznie protestowana przez Amerykanów, Vanderlyn zauważył, że zapłaciliby za oglądanie zdjęć, których nie pochwalili”.

Znaczenie każdego obrazu nieubranego ciała ludzkiego zależy od umieszczenia go w kontekście kulturowym. W kulturze zachodniej powszechnie uznawane konteksty to sztuka , pornografia i informacja . Widzowie łatwo identyfikują niektóre obrazy jako należące do jednej kategorii, podczas gdy inne obrazy są niejednoznaczne. Być może XXI wiek stworzył czwartą kategorię, utowarowiony akt, który celowo wykorzystuje dwuznaczność, aby przyciągnąć uwagę w celach komercyjnych.

W odniesieniu do rozróżnienia między sztuką a pornografią, Kenneth Clark zauważył, że seksualność była częścią pociągu do aktu jako przedmiotu sztuki, stwierdzając, że „żadne akty, jakkolwiek abstrakcyjne, nie powinny nie wzbudzić u widza śladów uczuć erotycznych , chociaż jest to tylko najsłabszy cień - a jeśli tego nie robi, to jest zła sztuka i fałszywa moralność”. Według Clarka, wyraźne rzeźby świątynne Indii z dziesiątego wieku „są wielkimi dziełami sztuki, ponieważ ich erotyka jest częścią ich całej filozofii”. Wspaniała sztuka może zawierać treści erotyczne, ale nie jest obsceniczna .

Jednak w Stanach Zjednoczonych nagość w sztuce była czasami kontrowersyjnym tematem, gdy publiczne finansowanie i wystawianie w niektórych miejscach zwraca uwagę opinii publicznej na prace. Historia purytańska nadal wpływa na wybór dzieł sztuki pokazywanych w muzeach i galeriach. Jednocześnie, gdy każdy akt może być podejrzany w opinii wielu mecenasów i publiczności, krytycy sztuki mogą odrzucać prace, które nie są nowatorskie. Stosunkowo oswojone akty są zwykle pokazywane w muzeach, podczas gdy prace o wartości szokowej są pokazywane w galeriach komercyjnych. Świat sztuki zdewaluował proste piękno i przyjemność, choć te wartości są obecne w sztuce dawnej iw niektórych dziełach współczesnych.

Kiedy grupy szkolne odwiedzają muzea, pojawiają się nieuniknione pytania, na które muszą być przygotowani nauczyciele lub przewodnicy wycieczek. Podstawową radą jest udzielanie rzeczowych odpowiedzi, podkreślających różnice między sztuką a innymi obrazami, uniwersalność ludzkiego ciała oraz wartości i emocje wyrażane w pracach.

Historyczka sztuki i autorka Frances Borzello pisze, że współczesnych artystów nie interesują już ideały i tradycje przeszłości, ale konfrontują widza z całą seksualnością, dyskomfortem i niepokojem, jakie może wyrażać nagie ciało, być może eliminując rozróżnienie między nagim a nagim ciałem. nago. Sztuka performance robi ostatni krok, przedstawiając rzeczywiste nagie ciała jako dzieło sztuki.

Historia

Wenus z Willendorfu (pomiędzy 24.000 a 22.000 pne)

Akt datuje się na początek sztuki z postaciami kobiecymi zwanymi figurkami Wenus z późnej epoki kamienia . We wczesnych czasach historycznych podobne obrazy przedstawiały bóstwa płodności. Przeglądając literaturę dotyczącą aktu w sztuce, można dostrzec różnice między definiowaniem nagości jako całkowitego braku ubioru a innymi stanami rozebrania się. We wczesnochrześcijańskiej sztuce, zwłaszcza w odniesieniach do wizerunków Jezusa, częściowy strój (przepaska na biodra) opisywany był jako nagość.

Mezopotamia i starożytny Egipt

Nagie zdjęcia w Mezopotamii i starożytnym Egipcie odzwierciedlają stosunek do nagości w tych społeczeństwach. W tamtych czasach bycie nago w sytuacjach towarzyskich było źródłem wielkiego zakłopotania dla każdego o wyższym statusie społecznym – nie wynikało to z związku między nagością a niestosownością seksualną, ale raczej świadczyło o niskim statusie lub hańbie. Nieseksualna lub funkcjonalna nagość była powszechna we wczesnych cywilizacjach ze względu na klimat. Dzieci były na ogół nagie do okresu dojrzewania, a do publicznych łaźni uczęszczały nago grupy mieszanej płci. Osoby o niskim statusie – nie tylko niewolnicy – ​​mogły być nagie lub w ubraniu zdejmować szaty, gdy było to konieczne do wytężonej pracy. Tancerze, muzycy i akrobaci byli nago podczas występów. Wiele nagich zdjęć przedstawiało te czynności. Inne nagie obrazy były symbolicznym, wyidealizowanym wizerunkiem wojowników i bogiń; podczas gdy bogowie byli pokazani ubrani, aby wskazać ich status. Postać przedstawiona na płaskorzeźbie Burneya może być aspektem bogini Isztar, mezopotamskiej bogini miłości seksualnej i wojny. Jednak jej ptasie łapki i towarzyszące im sowy sugerowały niektórym związek z Lilitu (zwaną w Biblii Lilith), choć pozornie nie była to zwykła demoniczna Lilitu.

Starożytna Grecja

Nagość w życiu Greków była wyjątkiem w świecie starożytnym. To, co rozpoczęło się jako męski rytuał inicjacyjny w VIII wieku p.n.e., stało się „kostium” w okresie klasycznym . Całkowita nagość oddzielała cywilizowanych Greków od „barbarzyńców”, w tym Hebrajczyków, Etrusków i Galów.

Najwcześniejsza rzeźba grecka , pochodząca z wczesnej cywilizacji cykladzkiej epoki brązu, składa się głównie ze stylizowanych postaci męskich, które są przypuszczalnie nagie. Tak jest z pewnością w przypadku kouros , dużej stojącej postaci aktu męskiego, która była ostoją archaicznej greckiej rzeźby. Te pierwsze realistyczne rzeźby nagich mężczyzn przedstawiają nagich młodzieńców, którzy stoją sztywno, z jedną nogą wysuniętą do przodu. Do V wieku p.n.e. opanowanie anatomii przez greckich rzeźbiarzy przyniosło większą naturalność i bardziej zróżnicowane pozy. Ważną innowacją było contrappost — asymetryczna postawa postaci stojącej z jedną nogą dźwigającą ciężar ciała, a drugą zrelaksowaną. Wczesnym tego przykładem jest rzeźba Polikleta Doryforos (ok. 440 p.n.e.).

Greckie boginie były początkowo rzeźbione raczej w draperii niż w aktach. Pierwszą wolnostojącą, naturalnej wielkości rzeźbą przedstawiającą całkowicie nagą kobietę była Afrodyta z Knidos, stworzona ok. 1900 roku . 360-340 p.n.e. przez Praksytelesa . Akt kobiecy stał się znacznie bardziej powszechny w późniejszym okresie hellenistycznym . W konwencji heroicznej nagości bogowie i bohaterowie byli ukazani nago, podczas gdy zwykli śmiertelnicy byli mniej skłonni tak być, choć atletów i wojowników w walce często przedstawiano nago. Akty sztuki grecko-rzymskiej to koncepcyjnie dopracowane idealne osoby, z których każda jest wizją zdrowia, młodości, geometrycznej przejrzystości i organicznej równowagi. Kenneth Clark uważał idealizację za cechę charakterystyczną prawdziwych aktów, w przeciwieństwie do bardziej opisowych i mniej artystycznych postaci, które uważał za po prostu nagie. Jego nacisk na idealizację wskazuje na istotną kwestię: uwodzicielskie i pociągające, choć akty w sztuce mogą być, mają poruszyć zarówno umysł, jak i namiętności.

Sztuka azjatycka

Niezachodnie tradycje przedstawiania aktów wywodzą się z Indii i Japonii, ale akt nie stanowi ważnego aspektu sztuki chińskiej . Rzeźby świątynne i malowidła naskalne, niektóre bardzo wyraźne, są częścią hinduskiej tradycji wartości seksualności i, jak w wielu ciepłych klimatach, częściowa lub całkowita nagość była powszechna w życiu codziennym. Japonia miała tradycję mieszanych kąpieli komunalnych, która istniała do niedawna i była często przedstawiana w drzeworytach.

Na początku XX wieku artyści w świecie arabskim wykorzystywali nagość w pracach, które dotyczyły ich wyjścia z kolonializmu do współczesnego świata.

Średniowiecze

Wczesne średniowiecze

Postawy chrześcijańskie poddają w wątpliwość wartość ludzkiego ciała, a chrześcijański nacisk na czystość i celibat jeszcze bardziej zniechęcał do przedstawiania nagości, nawet w nielicznych, które przetrwały wczesnośredniowieczne przetrwanie sztuki świeckiej. Całkowicie nagie postacie są rzadkością w sztuce średniowiecznej, a godnymi uwagi wyjątkami są Adam i Ewa, jak zapisano w Księdze Rodzaju, oraz potępieni w scenach Sądu Ostatecznego, antycypując rendering Kaplicy Sykstyńskiej . Poza tymi wyjątkami idealne formy aktów grecko-rzymskich zostały w dużej mierze zagubione, przekształcone w symbole wstydu i grzechu, słabości i bezbronności. Dotyczyło to nie tylko Europy Zachodniej, ale także sztuki bizantyjskiej . Coraz częściej Chrystus był ukazany w dużej mierze nagim w scenach swojej męki, zwłaszcza Ukrzyżowania , a nawet gdy był uwielbiony w niebie, aby pozwolić mu pokazać rany, jakie zadały jego cierpienia. Nursing Madonna i nagi „Penitent Maria Magdalena” , jak również Jezus niemowlę, którego penis był czasem podkreślał ze względów teologicznych, są inne wyjątki z elementami nagości w średniowiecznej sztuki sakralnej.

Późne średniowiecze

W późnym średniowieczu akty kobiece, które miały być atrakcyjne, powróciły do ​​sztuki, zwłaszcza w stosunkowo prywatnym medium, jakim jest iluminowany rękopis , oraz w klasycznych kontekstach, takich jak Znaki Zodiaku i ilustracje do Owidiusza . Kształt kobiecego „gotyckiego aktu” bardzo różnił się od klasycznego ideału, z długim ciałem ukształtowanym przez delikatne krzywizny, wąską klatką piersiową i wysoką talią, małymi okrągłymi piersiami i wydatnym wybrzuszeniem w brzuchu. Akty męskie były zwykle smukłe i drobne w figurze, prawdopodobnie wzorowane na uczniach używanych jako modele, ale były coraz dokładniej obserwowane.

renesans

W okresie renesansu zainteresowanie nagim ciałem w sztuce odradzało się po tysiącu lat. Pod koniec grecko-rzymskiej starożytności chrześcijańskie doktryny celibatu, czystości i dewaluacji ciała doprowadziły do ​​spadku zainteresowania aktami mecenasów, a tym samym artystów. Od końca starożytnego okresu klasycznego nagie ciało przedstawiano tylko w rzadkich przypadkach, takich jak przedstawienia Adama i Ewy. Teraz, wraz z rozwojem renesansowego humanizmu , renesansowi artyści rozkoszowali się możliwościami przedstawiania nagiego ciała.

Ożywienie kultury klasycznej w okresie renesansu przywróciło sztukę akt. Donatello wykonał dwa posągi biblijnego bohatera Dawida , symbol Republiki Florencji : jego pierwszy (w marmurze, 1408–1409) przedstawia ubraną postać, ale jego drugi, prawdopodobnie z lat czterdziestych, jest pierwszym wolnostojącym posągiem nagiego od starożytności, kilkadziesiąt lat przed masywnym Dawidem Michała Anioła (1501–1504). Akty w stropie Kaplicy Sykstyńskiej Michała Anioła przywróciły tradycję męskich aktów w przedstawieniach biblijnych opowieści; temat męczeństwa prawie nagiego św. Sebastiana stał się już bardzo popularny. Monumentalny kobiety nago powrócił do sztuki zachodniej w 1486 roku z Narodziny Wenus przez Sandro Botticellego do rodziny Medici , który również należącego klasyczną Venus de”Medici , którego pozy Botticelli dostosowane.

Andrea Mantegna (1431–1506) jest uważany przez historyków sztuki za kluczową postać w odrodzeniu aktu w sztuce ze względu na jego miłość do starożytnego klasycznego świata i tego, jak włączył klasyczne zasady formy do swoich dzieł. Nie jest pierwszym, który w swojej twórczości wykorzystuje wpływy klasyczne. Jednak niewielu malarzy przed nim robiło to w widocznym stopniu i jakości, z jaką to robił. Jest znany jako mistrz formy, a jego akty są godne uwagi, ponieważ jego styl jest pod wpływem studiów nad starożytną rzeźbą klasyczną i jego znajomością starożytnej klasycznej kultury greckiej i rzymskiej. Rysunek św. Jakuba prowadzonego na egzekucję pokazuje, że na początku Mantegna wykonywał anatomiczne szkice nago, przygotowując się do fresków w kaplicy Ovetari . To najwcześniejszy znany rysunek artysty.

Drezno Venus z Giorgione (ok. 1510), a także opierając się na modelach klasycznych, pokazał półleżącej kobiety nago w krajobrazie, rozpoczynając długą linię znanych obrazów w tym Wenus z Urbino ( Tycjan , 1538) oraz Wenus z lustrem ( Diego Velázqueza , ok. 1650). Figury takie jak Wenus Tycjana i Lutnista czy Wenus z Urbino, choć odzwierciedlają proporcje antycznych posągów, podkreślają raczej seksualność kobiecego ciała niż jego idealną geometrię. Te prace przez wieki inspirowały niezliczone leżące akty kobiece. Oprócz dorosłych postaci męskich i kobiecych, klasyczne przedstawienie Erosa stało się wzorem dla nagiego dziecka Chrystusa.

Raphael w swoich późniejszych latach jest zwykle uważany za pierwszego artystę, który konsekwentnie wykorzystywał modelki do rysowania kobiecych postaci, a nie praktykantów pracowniczych lub innych chłopców z dodanymi piersiami, które były wcześniej używane. Podejrzliwie chłopięce studium Michała Anioła „ Studium klęczącej nagiej dziewczyny na złożenie do grobu” ( Luwr , ok. 1500), o którym zwykle mówi się, że jest pierwszym studium nagich postaci kobiecych , poprzedza to i jest przykładem tego, jak nawet postacie, które byłyby pokazywane ubrane w końcowe prace były często opracowywane w studiach aktów, aby zrozumieć formę pod ubraniem. Rysowanie postaci nagiej lub studium postaci żywego modela szybko stało się ważną częścią praktyki artystycznej i treningu i tak pozostało aż do XX wieku.

XVII i XVIII wiek

W sztuce barokowej ciągła fascynacja klasyczną starożytnością skłoniła artystów do odnowienia i poszerzenia swojego podejścia do aktu, ale z bardziej naturalistycznymi, mniej wyidealizowanymi przedstawieniami, być może częściej pracującymi na żywych modelach. Reprezentowane są obie płcie; mężczyzna w postaci bohaterów, takich jak Herkules i Samson, a kobieta w postaci Wenus i Trzech Gracji. Peter Paul Rubens , który z wyraźną rozkoszą malował kobiety o hojnej sylwetce i promiennym ciele, nadał swoje imię przymiotnikowi Rubenesque . Przyjmując konwencję opowieści mitologicznych i biblijnych, akty Rembrandta były mniej wyidealizowane i malowane z życia. W późniejszym okresie baroku lub rokoka pojawił się bardziej dekoracyjny i zabawny styl, którego przykładem jest Venus Consoling Love François Bouchera , prawdopodobnie zamówiona przez Madame Pompadour .

Wczesna nowoczesność

Akt Maja Goi to raczej zerwanie z klasyką, ukazanie konkretnej kobiety swoich czasów, z włosami łonowymi i spojrzeniem skierowanym na widza, a nie aluzja do nimf czy bogiń.

Litografia Honoré Daumier
W tym roku ponownie Wenus... zawsze Wenus!... (1864) autorstwa Daumier

W XIX wieku ruch orientalistyczny dodał jeszcze jeden leżący akt kobiecy do możliwych tematów malarstwa europejskiego, odaliskę, niewolnicę lub dziewczynę z haremu. Jednym z najsłynniejszych była Wielka Odaliska namalowana przez Ingresa w 1814 roku. Roczny nadmiar obrazów wyidealizowanych nagich kobiet w Salonie Paryskim satyryzował Honoré Daumier w litografii z 1864 roku z podpisem „W tym roku znowu Wenus… zawsze Wenus !... jakby naprawdę były tak zbudowane kobiety!"

Pod koniec XIX wieku malarze akademiccy kontynuowali tematykę klasyczną, ale zostali zakwestionowani przez impresjonistów. Podczas gdy kompozycję porównuje się do Tycjana i Giogione, Édouard Manet zaszokował ówczesną publiczność, malując nagie kobiety we współczesnej sytuacji w swoim Le Déjeuner sur l'herbe (1863); i chociaż mówi się, że poza jego Olimpii (1865) pochodzi od Wenus z Urbino przez Tycjana , publiczność widziała prostytutkę. Gustave Courbet podobnie zasłużył sobie na krytykę, przedstawiając w swojej Kobiecie z papugą nagą prostytutkę bez śladu bogini czy nimfy.

Edgar Degas namalował wiele aktów kobiet w zwykłych okolicznościach, takich jak kąpiel. Auguste Rodin zakwestionował klasyczne kanony idealizacji w swoim ekspresyjnie zniekształconym Adamie. Wraz z wynalezieniem fotografii artyści zaczęli wykorzystywać nowe medium jako źródło obrazów, a Eugène Delacroix był jednym z pierwszych.

Dla Lyndy Nead nagość kobieca polega na powstrzymywaniu seksualności; w przypadku klasycznego poglądu na historię sztuki reprezentowanego przez Kennetha Clarka chodzi o idealizację i de-emfazę jawnej seksualności, podczas gdy współczesny pogląd uznaje, że ludzkie ciało jest nieuporządkowane, nieograniczone i problematyczne. Jeśli cnotliwa kobieta jest zależna i słaba, jak zakładały obrazy w sztuce klasycznej, to silna, niezależna kobieta nie może być przedstawiana jako cnotliwa.

Późno nowoczesny

Choć zarówno tradycja akademicka, jak i impresjoniści utracili swoją kulturową supremację na początku XX wieku, akt pozostał, choć przekształcony przez idee modernizmu . Wyidealizowana Wenus została zastąpiona przez kobietę uwiecznioną intymnie w prywatnych sceneriach, jak w dziele Egona Schielego . Uproszczone formy nowożytne Jeana Metzingera , Amedeo Modiglianiego , Gastona Lachaise i Aristide Maillola przypominają bardziej oryginalne boginie płodności niż boginie greckie. We wczesnych obrazach abstrakcyjnych ciało mogło być rozczłonkowane lub rozczłonkowane, jak w Les Demoiselles d'Avignon Picassa lub jego strukturalistycznych i kubistycznych aktach, ale są też abstrakcyjne wersje klasycznych tematów, takich jak tancerze i kąpiący się Henri Matisse'a .

Suzanne Valadon była jedną ze stosunkowo nielicznych artystek na początku XX wieku, które malowały zarówno kobiece, jak i męskie akty. W 1916 namalowała „ Akt układając włosy” , przedstawiający kobietę wykonującą przyziemne zadanie w szczery, pozbawiony seksu i nieerotyczny sposób.

W erze post-WWII , Ekspresjonizm abstrakcyjny przeniósł Centrum Sztuki Zachodniej z Paryża do Nowego Jorku. Jeden z głównych wpływów na wzrost abstrakcji, krytyk Clement Greenberg , poparł wczesną abstrakcyjną pracę de Kooninga. Wbrew radom Greenberga artysta, który zaczynał jako malarz figuratywny, powrócił do ludzkiej postaci na początku 1950 roku cyklem Kobieta . Mimo pewnych nawiązań do tradycji pojedynczych postaci kobiecych, kobiety były przedstawiane jako żarłoczne, zniekształcone i na wpół abstrakcyjne. Według artysty chciał „stworzyć gniewny humor tragedii”; o szaleńczym spojrzeniu epoki atomowej, świata w chaosie, świata potrzebującego komicznej ulgi. Później Greenberg dodał, że „Może… malowałem we mnie kobietę. Sztuka nie jest całkowicie męskim zajęciem, wiesz. Zdaję sobie sprawę, że niektórzy krytycy uznają to za przyznanie się do ukrytego homoseksualizmu… Gdybym malował piękne kobiety, czy to by mnie nie było homoseksualistą? Lubię piękne kobiety. Na żywo – nawet modelki w czasopismach. Kobiety mnie czasem irytują. Malowałem tę irytację w serialu Kobieta. To wszystko. Takich idei nie da się wyrazić samą czystą abstrakcją. Niektórzy krytycy uważają jednak serię Kobieta za mizoginistyczną .

Inni nowojorscy artyści tego okresu zachowali figurę jako główny temat. Alice Neel malowała akty, w tym własny autoportret, w tym samym prostym stylu, co ubrane modelki, skupiając się przede wszystkim na kolorze i treści emocjonalnej. Philip Pearlstein wykorzystuje unikalne kadrowanie i perspektywę, aby odkrywać abstrakcyjne cechy aktów. Jako młody artysta w latach 50. Pearlstein wystawiał zarówno abstrakcje, jak i figury, ale to de Kooning poradził mu, aby kontynuował pracę figuratywną.

Współczesny

Korzyści Opiekun Śpiący
Korzyści Supervisor Sleeping (1995)
„Maluję ludzi nie ze względu na to, jacy są, nie na przekór tego, jacy są, ale jacy są”.
Lucian Freud

Lucian Freud był jednym z nielicznych malarzy, do których należał Francis Bacon , znany jako „Szkoła Londyńska”, tworzący prace figuratywne w latach 70., kiedy było to niemodne. Jednak pod koniec życia jego prace stały się ikonami epoki ponowoczesnej , przedstawiając ludzkie ciało bez cienia idealizacji, jak w cyklach pracy z otyłym modelem . Jedna z prac Freuda nosi tytuł „Nagi portret”, który sugeruje realistyczny obraz konkretnej kobiety bez ubrania, a nie konwencjonalny akt. W nekrologu Freuda w The New York Times jest napisane: „Jego surowe i odkrywcze obrazy przyjaciół i bliskich, rozłożone nago w jego pracowni, przekształciły sztukę portretu i zaproponowały nowe podejście do sztuki figuratywnej”.

Około 1970 roku, kierując się zasadami feminizmu, Sylvia Sleigh namalowała serię prac odwracających stereotypowe motywy artystyczne, przedstawiając nagich mężczyzn w pozach kojarzonych zwykle z kobietami.

Obrazy Jenny Saville obejmują między innymi akty rodzinne i autoportrety; często robione w skrajnych perspektywach, próbując zrównoważyć realizm z abstrakcją; wszystko jednocześnie wyrażając, jak kobieta czuje się w stosunku do kobiecego nagości. Nagie postacie Lisy Yuskavage namalowane w niemal akademicki sposób stanowią „parodię historycznej nagości sztuki i męskiej obsesji na punkcie kobiecej formy jako przedmiotu”. John Currin to kolejny malarz, którego prace często reinterpretują historyczne akty. Obrazy Cecily Brown łączą elementy figuratywne i abstrakcję w stylu nawiązującym do de Kooninga.

Pod koniec XX wieku pojawiły się nowe media i podejścia do sztuki, choć zaczęły się one znacznie wcześniej. W szczególności sztuka instalacji często zawiera obrazy ludzkiego ciała, a sztuka performance często zawiera nagość. "Cut Piece" Yoko Ono został po raz pierwszy wykonany w 1964 roku (wtedy znany jako " happening "). Członkowie publiczności zostali poproszeni o wejście na scenę i rozpoczęcie odcinania jej ubrań, aż była prawie naga. Kilku współczesnych performerów, takich jak Marina Abramović , Vanessa Beecroft i Carolee Schneemann, wykorzystuje w swoich pracach własne nagie ciała lub innych performerów.

Zagadnienia

Wizerunki młodości

Nagi chłopiec na plaży (1878) Johna Singera Sargenta

W dziełach klasycznych rzadko pokazywano dzieci, z wyjątkiem niemowląt i puttów . Przed erą freudowskiej psychoanalizy zakładano, że dzieci nie mają uczuć seksualnych przed okresem dojrzewania , dlatego nagie dzieci przedstawiano jako symbol czystej niewinności. Chłopcy często pływali nago, co pokazano na obrazach Johna Singera Sargenta , George'a Bellowsa i innych. Inne obrazy były bardziej erotyczne, symbolicznie lub wprost.

Różnice płci

Reprezentacja świata, podobnie jak sam świat, jest dziełem ludzi; opisują to z własnego punktu widzenia, który mylą z prawdą absolutną.

Mężczyźni i kobiety nie otrzymywali równych szans w wykształceniu artystycznym przynajmniej od renesansu do połowy XIX wieku. Artystki nie miały dostępu do nagich modelek i nie mogły uczestniczyć w tej części edukacji artystycznej. W tym okresie studiowanie nagiej postaci było czymś, przez co wszyscy artyści płci męskiej musieli przejść, aby stać się wartościowym artystą i móc przedstawiać tematy historyczne.

Akademicka historia sztuki ma tendencję do ignorowania seksualności aktu męskiego, mówienia zamiast formy i kompozycji.

Przez większą część historii nadzy mężczyźni reprezentowali męczenników i wojowników, podkreślając raczej aktywną niż bierną rolę przypisywaną kobietom w sztuce. Alice Neel i Lucian Freud namalowali współczesnego męskiego aktu w klasycznej pozie leżącej, z wyraźnie widocznymi genitaliami. Sylvia Sleigh malowała wersje klasycznych prac z odwróconymi płciami.

Do lat 60. historia sztuki i krytyka rzadko odzwierciedlały coś innego niż męski punkt widzenia. Ruch sztuki feministycznej zaczęła się zmieniać, ale jeden z pierwszych znanych wypowiedzi komunikatów politycznych w nagości została wykonana w 1972 roku przez krytyka sztuki John Berger . W Ways of Seeing przekonywał, że kobiece akty odzwierciedlają i wzmacniają dominującą relację władzy między kobietami przedstawianymi w sztuce a głównie męską publicznością. Rok później Laura Mulvey napisała „ Przyjemność wizualna i kino narracyjne” , w których zastosowała do teorii filmu koncepcję męskiego spojrzenia , twierdząc, że wszystkie akty są z natury podglądaczem.

Feministyczny ruch artystyczny miał na celu umożliwienie kobietom, aby ich sztuka osiągnęła ten sam poziom rozgłosu i szacunku, co sztuka męska. Pomysł, że kobiety są intelektualnie gorsze od mężczyzn, pochodził z ideologii Arystotelesa i był mocno uzależniony od renesansu. Arystoteles uważał, że w procesie prokreacji siłą napędową są mężczyźni. Posiadali wszelką moc twórczą, podczas gdy kobiety były odbiorcami. Jedyną rolą kobiet w reprodukcji było dostarczanie materiału i działanie jako naczynie. Ta idea została przeniesiona na wizerunek artysty i aktu w sztuce. Artysta był postrzegany jako biały mężczyzna i był jedynym, który miał wrodzony talent i kreatywność, aby odnieść sukces jako profesjonalny artysta. Ten system wierzeń był powszechny w sztuce aktów. Kobiety były przedstawiane jako bierne i nie miały żadnej kontroli nad swoim wizerunkiem. Akt kobiecy w okresie renesansu był obrazem stworzonym przez męskie spojrzenie.

W artykule Jill Fields „Frontiers in Feminist Art History” Fields analizuje feministyczny ruch artystyczny i jego ocenę kobiecego aktu. Zastanawia się, jak powstawał wizerunek kobiecego aktu i jak feministyczny ruch historii sztuki próbował zmienić sposób przedstawiania kobiecego aktu. Wywodzący się z renesansowego ideału kobiecego piękna wizerunek kobiecego ciała został stworzony przez mężczyzn i dla męskiej publiczności. W obrazach takich jak Gustave Courbet „s The Origin of the World i François Boucher ” s Leżącego Dziewczyna , kobiety są przedstawione z otwartymi nogami, co oznacza, że mają one być bierny i obiekt ma być używany. W eseju AW Eaton „Co jest nie tak z (kobiecym) aktem? Feministyczna perspektywa sztuki i pornografii” omawia wiele sposobów, w jakie sztuka kobiecego aktu uprzedmiotawia kobiety. Zastanawia się, w jaki sposób akty męskie są zarówno mniej powszechne, jak i przedstawiane jako aktywne i bohaterskie, podczas gdy akty kobiece są znacznie bardziej rozpowszechnione i przedstawiają kobiety jako pasywne, wrażliwe obiekty seksualne. Feministyczny ruch historii sztuki dążył do zmiany sposobu postrzegania tego obrazu. Akt kobiecy stał się mniej ikoną w sztuce zachodniej od lat 90., ale ten spadek znaczenia nie powstrzymał członków feministycznego ruchu artystycznego przed włączeniem takich rzeczy, jak obraz „centralnego rdzenia”. Ten sposób przedstawiania nagiej postaci kobiecej w sztuce koncentrował się na fakcie, że kobiety panują nad własnym wizerunkiem. Centralny obraz skupiał się na symbolach związanych ze sromem . Włączając nowe obrazy i symbole do wizerunku kobiecego aktu w sztuce zachodniej, feministyczny ruch historii sztuki nadal próbuje zdemontować zdominowany przez mężczyzn świat sztuki.

Niedawna dyskusja na temat stosowności niektórych dzieł sztuki pojawiła się w kontekście ruchu Me Too .

Akty przedstawiające kobiece i queerowe spojrzenie

Kobiece akty od dawna są inspirowane męskim spojrzeniem, a męskie pragnienia nagości kobiet. Krytyka feministyczna od prawie wieku wymierzona jest w kobiece akty, na które wpływa męskie spojrzenie. Są jednak artyści, którzy postawili tę koncepcję na głowie i w rezultacie wydestylowali krytykę ucieleśnioną w nagich przedstawieniach kobiet z męskim spojrzeniem. Artyści zaszczepili kobiece spojrzenie w tworzonych przez siebie aktach. Zamiast kobiet być obiektem męskich pragnień, niektórzy artyści zakwestionowali tradycyjne narracje kobiet, przedstawiając je w kontrastowy sposób jako nieseksualne.

Ponadto artyści wprowadzili queerowe spojrzenie w sztukę, a zwłaszcza w sztukę aktu, która również kwestionuje tradycyjną grafikę nagiego męskiego spojrzenia.

  • Helen Beard tworzy kolorowe i jasne dzieła sztuki w różnych mediach, od obrazów, przez igłę, po rzeźby, przedstawiające zbliżenia kobiet w wyraźnych, pornograficznych pozycjach seksualnych. Jej prace uosabiają kobiety odczuwające przyjemność ze swojego ciała, co jest sprzeczne z tradycyjnymi męskimi aktami spojrzenia wcześniej kobiecymi.
  • Lucy Liu stworzyła kolekcję zatytułowaną "SHUNGA", japoński termin oznaczający sztukę erotyczną. Tematyka Liu obejmuje zbliżone obrazy splecionych ze sobą lesbijek i pościeli.
  • Maggi Hambling niedawno upamiętniła brytyjską pisarkę feministyczną Mary Wollstonecraft , tworząc A Sculpture for Mary Wollstonecraft , która wykorzystuje nagą kobiecą figurę do reprezentowania ducha feminizmu Wollstonecraft. Wywołało to wiele kontrowersji, a ludzie zastanawiają się, dlaczego Hambling zdecydował się przedstawić Wollstonecraft w postaci nagiej. Jednak Hambling twierdzi, że jej rozumowanie polega na przedstawianiu Wollstonecraft jako ducha i reprezentacji każdej kobiety.
  • Louis Fratino na nowo zdefiniował męskie spojrzenie i sposób, w jaki queerowi mężczyźni i kobiety są przedstawiani w sztuce aktu. Jego prace eksplorują queerową seksualność zarówno w formie codziennej, jak i erotycznej.
  • Prace Lisy Yuskavage znalazły się na wystawie The Female Gaze: Women Look at Women w 2009 roku. Jej prace obejmują nagie przedstawienia kobiet, które ilustrują kobiety jako niezdolne do dbania o to, co myślą o nich inni z powodu własnego dyskomfortu cielesnego, co nie poddaje ich męskiemu spojrzeniu.
  • Suzanne Valadon malowała pozbawione seksu, niezbyt erotyczne nagie przedstawienia kobiet. Dzieło artystyczne nie przedstawia kobiet z tradycyjnego męskiego punktu widzenia, a Valadon była jedną z niewielu artystek, które w pierwszej połowie XX wieku malowały taką tematykę w taki sposób.

Nakładanie

Według Charmaine Nelson, nagi wizerunek w sztuce wpływa na kolorowe kobiety w inny sposób niż na białe kobiety . Różne wizerunki aktu w sztuce nie tylko ustanowiły system kontroli wizerunku kobiet, ale także umieściły kobiety koloru na miejscu innych. Przecięcie ich tożsamości, jak twierdzi Nelson, tworzy „podwójnie fetishized czarny kobiecego ciała”. Kolorowe kobiety nie są przedstawiane w takim stopniu, w jakim białe kobiety są w sztuce aktu od renesansu do lat 90., a kiedy są przedstawiane, to inaczej niż białe kobiety. Renesansowy ideał kobiecego piękna nie obejmował czarnych kobiet. Białe kobiety były przedstawiane jako obraz seksualny i były idealnym obrazem seksualnym dla mężczyzn w okresie renesansu. Białe kobiety, w większości znaczących prac sprzed XX wieku, nie miały włosów łonowych. Zwykle robiły to czarne kobiety, a to stworzyło ich wizerunek w zwierzęcy, seksualny sposób. Podczas gdy wizerunek białych kobiet stał się niewinny, a wyidealizowane, czarne kobiety były nieustannie jawnie seksualizowane, dodaje.

Komentarz społeczny

Barykada (1918), olej na płótnie, George Bellows . Obraz inspirowany incydentem z sierpnia 1914 roku, w którym żołnierze niemieccy używali belgijskich mieszczan jako żywych tarcz .

Akt został również wykorzystany do wygłoszenia silnego społecznego lub politycznego oświadczenia. Przykładem jest Barykada (1918) George'a Bellowsa , która przedstawia obywateli belgijskich używanych jako żywe tarcze przez Niemców podczas I wojny światowej. malarstwo podkreśla ich kruchość i uniwersalne człowieczeństwo.

Głoska bezdźwięczna

Pastel -Style druku przez Gilles Demarteau z nagich ludzi po oryginalnym rysunku Edmé Bouchardon został przejęty przez Akademię Sztuk Pięknych w Warszawie w postaci materiałów dydaktycznych

Rysunek figura jest badanie ludzkich postaci , w jej różnych kształtach oraz postawy ciała , z linii, formy i składu podstawowego celu, zamiast podmiocie. Rysunek życie jest dziełem, które zostało zaczerpnięte z obserwacji żywego modelu. Badanie postaci ludzkiej tradycyjnie uważano za najlepszy sposób na naukę rysowania, począwszy od późnego renesansu i kontynuując do teraźniejszości.

Farba olejna historycznie była idealnym medium do przedstawiania aktu. Poprzez mieszanie i nakładanie warstw farby, powierzchnia może upodabniać się do skóry. „Jego powolny czas schnięcia i różne stopnie lepkości umożliwiają artyście osiągnięcie bogatych i subtelnych mieszanek koloru i faktury, które mogą sugerować przemiany jednej ludzkiej substancji w drugą”.

To właśnie w rzeźbie, ze względu na jej trwałość, widzimy pełną, niemal nieprzerwaną historię aktu od epoki kamienia do współczesności. Figury, zwykle przedstawiające nagą samicę, zostały znalezione w regionie Bałkanów sprzed 7000 lat p.n.e. i nadal są generowane. W indyjskiej i południowoazjatyckiej tradycji rzeźbiarskiej akty były często ozdobione bransoletkami i biżuterią, które miały tendencję do „punktowania ich wdzięku i wyznaczania różnych części ich ciała, podobnie jak rozwinięta muskulatura u mężczyzn”.

Fotografia

Akt jest przedmiotem fotografii niemal od czasu jego wynalezienia w XIX wieku. Wcześni fotografowie często wybierali pozy imitujące klasyczne akty z przeszłości. Fotografia boryka się z problemem bycia zbyt realną i przez wiele lat nie była akceptowana przez osoby zajmujące się tradycyjną sztuką plastyczną. Jednak wielu fotografów zostało uznanych za artystów plastyków, w tym Ruth Bernhard , Anne Brigman , Imogen Cunningham , Alfred Stieglitz i Edward Weston .

Nowe media

Pod koniec XX wieku pojawiło się kilka nowych form sztuki, w tym instalacje , performance i sztuka wideo, z których wszystkie zostały wykorzystane do stworzenia prac eksplorujących koncepcję aktu. Przykładem jest instalacja site-specific Experimental (2018) Mony Kuhn , która wykorzystuje projekcje wideo, instalację winylową i inne media mieszane.

Zobacz też

Uwagi

Bibliografia

Książki

Czasopisma

Aktualności

Sieć

Dalsza lektura

  • Sokół, Felix Lance (2006). Sztuka gejowska: kolekcja historyczna [i historia] , wyd. i z wprowadzeniem. i podpisy Thomasa Waugha. Vancouver, BC: Arsenal Pulp Press. NB .: Prace artystyczne to czarno-białe szkice i rysunki mężczyzn, nagich lub prawie, z dużym komentarzem. ISBN  1-55152-205-5
  • Roussan, Jacques de (1982). Le Nu dans l'art au Québec . La Prairie, Que.: Éditions M. Broquet. NB .: Dotyczy głównie artystycznego przedstawienia aktu kobiecego, przede wszystkim w malarstwie i rysunku. ISBN  2-89000-066-4


Zewnętrzne linki