Muzyka popularna - Popular music

Muzyka popularna to muzyka ciesząca się dużym zainteresowaniem, która jest zazwyczaj rozpowszechniana wśród dużej liczby odbiorców za pośrednictwem przemysłu muzycznego . Te formy i style mogą być wykorzystywane przez osoby z niewielkim wykształceniem muzycznym lub bez takiego wykształcenia . Kontrastuje zarówno z muzyką artystyczną, jak i muzyką tradycyjną czy „ludową” . Muzyka artystyczna była historycznie rozpowszechniana poprzez wykonania muzyki pisanej , choć od początku istnienia przemysłu nagraniowego jest również rozpowszechniana poprzez nagrania . Tradycyjne formy muzyczne, takie jak wczesne piosenki bluesowe czy hymny, były przekazywane ustnie lub mniejszej, lokalnej publiczności.

Pierwotne zastosowanie tego terminu dotyczy muzyki z okresu Tin Pan Alley w Stanach Zjednoczonych z lat 80-tych XIX wieku . Chociaż muzyka popularna jest czasami nazywana „muzyką pop”, te dwa terminy nie są wymienne. Muzyka popularna jest ogólnym terminem dla szerokiej gamy gatunków muzycznych, które trafiają w gusta dużej części populacji, podczas gdy muzyka pop zwykle odnosi się do określonego gatunku muzycznego w muzyce popularnej. Popularne piosenki i utwory muzyczne mają zazwyczaj łatwe do zaśpiewania melodie . Struktura piosenki muzyki popularnej powszechnie wiąże się powtórki odcinków, z wierszem i chór lub refren powtórzenie całej piosenki i most zapewniając kontrastowy i przejściową sekcję w kawałku. Od lat 60. do połowy 2000 r. albumy zawierające piosenki były dominującą formą nagrywania i konsumpcji anglojęzycznej muzyki popularnej, w okresie znanym jako epoka albumów .

W 2000 roku, gdy utwory i utwory były dostępne jako cyfrowe pliki dźwiękowe, muzyka stała się łatwiejsza do rozprzestrzeniania się z jednego kraju lub regionu do drugiego. Niektóre popularne formy muzyczne stały się globalne, podczas gdy inne mają szeroki oddźwięk w kulturze, z której pochodzą. Poprzez mieszanie gatunków muzycznych powstają nowe popularne formy muzyczne, które odzwierciedlają ideały globalnej kultury. Przykłady Afryki , Indonezji i Bliskiego Wschodu pokazują, jak zachodnie style muzyki pop mogą łączyć się z lokalnymi tradycjami muzycznymi, tworząc nowe style hybrydowe.

Definicja

Jakiś rodzaj muzyki popularnej istnieje tak długo, jak długo istnieje miejska klasa średnia, która ją konsumuje. To, co ją wyróżnia przede wszystkim to poziom estetyczny, do którego jest skierowany. Do elity kulturowe zawsze obdarzony muzykę z wzniosłym jeśli nie samo ważny stan religijnych lub estetycznych, podczas gdy na wsi ludowej , to był praktyczny i unselfconscious, dodatek do pracy w terenie lub na festiwalach, które zapewniają okresowe ucieczki z trudem. Ale od czasów Rzymu i Aleksandrii profesjonalni artyści odwracali uwagę i podbudowywali mieszkańców miast pieśniami, marszami i tańcami, których pretensje wypadły gdzieś pomiędzy.

Robert Christgau , w Encyklopedii Colliera (1984)

Uczeni klasyfikują muzykę jako „popularną” na podstawie różnych czynników, w tym tego, czy piosenka lub utwór staje się znany słuchaczom głównie ze słuchania muzyki (w przeciwieństwie do muzyki klasycznej , w której wielu muzyków uczy się utworów z nut ); jego atrakcyjność dla różnych słuchaczy, traktowanie go jako towaru rynkowego w kontekście kapitalistycznym i inne czynniki. Sprzedaż „nagrań” czy zapisów nutowych to jedna miara. Middleton i Manuel zauważają, że ta definicja ma problemy, ponieważ wielokrotne odsłuchania lub odtworzenia tej samej piosenki lub utworu nie są liczone. Ocena atrakcyjności w oparciu o wielkość publiczności (atrakcyjność masową) lub to, czy publiczność należy do określonej klasy społecznej, jest innym sposobem definiowania muzyki popularnej, ale to również stwarza problemy, ponieważ kategorie społeczne ludzi nie mogą być dokładnie zastosowane do stylów muzycznych. Manuel stwierdza, że ​​jednym z zarzutów dotyczących muzyki popularnej jest to, że jest ona produkowana przez wielkie konglomeraty medialne i biernie konsumowana przez publiczność, która jedynie kupuje lub odrzuca produkowaną muzykę. Twierdzi, że słuchacze w scenariuszu nie byliby w stanie dokonać wyboru ulubionej muzyki, co neguje dotychczasową koncepcję muzyki popularnej. Ponadto „z biegiem czasu zmieniały się rozumienie muzyki popularnej”. Middleton twierdzi, że gdyby przeprowadzono badania w dziedzinie muzyki popularnej, w społeczeństwach istniałby pewien poziom stabilności pozwalający na scharakteryzowanie okresów historycznych, dystrybucji muzyki oraz wzorców wpływów i ciągłości w obrębie popularnych stylów muzycznych.

Anahid Kassabian podzielił muzykę popularną na cztery kategorie:

  • „popularny jako populistyczny ” lub mający podtekst wyzwolenia i ekspresji;
  • „popularny jak folk ”, czyli stwierdzenie, że muzyka jest pisana przez ludzi dla siebie;
  • „popularny jako kontrkultura ” lub umożliwienie obywatelom działania przeciwko uciskowi, z którym się spotykają;
  • „popularny jak masa”, czyli muzyka staje się narzędziem opresji .

Muzyka popularna danego społeczeństwa odzwierciedla ideały, które były powszechne w czasie, gdy jest wykonywana lub publikowana. David Riesman twierdzi, że młodzieżowa publiczność muzyki popularnej pasuje albo do grupy większościowej, albo do subkultury . Grupa większościowa słucha stylów produkowanych komercyjnie, podczas gdy subkultury znajdują styl mniejszościowy do przekazywania własnych wartości. Dzięki temu młodzież może wybrać, z jaką muzyką się utożsamia, co daje im siłę jako konsumentom do kontrolowania rynku muzyki popularnej.

Krytyk muzyczny Robert Christgau ukuł termin „muzyka półpopularna” w 1970 roku, aby opisać nagrania, które wydawały się dostępne do powszechnej konsumpcji, ale okazały się nieskuteczne komercyjnie. „Zdałem sobie sprawę, że dzieje się coś innego – system dystrybucji wydawał się słabnąć, FM i tak dalej”, napisał później w Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies (1981), powołując się na takie płyty, jak The Velvet Underground i The Gilded. Palace of Sin ( Flying Burrito Brothers ) miał populistyczne cechy, ale nie wpłynął na rekordy . „Tak jak muzyka półklasyczna jest systematyczne rozcieńczenie intelektualista preferencji, muzyka semipopular to krzyżówka stężenie trybach modne”. W jego mniemaniu upodobanie „do wstrętnych, brutalnych i krótkich intensyfikuje powszechną, półpopularną tendencję, w której liryczne i konceptualne wyrafinowanie jest oklaskiwane, podczas gdy wyrafinowanie muzyczne – kotlety jazzowe, klasyczne wzornictwo lub awangardowe innowacje – jest pozostawione specjalistom”.

Forma zachodniej muzyki popularnej

Forma w muzyce popularnej jest najczęściej przekrojowa , najczęściej spotykanymi odcinkami są zwrotka , refren lub refren oraz brydż . Inne popularne formy to 32-taktowa forma , forma chóru * (Middleton s. 30) i 12-taktowy blues . Popularne piosenki muzyczne rzadko są komponowane przy użyciu innej muzyki dla każdej zwrotki tekstu (o utworach skomponowanych w ten sposób mówi się, że są „ skomponowane w całości ”).

Za podstawowe elementy uważa się zwrotkę i refren. Każda zwrotka ma zwykle tę samą melodię (być może z niewielkimi modyfikacjami), ale w większości zwrotek tekst się zmienia. Refren (lub „refren”) zwykle ma frazę melodyczną i kluczową linię liryczną, która jest powtarzana. Piosenki pop mogą mieć wprowadzenie i kodę („tag”), ale te elementy nie są niezbędne dla tożsamości większości utworów. Popowe piosenki, w których występują zwrotki i refren, często mają pomost, czyli sekcję, która łączy zwrotkę i refren w jednym lub kilku punktach utworu.

Zwrotka i refren są zwykle powtarzane przez całą piosenkę, podczas gdy przejście, intro i koda (zwane także „outro”) są zwykle używane tylko raz. Niektóre popowe piosenki mogą mieć sekcję solową, szczególnie w popu inspirowanym rockiem lub bluesem . Podczas sekcji solowej jeden lub więcej instrumentów gra linię melodyczną, która może być melodią używaną przez wokalistę lub, w popu inspirowanym bluesem lub jazzem, solo może być improwizowane w oparciu o progresję akordów . W solo występuje zwykle jeden wykonawca instrumentalny (np. gitarzysta lub harmonijkarz ) lub rzadziej więcej niż jeden instrumentalista (np. trębacz i saksofonista ).

Trzydziestodwutaktowa forma wykorzystuje cztery sekcje, najczęściej po osiem taktów każdy (4×8=32), dwa wersety lub sekcje A, kontrastującą sekcję B (most lub „środek ósemki”) i powrót wersu w ostatniej sekcji A (AABA). Forma zwrotka-refren lub forma ABA może być łączona z formą AABA, w złożonych formach AABA. Można również stosować odmiany takie jak a1 i a2. Powtórzenie jednej progresji akordów może odznaczyć jedyną sekcję w prostej formie zwrotki, takiej jak dwunastotaktowy blues.

Rozwój w Ameryce Północnej i Europie

Przemysł

Dziewiętnastowieczna piosenkarka Jenny Lind przedstawiła wykonanie La sonnambula

„Najważniejszą cechą wyłaniającego się popularnego przemysłu muzycznego końca XVIII i początku XIX wieku był zakres jego koncentracji na towarowej formie nut ”. Dostępność niedrogich, ogólnodostępnych zapisów nutowych piosenek popularnych i utworów instrumentalnych pozwoliła na upowszechnienie muzyki wśród szerokiego grona muzyków amatorów z klasy średniej, którzy mogli grać i śpiewać muzykę popularną w domu. Amatorskie muzykowanie w XIX wieku często koncentrowało się wokół fortepianu , ponieważ instrument ten mógł grać melodie , akordy i linie basowe, umożliwiając w ten sposób pianistowi odtwarzanie popularnych piosenek i utworów. Oprócz wpływu nut, innym czynnikiem była rosnąca dostępność na przełomie XVIII i XIX wieku publicznych występów muzyki popularnej w „ogrodach rozkoszy i salach tanecznych , popularnych teatrach i salach koncertowych”.

Początkujący wykonawcy muzyki popularnej pracowali ramię w ramię z przemysłem nutowym, aby promować popularne nuty. Jednym z pierwszych wykonawców muzyki popularnej, który zyskał szeroką popularność, była szwedzka śpiewaczka operowa Jenny Lind , która koncertowała w Stanach Zjednoczonych w połowie XIX wieku. Oprócz amatorskiego muzykowania w salonach w XIX wieku, więcej osób zaczęło angażować się w muzykę w tej epoce, uczestnicząc w amatorskich chórach, dołączając do orkiestr dętych lub grając w amatorskich orkiestrach.

Centrum muzycznego przemysłu wydawniczego w USA pod koniec XIX wieku znajdowało się w nowojorskiej dzielnicy Tin Pan Alley . Wydawnictwo muzyczne Tin Pan Alley opracowało nową metodę promocji nut: nieustanną promocję nowych piosenek. Jedną z innowacji technologicznych, która przyczyniła się do rozpowszechnienia muzyki popularnej na przełomie wieków, były pianina grające . Grający na pianinie może być używany do nagrywania utworu fortepianowego wykonanego przez wprawnego pianistę. To nagrane wykonanie można „odtworzyć” na pianinie innego gracza. To pozwoliło większej liczbie melomanów usłyszeć nowe, popularne melodie fortepianowe. Na początku XX wieku wielkimi trendami w muzyce popularnej była rosnąca popularność teatrów wodewilowych i sal tanecznych oraz nowy wynalazek — gramofon . Przemysł płytowy rozwijał się bardzo szybko; „Do 1920 r. w Wielkiej Brytanii było prawie 80 firm fonograficznych, a w USA prawie 200”. Dostępność nagrań umożliwiła większemu procentowi populacji usłyszeć najlepszych śpiewaków i zespoły.

Nadawanie muzyki przez radio, rozpoczęte we wczesnych latach dwudziestych, pomogło rozpowszechnić popularne piosenki wśród ogromnej publiczności, umożliwiając znacznie większej części populacji słuchanie piosenek wykonywanych przez profesjonalnych śpiewaków i zespoły muzyczne, w tym osoby z grup o niższych dochodach, które wcześniej nie było mnie stać na bilety na koncerty. Transmisje radiowe zwiększyły zdolność autorów piosenek, piosenkarzy i liderów zespołów do zdobycia ogólnokrajowej sławy. Innym czynnikiem, który przyczynił się do upowszechnienia muzyki popularnej, było wprowadzenie pod koniec lat dwudziestych „mówiących obrazów” — filmów dźwiękowych — które obejmowały także muzykę i piosenki. Pod koniec lat 20. i przez całe lata 30. nastąpił ruch w kierunku konsolidacji w branży fonograficznej, co doprowadziło do dominacji kilku dużych firm w branży fonograficznej.

W latach 50. i 60. nowy wynalazek telewizji zaczął odgrywać coraz większą rolę w rozpowszechnianiu nowej muzyki popularnej. Programy rozrywkowe regularnie prezentowały popularnych piosenkarzy i zespoły. W latach 60. rozwój nowych technologii nagrywania, takich jak rejestratory wielościeżkowe, dał inżynierom dźwięku i producentom nagrań coraz większą rolę w muzyce popularnej. Korzystając z wielościeżkowych technik nagrywania, inżynierowie dźwięku mogli tworzyć nowe dźwięki i efekty dźwiękowe , które nie były możliwe przy użyciu tradycyjnych technik nagrywania „na żywo”, np. śpiewacy wykonujący własne chórki wokalne lub mający gitarzystów prowadzących grających na gitarach rytmicznych za solówką gitarową . W erze muzyki psychodelicznej w latach 60. studio nagraniowe było wykorzystywane do tworzenia jeszcze bardziej niezwykłych dźwięków, w celu naśladowania efektu zażywania środków halucynogennych , niektóre utwory wykorzystywały taśmy instrumentów odtwarzanych od tyłu lub przesuwały muzykę z jednej strony na drugą. stereofoniczny obraz. Następna dekada przyniosła odejście od tych wrażliwości, jak zauważył Robert Christgau w Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies (1981):

„W muzyce popularnej przyjęcie lat 70. oznaczało zarówno elitarne wycofanie się z brudnej sceny koncertowej i kontrkulturowej , jak i spekulacyjne dążenie do najniższego wspólnego mianownika w radiu FM i rocku albumowym … W latach 70. władzę przejęli potężni, jak rock przemysłowcy wykorzystali narodowe nastroje, aby zredukować potężną muzykę do często reakcyjnego gatunku rozrywki – i przemienić popularną bazę rocka z publiczności na rynek”.

W 1970 roku, tendencja do konsolidacji w branży nagrywania kontynuowane do punktu, że”... dominacja była w rękach pięciu wielkich organizacji ponadnarodowych, trzy amerykańskie własność ( WEA , RCA , CBS ) i dwa europejskim własność przedsiębiorstwa ( EMI , Poligram )". W latach 90. trend konsolidacyjny przybrał nowy obrót: konsolidację intermedialną. Tendencja ta spowodowała konsolidację wytwórni muzycznych z firmami filmowymi, telewizyjnymi, magazynami i innymi mediami, co ułatwiło promocję cross-marketingową między spółkami zależnymi. Na przykład śpiewająca gwiazda wytwórni płytowej może być promowana krzyżowo przez programy telewizyjne i magazyny konglomeratu .

„Wprowadzenie sprzętu cyfrowego (miksery, syntezatory, samplery, sekwencery)” w latach 80. zaowocowało tym, co Grove Dictionary of Music nazwał tworzeniem „nowych światów dźwięków”, a także ułatwieniem samodzielnej produkcji muzyki przez muzyków amatorów i „malutkie”. niezależne wytwórnie płytowe ”. W latach 90. dostępność oprogramowania do nagrywania dźwięku i oprogramowania jednostek efektów oznaczała, że ​​amatorski zespół indie mógł nagrać album – co w poprzednich dekadach wymagało w pełni wyposażonego studia nagraniowego – przy użyciu niewiele więcej niż laptopa i dobrej jakości mikrofonu . To powiedziawszy, jakość dźwięku nowoczesnych studiów nagraniowych wciąż przewyższa to, co może wyprodukować amator.

Krytyka

Zmiany

Oprócz wielu zmian w konkretnych dźwiękach i stosowanych technologiach, od lat 60. nastąpiła zmiana treści i kluczowych elementów muzyki popularnej . Jedną z głównych zmian jest spowolnienie muzyki popularnej; średni BPM popularnych piosenek z lat 60. wynosił 116, podczas gdy średnia z 2000 r. wynosiła 100 BPM. Ponadto piosenki, które w latach 60. pojawiały się w radiu, trwały średnio tylko około trzech minut. W przeciwieństwie do tego, większość piosenek na liście Billboard Top 5 w 2018 roku trwała od 3:21 do 3:40 minut. Odnotowano również spadek wykorzystania głównych kluczy i wzrost użycia kluczy mniejszych od 1960 roku; 85% piosenek było w tonacji durowej w tej dekadzie, podczas gdy tylko około 40% piosenek jest w tonacji durowej. Tematyka i teksty muzyki popularnej również uległy poważnym zmianom, stając się od lat 60. smutniejsze, a także bardziej antyspołeczne i egocentryczne. Zaobserwowano również rosnącą tendencję do emocjonalnej treści, tonacji i tempa piosenek, które nie są zgodne ze wspólnymi skojarzeniami; na przykład szybkie piosenki o smutnej tematyce lub w tonacji molowej lub wolne utwory o radosnej treści lub w tonacji durowej.

Istnieje wiele możliwych wyjaśnień wielu z tych zmian. Jednym z powodów zwięzłości piosenek w przeszłości była fizyczna zdolność nagrań . Single z płyt winylowych, które były bardzo popularne w radiu, miały miejsce tylko na około trzy minuty muzyki, co fizycznie ograniczało możliwą długość popularnych piosenek. Wraz z wynalezieniem płyt CD w 1982 r., a ostatnio dzięki streamingowi , muzyka może być tak długa lub krótka, jak życzą sobie tego zarówno pisarze, jak i słuchacze. Jednak piosenki znów się skróciły, częściowo ze względu na wszechobecność streamingu. Średnia długość utworu w 2018 roku wynosiła 3 minuty i 30 sekund, czyli o 20 sekund krócej niż średnia w 2014 roku. Najbardziej prawdopodobną przyczyną jest to, że artyści są teraz opłacani za pojedynczy strumień, a dłuższe utwory mogą oznaczać mniej strumieni. Jeśli chodzi o różnice w tematyce i zawartości emocjonalnej piosenek, muzyka popularna od późnych lat 60. jest coraz częściej wykorzystywana do promowania zmian społecznych i programów politycznych. Artyści od tamtego czasu często koncentrowali swoją muzykę na bieżących wydarzeniach i tematach istotnych dla obecnych pokoleń. Inna teoria głosi, że globalizacja powoduje, że gusta słuchaczy są bardziej zróżnicowane, więc różne idee w muzyce mają szansę zyskać popularność.

Perspektywa globalna

W przeciwieństwie do zachodniej muzyki popularnej, gatunek muzyki, który jest popularny poza krajem zachodnim, jest klasyfikowany jako muzyka świata . Ta wytwórnia zamienia popularne style muzyczne w egzotyczną i nieznaną kategorię . Zachodnia koncepcja „muzyki świata” homogenizuje wiele różnych gatunków muzyki popularnej pod jednym, przystępnym terminem dla zachodnich odbiorców. Nowa technologia medialna sprawiła, że ​​miejskie style muzyczne przenikają do odległych obszarów wiejskich na całym świecie. Z kolei obszary wiejskie są w stanie przekazać ośrodkom miejskim informację zwrotną na temat nowych stylów muzycznych. Urbanizacja, modernizacja, kontakt z obcą muzyką i środkami masowego przekazu przyczyniły się do hybrydyzacji miejskich stylów pop. Hybrydowe style znalazły również miejsce w zachodniej muzyce popularnej poprzez ekspresję ich kultury narodowej. Kultury odbiorców zapożyczają elementy z kultur gospodarzy i zmieniają znaczenie i kontekst znajdujący się w kulturze gospodarza. Z kolei wiele zachodnich stylów stało się stylami międzynarodowymi dzięki międzynarodowym studiom nagraniowym.

Afryka

Senegalski raper Didier Awadi

Popularne afrykańskie style muzyczne wywodzą się z tradycyjnych gatunków rozrywkowych, a nie ewoluują z muzyki używanej podczas niektórych tradycyjnych ceremonii, takich jak śluby, narodziny czy pogrzeby. Afrykańska muzyka popularna jako całość była pod wpływem krajów europejskich, muzyki afroamerykańskiej i afro-latynoskiej oraz stylów specyficznych dla regionu, które stały się popularne wśród szerszego grona ludzi. Chociaż ze względu na znaczenie i silną pozycję kultury w tradycyjnej muzyce afrykańskiej, afrykańska muzyka popularna pozostaje w korzeniach tradycyjnej afrykańskiej muzyki popularnej. Gatunek muzyki, Maskanda , jest popularny w kulturze pochodzenia, w RPA. Chociaż maskanda jest z definicji tradycyjnym gatunkiem muzycznym, ludzie, którzy jej słuchają, wpływają na ideały, które w muzyce niesie. Popularny artysta maskandi, Phuzekhemisi, musiał zmniejszyć wpływy polityczne w swojej muzyce, aby być gotowym do wejścia w sferę publiczną. Jego producent muzyczny, West Nikosi, szukał komercyjnego sukcesu w muzyce Phuzekhemisiego, zamiast wszczynać polityczne kontrowersje.

Pieśni polityczne były ważną kategorią afrykańskiej muzyki popularnej w wielu społeczeństwach. Podczas walki kontynentu z kolonialnymi pieśniami nacjonalistyczne pieśni podniosły morale obywateli. Te pieśni były oparte na zachodnich marszach i hymnach odzwierciedlających europejski system edukacji, w którym dorastali pierwsi przywódcy nacjonalistyczni. Nie wszystkie afrykańskie piosenki polityczne opierały się na zachodnich stylach. Na przykład w Republice Południowej Afryki pieśni polityczne podczas Ruchu Anty-Apartheid opierały się na tradycyjnych stylach plemiennych wraz z hybrydowymi formami gatunków importowanych. Aktywiści wykorzystywali piosenki protestacyjne i wolnościowe, aby przekonać jednostki do podjęcia działań, zdobyć wiedzę o walce i wzmocnić świadomość polityczną innych. Pieśni te odzwierciedlały niuanse między różnymi klasami zaangażowanymi w walkę o wyzwolenie.

Jednym z gatunków, których ludzie w Afryce używają do wyrażania poglądów politycznych, jest hip hop . Chociaż hip-hop w Afryce opiera się na szablonie z Ameryki Północnej, został przerobiony, aby nadać nowe znaczenia afrykańskiej młodzieży. Dzięki temu gatunek może mieć wpływ zarówno lokalnie, jak i globalnie. Afrykańską młodzież kształtuje zdolność szybko rozwijającego się gatunku do komunikowania się, edukowania, wzmacniania i rozrywki. Artyści, którzy zaczynali w tradycyjnych gatunkach muzycznych, jak maskanda, zostali artystami hip hopu, aby zapewnić sobie silniejszą ścieżkę kariery. Ci raperzy porównują się do tradycyjnych artystów, takich jak griot i ustny gawędziarz, którzy obaj odegrali rolę w refleksji nad wewnętrzną dynamiką większego społeczeństwa. Afrykański hip hop tworzy kulturę młodzieżową, inteligencję społeczności i globalną solidarność.

Azja

Indonezja

Noah , jeden z popularnych zespołów w Indonezji

Muzykę popularną w Indonezji można sklasyfikować jako hybrydę form zachodniego rocka z gatunkami wywodzącymi się z Indonezji i stylami tubylczymi. Gatunek muzyczny, Dangdut , to gatunek muzyki popularnej, który występuje w Indonezji . Dangdut utworzył dwa inne style muzyki popularnej, Indo-pop i Underground , aby razem stworzyć nowy gatunek hybrydowy lub fusion. Gatunek czerpie hałaśliwe instrumentacje z Underground, ale nadal sprawia, że ​​słucha się go łatwo jak Indo-pop. Dangdut próbuje stworzyć wiele popularnych gatunków muzycznych, takich jak rock, pop i muzyka tradycyjna, aby stworzyć ten nowy dźwięk, który pasuje do gustów konsumentów. Ten gatunek uformował się w większy ruch społeczny, który obejmuje odzież, kulturę młodzieżową, odrodzenie islamu i kapitalistyczny przemysł rozrywkowy.

Inną sceną muzyczną popularną w Indonezji jest punk rock . Gatunek ten został ukształtowany w Indonezji przez lokalne interpretacje mediów z większego globalnego ruchu punkowego. Jeremy Wallach twierdzi, że chociaż Green Day był postrzegany jako „śmierć punka”, w Indonezji byli katalizatorem większego ruchu punkowego. Punk w Indonezji wzywa anglojęzyczny świat do objęcia globalnych sekt kultury punkowej i otwartości na transnarodowy gatunek.

Chiny

W badaniu z 2015 r. z udziałem młodych studentów w Szanghaju młodzież stwierdziła, że ​​lubią słuchać zarówno chińskiej, innych narodowości azjatyckich, jak i anglo-amerykańskiej muzyki popularnej. Są trzy sposoby, dzięki którym młodzi Chińczycy mogli uzyskać dostęp do światowej muzyki. Pierwszym powodem była zmiana polityki od końca lat siedemdziesiątych, kiedy kraj zamiast być samowystarczalny, otworzył się na resztę świata. Stworzyło to więcej możliwości dla Chińczyków na interakcję z ludźmi spoza ich kraju pochodzenia w celu stworzenia bardziej zglobalizowanej kultury. Drugim powodem jest to, że chiński przemysł telewizyjny i muzyczny od lat 80-tych nadaje programy telewizyjne z sąsiednich społeczeństw azjatyckich i Zachodu. Trzecim powodem jest wpływ internetu i smartfonów na dostępność strumieniowej muzyki.

W 2015 r. studenci w Chinach stanowili 30,2% chińskiej populacji internetowej, a trzecim i piątym najpopularniejszym sposobem korzystania z Internetu było odpowiednio korzystanie z muzyki w Internecie i wideo w Internecie. Młodzież opisywała, że ​​jest w stanie połączyć się z emocjami i językiem chińskiej muzyki, ale także cieszyła się melodiami występującymi w muzyce anglo-amerykańskiej. Uczniowie wierzyli również, że słuchanie angielskiej muzyki poprawi ich znajomość języka angielskiego.

Bliski Wschód

Irański zespół rockowy Kiosk , koncert w 2007 r.

Modernizacja muzyki w świecie arabskim polegała na czerpaniu inspiracji z muzyki tureckiej i zachodnich stylów muzycznych. Nieżyjąca już egipska piosenkarka Umm Kulthum stwierdziła:

„Musimy szanować siebie i naszą sztukę. Hindusi dali nam dobry przykład – okazują ogromny szacunek dla siebie i swojej sztuki. Gdziekolwiek są, noszą swoje rodzime stroje, a ich muzyka jest znana na całym świecie. właściwa droga."

Omówiła to, aby wyjaśnić, dlaczego Egipt i świat arabski musiał być dumny z popularnych stylów muzycznych wywodzących się z ich kultury, aby style te nie zostały utracone podczas modernizacji. Lokalni muzycy nauczyli się zachodnich stylów instrumentalnych, aby stworzyć własne popularne style, w tym ich ojczyste języki i rdzenne cechy muzyczne. Społeczności w całym świecie arabskim przywiązują dużą wagę do swoich rdzennych tożsamości muzycznych, asymilując się z nowymi stylami muzycznymi z sąsiednich krajów lub środków masowego przekazu. W latach 80. i 90. muzyka popularna była postrzegana jako problem dla irańskiego rządu z powodu niereligijnych znaczeń w muzyce i ruchów ciała, takich jak taniec czy headbanging. W tym czasie metal stał się popularną subkulturą undergroundową na Bliskim Wschodzie . Podobnie jak ich zachodni odpowiednicy, zwolennicy metalu z Bliskiego Wschodu wyrażali swoje poczucie wyobcowania. Ale ich myśli pochodziły z wojny i społecznych ograniczeń młodzieży.

W wywiadach z irańskimi nastolatkami w latach 1990-2004 młodzież generalnie preferowała zachodnią muzykę popularną, mimo że była zakazana przez rząd. Irańskie undergroundowe zespoły rockowe składają się z członków, którzy są młodymi, miejskimi, wykształconymi, stosunkowo zamożnymi i globalnymi istotami. Irański rock jest opisywany przez cechy, które posiadają ci członkowie zespołu. Młodzież biorąca udział w muzyce undergroundowej na Bliskim Wschodzie jest świadoma ograniczeń społecznych swoich krajów, ale nie jest optymistycznie nastawiona do zmian społecznych. Irańskie zespoły rockowe przyjęły pozycję internacjonalistyczną, aby wyrazić swój bunt z dyskursów w ich rządach krajowych.

Zobacz też

Bibliografia

Dalsza lektura

  • TW Adorno z G. Simpsonem: „O muzyce popularnej”, Studia z filozofii i nauk społecznych , IX (1941), 17-48
  • D. Brackett: Interpreting muzyki popularnej (Cambridge, 1995)
  • Brøvig-Hanssen, Ragnhild i Danielsen, Anne (2016). Podpisy cyfrowe: wpływ cyfryzacji na dźwięk muzyki popularnej . MIT Naciśnij. ISBN  9780262034142
  • Larry Freeman: The Melody Lingers on: 50 Years of Popular Song (Watkins Glen, NY: Century House, 1951). 212 pkt. NB .: Zawiera chronologię „50 lat przebojów piosenek”, na s. 193-215.
  • P. Gammond: The Oxford Companion to Popular Music (Oxford, 1991)
  • Haddix, Chuck. Rags to Be-bop: Dźwięki Muzyki Kansas City, 1890-1945 . [Tekst:] Chuck Haddix (Kansas City, MO: University of Missouri at Kansas City, University Libraries, Marr Sound Archives, 1991). Bez numeru ISBN
  • P. Hardy i D. Laing: The Faber Companion to 20th-Century Popular Music (Londyn, 1990/R)
  • R. Iwaschkin: Muzyka popularna: przewodnik referencyjny (Nowy Jork, 1986)
  • J. Kotarba, B. Merrill, JP Williams i P. Vannini Understanding Society poprzez muzykę popularną. NY: Routledge, 2013 (wyd. drugie) ISBN  9780415 641951
  • Larkin, Colin. Encyklopedia Muzyki Popularnej . Oxford University Press, 2006 ISBN  9780195313734 (10 tomów)
  • R. Middleton: Studiowanie muzyki popularnej (Milton Keynes, 1990)
  • Moore, Allan F., wyd. Analiza muzyki popularnej . Wydawnictwo Uniwersytetu Cambridge, 2003.
  • M. Sorce Keller : „Kontynuacja opery innymi środkami: opera, pieśń neapolitańska i muzyka popularna wśród włoskich imigrantów za granicą”, Forum Italicum , tom. XLIX(2015), nr 3, 1-20.

Zewnętrzne linki