Obraz - Painting

Malowanie to praktyka nakładania farby , pigmentu , koloru lub innego medium na stałą powierzchnię (zwaną „matrycą” lub „podporą”). Medium jest powszechnie nakładane na podłoże za pomocą pędzla , ale można użyć innych narzędzi, takich jak noże, gąbki i aerografy .

W sztuce termin malarstwo odnosi się zarówno do aktu, jak i rezultatu działania (ostateczne dzieło nazywa się "obrazem"). Wsparcie dla obrazów obejmuje takie powierzchnie jak ściany, papier, płótno, drewno, szkło, lakier , ceramika, liść , miedź i beton , a obraz może zawierać wiele innych materiałów, w tym piasek, glinę , papier, tynk , złoto płatkowe i nawet całe przedmioty.

Malarstwo jest ważną formą w sztukach wizualnych , wnoszącą elementy takie jak rysunek , kompozycja , gest (jak w malarstwie gestykulacyjnym ), narracja (jak w sztuce narracyjnej ) i abstrakcja (jak w sztuce abstrakcyjnej ). Obrazy mogą być naturalistyczne i reprezentacyjne (jak w martwej naturze i malarstwie pejzażowym ), fotograficzne , abstrakcyjne, narracyjne, symboliczne (jak w sztuce symbolistycznej ), emotywne (jak w ekspresjonizmie ) lub polityczne (jak w artyzmie ).

Część historii malarstwa, zarówno w sztuce wschodniej, jak i zachodniej, zdominowana jest przez sztukę religijną . Przykłady tego rodzaju malarstwa obejmują dzieła sztuki przedstawiające postaci mitologiczne na ceramice, sceny biblijne na suficie Kaplicy Sykstyńskiej , sceny z życia Buddy (lub inne obrazy wschodniego pochodzenia religijnego ).

Historia

Najstarsze znane malowidła mają około 40 000 lat, znajdują się zarówno w regionie francusko-kantabryjskim w Europie Zachodniej, jak iw jaskiniach w dystrykcie Maros ( Sulawesi , Indonezja ). Malowidła jaskiniowe były następnie znaleźć w Kalimantan , Indonezji w Lubang Jeriji Saleh jaskini Uważa się, że 40.000 - 52.000 rok życia. Niedawno, w 2021 roku, doniesiono o sztuce jaskiniowej świni znalezionej na indonezyjskiej wyspie i datowanej na ponad 45 500 lat. Jednak najwcześniejsze dowody aktu malowania odkryto w dwóch schronach skalnych na Ziemi Arnhema w północnej Australii. W najniższej warstwie materiału na tych stanowiskach zastosowano kawałki ochry, których wiek szacuje się na 60 000 lat. Archeolodzy znaleźli również fragment malowideł naskalnych zachowanych w wapiennym schronie skalnym w regionie Kimberley w północno-zachodniej Australii, datowany na 40 000 lat. Przykłady malarstwa jaskiniowego można znaleźć na całym świecie – w Indonezji , Francji , Hiszpanii , Portugalii , Włoszech , Chinach , Australii , Meksyku itd. W kulturach zachodnich malarstwo olejne i akwarele mają bogatą i złożoną tradycję stylistyczną i tematyczną. Na Wschodzie atrament i kolorowy atrament historycznie dominowały w doborze mediów o równie bogatych i złożonych tradycjach.

Wynalezienie fotografii wywarło ogromny wpływ na malarstwo. W dziesięcioleciach po wyprodukowaniu pierwszej fotografii w 1829 roku procesy fotograficzne uległy poprawie i stały się szerzej praktykowane, pozbawiając malarstwo dużej części jego historycznego celu, jakim jest dostarczanie dokładnego zapisu obserwowalnego świata. Seria ruchów artystycznych pod koniec XIX i na początku XX wieku – w szczególności impresjonizm , postimpresjonizm , fowizm , ekspresjonizm , kubizm i dadaizm – rzuciła wyzwanie renesansowemu spojrzeniu na świat. Malarstwo wschodnie i afrykańskie miało jednak długą historię stylizacji i nie uległo jednocześnie równorzędnym przeobrażeniom.

Sztuka nowoczesna i współczesna odeszła od historycznej wartości rzemiosła i dokumentacji na rzecz koncepcji . Nie zniechęciło to większości żyjących malarzy do dalszego uprawiania malarstwa jako całości lub części ich pracy. Żywotność i wszechstronność malarstwa XXI wieku przeczą wcześniejszym „deklaracjom” jego upadku. W epoce charakteryzującej się ideą pluralizmu nie ma zgody co do reprezentatywnego stylu epoki. Artyści nadal tworzą ważne dzieła sztuki w szerokiej gamie stylów i temperamentów estetycznych – ich zasługi są pozostawione opinii publicznej i rynkowi do oceny.

Elementy malarstwa

Kolor i ton

Kolor , złożony z barwy , nasycenia i wartości , rozproszony na powierzchni, jest esencją malarstwa, tak jak esencją muzyki jest wysokość i rytm . Kolor jest wysoce subiektywny, ale ma zauważalne efekty psychologiczne, chociaż mogą się one różnić w zależności od kultury. Czarny kojarzy się z żałobą na Zachodzie, ale na Wschodzie biały. Niektórzy malarze, teoretycy, pisarze i naukowcy, w tym Goethe , Kandinsky i Newton , napisali własną teorię koloru .

Co więcej, użycie języka jest tylko abstrakcją dla ekwiwalentu kolorystycznego. Na przykład słowo „ czerwony ” może obejmować szeroki zakres odmian od czystej czerwieni widzialnego spektrum światła. Nie ma sformalizowanego rejestru różnych kolorów w taki sposób, w jaki istnieje zgodność co do różnych nut w muzyce, takich jak F lub C♯ . Dla malarza kolor nie jest po prostu podzielony na kolory podstawowe (podstawowe) i pochodne (uzupełniające lub mieszane) (takie jak czerwony, niebieski, zielony, brązowy itp.).

Malarze zajmują się praktycznie pigmentami , więc " niebieski " dla malarza może być dowolnym z błękitów: ftalocyjaninowy , pruski , indygo , kobaltowy , ultramarynowy i tak dalej. Psychologiczne i symboliczne znaczenia koloru nie są ściśle rzecz biorąc środkiem malarskim. Kolory dodają tylko potencjalnemu, wywodzącemu się z kontekstu znaczeń, przez co percepcja obrazu jest wysoce subiektywna. Analogia z muzyką jest całkiem jasna – dźwięk w muzyce (jak nuta C) jest analogiczny do „światła” w malarstwie, „cienie” do dynamiki , a „podbarwienie” do malarstwa tak, jak specyficzna barwa instrumentów muzycznych do muzyki. Te elementy niekoniecznie tworzą melodię (w muzyce) same z siebie; raczej mogą dodać do niego różne konteksty.

Nietradycyjne elementy

Artyści współcześni znacznie rozszerzyli praktykę malarską, na przykład do kolażu , który rozpoczął się od kubizmu i nie jest malarstwem w ścisłym tego słowa znaczeniu. Niektórzy współcześni malarze używają różnych materiałów, takich jak metal, plastik, piasek , cement , słoma , liście lub drewno, aby uzyskać ich fakturę . Przykładem tego są prace Jeana Dubuffeta i Anselma Kiefera . Rośnie społeczność artystów, którzy używają komputerów do „malowania” kolorów na cyfrowe „płótno” za pomocą programów takich jak Adobe Photoshop , Corel Painter i wielu innych. W razie potrzeby obrazy te można wydrukować na tradycyjnym płótnie.

Rytm

Mozaikowa technika dywizji Jeana Metzingera miała swój odpowiednik w literaturze; charakterystyka sojuszu pisarzy symbolistycznych z artystami neoimpresjonistycznymi:

Proszę o rozdzielenie pędzla nie o obiektywne oddanie światła, ale o iryzacje i pewne aspekty koloru, wciąż obce malarstwu. Dokonuję swoistej wersyfikacji chromatycznej, a do sylab używam kresek, które, zmienne w ilości, nie mogą różnić się wymiarami bez zmiany rytmu frazeologii obrazkowej, przeznaczonej do przełożenia różnorodnych emocji, jakie budzi natura. (Jean Metzinger, ok. 1907)

Rytm , dla artystów takich jak Piet Mondrian , jest równie ważny w malarstwie, jak w muzyce. Jeśli zdefiniujemy rytm jako „pauzę wkomponowaną w sekwencję”, to w obrazach może być rytm. Te pauzy pozwalają na interwencję siły twórczej i dodanie nowych kreacji – formy, melodii, kolorystyki. Dystrybucja formy czy wszelkiego rodzaju informacji ma kluczowe znaczenie w danym dziele sztuki i bezpośrednio wpływa na wartość estetyczną tego dzieła. Dzieje się tak, ponieważ wartość estetyczna jest zależna od funkcjonalności, tzn. swoboda (ruchu) percepcji jest postrzegana jako piękno. Swobodny przepływ energii, zarówno w sztuce, jak iw innych formach „ techne ”, bezpośrednio wpływa na walory estetyczne.

Muzyka była ważna dla narodzin sztuki abstrakcyjnej, ponieważ muzyka jest z natury abstrakcyjna – nie próbuje przedstawiać świata zewnętrznego, ale wyraża w sposób bezpośredni wewnętrzne uczucia duszy. Wassily Kandinsky często używał terminów muzycznych do identyfikowania swoich dzieł; Swoje najbardziej spontaniczne obrazy nazywał „improwizacjami”, a bardziej wymyślne prace określał mianem „kompozycji”. Kandinsky wysnuł teorię, że „muzyka jest najlepszym nauczycielem”, a następnie zajął się pierwszymi siedmioma ze swoich dziesięciu Kompozycji . Słysząc tony i akordy podczas malowania, Kandinsky wysnuł teorię, że (na przykład) żółty jest kolorem środkowego C na mosiężnej trąbce; czarny to kolor zamknięcia i końca rzeczy; a kombinacje kolorów wytwarzają częstotliwości wibracyjne, podobne do akordów granych na pianinie. W 1871 młody Kandinsky nauczył się grać na pianinie i wiolonczeli. Projekt Kandinsky'ego etap dla wykonywania Musorgski „s Obrazki z wystawy ilustruje jego«synestetyczne»koncepcję uniwersalnego korespondencji form, kolorów i dźwięków muzycznych.

Muzyka definiuje wiele modernistycznego malarstwa abstrakcyjnego. Jackson Pollock podkreśla to zainteresowanie swoim obrazem z 1950 roku Rytm jesienny (numer 30) .

Estetyka i teoria

Estetyka to nauka o sztuce i pięknie ; była to ważna kwestia dla filozofów XVIII i XIX wieku, takich jak Kant i Hegel . Filozofowie klasyczni, tacy jak Platon i Arystoteles, również teoretyzowali na temat sztuki i malarstwa w szczególności. Platon lekceważył malarzy (a także rzeźbiarzy) w swoim systemie filozoficznym; twierdził, że malarstwo nie może przedstawiać prawdy — jest kopią rzeczywistości (cień świata idei) i jest niczym innym jak rzemiosłem , podobnym do szewstwa czy odlewania żelaza. Do czasów Leonarda malarstwo stało się bliższym przedstawieniem prawdy niż malarstwo w starożytnej Grecji . Wręcz przeciwnie, Leonardo da Vinci powiedział, że „ włoski : La Pittura è cosa mentale ” („angielski: malarstwo jest rzeczą umysłu ”). Kant rozróżniał Piękno i Wzniosłość w kategoriach, które wyraźnie dawały pierwszeństwo temu pierwszemu. Choć nie odnosił się w szczególności do malarstwa, to pojęcie to podjęli malarze tacy jak JMW Turner i Caspar David Friedrich .

Hegel dostrzegł niepowodzenie w osiągnięciu uniwersalnej koncepcji piękna iw swoim eseju estetycznym napisał, że malarstwo jest jedną z trzech sztuk „romantycznych”, obok Poezji i Muzyki , ze względu na swój symboliczny , wysoce intelektualny cel. Malarze, którzy pisali prace teoretyczne na temat malarstwa to Kandinsky i Paul Klee . W swoim eseju Kandinsky utrzymuje, że malarstwo ma wartość duchową, a podstawowym uczuciom lub pojęciom przypisuje podstawowe kolory , co już próbowali zrobić Goethe i inni pisarze.

Ikonografia to studium treści obrazów, a nie ich stylu. Erwin Panofsky i inni historycy sztuki najpierw starają się zrozumieć przedstawiane rzeczy, zanim przyjrzą się ich znaczeniu dla ówczesnego widza, a na końcu przeanalizują ich szersze znaczenie kulturowe, religijne i społeczne.

W 1890 roku paryski malarz Maurice Denis stwierdził: „Pamiętaj, że obraz — zanim stanie się koniem bojowym, nagą kobietą czy inną historią — jest zasadniczo płaską powierzchnią pokrytą kolorami ułożonymi w określonej kolejności”. Tak więc wiele dwudziestowiecznych zmian w malarstwie, takich jak kubizm , było refleksją nad środkami malarskimi, a nie nad światem zewnętrznym — naturą — który wcześniej był jego głównym tematem. Ostatni wkład w myślenie o malarstwie wniósł malarz i pisarz Julian Bell . W swojej książce Czym jest malarstwo? Bell omawia rozwój, w historii, poglądu, że obrazy mogą wyrażać uczucia i idee. W Mirror of The World Bell pisze:

Dzieło sztuki stara się utrzymać swoją uwagę i zachować go naprawić: a historię z pobudek artystycznych to dalej, buldożer autostradę przez domach wyobraźni.

Środki malarskie

Różne typy farb są zwykle identyfikowane przez medium, w którym pigment jest zawieszony lub osadzony, co określa ogólne właściwości robocze farby, takie jak lepkość , mieszalność , rozpuszczalność , czas schnięcia itp.

Olej

Malarstwo olejne to proces malowania za pomocą pigmentów , które wiążą się za pomocą schnącego oleju , takiego jak olej lniany , który był szeroko stosowany we wczesnej nowożytnej Europie. Często olej gotowano z żywicą, taką jak żywica sosnowa lub nawet kadzidło ; nazywano je „lakierami” i ceniono je za ich ciało i połysk. Farba olejna stała się ostatecznie głównym medium używanym do tworzenia dzieł sztuki, ponieważ jej zalety stały się powszechnie znane. Przemiana zaczęła się od wczesnego malarstwa niderlandzkiego w północnej Europie, a do szczytu renesansu techniki malarstwa olejnego prawie całkowicie zastąpiły farby temperowe w większości Europy.

Pastel

Pastel to medium malarskie w formie sztyftu, składające się z czystego sproszkowanego pigmentu i spoiwa. Pigmenty używane w pastelach są takie same, jak te używane do produkcji wszystkich kolorowych mediów artystycznych, w tym farb olejnych ; spoiwo ma neutralny odcień i niskie nasycenie . Efekt kolorystyczny pasteli jest bliższy naturalnym suchym pigmentom niż jakikolwiek inny proces. Ponieważ powierzchnia pastelowego obrazu jest krucha i łatwo się rozmazuje, jego zachowanie wymaga środków ochronnych, takich jak oprawa pod szkłem; można go również spryskać utrwalaczem . Niemniej jednak, wykonany przy użyciu trwałych pigmentów i odpowiednio pielęgnowany, pastelowy obraz może przetrwać w niezmienionej formie przez wieki. Pastele nie są podatne, podobnie jak obrazy wykonane płynnym medium, na pękanie i przebarwienia, które wynikają ze zmian koloru, krycia lub wymiarów medium podczas wysychania.

Akryl

Farba akrylowa to szybkoschnąca farba zawierająca zawiesinę pigmentu w emulsji polimeru akrylowego . Farby akrylowe można rozcieńczać wodą, ale po wyschnięciu stają się wodoodporne. W zależności od tego, jak bardzo farba jest rozcieńczona (wodą) lub modyfikowana żelami akrylowymi, mediami lub pastami, gotowy obraz akrylowy może przypominać akwarelę lub obraz olejny , lub mieć swoje unikalne cechy nieosiągalne za pomocą innych mediów. Główną praktyczną różnicą między większością farb akrylowych i olejnych jest czas schnięcia. Oleje dają więcej czasu na mieszanie kolorów i nakładanie równomiernej glazury na podobrazia. Ten powoli schnący aspekt oleju może być postrzegany jako zaleta niektórych technik, ale może również utrudniać artystom zdolność do szybkiej pracy.

Akwarela

Akwarela to metoda malowania, w której farby powstają z pigmentów zawieszonych w wodorozcieńczalnym pojeździe. Tradycyjnym i najczęstszym nośnikiem obrazów akwarelowych jest papier; inne nośniki to papirus , papiery z kory, tworzywa sztuczne, welin lub skóra , tkaniny , drewno i płótno . W Azji Wschodniej malowanie akwarelą tuszami określane jest mianem malowania pędzlem lub malowaniem zwojów. W malarstwie chińskim , koreańskim i japońskim była dominującym medium, często w monochromatycznej czerni lub brązie. Indie, Etiopia i inne kraje również mają długie tradycje. Malowanie palcami farbami akwarelowymi pochodzi z Chin. Kredki akwarelowe (kolorowe kredki rozpuszczalne w wodzie) mogą być używane zarówno na mokro, jak i na sucho.

Atrament

Obrazy tuszem są wykonywane za pomocą płynu, który zawiera pigmenty lub barwniki i służy do barwienia powierzchni w celu uzyskania obrazu, tekstu lub wzoru . Atrament służy do rysowania piórem , pędzlem lub piórem . Atrament może być złożonym medium, składającym się z rozpuszczalników , pigmentów, barwników, żywic , smarów , solubilizatorów, środków powierzchniowo czynnych , cząstek stałych , fluorescerów i innych materiałów. Składniki atramentów służą wielu celom; nośnik tuszu, barwniki i inne dodatki kontrolują przepływ i grubość tuszu oraz jego wygląd po wyschnięciu.

Gorący wosk lub enkaustyka

Malowanie enkaustyczne , zwane również malowaniem gorącym woskiem, polega na użyciu podgrzanego wosku pszczelego, do którego dodawane są kolorowe pigmenty. Ciecz/pasta jest następnie nakładana na powierzchnię – zwykle przygotowane drewno, chociaż często używa się płótna i innych materiałów. Najprostszą mieszankę enkaustyczną można przygotować, dodając pigmenty do wosku pszczelego, ale istnieje kilka innych przepisów, które można zastosować – niektóre zawierają inne rodzaje wosków , żywicę damarową , olej lniany lub inne składniki. Można kupić i stosować czyste, sproszkowane pigmenty, chociaż niektóre mieszanki wykorzystują farby olejne lub inne formy pigmentu. Do ukształtowania farby przed ostygnięciem można użyć metalowych narzędzi i specjalnych pędzli, a do manipulowania woskiem po ostygnięciu na powierzchni można użyć podgrzanych metalowych narzędzi. Inne materiały mogą być otoczone lub poddane kolagenowi na powierzchni, lub ułożone warstwami, przy użyciu środka enkaustycznego do przyklejenia go do powierzchni.

Technika ta była normalna dla starożytnych greckich i rzymskich malowideł panelowych i pozostała w użyciu w tradycji ikon wschodniego prawosławia .

Fresk

Fresco to jeden z kilku pokrewnych rodzajów malarstwa ściennego , wykonywany na tynku na ścianach lub sufitach. Słowo fresco pochodzi od włoskiego słowa affresco [afˈfresːko] , które pochodzi od łacińskiego słowa oznaczającego świeże . Freski często powstawały w okresie renesansu i innych wczesnych okresach. Technika buon fresco polega na malowaniu pigmentem zmieszanym z wodą na cienkiej warstwie mokrej, świeżej zaprawy wapiennej lub tynku , dla którego używa się włoskiego słowa oznaczającego tynk, intonaco . Natomiast malowanie secco jest wykonywane na suchym tynku ( secco to po włosku "suchy"). Pigmenty wymagają spoiwa, takiego jak jajko ( tempera ), kleju lub oleju do przyczepienia pigmentu do ściany.

Gwasz

Gwasz to farba na bazie wody składająca się z pigmentu i innych materiałów przeznaczona do stosowania w metodzie malowania kryjącego. Gwasz różni się od akwareli tym, że cząsteczki są większe, stosunek pigmentu do wody jest znacznie wyższy, a także występuje dodatkowy, obojętny, biały pigment, taki jak kreda . To sprawia, że ​​gwasz jest cięższy i bardziej nieprzejrzysty, z większymi właściwościami odblaskowymi. Jak wszystkie media wodne, jest rozcieńczany wodą.

Szkliwo

Emalie wykonuje się poprzez malowanie podłoża, zazwyczaj metalu, proszkowym szkłem; minerały zwane kolorowymi tlenkami zapewniają zabarwienie. Po wypaleniu w temperaturze 750–850 stopni Celsjusza (1380–1560 stopni Fahrenheita) otrzymuje się stopioną laminację szkła i metalu. W przeciwieństwie do większości technik malarskich, powierzchnia może być obrabiana i zwilżana. Emalie tradycyjnie były używane do dekoracji cennych przedmiotów, ale były również używane do innych celów. Emalia Limoges była wiodącym ośrodkiem renesansowego malarstwa emaliowanego, z małymi scenami religijnymi i mitologicznymi w zdobionych oprawach, na tablicach lub przedmiotach, takich jak sole lub szkatułki. W XVIII wieku malarstwo emaliowane cieszyło się w Europie modą, zwłaszcza jako nośnik miniatur portretowych . Pod koniec XX wieku technika porcelanowej emalii na metalu została wykorzystana jako trwałe podłoże dla zewnętrznych murali.

Farba w sprayu

Farba w aerozolu (zwana również farbą w sprayu) to rodzaj farby, która znajduje się w zamkniętym pojemniku pod ciśnieniem i jest uwalniana w postaci drobnej mgiełki rozpylonej po naciśnięciu przycisku zaworu . Forma malowania natryskowego , farba w aerozolu pozostawia gładką, równomiernie pokrytą powierzchnię. Puszki o standardowych rozmiarach są przenośne, niedrogie i łatwe do przechowywania. Podkład w aerozolu można nakładać bezpośrednio na goły metal i wiele tworzyw sztucznych.

Szybkość, przenośność i trwałość również sprawiają, że farba w aerozolu jest powszechnym środkiem graffiti . Pod koniec lat 70. podpisy ulicznych twórców graffiti i murale stały się bardziej wyrafinowane, a unikalny styl rozwinął się jako czynnik aerozolowego medium i szybkości wymaganej do nielegalnej pracy. Wielu rozpoznaje obecnie graffiti i street art jako unikalną formę sztuki, a specjalnie wyprodukowane farby w aerozolu są tworzone dla artysty graffiti. Wzornik chroni powierzchnię, z wyjątkiem kształt specyficzny być pomalowane. Szablony można nabyć jako ruchome litery, zamówić jako profesjonalnie wycięte logo lub ręcznie wycięte przez artystów.

Tempera

Tempera , zwana także temperą jajeczną, to trwałe, szybkoschnące medium malarskie składające się z kolorowego pigmentu zmieszanego z rozpuszczalnym w wodzie środkiem wiążącym (zwykle kleistym materiałem, takim jak żółtko jaja lub inny rozmiar ). Tempera nawiązuje także do malarstwa wykonanego w tym medium. Malowidła temperowe są bardzo trwałe, a przykłady z pierwszych wieków n.e. nadal istnieją. Tempera jajeczna była podstawową metodą malowania aż do 1500 roku, kiedy została wyparta przez wynalezienie malarstwa olejnego . Farba powszechnie nazywana temperą (choć tak nie jest) składająca się z pigmentu i rozmiaru kleju jest powszechnie używana i określana przez niektórych producentów w Ameryce jako farba plakatowa .

Farba olejna mieszalna z wodą

Mieszalne z wodą farby olejne (zwane również „rozpuszczalnymi w wodzie” lub „ mieszalnymi z wodą”) to nowoczesna odmiana farb olejnych zaprojektowana do rozcieńczania i czyszczenia wodą, bez konieczności stosowania chemikaliów, takich jak terpentyna . Można go mieszać i nakładać przy użyciu tych samych technik, co tradycyjna farba olejna, ale gdy jest jeszcze mokry, można go skutecznie usunąć z pędzli, palet i szmat za pomocą zwykłego mydła i wody. Jego rozpuszczalność w wodzie wynika z zastosowania medium olejowego, w którym jeden koniec cząsteczki został zmieniony tak, aby luźno wiązał się z cząsteczkami wody, tak jak w roztworze .

Malarstwo cyfrowe

Malowanie cyfrowe to metoda cyfrowego tworzenia obiektu artystycznego (malarstwa) lub technika tworzenia sztuki cyfrowej na komputerze. Jako metoda tworzenia obiektu artystycznego adaptuje tradycyjne medium malarskie, takie jak farby akrylowe , oleje , tusz , akwarela itp. oraz nakłada pigment na tradycyjne nośniki, takie jak tkanina płócienna, papier, poliester itp. za pomocą oprogramowanie sterujące robotami przemysłowymi lub maszynami biurowymi (drukarki). Jako technika odnosi się do oprogramowania do grafiki komputerowej, które wykorzystuje wirtualne płótno i wirtualne pudełko do malowania pędzli, kolorów i innych materiałów eksploatacyjnych. Wirtualne pudełko zawiera wiele instrumentów, które nie istnieją poza komputerem i które nadają cyfrowym grafikom inny wygląd i odczucia od dzieł wykonanych w tradycyjny sposób. Co więcej, malarstwo cyfrowe nie jest sztuką „generowaną komputerowo”, ponieważ komputer nie tworzy automatycznie obrazów na ekranie przy użyciu pewnych obliczeń matematycznych. Z drugiej strony artysta posługuje się własną techniką malarską, aby stworzyć na komputerze określoną pracę.

Style malowania

Styl jest używany w dwóch znaczeniach: może odnosić się do charakterystycznych elementów wizualnych, technik i metod, które charakteryzują twórczość indywidualnego artysty. Może również odnosić się do ruchu lub szkoły, z którą artysta jest związany. Może to wynikać z konkretnej grupy, z którą artysta był świadomie związany, lub może być kategorią, do której historycy sztuki umieścili malarza. Słowo „styl” w tym drugim znaczeniu wypadło z łask w akademickich dyskusjach na temat współczesnego malarstwa, choć nadal jest używane w popularnych kontekstach. Takie ruchy lub klasyfikacje obejmują:

Zachodni

Modernizm

Modernizm opisuje zarówno zestaw tendencji kulturowych, jak i szereg powiązanych ruchów kulturowych , pierwotnie powstałych w wyniku zakrojonych na szeroką skalę i dalekosiężnych zmian w społeczeństwie zachodnim pod koniec XIX i na początku XX wieku. Modernizm był buntem przeciwko konserwatywnym wartościom realizmu . Termin ten obejmuje działalność i twórczość tych, którzy odczuwali, że „tradycyjne” formy sztuki, architektury, literatury, wiary religijnej, organizacji społecznej i życia codziennego stawały się przestarzałe w nowych warunkach ekonomicznych, społecznych i politycznych wschodzącego w pełni uprzemysłowionego świat. Istotną cechą modernizmu jest samoświadomość. Prowadziło to często do eksperymentów z formą i pracy, która zwraca uwagę na stosowane procesy i materiały (i dalszą tendencję do abstrakcji).

Impresjonizm

Pierwszym przykładem modernizmu w malarstwie był impresjonizm , szkoła malarstwa, która początkowo skupiała się na pracy wykonywanej nie w pracowniach, ale w plenerze ( en plein air ). Obrazy impresjonistyczne pokazały, że ludzie nie widzą przedmiotów, ale widzą samo światło. Szkoła gromadziła zwolenników pomimo wewnętrznych podziałów wśród czołowych praktyków i stawała się coraz bardziej wpływowa. Początkowo odrzuceni z najważniejszego pokazu handlowego tamtych czasów, sponsorowanego przez rząd Salonu Paryskiego , impresjoniści organizowali coroczne wystawy zbiorowe w obiektach handlowych w latach 70. i 80. XIX wieku, zbiegając się z oficjalnym Salonem. Ważnym wydarzeniem 1863 roku był Salon des Refusés , stworzony przez cesarza Napoleona III, aby pokazać wszystkie obrazy odrzucone przez Salon Paryski.

Abstrakcyjne style

Malarstwo abstrakcyjne wykorzystuje wizualny język formy, koloru i linii, aby stworzyć kompozycję, która może istnieć z pewnym stopniem niezależności od wizualnych odniesień na świecie. Abstrakcyjny ekspresjonizm amerykański post- II wojny światowej ruch sztuki , które łączy intensywność emocjonalną i samozaparcia niemieckich ekspresjonistów z anty-graficzny estetyczne europejskich szkołach, takich abstrakcyjnych jak Futuryzm , Bauhaus i kubizmu , a obraz bytu buntowniczy, anarchiczny, wysoce idiosynkratyczny, a niektórzy czują się nihilistyczny.

Action painting , czasami nazywana abstrakcją gestów , to styl malowania, w którym farba jest spontanicznie ściekana, rozpryskiwana lub rozmazana na płótnie, a nie starannie nakładana. Powstała praca często podkreśla fizyczny akt samego malowania jako istotny aspekt skończonego dzieła lub troski artysty. Styl ten był rozpowszechniony od lat 40. do wczesnych lat 60. i jest ściśle związany z ekspresjonizmem abstrakcyjnym (niektórzy krytycy zamiennie używali terminów „malarstwo akcji” i „abstrakcyjny ekspresjonizm”).

Inne style modernistyczne to:

• Pole koloru
• Abstrakcja liryczna
• Malowanie twardej krawędzi
• Pop Art

Sztuka outsidera

Termin sztuka outsidera został ukuty przez krytyka sztuki Rogera Cardinala w 1972 roku jako angielski synonim art brut ( francuski:  [aʁ bʁyt] , „surowa sztuka” lub „szorstka sztuka”), etykieta stworzona przez francuskiego artystę Jeana Dubuffeta w celu opisania sztuki tworzone poza granicami oficjalnej kultury; Dubuffet skupił się szczególnie na sztuce wykonywanej przez obłąkanych więźniów azylu . Outsider art wyłonił się jako odnosząca sukcesy kategoria marketingu sztuki (coroczne targi sztuki Outsider odbywają się w Nowym Jorku od 1992 roku). Termin ten jest czasem błędnie stosowany jako chwytliwa etykieta marketingowa dla sztuki tworzonej przez ludzi spoza głównego nurtu „świata sztuki”, niezależnie od ich okoliczności lub treści ich pracy.

Fotorealizm

Fotorealizm to gatunek malarstwa oparty na wykorzystaniu aparatu i fotografii do zbierania informacji, a następnie z tych informacji, tworząc obraz, który wydaje się być bardzo realistyczny jak fotografia . Termin ten jest stosowany głównie do obrazów z ruchu artystycznego Stanów Zjednoczonych , który rozpoczął się pod koniec lat 60. i na początku lat 70. XX wieku. Jako pełnoprawny ruch artystyczny, fotorealizm wyewoluował z pop-artu i jako przeciwieństwo abstrakcyjnego ekspresjonizmu .

Hiperrealizm jest gatunkiem malarstwa i rzeźby przypominające o wysokiej rozdzielczości zdjęcie . Hiperrealizm jest pełnoprawną szkołą sztuki i można go uznać za postęp fotorealizmu dzięki metodom stosowanym do tworzenia powstałych obrazów lub rzeźb. Termin ten jest stosowany przede wszystkim do niezależnego ruchu artystycznego i stylu artystycznego w Stanach Zjednoczonych i Europie, który rozwijał się od początku 2000 roku.

Surrealizm

Surrealizm to ruch kulturowy, który rozpoczął się na początku lat 20. XX wieku i jest najbardziej znany z artystycznej i literackiej produkcji osób związanych z ruchem surrealistycznym . W surrealistycznych pracach występuje element zaskoczenia, niesamowitości, nieświadomości, nieoczekiwane zestawienia i non-sequitur ; jednak wielu artystów i pisarzy surrealistycznych uważa swoją pracę za wyraz przede wszystkim ruchu filozoficznego, a dzieła są artefaktem. Lider André Breton wyraźnie stwierdził, że surrealizm był przede wszystkim ruchem rewolucyjnym.

Surrealizm rozwinął się z działalności dadaistycznej I wojny światowej, a najważniejszym ośrodkiem ruchu był Paryż . Od lat dwudziestych ruch rozprzestrzenił się na cały świat, ostatecznie wpływając na sztuki wizualne , literaturę , film i muzykę wielu krajów, a także myśl i praktykę polityczną , filozofię i teorię społeczną .

Azji Wschodniej

• chiński
  • Dynastia Tang
  • dynastia Ming
  • Shan shui
  • Malowanie tuszem i praniem
  • Hua niao
  • Szkoła Południowa
    • Szkoła Zhe
    • Szkoła Wu
  • Współczesny
• język japoński
  • Yamato-e
  • Szkoła Rimpów
  • Emakimon
  • Szkoła Kanō
  • Szkoła Shijō
  • Superpłaskie
• koreański

islamski

• miniatura arabska
• Miniatura Mogołów
• Miniatura osmańska
• Perska miniatura

indyjski

• Szkoła orija
• Szkoła bengalska
• Kangra
• Madhubani
• Mysore
• Radźput
• Mogołów
• Samikshavad
• Tanjore
• Warli
• Malarstwo ścienne w Kerali

afrykanin

• Tingatinga

Sztuka współczesna

1950 Abstrakcyjny ekspresjonizm Amerykański ekspresjonizm figuratywny Ruch figuratywny w rejonie zatoki Abstrakcja liryczna Nowojorski ekspresjonizm figuratywny Szkoła nowojorska

1960 Abstrakcyjny ekspresjonizm Amerykański ekspresjonizm figuratywny Abstrakcyjni obraziści Ruch figuratywny w rejonie zatoki Pole koloru Sztuka komputerowa Sztuka konceptualna Fluxus Wydarzenia Malowanie twardej krawędzi Abstrakcja liryczna Minimalizm Neofiguratywny Neo-dada Szkoła nowojorska Nouveau Realisme Sztuka optyczna Sztuka performance Pop Art Postminimalizm Washington Color School Sztuka kinetyczna

lata 70. Arte Povera Sztuka Ascii Złe malowanie Sztuka ciała Książka artysty Sztuka feministyczna Sztuka instalacji Sztuka ziemi Przyziemny (ruch artystyczny) Fotorealizm Postminimalizm Sztuka procesu Sztuka wideo Sztuka funkowa Wzór i dekoracja

lata 80. Przywłaszczenie sztuki Zagłuszanie kultury Demosceny Sztuka elektroniczna Figuration Libre Graffiti Sztuka na żywo Grafika poczty Sztuka postmodernistyczna Sztuka neokonceptualna Neoekspresjonizm Neopop Sztuka dźwiękowa Sztuka transgresyjna Instalacja wideo Krytyka instytucjonalna NeoGeo

1990 Bio sztuka Cybersztuka Realizm cyniczny Sztuka cyfrowa Sztuka informacyjna Sztuka internetowa Masurrealizm Maksymalizm Sztuka nowych mediów Grafika oprogramowania Nowe malarstwo europejskie Młodzi brytyjscy artyści

2000s Malarstwo cyfrowe Hiperrealizm Realizm klasyczny Sztuka relacyjna Sztuka uliczna Stuckizm Superpłaskie Pseudorealizm Sztuka gier wideo Superskok Sztuka VJ-a Sztuka wirtualna Rdzenna sztuka

Rodzaje malowania

Alegoria

Alegoria to figuratywny sposób przedstawiania, który przekazuje znaczenie inne niż dosłowne. Alegoria przekazuje swoje przesłanie za pomocą symbolicznych postaci, działań lub symbolicznej reprezentacji. Alegoria jest ogólnie traktowana jako figura retoryki , ale alegoria nie musi być wyrażona w języku : może być skierowana do oka i często spotykana w malarstwie realistycznym. Przykładem prostej wizualnej alegorii jest wizerunek ponurego żniwiarza . Widzowie rozumieją, że wizerunek Ponurego Żniwiarza jest symbolicznym przedstawieniem śmierci.

Bodegon

W sztuce hiszpańskiej , o Bodegón jest martwa malarstwo przedstawiające przedmioty spiżarnia, takie jak paszami, dziczyzna, i pić, często rozmieszczone na proste kamienne płyty, a także obraz z jednej lub większej liczby figur, ale istotne elementy martwej natury, zazwyczaj zestaw w kuchni lub tawernie. Począwszy od baroku takie obrazy stały się popularne w Hiszpanii w drugiej ćwierci XVII wieku. Wydaje się, że tradycja malowania martwej natury zaczęła się i była znacznie bardziej popularna we współczesnych Niderlandach , dziś w Belgii i Holandii (wówczas artystów flamandzkich i holenderskich), niż kiedykolwiek w południowej Europie . Północne martwe natury miały wiele podgatunków: kawałek śniadania został wzbogacony o trompe-l'œil , bukiet kwiatów i vanitas . W Hiszpanii było znacznie mniej klientów na tego typu rzeczy, ale popularny stał się rodzaj kawałka śniadaniowego , w którym na stole leżało kilka przedmiotów z jedzeniem i zastawą stołową.

Malowanie postaci

Obraz rysunku jest dzieło sztuki w dowolnym z nośników obraz z głównym przedmiotem jest ludzka postać, czy to w ubraniu lub nagi . Malowanie postaci może również odnosić się do czynności tworzenia takiego dzieła. Postać ludzka była jednym z kontrastujących przedmiotów sztuki od pierwszych malowideł jaskiniowych z epoki kamienia i była reinterpretowana w różnych stylach na przestrzeni dziejów. Niektórzy artyści znani z malowania postaci to Peter Paul Rubens , Edgar Degas i Édouard Manet .

Malarstwo ilustracyjne

Obrazy ilustracyjne to te, które są używane jako ilustracje w książkach, czasopismach, plakatach teatralnych lub filmowych i komiksach. Obecnie rośnie zainteresowanie kolekcjonowaniem i podziwianiem oryginalnych dzieł sztuki. Różne wystawy muzealne, czasopisma i galerie sztuki poświęciły miejsce ilustratorom przeszłości. W świecie sztuk wizualnych ilustratorzy byli czasami uważani za mniej ważnych w porównaniu z artystami plastykami i grafikami . Jednak w wyniku rozwoju branży gier komputerowych i komiksów ilustracje stają się cenione jako popularne i dochodowe dzieła sztuki, które mogą zdobyć szerszy rynek niż pozostałe dwa, zwłaszcza w Korei , Japonii, Hongkongu i Stanach Zjednoczonych.

Pejzaż

Malarstwo pejzażowe to termin obejmujący przedstawienie naturalnych krajobrazów, takich jak góry, doliny, drzewa, rzeki, jeziora i lasy, a zwłaszcza sztuki, w której głównym tematem jest szeroki widok, którego elementy układają się w spójną kompozycję. W innych pracach pejzażowe tła dla postaci mogą nadal stanowić ważną część pracy. Niebo prawie zawsze jest w widoku, a pogoda często jest elementem kompozycji. Szczegółowe krajobrazy jako odrębny temat nie występują we wszystkich tradycjach artystycznych i rozwijają się, gdy istnieje już wyrafinowana tradycja reprezentowania innych tematów. Dwie główne tradycje wywodzą się z malarstwa zachodniego i sztuki chińskiej , w obu przypadkach sięgając ponad tysiąc lat wstecz.

Malarstwo portretowe

Obrazy portretowe to przedstawienia osoby, w których dominuje twarz i jej ekspresja. Celem jest pokazanie podobieństwa, osobowości , a nawet nastroju osoby. Sztuka portretu rozkwitła w rzeźbie antycznej Grecji, a zwłaszcza rzymskiej , gdzie portrety domagały się zindywidualizowanych i realistycznych portretów, nawet niepochlebnych. Jednym z najbardziej znanych portretów w świecie zachodnim jest obraz Leonarda da Vinci zatytułowany Mona Lisa , który uważany jest za portret Lisy Gherardini , żony Francesco del Giocondo.

Martwa natura

Życie nadal jest dziełem sztuki przedstawiających głównie nieożywiony przedmiot, zwykle pospolite przedmioty-który może być zarówno naturalne (jedzenie, kwiaty, rośliny, skały, lub muszli) lub sztuczne (picie szklanki, książki, wazony, biżuteria, monety , rury i tak dalej). Wywodzące się ze średniowiecza i starożytnej sztuki greckiej/rzymskiej obrazy martwej natury dają artyście większą swobodę w aranżacji elementów projektu w ramach kompozycji niż obrazy przedstawiające inne rodzaje tematów, takie jak pejzaże lub portrety . Obrazy martwej natury, zwłaszcza przed 1700 rokiem, często zawierały symbolikę religijną i alegoryczną odnoszącą się do przedstawianych obiektów. Niektóre współczesne martwe natury przełamują dwuwymiarową barierę i posługują się trójwymiarowymi mediami mieszanymi, wykorzystując znalezione przedmioty, fotografię, grafikę komputerową, a także wideo i dźwięk.

Weduta

Veduta jest bardzo szczegółowe, zwykle obraz dużą skalę z krajobrazu miasta lub jakiegoś innego Vista. Ten gatunek z krajobrazu pochodzi z Flandrii , gdzie artyści tacy jak Paul Bril malowane Vedute już w 16 wieku. Gdy trasa Grand Tour stała się nieco ustandaryzowana, weduta znanych scen, takich jak Forum Romanum lub Canal Grande, przywołała wczesne wyprawy na kontynent dla arystokratycznych Anglików. Pod koniec XIX wieku bardziej osobiste wrażenia pejzaży miejskich zastąpiły dążenie do dokładności topograficznej, którą zaspokajały zamiast tego malowane panoramy .

Zobacz też

• XX-wieczne malarstwo zachodnie
• Malowanie pajęczyny
• Rysunek
• Grafika
• Indeks artykułów związanych z malarstwem
• Lista najdroższych obrazów
• Zarys malarstwa
• Outsourcing malarski w Chinach
• Dzieła wizualne
• Obraz

Uwagi

Dalsza lektura

• Daniel, H. (1971). Encyklopedia tematów i przedmiotów w malarstwie; Mitologiczne, biblijne, historyczne, literackie, alegoryczne i aktualne . Nowy Jork: Harry N. Abrams Inc.
• W. Stanley Jr. Taft, James W. Mayer, The Science of Paintings , wydanie pierwsze, Springer, 2000.