Opera - Opera

Z Wikipedii, wolnej encyklopedii

La Scala w Mediolanie

Opera jest formą teatru, w którym muzyka jest podstawowym składnikiem, a role dramatyczne pełnią śpiewacy , ale różni się od teatru muzycznego . Takie „dzieło” (dosłowne tłumaczenie włoskiego słowa „opera”) jest zazwyczaj wynikiem współpracy kompozytora z librecistą i obejmuje szereg sztuk performatywnych , takich jak aktorstwo , dekoracje , kostiumy , a czasem taniec lub balet . Przedstawienie odbywa się zazwyczaj w operze , z towarzyszeniem orkiestry lub mniejszego zespołu muzycznego , którym od początku XIX wieku kieruje dyrygent .

Opera jest kluczową częścią zachodniej tradycji muzyki klasycznej . Oryginalnie rozumiana jako utwór całkowicie śpiewany, w przeciwieństwie do gry z pieśniami, opera obejmuje wiele gatunków , w tym takie, które obejmują dialog mówiony, takie jak teatr muzyczny , Singspiel i Opéra comique . W tradycyjnej operze liczbowej śpiewacy posługują się dwoma stylami śpiewu: recytatywem , stylem recytacji mowy i samodzielnymi ariami . W XIX wieku narodził się nieustanny dramat muzyczny .

Opera powstała we Włoszech pod koniec XVI wieku (w większości zaginione Dafne Jacopo Peri , wyprodukowane we Florencji w 1598 r.), Zwłaszcza z dzieł Claudio Monteverdiego , zwłaszcza L'Orfeo , i wkrótce rozprzestrzeniło się na resztę Europy: Heinrich Schütz w Niemczech, Jean-Baptiste Lully we Francji i Henry Purcell w Anglii, wszyscy pomogli w ustanowieniu swoich narodowych tradycji w XVII wieku. W XVIII wieku włoska opera nadal dominowała w większości Europy (z wyjątkiem Francji), przyciągając zagranicznych kompozytorów, takich jak George Frideric Handel . Opera seria była najbardziej prestiżową formą włoskiej opery, dopóki Christoph Willibald Gluck nie zareagował na jej sztuczność swoimi operami „reformatorskimi” w latach sześćdziesiątych XVIII wieku. Najbardziej znaną postacią opery końca XVIII wieku jest Wolfgang Amadeus Mozart , który rozpoczął od opery seria, ale najbardziej znany jest ze swoich włoskich oper komiksowych , zwłaszcza Wesela Figara ( Le nozze di Figaro ), Don Giovanni i Così fan tutte , a także Die Entführung aus dem Serail ( Porwanie z Seraglio ) i Czarodziejski flet ( Die Zauberflöte ), punkty orientacyjne w niemieckiej tradycji.

Pierwsza trzecia XIX wieku to szczytowy punkt stylu bel canto , w którym Gioachino Rossini , Gaetano Donizetti i Vincenzo Bellini stworzyli charakterystyczne dzieła tego stylu. Nastąpiła również wielka opera, której uosobieniem były dzieła Daniela Aubera i Giacomo Meyerbeera, a także wprowadzenie przez Carla Marii von Webera niemieckiej opery Romantische Oper (Niemieckiej Opery Romantycznej). Od połowy do końca XIX wieku był to złoty wiek opery, prowadzonej i zdominowanej przez Giuseppe Verdiego we Włoszech i Richarda Wagnera w Niemczech. Popularność opery trwała przez erę weryzmu we Włoszech i współczesną operę francuską aż do Giacomo Pucciniego i Richarda Straussa na początku XX wieku. W XIX wieku równoległe tradycje operowe pojawiły się w Europie Środkowej i Wschodniej, zwłaszcza w Rosji i Czechach . XX wiek był świadkiem wielu eksperymentów z nowoczesnymi stylami, takimi jak atonalność i serializm ( Arnold Schoenberg i Alban Berg ), neoklasycyzm ( Igor Strawiński ) i minimalizm ( Philip Glass i John Adams ). Wraz z rozwojem technologii nagrywania , śpiewacy tacy jak Enrico Caruso i Maria Callas stali się znani znacznie szerszej publiczności, która wyszła poza krąg fanów opery. Od czasu wynalezienia radia i telewizji opery były również wystawiane na tych nośnikach (i dla nich pisane). Począwszy od 2006 roku, wiele dużych teatrów operowych zaczęło prezentować na żywo transmisje wideo w wysokiej rozdzielczości ze swoich przedstawień w kinach na całym świecie. Od 2009 roku można pobierać całe występy i transmitować je na żywo .

Terminologia operacyjna

Słowa opery znane są jako libretto (dosłownie „mała książeczka”). Niektórzy kompozytorzy, zwłaszcza Wagner, napisali własne libretta; inni ściśle współpracowali ze swoimi librecistami, np. Mozart z Lorenzo Da Ponte . Tradycyjna opera, często nazywana „ operą liczbową ”, składa się z dwóch trybów śpiewania: recytatywu , fragmentów motywujących fabułę śpiewanych w stylu mającym na celu naśladowanie i podkreślanie modulacji mowy oraz arii (pieśń „powietrzna” lub formalna ), w którym bohaterowie wyrażają swoje emocje w bardziej ustrukturyzowanym stylu melodycznym. Często występują duety wokalne, tria i inne zespoły, a chóry są używane do komentowania akcji. W niektórych formach opery, takich jak singspiel , opéra comique , operetta i semi-opera , recytatyw jest najczęściej zastępowany dialogiem mówionym. Fragmenty melodyczne lub pół-melodyczne występujące w trakcie recytatywu lub zamiast niego nazywane są również arioso . Terminologia różnych rodzajów głosów operowych została szczegółowo opisana poniżej . Zarówno w okresie baroku, jak i klasycyzmu recytatyw mógł występować w dwóch podstawowych formach, z których każdej towarzyszył inny zespół instrumentalny: secco (suchy) recytatyw, śpiewany w swobodnym rytmie podyktowanym akcentem słów, któremu towarzyszył tylko basso. continuo , którym zazwyczaj był klawesyn i wiolonczela; lub akompaniament (znany również jako strumentato ), w którym orkiestra zapewniła akompaniament. W XVIII wieku ariom coraz częściej towarzyszyła orkiestra. W XIX wieku akompaniament zyskał przewagę, orkiestra odegrała znacznie większą rolę, a Wagner zrewolucjonizował operę, znosząc prawie wszelkie rozróżnienie między arią a recytatywem w poszukiwaniu tego, co Wagner nazywał „niekończącą się melodią”. Późniejsi kompozytorzy podążali za przykładem Wagnera, chociaż niektórzy, jak Strawiński w jego The Rake's Progress , odrzucili ten trend. Zmieniającą się rolę orkiestry w operze opisano bardziej szczegółowo poniżej .

Historia

Pochodzenie

Włoskie słowo opera oznacza „pracę”, zarówno w znaczeniu wykonanej pracy, jak i wynikającego z niej rezultatu. Włoskie słowo pochodzi od łacińskiej opery , rzeczownika w liczbie pojedynczej oznaczającego „pracę”, a także liczby mnogiej rzeczownika opus . Według Oxford English Dictionary , włoskie słowo zostało po raz pierwszy użyte w znaczeniu „kompozycja, w której poezja, taniec i muzyka są połączone” w 1639 roku; pierwsze odnotowane użycie języka angielskiego w tym sensie pochodzi z 1648 roku.

Dafne przez Jacopo Peri był najwcześniej skład uważane opera, jak rozumieć dzisiaj. Został napisany około 1597 roku, głównie z inspiracji elitarnego kręgu wykształconych florenckich humanistów, którzy zgromadzili się jako „ Camerata de 'Bardi ”. Co znamienne, Dafne było próbą ożywienia klasycznego dramatu greckiego , częścią szerszego odrodzenia starożytności charakterystycznego dla renesansu . Członkowie Cameraty uważali, że pierwotnie śpiewano partie „chórowe” dramatów greckich, a być może nawet cały tekst wszystkich ról; opera została więc pomyślana jako sposób „przywrócenia” tej sytuacji. Jednak Dafne zaginęła. Późniejsze dzieło Peri, Eurydyka , datowane na 1600 r., Jest pierwszą partyturą operową, która zachowała się do naszych czasów. Zaszczyt bycia pierwszym opera nadal być wykonywane regularnie, jednak idzie do Claudio Monteverdi „s L'Orfeo , składający się na dworze Mantui w 1607 roku Mantui dworze Gonzagas , pracodawcy Monteverdiego, odegrał znaczącą rolę w początki opery zatrudniającej nie tylko dworskich śpiewaków z Concerto delle donne (do 1598 r.), ale także jedną z pierwszych rzeczywistych „śpiewaczek operowych” Madamę Europa .

Opera włoska

Epoka baroku

Antonio Vivaldi w 1723 roku
Prywatny teatr barokowy w Czeskim Krumlowie

Opera nie ograniczała się długo do widowni dworskich. W 1637 r. W Wenecji pojawił się pomysł „sezonu” (często w czasie karnawału ) publicznie oglądanych oper, wspieranych przez sprzedaż biletów . Monteverdi przeniósł się do miasta z Mantui i skomponował swoje ostatnie opery, Il ritorno d'Ulisse in patria i L'incoronazione di Poppea , dla teatru weneckiego w latach czterdziestych XVII wieku. Jego najważniejszy naśladowca Francesco Cavalli pomógł rozpowszechnić operę w całych Włoszech. W tych wczesnobarokowych operach szeroka komedia została zmieszana z tragicznymi elementami w mieszance, która wstrząsnęła niektórymi wykształconymi wrażliwościami, wywołując pierwszy z wielu ruchów reformatorskich, sponsorowanych przez Akademię Arkadyjską , która zaczęła być kojarzona z poetą Metastasio , którego libretti pomogło skrystalizowały gatunek opery seria , która do końca XVIII wieku stała się czołową formą opery włoskiej. Po ugruntowaniu ideału Metastazjana komedia w operze z epoki baroku była zarezerwowana dla tego, co zaczęto nazywać operą buffa . Zanim takie elementy zostały wyparte z opery seria, wiele librett zawierało osobno rozwijającą się komiksową fabułę jako rodzaj „opery-w-operze”. Jednym z powodów tego była próba przyciągnięcia do publicznych oper członków rosnącej klasy kupieckiej, świeżo zamożnych, ale wciąż nie tak kulturalnych jak szlachta . Te odrębne wątki niemal natychmiast odrodziły się w osobno rozwijającej się tradycji, częściowo wywodzącej się z commedia dell'arte , długo kwitnącej włoskiej tradycji improwizacyjnej. Podobnie jak niegdyś pośrednictwo między aktami teatralnymi, tak w przerwach w operze seria wystawiano początkowo opery z nowego gatunku komiksowego intermezzi , który rozwinął się głównie w Neapolu w latach siedemdziesiątych i dwudziestych XVIII wieku. Stały się jednak tak popularne, że wkrótce zaczęto je oferować jako osobne produkcje.

Opera seria miała podniosłą tonację i mocno wystylizowaną formę, składającą się zazwyczaj z recytatywu secco przeplatanego długimi ariami da capo . Dały one świetną okazję do wirtuozowskiego śpiewu i podczas złotego wieku opery seria piosenkarka stała się naprawdę gwiazdą. Rola bohatera była zwykle pisana z myślą o wysokim męskim głosie kastratu , który powstał w wyniku kastracji piosenkarza przed okresem dojrzewania , co zapobiegało przekształceniu krtani chłopca w okresie dojrzewania. Castrati, tacy jak Farinelli i Senesino , a także soprany płci żeńskiej, takie jak Faustyna Bordoni , cieszyły się dużym zainteresowaniem w całej Europie, ponieważ opera seria królowała na scenie w każdym kraju z wyjątkiem Francji. Farinelli był jednym z najbardziej znanych śpiewaków XVIII wieku. Włoska opera wyznacza barokowy standard. Włoskie libretta były normą, nawet gdy niemiecki kompozytor, taki jak Handel, komponował takie utwory jak Rinaldo i Giulio Cesare dla londyńskiej publiczności. Włoskie libretta pozostawały dominujące także w okresie klasycznym , np. W operach Mozarta , który pisał w Wiedniu pod koniec stulecia. Do czołowych włoskich kompozytorów operowych seria należą Alessandro Scarlatti , Antonio Vivaldi i Nicola Porpora .

Reformy Glucka i Mozart

Ilustracja do partytury oryginalnej wiedeńskiej wersji Orfeo ed Euridice

Opera seria miała swoje słabości i krytyków. Zamiłowanie do upiększania ze strony znakomicie wyszkolonych śpiewaków i użycie spektaklu jako zamiennika dramatycznej czystości i jedności wywołało ataki. Francesco Algarotti „s Esej o operze (1755) okazała się być inspiracją dla Christoph Willibald Gluck ” reform s. Opowiadał się za tym, aby opera seria musiała wrócić do podstaw, a wszystkie jej elementy - muzyka (zarówno instrumentalna, jak i wokalna), balet i inscenizacja - były podporządkowane nadrzędnemu dramatowi. W 1765 roku Melchior Grimm opublikował „ Poème lyrique ”, wpływowy artykuł dla Encyclopédie o lirykach i librettach operowych . Kilku kompozytorów tego okresu, w tym Niccolò Jommelli i Tommaso Traetta , próbowało wprowadzić te ideały w życie. Jednak pierwszym, któremu się to udało, był Gluck. Gluck dążył do uzyskania „pięknej prostoty”. Widać to wyraźnie w jego pierwszej operze reformowanej Orfeo ed Euridice , w której jego nie-wirtuozowskie melodie wokalne wsparte są prostymi harmoniami i bogatszą obecnością orkiestry.

Reformy Glucka odbiły się echem w całej historii operowej. W szczególności Weber, Mozart i Wagner byli pod wpływem jego ideałów. Mozart, pod wieloma względami następca Glucka, połączył doskonałe wyczucie dramatu, harmonii, melodii i kontrapunktu, aby napisać serię oper komiksowych z librettem Lorenza Da Ponte , zwłaszcza Le nozze di Figaro , Don Giovanniego i Così fan tutte , które pozostają jednymi z najbardziej lubianych, popularnych i znanych oper. Ale wkład Mozarta w operę seria był bardziej zróżnicowany; w swoim czasie umierał i pomimo tak wspaniałych dzieł, jak Idomeneo i La clemenza di Tito , nie udało mu się przywrócić tej formy sztuki do życia.

Bel canto, Verdi i Verismo

Giuseppe Verdi, Giovanni Boldini , 1886

Ruch operowy bel canto rozkwitł na początku XIX wieku, czego przykładem są opery Rossiniego , Belliniego , Donizettiego , Paciniego , Mercadante i wielu innych. Dosłownie „piękny śpiew” opera bel canto wywodzi się z włoskiej stylistycznej szkoły śpiewu o tej samej nazwie. Linie Bel canto są zazwyczaj kwieciste i skomplikowane, wymagające najwyższej zwinności i kontroli nachylenia. Przykładami słynnych oper w stylu bel canto są Il barbiere di Siviglia i La Cenerentola Rossiniego , a także Norma Belliniego , La sonnambula i I puritani oraz Łucja z Lammermoor , L'elisir d'amore i Don Pasquale Donizettiego .

Po epoce bel canto Giuseppe Verdi szybko spopularyzował bardziej bezpośredni, mocny styl , poczynając od jego biblijnej opery Nabucco . Ta opera, i te, które miały nastąpić w karierze Verdiego, zrewolucjonizowały operę włoską, zmieniając ją od zwykłego pokazu fajerwerków wokalnych z dziełami Rossiniego i Donizettiego do dramatycznej opowieści. Opery Verdiego rezonowały z rosnącym duchem włoskiego nacjonalizmu w epoce post- napoleońskiej i szybko stał się ikoną ruchu patriotycznego na rzecz zjednoczonych Włoch. We wczesnych latach pięćdziesiątych XIX wieku Verdi wyprodukował swoje trzy najpopularniejsze opery: Rigoletto , Il trovatore i La traviata . Pierwszy z nich, Rigoletto , okazał się najbardziej śmiały i rewolucyjny. Verdi zaciera w niej rozróżnienie między arią a recytatywem, jak nigdy dotąd, sprawiając, że opera jest „niekończącym się ciągiem duetów”. La traviata była również nowatorska. Opowiada historię kurtyzany i jest często cytowana jako jedna z pierwszych „realistycznych” oper, ponieważ zamiast przedstawiać wielkich królów i postaci z literatury, skupia się na tragediach zwykłego życia i społeczeństwa. Potem nadal rozwijał swój styl, komponując być może największą francuską wielką operę , Don Carlos , i kończąc karierę dwoma dziełami inspirowanymi Szekspirem , Otello i Falstaffem , które pokazują, jak bardzo wyrafinowana włoska opera rozwinęła się od początku XIX wieku. stulecie. Te dwie ostatnie prace ukazały Verdiego w jego najbardziej mistrzowsko zaaranżowanej formie, są niezwykle wpływowe i nowoczesne. W Falstaff , Verdi wyznacza wybitne standardy formy i stylu, które zdominowały operę przez cały XX wiek. Zamiast długich, zawieszonych melodii, Falstaff zawiera wiele małych motywów i haseł, które zamiast być rozbudowywane, są wprowadzane, a następnie upuszczane, by powrócić do nich później. Motywy te nigdy się nie rozwijają i tak jak widzowie oczekują, że postać rozpocznie długą melodię, nowa postać przemówi, wprowadzając nową frazę. Ta moda na operę wyreżyserowała operę od Verdiego, wywierając ogromny wpływ na jego następców Giacomo Pucciniego , Richarda Straussa i Benjamina Brittena .

Po Verdim we Włoszech pojawił się sentymentalny „realistyczny” melodramat weryzmu . To był styl wprowadzony przez Pietro Mascagni „s Cavalleria Rusticana i Ruggiero Leoncavallo ” s Pagliacciego które zdominowały świecie scenach operowych z takich popularnych dzieł jak Giacomo Puccini „s Cyganerii , Toski i Madame Butterfly . Późniejsi kompozytorzy włoscy, tacy jak Berio i Nono , eksperymentowali z modernizmem .

Opera niemieckojęzyczna

Królowa nocy w inscenizacji
Zauberflöte Mozarta z 1815 roku

Pierwszą niemiecką operą była Dafne , skomponowana przez Heinricha Schütza w 1627 roku, ale zapis nutowy nie zachował się. Opera włoska miała wielki wpływ na kraje niemieckojęzyczne do końca XVIII wieku. Niemniej jednak formy rodzime rozwijałyby się pomimo tego wpływu. W 1644 roku Sigmund Staden wyprodukował pierwszy Singspiel , Seelewig , popularną formę niemieckojęzycznej opery, w której śpiew przeplata się z dialogiem. Na przełomie XVII i XVIII wieku w Theater am Gänsemarkt w Hamburgu prezentowano niemieckie opery Keizera , Telemanna i Handla . Jednak większość głównych niemieckich kompozytorów tamtych czasów, w tym sam Handel, a także Graun , Hasse, a później Gluck , zdecydowali się napisać większość swoich oper w językach obcych, zwłaszcza po włosku. W przeciwieństwie do opery włoskiej, która była generalnie skomponowana dla klasy arystokratów, opera niemiecka była generalnie skomponowana dla mas i zawierała raczej proste melodie ludowe, i dopiero nadejściem Mozarta opera niemiecka była w stanie dorównać jej Włoski odpowiednik w muzycznym wyrafinowaniu. Zespół teatralny Abla Seylera był pionierem poważnej niemieckojęzycznej opery w latach siedemdziesiątych XVIII wieku, oznaczając zerwanie z wcześniejszą prostszą rozrywką muzyczną.

Richarda Wagnera

Mozart „s Singspiele , Uprowadzenie z seraju (1782) i Czarodziejski flet (1791) były ważnym przełomem w realizacji międzynarodowego uznania dla niemieckiej opery. Tradycję tę rozwinął w XIX wieku Beethoven w swoim Fidelio (1805), inspirowanym klimatem rewolucji francuskiej . Carl Maria von Weber ustanowił niemiecką operę romantyczną w opozycji do dominacji włoskiego bel canto . Jego Der Freischütz (1821) pokazuje jego geniusz tworzenia nadprzyrodzonej atmosfery. Inni kompozytorzy operowi w tamtych czasach to Marschner , Schubert i Lortzing , ale najbardziej znaczącą postacią był niewątpliwie Wagner .

Brünnhilde rzuca się na stos pogrzebowy Siegfrieda w
Götterdämmerung Wagnera

Wagner był jednym z najbardziej rewolucyjnych i kontrowersyjnych kompozytorów w historii muzyki. Zaczynając pod wpływem Webera i Meyerbeera , stopniowo wyewoluował nową koncepcję opery jako Gesamtkunstwerk („kompletne dzieło sztuki”), będącej połączeniem muzyki, poezji i malarstwa. Znacznie zwiększył rolę i siłę orkiestry, tworząc partytury ze złożoną siecią motywów przewodnich , powracających tematów często kojarzonych z postaciami i koncepcjami dramatu, których prototypy można usłyszeć we wcześniejszych operach, takich jak Der fliegende Holländer , Tannhäuser i Lohengrin ; i był gotów złamać przyjęte konwencje muzyczne, takie jak tonalność , w swoim dążeniu do większej ekspresji. W swoich dojrzałych dramatach muzycznych Tristan und Isolde , Die Meistersinger von Nürnberg , Der Ring des Nibelungen i Parsifal zniósł rozróżnienie między arią a recytatywem na rzecz płynnego przepływu „niekończącej się melodii”. Wagner wnosił także nowy wymiar filozoficzny do opery w swoich pracach, które zwykle opierały się na opowieściach z legend germańskich lub arturiańskich . W końcu Wagner zbudował własną operę w Bayreuth pod patronatem Ludwika II Bawarii , poświęconą wyłącznie wykonywaniu własnych dzieł w wybranym przez siebie stylu.

Opera już nigdy nie byłaby taka sama po Wagnerze, a dla wielu kompozytorów jego dziedzictwo okazało się dużym brzemieniem. Z drugiej strony Richard Strauss zaakceptował idee wagnerowskie, ale skierował je w zupełnie nowych kierunkach, wraz z wprowadzeniem nowej formy wprowadzonej przez Verdiego. Sławę po raz pierwszy zdobył skandaliczną Salome i mroczną tragedią Elektra , w której tonalność została doprowadzona do granic możliwości. Potem Strauss zmienił taktykę w swoim największym sukcesie, Der Rosenkavalier , w którym Mozart i walce wiedeńskie stały się tak samo ważne jak Wagner. Strauss nadal tworzył bardzo zróżnicowany zbiór dzieł operowych, często z librettem autorstwa poety Hugo von Hofmannsthala . Inni kompozytorzy, którzy wnieśli indywidualny wkład w niemiecką operę na początku XX wieku, to Alexander von Zemlinsky , Erich Korngold , Franz Schreker , Paul Hindemith , Kurt Weill i urodzony we Włoszech Ferruccio Busoni . Operowe innowacje Arnolda Schönberga i jego następców są omówione w części poświęconej modernizmowi .

Pod koniec 19 wieku, austriacki kompozytor Johann Strauss II , wielbicielem francuskiej -language operetek skomponowanych przez Jacques Offenbach , w składzie kilka operetki niemieckojęzyczne, z których najbardziej znanym był Zemsta nietoperza . Niemniej, zamiast kopiować styl Offenbacha, operetki Straussa II miały w sobie wyraźnie wiedeński posmak.

Opera francuska

Przedstawienie opery Lully'ego Armide w Salle du Palais-Royal w 1761 roku

W rywalizacji z importowanymi włoskimi produkcjami operowymi, na dworze króla Ludwika XIV, Włoch Jean-Baptiste Lully zapoczątkował odrębną francuską tradycję . Pomimo swojego obcego pochodzenia, Lully założył Akademię Muzyczną i zmonopolizował francuską operę od 1672 roku. Począwszy od Cadmus et Hermione , Lully i jego librecista Quinault stworzyli tragédie en musique , formę, w której muzyka taneczna i chóralne były szczególnie widoczne. Opery Lully'ego również wykazują troskę o ekspresyjny recytatyw, który wpisał się w kontury języka francuskiego. W XVIII wieku najważniejszym następcą Lully'ego był Jean-Philippe Rameau , który skomponował pięć tragédies en musique, a także liczne utwory z innych gatunków, takich jak opéra-ballet , wszystkie znane z bogatej orkiestracji i harmonijnej śmiałości. Pomimo popularności włoskiej opery seria w dużej części Europy w okresie baroku, włoska opera nigdy nie zyskała zbytniej popularności we Francji, gdzie zamiast tego popularniejsza była jej własna narodowa tradycja operowa. Po śmierci Rameau niemieckiego Glucka przekonano do wyprodukowania sześciu oper dla paryskiej sceny w latach siedemdziesiątych XVIII wieku. Pokazują wpływ Rameau, ale są uproszczone iz większym naciskiem na dramat. W tym samym czasie do połowy XVIII wieku we Francji zyskiwał na popularności inny gatunek: opéra comique . Był to odpowiednik niemieckiego singspiel , w którym arie przeplatały się z dialogiem mówionym. Godne uwagi przykłady w tym stylu stworzyli Monsigny , Philidor, a przede wszystkim Grétry . W okresie rewolucyjnym i napoleońskim kompozytorzy tacy jak Étienne Méhul , Luigi Cherubini i Gaspare Spontini , którzy byli zwolennikami Glucka, wnieśli nową powagę do gatunku, który nigdy nie był w pełni „komiksowy”. Innym fenomenem tego okresu była „opera propagandowa” świętująca rewolucyjne sukcesy, np . Triumf République Gosseca (1793).

W latach dwudziestych XIX wieku wpływy gluckie we Francji ustąpiły miejsca upodobaniom do włoskiego bel canto , zwłaszcza po przybyciu Rossiniego do Paryża . Guillaume Tell Rossiniego pomógł w stworzeniu nowego gatunku wielkiej opery , której najsłynniejszym przedstawicielem był inny obcokrajowiec, Giacomo Meyerbeer . Dzieła Meyerbeera, takie jak Les Hugenots , kładły nacisk na wirtuozowski śpiew i niezwykłe efekty sceniczne. Lighter opéra comique również cieszył się ogromnym sukcesem w rękach Boïeldieu , Aubera , Hérolda i Adama . W tym klimacie opery urodzonego we Francji kompozytora Hectora Berlioza z trudem zyskały uznanie. Epickie arcydzieło Berlioza Les Troyens , kulminacja tradycji gluckiej, nie doczekało się pełnego wykonania przez prawie sto lat.

W drugiej połowie XIX wieku Jacques Offenbach stworzył operetkę z dowcipnymi i cynicznymi dziełami, takimi jak Orphée aux enfers , a także operą Les Contes d'Hoffmann ; Charles Gounod odniósł ogromny sukces z Faustem ; a Georges Bizet skomponował Carmen , która, gdy widzowie nauczyli się akceptować jej połączenie romantyzmu i realizmu, stała się najpopularniejszą ze wszystkich opéra comiques. Jules Massenet , Camille Saint-Saëns i Léo Delibes, wszystkie skomponowane utwory, które nadal są częścią standardowego repertuaru, na przykład Manon Masseneta , Samson et Dalila Saint-Saënsa i Lakmé Delibesa . Ich opery utworzyły inny gatunek, Opera Lyrique, będącą połączeniem opera comique i grand opera. Jest mniej imponująca niż wielka opera, ale bez mówionego dialogu opera comique. Jednocześnie wpływ Richarda Wagnera został odebrany jako wyzwanie dla tradycji francuskiej. Wielu francuskich krytyków ze złością odrzucało dramaty muzyczne Wagnera, podczas gdy wielu francuskich kompozytorów naśladowało je z różnym powodzeniem. Być może najbardziej interesująca odpowiedź pochodzi od Claude'a Debussy'ego . Podobnie jak w dziełach Wagnera, orkiestra gra główną rolę w wyjątkowej operze Debussy'ego Pelléas et Mélisande (1902) i nie ma prawdziwych arii, tylko recytatyw. Ale dramat jest niedoceniany, enigmatyczny i całkowicie niewagnerowski.

Inne znane nazwiska XX wieku to Ravel , Dukas , Roussel , Honegger i Milhaud . Francis Poulenc jest jednym z nielicznych powojennych kompozytorów dowolnej narodowości, którego opery (w tym Dialogues des Carmélites ) zdobyły przyczółek w repertuarze międzynarodowym. Szerokie zainteresowanie wzbudził także obszerny dramat sakralny Oliviera Messiaena pt. Św. Franciszek z Asyżu (1983).

Opera anglojęzyczna

W Anglii poprzednikiem opery był XVII-wieczny jig . To był dodatek, który pojawił się pod koniec sztuki. Często była zniesławiająca i skandaliczna i polegała głównie na dialogach z muzyką zaaranżowaną na podstawie popularnych melodii. Pod tym względem jigi zapowiadają balladowe opery z XVIII wieku. W tym samym czasie francuska maska zyskała mocną pozycję na angielskim dworze, z jeszcze większym przepychem i wysoce realistyczną scenerią niż wcześniej. Inigo Jones stał się kwintesencją projektanta tych produkcji, a styl ten miał dominować na angielskiej scenie przez trzy stulecia. Te maski zawierały piosenki i tańce. W Ben Jonson „s Lovers tworzył Męska (1617),«cała maskarada była śpiewana na sposób włoski, stilo Recitativo». Podejście Brytyjskiej Wspólnoty Narodów zamknęło teatry i zatrzymało wszelkie wydarzenia, które mogły doprowadzić do powstania angielskiej opery. Jednak w 1656 roku dramaturg Sir William Davenant wyprodukował Oblężenie Rodos . Ponieważ jego teatr nie miał licencji na produkcję dramatu, poprosił kilku czołowych kompozytorów ( Lawes , Cooke , Locke , Coleman i Hudson ) o przygotowanie fragmentów do muzyki. Po tym sukcesie pojawiły się Okrucieństwo Hiszpanów w Peru (1658) i Historia Sir Francisa Drake'a (1659). Oliver Cromwell zachęcał do tych prac, ponieważ krytykował Hiszpanię. Wraz z restauracją angielską z powrotem powitano zagranicznych muzyków (zwłaszcza francuskich). W 1673 roku, Thomas Shadwell „s Psyche , wzorowane na 1671 'Comédie-baletu' o tej samej nazwie produkowanego przez Moliera i Jean-Baptiste Lully . W tym samym roku William Davenant wyprodukował Burzę , która była pierwszą muzyczną adaptacją sztuki Szekspira (skomponowanej przez Locke'a i Johnsona). Około 1683 roku John Blow skomponował Venus and Adonis , często uważany za pierwszą prawdziwą operę anglojęzyczną.

Bezpośrednim następcą Blowa był lepiej znany Henry Purcell . Pomimo sukcesu jego arcydzieła Dydona i Eneasza (1689), w którym akcja jest wspierana przez recytatyw w stylu włoskim, większość najlepszych dzieł Purcella nie była zaangażowana w komponowanie typowej opery, ale zamiast tego pracował zwykle w ramach ograniczenia formatu semi-operowego , w którym pojedyncze sceny i maski są zawarte w strukturze sztuki mówionej, takie jak Szekspir w The Fairy-Queen Purcella (1692) oraz Beaumont and Fletcher w The Prophetess (1690) i Bonduca (1696) ). Główni bohaterowie sztuki zwykle nie angażują się w sceny muzyczne, co oznacza, że ​​Purcell rzadko był w stanie rozwijać swoje postacie poprzez piosenkę. Pomimo tych przeszkód, jego celem (i jego współpracownika Johna Drydena ) było stworzenie poważnej opery w Anglii, ale nadzieje te zakończyły się przedwczesną śmiercią Purcella w wieku 36 lat.

Po Purcella popularność opery w Anglii spadła na kilka dziesięcioleci. Odrodzone zainteresowanie operą pojawiło się w latach trzydziestych XVIII wieku, co w dużej mierze przypisuje się Thomasowi Arne , zarówno ze względu na jego własne kompozycje, jak i za ostrzeżenie Handla o komercyjnych możliwościach dużych dzieł w języku angielskim. Arne był pierwszym angielskim kompozytorem, który eksperymentował z komiksową operą śpiewaną w stylu włoskim. Jego największym sukcesem był Thomas i Sally w 1760 r. Jego opera Artaxerxes (1762) była pierwszą próbą stworzenia pełnej opery seria w języku angielskim i odniósł ogromny sukces, utrzymując scenę do lat trzydziestych XIX wieku. Choć Arne naśladował wiele elementów opery włoskiej, był chyba jedynym wówczas kompozytorem angielskim, który potrafił wyjść poza wpływy włoskie i stworzyć własny, niepowtarzalny i wyraźnie angielski głos. Jego zmodernizowana ballada Love in a Village (1762) zapoczątkowała modę na operę pastiszową, która trwała aż do XIX wieku. Charles Burney napisał, że Arne wprowadził „lekką, zwiewną, oryginalną i przyjemną melodię, zupełnie inną niż melodia Purcella czy Haendla, którą wszyscy angielscy kompozytorzy splądrowali lub naśladowali”.

Mikado (litografia)

Oprócz Arne, drugą dominującą siłą w angielskiej operze w tamtym czasie był George Frideric Handel , którego serie operowe przez dziesięciolecia wypełniały londyńskie sceny operowe i wywarły wpływ na większość rodzimych kompozytorów, takich jak John Frederick Lampe , który pisał na włoskich wzorach. Sytuacja ta trwała przez cały XVIII i XIX wiek, w tym w twórczości Michaela Williama Balfe , a opery wielkich kompozytorów włoskich, a także Mozarta, Beethovena i Meyerbeera nadal dominowały na scenie muzycznej w Anglii.

Jedynymi wyjątkami były ballada oper , takich jak John Gay „s żebraczej Operze (1728), muzycznych burlesques , europejskie operetek i późno wiktoriańskiej epoki oper lekkich , szczególnie w Savoy Opery z WS Gilbert i Arthur Sullivan , z których wszystkie rodzaje muzyczne rozrywki często podszywały się pod konwencje operowe. Sullivan napisał tylko jedną wielką operę, Ivanhoe (po staraniach wielu młodych angielskich kompozytorów od około 1876 r.), Ale twierdził, że nawet jego lekkie opery stanowią część szkoły „angielskiej” opery, mającej zastąpić francuskie operetki ( zwykle wykonywane w złych tłumaczeniach), które dominowały na scenie londyńskiej od połowy XIX wieku do lat 70. Londyński Daily Telegraph zgodził się, opisując The Yeomen of the Guard jako „prawdziwą angielską operę, prekursorkę wielu innych, miejmy nadzieję, i być może znaczącą dla postępu w kierunku krajowego etapu liryki”. Sullivan wyprodukował kilka lekkich oper w latach 90. XIX wieku, które miały bardziej poważny charakter niż te z serii G&S, w tym Haddon Hall i The Beauty Stone , ale Ivanhoe (który występował w 155 kolejnych przedstawieniach, używając naprzemiennych obsad - rekord do Broadway's La bohème ) przetrwał jako jedyna jego wielka opera .

W XX wieku opera angielska zaczęła nabierać coraz większej niezależności, dzięki utworom Ralpha Vaughana Williamsa, a zwłaszcza Benjamina Brittena , który w serii utworów, które dziś pozostają w standardowym repertuarze, ujawnił doskonały talent do dramatycznej i znakomitej muzykalności. Niedawno Sir Harrison Birtwistle wyłonił się jako jeden z najważniejszych współczesnych kompozytorów brytyjskich, od swojej pierwszej opery Punch and Judy do ostatniego krytycznego sukcesu w The Minotaur . W pierwszej dekadzie XXI wieku librecista wczesnej opery Birtwistle, Michael Nyman , skupiał się na komponowaniu oper, w tym Facing Goya , Man and Boy: Dada i Love Counts . Dziś kompozytorzy tacy jak Thomas Adès nadal eksportują angielską operę za granicę.

Również w XX wieku amerykańscy kompozytorzy, tacy jak George Gershwin ( Porgy and Bess ), Scott Joplin ( Treemonisha ), Leonard Bernstein ( Candide ), Gian Carlo Menotti , Douglas Moore i Carlisle Floyd zaczęli tworzyć opery anglojęzyczne z elementami popularne style muzyczne. Za nimi podążyli tacy kompozytorzy jak Philip Glass ( Einstein on the Beach ), Mark Adamo , John Corigliano ( The Ghosts of Versailles ), Robert Moran , John Adams ( Nixon w Chinach ), André Previn i Jake Heggie . Pojawiło się wielu współczesnych kompozytorów operowych XXI wieku, takich jak Missy Mazzoli , Kevin Puts , Tom Cipullo , Huang Ruo , David T. Little , Terence Blanchard , Jennifer Higdon , Tobias Picker , Michael Ching i Ricky Ian Gordon .

Opera rosyjska

Opera została sprowadzona do Rosji w latach trzydziestych XVIII wieku przez włoskie zespoły operowe i wkrótce stała się ważną częścią rozrywki rosyjskiego dworu cesarskiego i arystokracji . Wielu zagranicznych kompozytorów, takich jak Baldassare Galuppi , Giovanni Paisiello , Giuseppe Sarti i Domenico Cimarosa (a także wielu innych), zostało zaproszonych do Rosji, aby skomponować nowe opery, głównie w języku włoskim . Jednocześnie kilku krajowych muzyków, takich jak Maksym Berezovsky i Dmitry Bortniansky, zostało wysłanych za granicę, aby nauczyć się pisać opery. Pierwszą operą napisaną w języku rosyjskim była Tsefal i Prokris włoskiego kompozytora Francesco Araja (1755). Rozwój opery rosyjskojęzycznej wsparli rosyjscy kompozytorzy Wasilij Paszkiewicz , Jewstigney Fomin i Aleksiej Verstovsky .

Jednak prawdziwe narodziny rosyjskiej opery przyniosły Michaił Glinka i jego dwie wielkie opery Życie dla cara (1836) oraz Rusłan i Ludmiła (1842). Po nim, w ciągu wieku 19 w Rosji, nie zostały napisane takie operowych arcydzieł jak Rusałki i The Stone gość przez Aleksandr Dargomyżski , Borysa Godunowa i Khovanshchina przez Modesta Musorgskiego , Kniazia Igora przez Aleksandra Borodina , Eugeniusz Oniegin i Dama Pikowa przez Piotra Czajkowskiego i Snow Maiden i Sadko przez Nikołaja Rimskiego-Korsakowa . Rozwój ten odzwierciedlał wzrost rosyjskiego nacjonalizmu w całym spektrum artystycznym, jako część bardziej ogólnego ruchu słowianofilizmu .

W XX wieku tradycje rosyjskiej opery rozwijało wielu kompozytorów, w tym Siergiej Rachmaninow w jego dziełach The Miserly Knight i Francesca da Rimini , Igor Strawinsky w Le Rossignol , Mavra , Oedipus rex i The Rake's Progress , Sergei Prokofiev w The Gambler , Miłość do trzech pomarańczy , ognistego anioła , Zaślubiny w klasztorze , a wojny i pokoju ; a także Dmitri Szostakowicz w Nosie i Lady Makbet z okręgu Mtsensk , Edison Denisov w L'écume des jours oraz Alfred Schnittke w Życie z idiotą i Historia von D. Johann Fausten .

Opera czeska

Czescy kompozytorzy również rozwinęli kwitnący własny narodowy ruch operowy w XIX wieku, poczynając od Bedřicha Smetany , który napisał osiem oper, w tym popularną na całym świecie „Sprzedaną pannę młodą” . Osiem oper Smetany stworzyło podwaliny czeskiego repertuaru operowego, ale tylko z nich Sprzedana panna młoda jest regularnie wystawiana poza ojczyzną kompozytora. Po dotarciu do Wiednia w 1892 r. I Londynu w 1895 r. Szybko stał się częścią repertuaru każdej większej wytwórni operowej na świecie.

Leoš Janáček w 1917 roku

Dziewięć oper Antonína Dvořáka , z wyjątkiem jego pierwszej, posiada libretta w języku czeskim i miało na celu oddanie czeskiego ducha narodowego, podobnie jak niektóre jego dzieła chóralne. Zdecydowanie najbardziej udaną operą jest Rusałka, w której znajduje się znana aria „Měsíčku na nebi hlubokém” („Pieśń na księżyc”); jest grany na współczesnych scenach operowych często poza granicami Czech . Wynika to z ich nierównej inwencji i libretta, a być może także z ich wymagań inscenizacyjnych - Jakobinowie , Armida , Wanda i Dimitrij potrzebują scen na tyle dużych, aby przedstawiać najeźdźcze armie.

Leoš Janáček zyskał międzynarodowe uznanie w XX wieku dzięki swoim nowatorskim pracom. Jego późniejsze, dojrzałe dzieła włączają jego wcześniejsze studia nad ludową muzyką narodową w nowoczesną, bardzo oryginalną syntezę, co po raz pierwszy dało się zauważyć w operze Jenůfa , której premiera odbyła się w 1904 roku w Brnie . Sukces Jenůfa (często nazywany „ Morawską Operą Narodową”) w Pradze w 1916 roku dał Janáčkowi dostęp do największych światowych scen operowych. Późniejsze prace Janáčka należą do jego najbardziej znanych. Są wśród nich takie opery jak Káťa Kabanová i The Cunning Little Vixen , Sinfonietta i Msza głagolicy .

Inne opery narodowe

Hiszpania wyprodukowała również własną, charakterystyczną formę opery, zwaną zarzuela , która miała dwa oddzielne okresy kwitnienia: jeden od połowy XVII wieku do połowy XVIII wieku, a drugi od około 1850 roku. Pod koniec XVIII wieku do połowy XVIII wieku. XIX-wieczna opera włoska była niezwykle popularna w Hiszpanii, wypierając rodzimą formę.

W rosyjskiej Europie Wschodniej zaczęło powstawać kilka oper narodowych. Ukraińską operę stworzył Semen Hulak-Artemovsky (1813–1873), którego najsłynniejsze dzieło Zaporozhets za Dunayem (Kozak za Dunajem) jest regularnie wystawiane na całym świecie. Inni ukraińscy kompozytorzy operowi m.in. Mykoła Łysenko ( Taras Bulba i Natalka Poltavka ), Heorhiy Maiboroda i Yuliy Meitus . Na przełomie XIX i XX wieku w Gruzji zaczął się również kształtować odrębny narodowy ruch operowy pod przywództwem Zacharii Paliaszwilego , który łączył lokalne pieśni i historie ludowe z XIX-wiecznymi romantycznymi motywami klasycznymi.

Ferenc Erkel , ojciec węgierskiej opery

Kluczową postacią węgierskiej opery narodowej XIX wieku był Ferenc Erkel , którego twórczość dotyczyła głównie wątków historycznych. Do najczęściej wykonywanych przez niego oper należą Hunyadi László i Bánk bán . Najbardziej znany jest nowoczesna opera węgierski Béla Bartók „s Zamek księcia Sinobrodego .

Opera Stanisława Moniuszki Straszny Dwór (w języku angielskim The Haunted Manor ) (1861–64) to szczyt XIX-wiecznej polskiej opery narodowej . W 20 wieku, inne opery stworzone przez polskich kompozytorów zawarte Króla Rogera przez Karola Szymanowskiego oraz Ubu Rex przez Krzysztofa Pendereckiego .

Pierwszą znaną operą z Turcji ( Imperium Osmańskiego ) była Arshak II , ormiańska opera skomponowana przez etnicznego ormiańskiego kompozytora Tigrana Chukhajiana w 1868 roku i częściowo wykonana w 1873 roku. Całość wystawiona została w 1945 roku w Armenii.

W pierwszych latach istnienia Związku Radzieckiego pojawiły się nowe opery narodowe, takie jak Koroğlu (1937) azerbejdżańskiego kompozytora Uzeyira Hajibeyova . Pierwsza opera kirgiska Ai-Churek miała swoją premierę w Moskwie w Teatrze Bolszoj 26 maja 1939 roku podczas Kirgis Art Decade. Skomponowali go Vladimir Vlasov , Abdylas Maldybaev i Vladimir Fere . Libretto napisali Joomart Bokonbaev, Jusup Turusbekov i Kybanychbek Malikov. Opera oparta jest na kirgiskiej epopei Manas .

W Iranie opera zyskała większe zainteresowanie po wprowadzeniu zachodniej muzyki klasycznej pod koniec XIX wieku. Jednak dopiero w połowie XX wieku irańscy kompozytorzy zaczęli doświadczać tej dziedziny, zwłaszcza że budowa Sali Roudaki w 1967 roku umożliwiła wystawianie różnorodnych dzieł scenicznych. Być może najbardziej znany irański opera jest Rostam i Sohrab przez Loris Tjeknavorian nie miał swoją premierę dopiero na początku 2000 r.

Chińska współczesna opera klasyczna , chińska forma opery w stylu zachodnim, różniąca się od tradycyjnej opery chińskiej, ma opery sięgające czasów Białowłosej dziewczyny w 1945 roku.

W Ameryce Łacińskiej opera powstała w wyniku europejskiej kolonizacji. Pierwsza opera kiedykolwiek napisany w Ameryce był La Púrpura de la Rosa , przez Tomás de Torrejón y Velasco , chociaż Partenope , przez meksykańskiego Manuel de Zumaya , był pierwszym opera napisana z kompozytora urodzonego w Ameryce Łacińskiej (muzyka teraz utracone). Pierwszy brazylijski opera do libretta w języku portugalskim było Noite de São João , przez Eliasa Álvares Lobo . Jednak Antônio Carlos Gomes jest powszechnie uważany za najwybitniejszego brazylijskiego kompozytora, odnoszącego względny sukces we Włoszech dzięki operom o tematyce brazylijskiej z włoskimi librettami, takimi jak Il Guarany . Opera w Argentynie opracowane w 20 wieku po inauguracji Teatro Colón w Buenos Aires, z operą Aurora , przez Ettore Panizza , będąc pod silnym wpływem tradycji włoskiej, z powodu imigracji. Inni ważni kompozytorzy z Argentyny to Felipe Boero i Alberto Ginastera .

Trendy współczesne, najnowsze i modernistyczne

Modernizm

Być może najbardziej oczywistym stylistycznym przejawem modernizmu w operze jest rozwój atonalności . Odchodzenie od tradycyjnej tonacji w operze rozpoczęło się od Richarda Wagnera , a zwłaszcza od akordu Tristana . Kompozytorzy tacy jak Richard Strauss , Claude Debussy , Giacomo Puccini , Paul Hindemith , Benjamin Britten i Hans Pfitzner popchnęli dalej harmonię wagnerowską poprzez bardziej ekstremalne użycie chromatyki i większe wykorzystanie dysonansu. Innym aspektem modernistycznej opery jest odejście od długich, zawieszonych melodii na rzecz krótkich, szybkich haseł, co po raz pierwszy zilustrował Giuseppe Verdi w swoim Falstaffie . Kompozytorzy tacy jak Strauss, Britten, Szostakowicz i Strawiński przyjęli i rozszerzyli ten styl.

Arnold Schoenberg w 1917 roku; portret autorstwa Egona Schiele

Modernizm operowy naprawdę rozpoczął się w operach dwóch kompozytorów wiedeńskich, Arnolda Schönberga i jego ucznia Albana Berga , zarówno kompozytorów, jak i zwolenników atonalności i jej późniejszego rozwoju (opracowanego przez Schönberga), dodekafonii . Wczesne dzieła muzyczno-dramatyczne Schönberga, Erwartung (1909, premiera w 1924) i Die glückliche Hand wykazują intensywne wykorzystanie harmonii chromatycznej i ogólnie dysonansu. Schoenberg również sporadycznie używał Sprechstimme .

Dwie opery Albana Berga, ucznia Schönberga, Wozzecka (1925) i Lulu (niekompletne po jego śmierci w 1935 r.) Mają wiele cech podobnych do opisanych powyżej, chociaż Berg połączył swoją bardzo osobistą interpretację dwunastotonowej techniki Schönberga z melodyjnymi pasażami bardziej tradycyjnie tonalny charakter (dość mahlerowski charakter), co może częściowo wyjaśnia, dlaczego jego opery, mimo kontrowersyjnej muzyki i fabuły, pozostały w standardowym repertuarze. Od tamtego czasu teorie Schönberga wpływały (bezpośrednio lub pośrednio) na znaczną liczbę kompozytorów operowych, nawet jeśli sami nie komponowali przy użyciu jego technik.

Strawińskiego w 1921 roku

Wśród kompozytorów, którzy wywarli taki wpływ, są Anglik Benjamin Britten , Niemiec Hans Werner Henze i Rosjanin Dmitri Shostakovich . ( Philip Glass również używa atonalności, chociaż jego styl jest ogólnie określany jako minimalistyczny , zwykle uważany za kolejny rozwój XX wieku).

Jednak stosowanie atonalności w modernizmie operowym wywołało ostry sprzeciw w postaci neoklasycyzmu . Pierwszym liderem tego ruchu był Ferruccio Busoni , który w 1913 r. Napisał libretto do swojej neoklasycznej opery numerycznej Arlecchino (po raz pierwszy wykonanej w 1917 r.). W awangardzie znalazł się także Rosjanin Igor Strawiński . Po skomponowaniu muzyki do baletów Pietruszki (1911) i Święta wiosny (1913) produkowanych przez Diagilewa , Strawiński zwrócił się ku neoklasycyzmowi, którego kulminacją było jego opera-oratorium Edyp Rex (1927). Strawiński już odwrócił się od modernistycznych trendów swoich wczesnych baletów, by tworzyć dzieła na małą skalę, które nie do końca kwalifikują się jako opera, ale z pewnością zawierają wiele elementów operowych, w tym Renarda (1916: „burleska w pieśni i tańcu”) i The Soldier's Tale (1918: „do czytania, grania i tańczenia”; w obu przypadkach opisy i instrukcje są autorstwa kompozytora). W tym drugim przypadku aktorzy deklamują fragmenty mowy w określonym rytmie nad akompaniamentem instrumentalnym, szczególnie podobnym do starszego niemieckiego gatunku Melodramatu . Cóż, po zainspirowanych przez Rimskiego-Korsakowem pracach Słowik (1914) i Mavra (1922) Strawiński nadal ignorował technikę serializmu i ostatecznie napisał pełnoprawną diatoniczną operę numeryczną w stylu XVIII wieku The Rake's Progress (1951). Jego opór wobec serializmu (postawa, którą zmienił po śmierci Schönberga) okazała się inspiracją dla wielu innych kompozytorów.

Inne trendy

Powszechnym trendem w XX wieku, zarówno w repertuarze operowym, jak i ogólnym, jest wykorzystywanie mniejszych orkiestr jako środka cięcia kosztów; wielkie orkiestry z epoki romantyzmu z ogromnymi sekcjami smyczkowymi, wieloma harfami, dodatkowymi rogami i egzotycznymi instrumentami perkusyjnymi nie były już możliwe. Wraz ze spadkiem rządowego i prywatnego mecenatu sztuki w XX wieku, nowe dzieła były często zamawiane i wykonywane przy mniejszych budżetach, bardzo często skutkowało to dziełami kameralnymi i krótkimi jednoaktowymi operami. Wiele oper Benjamina Brittena jest przeznaczonych dla zaledwie 13 instrumentalistów; Dwuaktowa realizacja Marka Adamo Little Women przeznaczona jest dla 18 instrumentalistów.

Inną cechą opery końca XX wieku jest pojawienie się współczesnych oper historycznych, w przeciwieństwie do tradycji opierania oper na bardziej odległej historii, ponownego opowiadania współczesnych fikcyjnych historii lub sztuk teatralnych, mitu lub legendy. Śmierć Klinghofferem , Nixon w Chinach i doktora Atomic przez Johna Adamsa , Dead Man Walking przez Jake Heggie i Anna Nicole przez Mark-Anthony Turnage ilustrują dramatyzację scenie wydarzeń w ostatnich pamięci dziennym, gdzie znaki przedstawiana w operze były żywe w czasie premiery.

Metropolitan Opera w USA (często znane jako Met) poinformował, że w 2011 roku średni wiek swojej publiczności był 60. Wiele firm operowe próbowali przyciągnąć młodszą publiczność do powstrzymania większą tendencję siwienie publiczności dla muzyki klasycznej , ponieważ w ostatnich dziesięcioleciach XX wieku. Wysiłki zaowocowały obniżeniem średniego wieku widowni Met do 58 lat w 2018 r., Średni wiek berlińskiej Opery Państwowej to 54 lata, a Opera Paryska - 48 lat.

Mniejsze firmy w USA mają bardziej kruchą egzystencję i zwykle polegają na „patchworkowym kołdrze” wsparcia ze strony władz stanowych i lokalnych, lokalnych firm i fundraiserów. Niemniej jednak niektóre mniejsze firmy znalazły sposoby na przyciągnięcie nowych odbiorców. Oprócz transmisji radiowych i telewizyjnych przedstawień operowych, które odniosły pewien sukces w zdobywaniu nowej widowni, możliwości dotarcia do nowej widowni pokazały także transmisje przedstawień na żywo w kinach.

Od musicali z powrotem do opery

Pod koniec lat trzydziestych XX wieku niektóre musicale zaczęto pisać w bardziej operowej strukturze. Dzieła te obejmują złożone zespoły polifoniczne i odzwierciedlają rozwój muzyczny tamtych czasów. Porgy and Bess (1935), pod wpływem stylów jazzowych i Candide (1956), z jego obszernymi, lirycznymi pasażami i farsowymi parodiami opery, oba zostały otwarte na Broadwayu, ale zostały przyjęte jako część repertuaru operowego. Popularne musicale, takie jak Show Boat , West Side Story , Brigadoon , Sweeney Todd , Passion , Evita , The Light in the Piazza , The Phantom of the Opera i inne opowiadają dramatyczne historie poprzez złożoną muzykę, aw 2010 roku czasami można je zobaczyć w teatrach operowych . The Most Happy Fella (1952) jest quasi-operowym, reaktywowanym przez nowojorską operę . Inne musicale inspirowane rockiem , takie jak Tommy (1969) i Jesus Christ Superstar (1971), Les Misérables (1980), Rent (1996), Spring Awakening (2006) oraz Natasha, Pierre & The Great Comet z 1812 (2012) stosują różne konwencje operowe, takie jak kompozycja , recytatyw zamiast dialogu i motywy przewodnie .

Wzmocnienie akustyczne w operze

W niektórych nowoczesnych salach koncertowych i teatrach, w których wystawiane są opery, stosuje się subtelny rodzaj elektronicznego wzmocnienia dźwięku zwanego wzmocnieniem akustycznym . Chociaż żaden z głównych teatrów operowych "... nie używa tradycyjnego wzmocnienia dźwięku w stylu Broadwayu, w którym większość, jeśli nie wszyscy śpiewacy, jest wyposażonych w mikrofony radiowe zmieszane z serią brzydkich głośników rozrzuconych po całym teatrze", wielu używa wzmocnienia dźwięku system poprawy akustyki i subtelnego wzmocnienia głosów poza sceną, dziecięcych śpiewaków, dialogów na scenie i efektów dźwiękowych (np. dzwony kościelne w Tosca lub efekty pioruna w operach wagnerowskich).

Głosy operowe

Operowa technika wokalna ewoluowała w czasach przed elektronicznym wzmocnieniem, aby umożliwić śpiewakom uzyskanie wystarczającej głośności, aby można je było usłyszeć przez orkiestrę, bez konieczności znacznego obniżania głośności przez instrumentalistów.

Klasyfikacje wokalne

Śpiewacy i odgrywane przez nich role są klasyfikowane według rodzaju głosu , na podstawie tessitury , zwinności, siły i barwy ich głosów. Mężczyzna śpiewacy mogą być klasyfikowane według skali głosu jak bas , bas-baryton , baryton , baritenor , tenor i kontratenor i śpiewaczek jak kontralt , mezzosopran i sopran . (Mężczyźni czasami śpiewają w „żeńskich” zakresach wokalnych, w którym to przypadku nazywa się ich sopranistą lub kontratenorem . Kontratenor jest często spotykany w operze, czasami śpiewając partie napisane dla kastratów - mężczyzn wykastrowanych w młodym wieku specjalnie po to, aby nadać im wyższy śpiew Zakres.) Śpiewacy są następnie klasyfikowani według wielkości - na przykład sopran można opisać jako sopran liryczny, koloraturę , soubrette , spinto lub sopran dramatyczny. Terminy te, choć nie w pełni opisujące śpiewający głos, kojarzą głos piosenkarza z rolami najbardziej odpowiadającymi jego cechom wokalnym.

Jeszcze inna podklasyfikacja może być dokonana w zależności od umiejętności lub wymagań aktorskich, na przykład basso buffo, który często musi być specjalistą od tatuażu, a także aktorem komiksowym. Odbywa się to szczegółowo w systemie Fach w krajach niemieckojęzycznych, gdzie historycznie opera i dramat mówiony były często wystawiane przez tę samą firmę repertuarową .

Głos konkretnego piosenkarza może się drastycznie zmieniać w ciągu jego życia, rzadko osiągając dojrzałość wokalną do trzeciej dekady, a czasem dopiero w wieku średnim. Dwa francuskie typy głosów, premierowy dugazon i deuxieme dugazon , zostały nazwane na podstawie kolejnych etapów kariery Louise-Rosalie Lefebvre (pani Dugazon). Inne określenia wywodzące się z systemu gwiazdorskiego teatrów paryskich to baryton-martin i sopranowy sokół .

Historyczne wykorzystanie głosów

Poniższe informacje stanowią jedynie krótki przegląd. Główne artykuły patrz sopran , mezzosopran , kontralt , tenor , baryton , bas , kontratenor i kastrat .

Głos sopranowy był zwykle używany jako głos z wyboru dla bohaterki opery od drugiej połowy XVIII wieku. Wcześniej często tę partię śpiewał jakikolwiek kobiecy głos, a nawet kastrat . Obecny nacisk na szeroki zakres wokalny był przede wszystkim wynalazkiem okresu klasycznego . Wcześniej wirtuozeria wokalna, a nie zakres, była priorytetem, z partiami sopranu rzadko wychodzącymi ponad wysokie A ( na przykład Handel napisał tylko jedną rolę sięgającą do wysokiego C ), chociaż kastrat Farinelli miał rzekomo D (jego dolny zakres również był niezwykły, sięgający tenoru C). Mezzosopran, termin o stosunkowo niedawnym pochodzeniu, również ma duży repertuar, od kobiecej głównej roli w Dydonie i Eneaszu Purcella po tak ciężkie role, jak Brangäne w Tristanie i Izoldzie Wagnera (są to role śpiewane czasami przez soprany; tam jest sporo ruchu między tymi dwoma rodzajami głosów). W przypadku prawdziwego kontralta, zakres części jest bardziej ograniczony, co doprowadziło do żartu, że kontralta śpiewają tylko role „czarownic, suk i braci ”. W ostatnich latach wiele „ról spodniowych” z epoki baroku, pierwotnie napisanych dla kobiet i śpiewanych przez kastratów, zostało przypisanych kontratenorom.

Tenorowi, począwszy od epoki klasycznej, tradycyjnie przypisywano rolę męskiego bohatera. Wiele z najtrudniejszych ról tenorowych w repertuarze zostało napisanych w erze bel canto , na przykład sekwencja 9 Cs Donizettiego nad środkowym C podczas La fille du régiment . Wraz z Wagnerem położono nacisk na wokalistykę w jego rolach głównych, z tą kategorią wokalną opisaną jako Heldentenor ; Ten bohaterski głos miał swój odpowiednik w bardziej z włoskim takich ról jak Calaf w Pucciniego Turandot . Basy mają długą historię w operze, były używane w operze seria w rolach drugoplanowych, a czasem w komiksach (a także stanowi kontrast dla przewagi wysokich głosów w tym gatunku). Repertuar basowy jest szeroki i zróżnicowany, od komedii Leporello w Don Giovanni, przez szlachtę Wotana w Ring Cycle Wagnera , po skonfliktowanego króla Filipa z Don Carlosa Verdiego . Pomiędzy basem a tenorem znajduje się baryton, którego waga również różni się od, powiedzmy, Guglielmo w Così fan tutte Mozarta do Posa w Don Carlosie Verdiego ; faktyczne określenie „baryton” nie było standardem aż do połowy XIX wieku.

Znani śpiewacy

Kastrat Senesino , ok. 1720

Wczesne przedstawienia operowe były zbyt rzadkie, aby śpiewacy mogli utrzymywać się wyłącznie ze stylu, ale wraz z narodzinami komercyjnej opery w połowie XVII wieku zaczęli pojawiać się profesjonalni wykonawcy. Rolę męskiego bohatera powierzano zwykle kastratowi i już w XVIII wieku, kiedy w całej Europie wystawiano włoską operę, czołowi kastraci posiadający niezwykłą wirtuozerię wokalną, tacy jak Senesino i Farinelli , stali się międzynarodowymi gwiazdami. Kariera pierwszej dużej gwiazdy kobiecej (lub primadonny ) Anny Renzi sięga połowy XVII wieku. W XVIII wieku wielu włoskich sopranów zyskało międzynarodową renomę i często toczyło zaciekłą rywalizację, podobnie jak Faustyna Bordoni i Francesca Cuzzoni , którzy rozpoczęli walkę na pięści podczas wykonania opery Haendla. Francuzi nie lubili kastratów, preferując śpiewanie ich męskich bohaterów przez haute-contre (wysoki tenor), czego czołowym przykładem był Joseph Legros (1739–1793).

Chociaż mecenat operowy zmniejszył się w ostatnim stuleciu na rzecz innych sztuk i mediów (takich jak musicale, kino, radio, telewizja i nagrania), środki masowego przekazu i pojawienie się nagrań wsparły popularność wielu znanych śpiewaków, w tym Marii Callas , Enrico. Caruso , Amelita Galli-Curci , Kirsten Flagstad , Juan Arvizu , Nestor Mesta Chayres , Mario Del Monaco , Renata Tebaldi , Rise Stevens , Alfredo Kraus , Franco Corelli , Montserrat Caballé , Joan Sutherland , Birgit Nilsson , Nellie Melba , Rosa Ponselle , Beniamino Gigli , Jussi Björling , Feodor Chaliapin , Cecilia Bartoli , Renée Fleming , Marilyn Horne , Bryn Terfel i „ The Three Tenors ” ( Luciano Pavarotti , Plácido Domingo i José Carreras ).

Zmiana roli orkiestry

Przed 1700 rokiem włoskie opery korzystały z małej orkiestry smyczkowej , ale rzadko grała, aby akompaniować śpiewakom. Solówkom operowym w tym okresie towarzyszyła grupa basso continuo , w skład której wchodził klawesyn , „instrumenty szarpane”, takie jak lutnia i instrument basowy. Orkiestra smyczkowa zwykle grała tylko wtedy, gdy piosenkarz nie śpiewał, na przykład podczas „... wejść i wyjść, pomiędzy numerami wokali [lub] do [towarzyszenia] tańca”. Inną rolą orkiestry w tym okresie było wykonanie orkiestrowego ritornello na zakończenie solówki piosenkarza. Na początku XVIII wieku niektórzy kompozytorzy zaczęli używać orkiestry smyczkowej do oznaczania określonych arii lub recytatywów jako „... jako specjalne”; do 1720 r. większości arii towarzyszyła orkiestra. Kompozytorzy operowi , tacy jak Domenico Sarro , Leonardo Vinci , Giambattista Pergolesi , Leonardo Leo i Johann Adolf Hasse, dodali nowe instrumenty do orkiestry operowej i nadali instrumentom nowe role. Dodali instrumenty dęte do smyczków i używali instrumentów orkiestrowych do grania solówek instrumentalnych, aby oznaczyć niektóre arie jako wyjątkowe.

Niemiecka orkiestra operowa z początku lat 50

Orkiestra przygotowała także uwerturę instrumentalną, zanim śpiewacy pojawią się na scenie od XVII wieku. Peri „s Eurydyka otwiera krótki instrumentalny ritornello i Monteverdi ” s L'Orfeo (1607) otwiera Toccata , w tym przypadku fanfary dla wyciszony trąbek . Uwertura francuska , jak znaleźć w Jean-Baptiste Lully oper „s składa się z powolnym wprowadzaniem w zaznaczonym rytmem«przerywaną», a następnie przez żywy ruch w fugato stylu. Po uwerturze często następowała seria tanecznych melodii, zanim podniosła się kurtyna. Ten styl uwertura była również stosowana w angielskiej opery, zwłaszcza w Henry Purcell „s Dydona i Eneasz . Handel wykorzystuje również formę uwertury francuskiej w niektórych swoich włoskich operach, takich jak Giulio Cesare .

We Włoszech odrębna forma zwana „uwerturą” powstała w latach osiemdziesiątych XVII wieku i utrwaliła się szczególnie dzięki operom Alessandro Scarlattiego i rozprzestrzeniła się w całej Europie, wypierając formę francuską jako standardową uwerturę operową do połowy XVIII wieku. Wykorzystuje trzy generalnie homofoniczne ruchy : szybko – wolno – szybko. Ruch otwierania odbywał się zwykle w metrum parzystym i tonacji durowej; powolny ruch we wcześniejszych przykładach był krótki i mógł być w kontrastującej tonacji; Końcowa część była taneczna, najczęściej z rytmami koncertu lub menueta i powracała do tonacji sekcji otwierającej. W miarę ewolucji formy część pierwsza może zawierać elementy fanfarowe i przybrać wzór tzw. „Formy sonatiny” ( forma sonatowa bez części rozwojowej), a część wolna stała się bardziej rozbudowana i liryczna.

W operze włoskiej po około 1800 roku „uwertura” stała się znana jako sinfonia . Fisher zauważa również, że termin Sinfonia avanti l'opera (dosłownie „symfonia przed operą”) był „wczesnym określeniem sinfonii, od której rozpoczyna się opera, to znaczy jako uwertura, w przeciwieństwie do tej służącej do rozpoczęcia późniejszej sekcja pracy ”. W operze XIX-wiecznej, w niektórych operach, uwertura, Vorspiel , Einleitung , Introduction, czy jakkolwiek by to nazwać, była częścią muzyki, która rozgrywa się przed podniesieniem kurtyny; uwertura nie wymagała już określonej, sztywnej formy.

Rola orkiestry w akompaniamencie śpiewaków zmieniła się w XIX wieku, wraz z przejściem stylu klasycznego do epoki romantyzmu. Generalnie orkiestry rozrosły się, dodano nowe instrumenty, takie jak dodatkowe instrumenty perkusyjne (np. Bęben basowy, cymbały, werbel itp.). Orkiestracja części orkiestrowych opracowano także ponad 19 wieku. W operach wagnerowskich frontowanie orkiestry wykraczało poza uwerturę. W operach wagnerowskich, takich jak Ring Cycle , orkiestra często odgrywała powtarzające się motywy muzyczne lub motywy przewodnie , co nadało orkiestrze znaczenie, które „... podniosło jej status do rangi primadonna ”. Opery Wagnera zostały ocenione z niespotykanym rozmachem i złożonością, dodając więcej instrumentów dętych blaszanych i ogromne rozmiary zespołów: rzeczywiście, jego partytura do Das Rheingold wymaga sześciu harf . W Wagnera i twórczości kolejnych kompozytorów, takich jak Benjamin Britten, orkiestra „często przekazuje fakty dotyczące historii, które przekraczają poziom świadomości postaci w niej zawartych”. W rezultacie krytycy zaczęli postrzegać orkiestrę jako analogiczną do roli narratora literackiego ”.

Wraz ze zmianą roli orkiestry i innych zespołów instrumentalnych na przestrzeni dziejów opery zmieniła się rola kierowania muzykami. W epoce baroku muzykami kierował zwykle klawesyn, choć znany jest z tego, że francuski kompozytor Lully dyrygował długą kadrą. W XIX wieku, w okresie klasycznym, pierwszy skrzypek, zwany także koncertmistrzem , prowadził orkiestrę siedząc. Z biegiem czasu niektórzy reżyserzy zaczęli wstawać i używać gestów rąk i ramion, aby prowadzić wykonawców. Ostatecznie ta rola dyrektora muzycznego została nazwana dyrygentem , a podium zostało użyte, aby ułatwić wszystkim muzykom zobaczenie go. Wraz z pojawieniem się oper wagnerowskich, złożoność utworów i występujące w nich ogromne orkiestry sprawiły, że dyrygent zyskał coraz większą rolę. Współcześni dyrygenci operowi odgrywają trudną rolę: muszą kierować zarówno orkiestrą w orkiestrze, jak i śpiewakami na scenie.

Kwestie językowe i tłumaczenia

Od czasów Handla i Mozarta wielu kompozytorów preferowało język włoski jako język libretta swoich oper. Od epoki Bel Canto do Verdiego kompozytorzy czasami nadzorowali wersje swoich oper zarówno w języku włoskim, jak i francuskim. Z tego powodu opery takie jak Lucia di Lammermoor czy Don Carlos są dziś uważane za kanoniczne zarówno w wersji francuskiej, jak i włoskiej.

Do połowy lat pięćdziesiątych dopuszczano wykonywanie oper w przekładach, nawet jeśli nie były one autoryzowane przez kompozytora lub pierwotnych librecistów. Na przykład w operach we Włoszech rutynowo wystawiano Wagnera po włosku. Po II wojnie światowej stypendium opery poprawiło się, artyści skupili się na oryginalnych wersjach, a tłumaczenia wypadły z łask. Znajomość języków europejskich, zwłaszcza włoskiego, francuskiego i niemieckiego, jest dziś ważną częścią szkolenia zawodowych śpiewaków. „Największa część szkolenia operowego dotyczy językoznawstwa i muzykalności”, wyjaśnia mezzosopranistka Dolora Zajick . „[Muszę zrozumieć] nie tylko to, co śpiewam, ale także to, co śpiewają wszyscy inni. Śpiewam po włosku, czesku, rosyjsku, francusku, niemiecku, angielsku”.

XX wieku zaczęły pojawiać się supertytuły (czasami nazywane napisami ). Chociaż początkowo supertitle były niemal powszechnie potępiane jako odwrócenie uwagi, dziś wiele teatrów operowych oferuje albo supertytuły, zwykle wyświetlane nad łukiem proscenium teatru , albo indywidualne ekrany siedzeń, na których widzowie mogą wybierać spośród więcej niż jednego języka. Programy telewizyjne zazwyczaj zawierają napisy, nawet jeśli są przeznaczone dla publiczności dobrze znającej język (na przykład audycja RAI włoskiej opery). Te napisy są skierowane nie tylko do osób niedosłyszących, ale ogólnie do słuchaczy, ponieważ dyskurs śpiewany jest znacznie trudniejszy do zrozumienia niż dyskurs mówiony - nawet dla uszu native speakerów. Napisy w jednym lub kilku językach stały się standardem w transmisjach operowych, symultanach i wydaniach DVD.

Dziś opery są rzadko wykonywane w przekładzie. Wyjątkami są English National Opera , Opera Theatre of Saint Louis , Opera Theatre of Pittsburgh i Opera South East, które preferują tłumaczenia na język angielski. Innym wyjątkiem są produkcje operowe przeznaczone dla młodego widza, jak Jaś i Małgosia Humperdincka oraz niektóre produkcje Czarodziejskiego fletu Mozarta .

Finansowanie

Szwedzcy śpiewacy operowi w hołdzie Kjerstinowi Dellertowi i Ulriksdal Palace Theatre na jubileusz 40-lecia w 2016 r. Za ich sfinansowanie, renowację i ponowne otwarcie

Poza Stanami Zjednoczonymi, a zwłaszcza w Europie, większość teatrów operowych otrzymuje publiczne dotacje od podatników. W Mediolanie we Włoszech 60% rocznego budżetu La Scali w wysokości 115 milionów euro pochodzi ze sprzedaży biletów i darowizn prywatnych, a pozostałe 40% pochodzi ze środków publicznych. W 2005 r. La Scala otrzymała 25% całkowitej dotacji państwowej Włoch w wysokości 464 mln euro na sztuki widowiskowe. W Wielkiej Brytanii Arts Council England zapewnia fundusze Opera North , Royal Opera House , Welsh National Opera i English National Opera . W latach 2012-2015 te cztery zespoły operowe wraz z English National Ballet , Birmingham Royal Ballet i Northern Ballet stanowiły 22% funduszy z krajowego portfolio Arts Council. W tym okresie Rada przeprowadziła analizę finansowania dużych zespołów operowych i baletowych, ustalając zalecenia i cele, które zespoły miały osiągnąć przed podjęciem decyzji o finansowaniu na lata 2015–2018. W lutym 2015 r. Obawy dotyczące biznesplanu angielskiej Opery Narodowej doprowadziły do ​​tego, że Rada Sztuki objęła go „specjalnymi ustaleniami dotyczącymi finansowania”, co The Independent nazwał „bezprecedensowym krokiem” polegającym na grożeniu wycofaniem finansowania publicznego, jeśli obawy rady nie zostaną zaspokojone do 2017 r. Europejskie fundusze publiczne na operę doprowadziły do ​​dysproporcji między liczbą całorocznych teatrów operowych w Europie i Stanach Zjednoczonych. Na przykład: „Niemcy mają około 80 całorocznych teatrów operowych [stan na 2004 r.], Podczas gdy Stany Zjednoczone, które mają ponad trzykrotną populację, nie mają żadnych. Nawet Met ma tylko siedmiomiesięczny sezon”.

Telewizja, kino i Internet

Kamień milowy w nadawaniu opery w Stanach Zjednoczonych został osiągnięty 24 grudnia 1951 r., Kiedy to transmitowano na żywo Amahl and the Night Visitors , operę w jednym akcie Gian Carlo Menottiego . Była to pierwsza opera specjalnie skomponowana dla telewizji w Ameryce. Kolejny kamień milowy miał miejsce we Włoszech w 1992 r., Kiedy Tosca była transmitowana na żywo z jej oryginalnych rzymskich ustawień i pory dnia: pierwszy akt pochodzi z XVI-wiecznego kościoła Sant'Andrea della Valle w sobotę w południe; XVI-wieczny Palazzo Farnese był miejscem drugiej imprezy o godzinie 20:15; aw niedzielę o 6 rano z Zamku Świętego Anioła wyemitowano trzeci akt. Produkcja była transmitowana drogą satelitarną do 105 krajów.

Główne zespoły operowe zaczęły prezentować swoje spektakle w lokalnych kinach w całych Stanach Zjednoczonych i wielu innych krajach. Metropolitan Opera rozpoczęła serię transmisji wideo w wysokiej rozdzielczości na żywo do kin na całym świecie w 2006 roku. W 2007 roku przedstawienia Met były pokazywane w ponad 424 kinach w 350 miastach USA. La Bohème pojawiła się na 671 ekranach na całym świecie. San Francisco Opera rozpoczęła nagrane wcześniej transmisje wideo w marcu 2008 r. Od czerwca 2008 r. W około 125 kinach w 117 miastach USA odbywają się pokazy. Transmisje oper wideo HD są prezentowane za pomocą tych samych cyfrowych projektorów kinowych HD, które są używane w głównych filmach z Hollywood . Europejskie teatry operowe i festiwale, w tym Royal Opera w Londynie, La Scala w Mediolanie, Festiwal w Salzburgu , La Fenice w Wenecji i Maggio Musicale we Florencji, również transmitują swoje produkcje do teatrów w miastach na całym świecie od 2006 roku, w tym w 90 miastach. w Stanach Zjednoczonych

Pojawienie się internetu wpłynęło również na sposób, w jaki widzowie konsumują operę. W 2009 r. Brytyjski Glyndebourne Festival Opera po raz pierwszy zaoferował możliwość pobrania online cyfrowego wideo całej produkcji Tristana und Isolde z 2007 roku . W sezonie 2013 festiwal transmitował online wszystkie sześć swoich produkcji. W lipcu 2012 r. Na Savonlinna Opera Festival miała swoją premierę pierwsza internetowa opera społecznościowa . Zatytułowany Free Will , został stworzony przez członków internetowej grupy Opera By You. 400 członków z 43 krajów napisało libretto, skomponowało muzykę i zaprojektowało scenografię i kostiumy, korzystając z platformy internetowej Wreckamovie . Savonlinna Opera Festival zapewniła profesjonalnych solistów, 80-osobowy chór, orkiestrę symfoniczną i maszynerię sceniczną. Został wykonany na żywo podczas festiwalu i transmitowany na żywo w Internecie.

Zobacz też

Bibliografia

Uwagi

Źródła

Dalsza lektura

Linki zewnętrzne