Scott Pilgrim kontra świat -Scott Pilgrim vs. the World

Scott Pilgrim kontra świat
Plakat z premierą kinową
W reżyserii	Edgar Wright
Scenariusz autorstwa
Oparte na	Scott Pilgrim autorstwa Bryana Lee O'Malley
Wyprodukowano przez
W roli głównej
Kinematografia	Bill Papież
Edytowany przez
Muzyka stworzona przez	Nigel Godrich
Firmy produkcyjne
Dystrybuowane przez	Uniwersalne zdjęcia
Data wydania
Czas trwania	112 minut
Kraje
Język	język angielski
Budżet	60–85 mln USD
Kasa biletowa	49,3 miliona dolarów

Scott Pilgrim vs. the World to romantyczna komedia akcji z 2010roku, napisana wspólnie z Edgarem Wrightem ,wyprodukowana i wyreżyserowana przez Edgara Wrighta , oparta naserii powieści graficznych Scott Pilgrim autorstwa Bryana Lee O'Malleya . W filmie występuje Michael Cera jako Scott Pilgrim , leniwy muzyk, który próbuje wygrać konkurs na kontrakt płytowy, jednocześnie walcząc z siedmioma złymi eks swojej najnowszej dziewczyny Ramony Flowers , granej przez Mary Elizabeth Winstead .

Filmowa adaptacja komiksów została zaproponowana po wydaniu pierwszego tomu, a Wright został dołączony do projektu wcześnie. Zdjęcia rozpoczęły się w marcu 2009 w Toronto i zakończyły w sierpniu. Film miał swoją premierę po dyskusji panelowej w San Diego Comic-Con International w dniu 22 lipca 2010 r. i został szeroko wydany w Ameryce Północnej 13 sierpnia. Został ponownie wydany z okazji 10-lecia w Wielkiej Brytanii 21 sierpnia, 2020, a Stany Zjednoczone 30 kwietnia 2021 r.

Film wykorzystuje słynne elementy scenerii Toronto i pasuje do stylu gier wideo i komiksów. Wykorzystał prawdziwe zespoły, w tym Beck i Metric , jako podstawę dla każdej fikcyjnej grupy w fabule bitwy o zespoły , a niektórzy aktorzy również występowali. Do stworzenia rozbudowanych efektów wizualnych wykorzystano kombinację metod cyfrowych i fizycznych.

Była to bomba kasowa, której nie udało się odzyskać 85 milionów dolarów budżetu produkcyjnego. Jednak film otrzymał pozytywne recenzje od krytyków, którzy zwrócili uwagę na jego styl wizualny i humor, i ostatecznie zyskał kultową publiczność . Scott Pilgrim vs. the World znalazł się na kilkudziesięciu listach w pierwszej dziesiątce i otrzymał ponad 70 nagród i nominacji . Został nominowany do kategorii Najlepsze Efekty Wizualne na 83. Oscara . W analizie naukowej był szeroko omawiany jako narracja transmedialna .

Wątek

W Toronto 22-letni Scott Pilgrim jest basistą swojego nieudanego niezależnego zespołu garażowego Sex Bob-Omb. Spotyka się z Knives Chau, 17-letnim uczniem liceum, ku dezaprobacie jego przyjaciół z zespołu, współlokatora Wallace'a Wellsa i młodszej siostry Stacey Pilgrim. Scott poznaje amerykańską dostawcę Amazonki , Ramonę Flowers , po tym, jak pierwszy raz zobaczył ją we śnie. Traci zainteresowanie Nożami, ale nie zrywa z nią przed ściganiem Ramony. Kiedy Sex Bob-Omb bierze udział w bitwie między zespołami sponsorowanymi przez dyrektora wytwórni Gideona Gravesa, Scott zostaje zaatakowany przez byłego chłopaka Ramony, Matthew Patela. Scott pokonuje Patela i dowiaduje się, że aby umówić się z Ramoną, musi pokonać jej pozostałych sześciu złych byłych.

Scott w końcu zrywa z Knivesem, który obwinia Ramonę i przysięga, że ​​go odzyska. Tymczasem Scott przechodzi do zaatakowany przez i porażek, następne trzy z eks Ramona: aktor Hollywood i skater Lucas Lee, super zasilanego wegańskiej Todd Ingram i lesbijek ninja Roxy Richter, a także konfrontacji swoją ex, pop gwiazda Envy Adams . Jednak Scott staje się sfrustrowany w trakcie tego procesu i po wybuchu dotyczącym historii randek Ramony, zrywa z nim.

W kolejnej bitwie zespołów Sex Bob-Omb pokonuje piątego i szóstego złego ex Ramony, bliźniaków Kyle'a i Kena Katayanagi, co daje Scottowi dodatkowe życie . Mimo to Ramona wydaje się wracać ze swoim siódmym złym byłym, Gideonem. Sex Bob-Omb akceptuje kontrakt płytowy Gideona , z wyjątkiem Scotta, który odchodzi z zespołu w proteście. Gideon zaprasza Scotta do swojego miejsca, Chaos Theatre, gdzie gra Sex Bob-Omb. Postanawiając odzyskać Ramonę, Scott wyzywa Gideona do walki o jej uczucia, zdobywając miecz „Moc miłości”. Noże przerywa bitwę, atakując Ramonę, a Scott jest zmuszony wyjawić, że zdradził ich oboje. Gideon zabija Scotta, a Ramona odwiedza go w stanie zawieszenia, aby ujawnić, że Gideon wszczepił jej urządzenie do kontroli umysłu .

Scott używa swojego 1-upa, aby wrócić do życia i ponownie wkracza do Teatru Chaosu. Zawiera pokój ze swoimi przyjaciółmi i ponownie rzuca Gideonowi wyzwanie, tym razem dla siebie, zdobywając miecz „Moc szacunku dla samego siebie”. Po przeproszeniu Ramony i Knivesa za zdradę i zaakceptowaniu własnych błędów, Scott i Knives łączą siły i pokonują Gideona.

Uwolniona spod kontroli Gideona Ramona przygotowuje się do wyjścia. Knives akceptuje, że jej związek ze Scottem się skończył i, za jej zachętą, odchodzi z Ramoną, by „spróbować ponownie”.

Rzucać

Produkcja

Scott Pilgrim vs. the World była międzynarodową koprodukcją kilku firm: Marc Platt Productions (Stany Zjednoczone), Big Talk Films (Wielka Brytania), Closed On Mondays Entertainment (Stany Zjednoczone) i Dentsu (Japonia).

Rozwój

Edgar Wright i Bryan Lee O'Malley na Comic-Con 2010 w San Diego . W swoim rozdziale poświęconym komiksowi w Icons of the American Comic Book , Dave Wallace napisał, że „Wright był idealnym wyborem do kierowania filmem Scotta Pilgrima , biorąc pod uwagę jego doświadczenia związane z reżyserowaniem brytyjskiego sitcomu Spaced . Podobnie jak Scott Pilgrim, bohaterowie Spaced oglądali film świat przez filtr agregujący różne elementy popkultury”.

Gdy artysta Bryan Lee O'Malley ukończył pierwszy tom Scotta Pilgrima , jego wydawca Oni Press skontaktował się z producentem Markiem Platt, aby zaproponować adaptację filmową . O'Malley początkowo miał mieszane uczucia co do adaptacji filmowej, stwierdzając, że „spodziewał się, że zmienią ją w pełnoprawną komedię akcji z jakimś aktorem, którego [on] nienawidził”, choć też „nie obchodziło go to”, przyznając : „Byłem głodnym artystą i pomyślałem: »Proszę, daj mi trochę pieniędzy«”. Universal Studios podpisał kontrakt z reżyserem Edgarem Wrightem , który właśnie ukończył wydany w 2004 roku Shaun of the Dead i zgodził się na adaptację Scott Pilgrim komiksy. Wright po raz pierwszy zainteresował się nakręceniem filmu, gdy otrzymał przedpremierową kopię pierwszej powieści graficznej podczas trasy prasowej Shaun of the Dead , a później powiedział, że „wszystko, co [on] uznał za interesujące w książce i dlaczego wydawało się świeże i wyjątkowy, był nie do odparcia." W maju 2005 roku studio podpisało scenariusz z Michaelem Bacallem .

Wright przytoczył film Mario Bavy z 1968 roku Danger: Diabolik (kolejna adaptacja serialu komiksowego) jako wpływ na jego podejście do Scotta Pilgrima , stwierdzając, że wziął „włoski wpływ, poczucie całkowicie nieokiełznanej wyobraźni. każda próba, aby wyglądała realistycznie. Kompozycja i inscenizacja Mario Bavy mają naprawdę nastawienie na próbowanie wszystkiego." Inne wpływy na scenarzystów to filmy muzyczne, takie jak Beyond the Valley of the Dolls , Dig! , a zwłaszcza Upiór z raju . Film czerpie również elementy stylu z powieści graficznych, w tym użycie komiksowego tekstu jako grafiki (np. onomatopei efektów dźwiękowych), które Wright i O'Malley opisują jako „jedynie wewnętrzną perspektywę tego, jak Scott rozumie siebie i świat". Został opisany zarówno jako gra wideo, jak i film komiksowy.

Bacall powiedział, że chciał napisać film Scotta Pilgrima, ponieważ mocno czuł jego historię i wczuwał się w jego bohaterów. Wright powiedział, że O'Malley był „bardzo zaangażowany” w scenariusz filmu od samego początku, dodając teksty i dodając połysk. Ze względu na długi rozwój, kilka linijek z różnych skryptów napisanych przez Wrighta i Bacalla zostało wykorzystanych w późniejszych komiksach Scotta Pilgrima . Drugi szkic scenariusza, który według O'Malleya „stał się głównym szkicem filmu”, został przesłany o północy w nocy, w którą miał się rozpocząć strajk pisarzy w październiku 2007 roku. Brak materiału z „Najlepszej godziny” Scotta Pilgrima , szóstego Tom Scott Pilgrim pojawił się w filmie, ponieważ komiks nie był kompletny w momencie produkcji filmu; O'Malley przedstawił sugestie dotyczące zakończenia filmu i przekazał producentom swoje notatki do szóstego tomu, ale stwierdził, że zakończeniem filmu było „ich zakończenie”. Niektóre pomysły na zakończenie filmu zostały wycięte przed produkcją, w tym to, że Scott okazałby się seryjnym mordercą, który fantazjował o aspektach gry, a Gideon zamieniłby się w robota w stylu Transformers .

Obsada głównych bohaterów rozpoczęła się w czerwcu 2008 roku. Zdjęcia testowe rozpoczęły się w lipcu 2008 roku, a Wright powiedział, że przed rozpoczęciem zdjęć był rok przygotowań. Przestał też pracować nad scenariuszem do Ant-Mana na dwa lata podczas produkcji filmu Scott Pilgrim kontra świat . Do 2009 roku zakończono casting i film nosił tytuł Scott Pilgrim vs. the World . Obsada spędziła dwa miesiące na wspólnym treningu walki przed filmowaniem, z Bradem Allanem i Peng Zhangiem z zespołu kaskaderskiego Jackie Chana ; Michael Cera powiedział, że „został kopnięty w gardło podczas treningu” i „spodziewał się, że będzie to rozdzierające, ale wcale nie bolało, co było naprawdę mylące”. Główne zdjęcia rozpoczęły się w marcu 2009 w Toronto i zakończyły się zgodnie z planem w sierpniu.

Fragment strony ze scenariusza filmu, przedstawiający nowe zakończenie.

W oryginalnym zakończeniu filmu, napisanym przed wydaniem ostatniej książki Scotta Pilgrima , Scott wraca razem z Nożami. O'Malley sprzeciwił się pierwszemu zakończeniu, ponieważ uważał, że osłabi to charakter Knivesa. Po wydaniu ostatniej książki z serii, w której Scott i Ramona wracają do siebie, i przy podzielonej reakcji publiczności na oryginalne zakończenie filmu, nakręcono nowe zakończenie pasujące do książek, w którym Scott i Ramona wrócili do siebie. O'Malley pomógł napisać nowe zakończenie, a Wright zadzwonił wcześniej do aktorki Knives Ellen Wong, myśląc, że może być rozczarowana zmianą, ale stwierdził, że podoba jej się ten pomysł. Ostateczne zakończenie zostało nakręcone trzy miesiące przed premierą filmu; Wright mówi, że to jego „preferowane zakończenie”. Film otrzymał budżet produkcyjny w wysokości 85–90 milionów dolarów, kwotę skompensowaną przez ulgi podatkowe, które skutkowały ostatecznym kosztem około 60 milionów dolarów. Universal pokrył 60 milionów dolarów z budżetu przed rabatem. Komentarz O'Malleya został nagrany 14 sierpnia 2010 roku, dzień po premierze kinowej filmu.

Ustawienie

Skrzyżowanie na Bathurst Street z pizzą Bloor Street West Pizza, użyte w filmie.

Miejsce Artscape Wychwood Barns zostało wykorzystane jako klub nocny na after party, na którym Scott walczy z Roxy.

Mural przedstawiający wejście do pałacu Lee przed 2010 r.

Jeden z producentów, Miles Dale, powiedział, że film jest „największym filmem, jaki kiedykolwiek można było zidentyfikować w Toronto ”. Film zawiera godne uwagi lokalizacje w Toronto: Casa Loma , St. Michael's College School , Sonic Boom, Toronto Public Library Wychwood Library, lokalizację Goodwill na St. Clair West, Second Cup , Pizza Pizza , Lee's Palace i Artscape Wychwood Barns . Produkcja planowała umieścić film w Toronto, ponieważ, według słów Dale'a, „książki są bardzo szczegółowe w swoich lokalnych szczegółach”, a reżyser Wright chciał wykorzystać obrazy z książek, więc Universal Studios nie planowało zmiany scenerii. Dale stwierdził, że „ Ulica Bathurst jest praktycznie korą mózgową Scotta Pilgrima”. David Fleischer z Torontoist napisał, że chociaż filmy rozgrywające się w Nowym Jorku pokazują wszystkie najważniejsze zabytki, „Scott Pilgrim rozkoszuje się prostotą” codziennych miejsc, które wciąż są rozpoznawalne w Toronto, takich jak skrzyżowanie Bathurst/Bloor i jedna restauracja Pizza Pizza.

Reżyser Wright, który mieszkał w tym mieście przez rok przed nakręceniem filmu, powiedział, że „jako brytyjski filmowiec kręcący [swój] pierwszy film poza Wielką Brytanią, [on] nie chciałby, aby ktokolwiek przyznawał mu winy za zdobycie zła lokalizacja”, trzymanie się prawdziwego Toronto i „kręcenie nawet najbardziej banalnych miejsc” w komiksie. Wright powiedział, że pierwszą rzeczą, jaką zrobił po przybyciu do Toronto, było zwiedzenie wszystkich miejsc z O'Malleyem, mówiąc, że dało mu to „rodzaj dotyku w prawdziwych lokalizacjach, które po prostu sprawiły, że wszystko było dobrze”, chociaż O'Malley nie pamiętał dokładnych miejsc niektórych, więc jeździli po okolicy, korzystając z jego komiksowych zdjęć referencyjnych, aby je znaleźć. Produkcja została dopuszczona do kręcenia w lokalizacjach Second Cup i Pizza Pizza, a Wright powiedział, że używanie ich zamiast Starbucksa „po prostu czuło się dobrze”, ponieważ „znaczy to coś dla kanadyjskiej publiczności, a ludzie z międzynarodowej widowni po prostu myślą, że zrobili Pizza Pizza ] się [sami]. Brzmi jak urocza marka filmowa”.

Wright powiedział, że był dumny z tego, że mógł nagrać oryginalny mural Pałacu Lee, zanim został usunięty; kazał też zrekonstruować stary bar na planie scen wewnętrznych, co zostało pozytywnie odebrane, gdy zespoły konsultujące film odwiedziły. Wright zasugerował, że „chcieli, aby zachowano go jako eksponat muzealny”. Kolejną przebudową był nieistniejący już klub Rock It z wnętrzem zbudowanym na scenie dźwiękowej. Sklep Sonic Boom został zmieniony z tego, jak wyglądał w komiksach, ale umożliwił przywrócenie jego wnętrzu do poprzedniego wyglądu do filmowania. W filmie zmieniono również tło: wiele krajobrazów zostało uproszczonych w postprodukcji, aby naśladować styl rysowania komiksów, w tym usunięto wiele drzew ze scen kręconych w Hillcrest Park i Turner Road.

Casa Loma służyła jako plan filmowy dla wielu różnych produkcji, więc pojawienie się w Scott Pilgrim vs. the World jako samo w sobie było planem filmowym zostało opisane jako "bardzo trippy". Scena w Casa Loma pokazuje także CN Tower i Baldwin Steps , z Donem McKellarem (który grał reżysera w tej scenie) donosząc, że „ludzie oszaleli” podczas premiery w Toronto, kiedy to grano. Walka z Casa Loma jest w oryginalnym komiksie, ale moment, w którym Scott Pilgrim jest przepychany przez matowy pejzaż miejski, aby odsłonić wieżę CN, został dodany tylko do filmu. W swoim rozdziale „Scott Pilgrim Gets It Together”: The Cultural Crossovers of Bryan Lee O'Malley” Mark Berninger nazywa to odkrycie „ironicznym odniesieniem do konkretnego miejsca filmowego” i mówi, że „jest to całkowicie zgodne z O. „Wykorzystanie przez Malleya metafikcyjnego komentarza do podkreślenia transnarodowej hybrydyczności właśnie poprzez podkreślenie kanadyjskiej tożsamości”.

Odlew

Casting odbył się w latach 2008-2010, z udziałem reżysera Wrighta i reżyserów castingu Jennifer Euston , Allison Jones i Robina D. Cooka. Cera została obsadzona w marcu 2008, a Winstead w maju. Pod koniec 2008 roku obsadzono Whitmana, Wonga i Kendricka; w styczniu 2009 r. Routh, Evans i Larson zostali ogłoszeni razem, a Webber, Pill, Simmons i Bhabha dodali mniej więcej w tym samym czasie. Casting statystów w Toronto rozpoczął się w lutym 2009 roku. Choć oparty na powieści graficznej o muzyku, eksperci i recenzenci uważają film za adaptację komiksu i film o superbohaterach , a w latach po premierze komentatorzy zauważyli, że film zawiera gwiazdorska obsada największych aktorów w komiksach i filmach o superbohaterach, z Noah Dominguez z CBR , mówiącym, że „ Scott Pilgrim kontra świat może mieć najlepszych aktorów z komiksów”. Patrick O'Donnell z NME napisał, że „znakomite aktorzy [zagrali] w komiksowych adaptacjach przed i po swoich rolach w Scott Pilgrim [wstrzykują] meta jakość do już i tak przełamującego gatunek stylu filmu”.

Reżyser Wright czuł się pewnie po obsadzie filmu, mówiąc, że „jak w przypadku Hot Fuzz [kiedy] mieli wspaniałych ludzi w każdej najmniejszej części, tak samo jest z tym. Wspaniałe w tym jest to, że są ludzie [jak] Michael [ Cera] i Jason [Schwartzman] i [...] ludzie, którzy się pojawiają i nadchodzą, jak Anna Kendrick, Aubrey Plaza i Brie Larson, a poza tym jest też kompletna niewiadoma”. Collider zauważył, że mniej znani aktorzy dobrze pasują do swoich ról, a Wright potwierdził, że nie wywierają dużej presji, aby znaleźć wiele wielkich nazwisk, dodając, że „Universal nigdy tak naprawdę nie sprawiał [mu] żadnych problemów z obsadzeniem większych osób, ponieważ w sposób, w jaki Michael [Cera] zagrał w dwóch filmach za ponad 100 milionów dolarów, a także wielu innych ludzi, chociaż nie są to największe nazwiska, ludzie z pewnością wiedzą, kim są. Zauważył również, że podczas gdy niektórzy aktorzy byli bardziej znani podczas przesłuchań, jak Schwartzman i Evans, inni stali się bardziej znani w czasie, gdy film był w fazie rozwoju, mówiąc, że „Anna Kendrick zrobiła swoje pierwsze przesłuchanie, zanim nakręciła pierwszy Zmierzch . A Aubrey Plaza dostała rolę w Scott Pilgrim, zanim zrobiła Funny People lub Parks and Recreation , co jest szalone. Pokazuje, jak długo zajęło tworzenie tego filmu.

Decyzje o castingu były podejmowane przez O'Malleya podczas sesji castingowej z Wrightem; O'Malleya nie było w pokoju, ale pokazano mu wszystkie taśmy. Wright powiedział, że planował obsadzić Cerę, gdy pisał Hot Fuzz , po obejrzeniu odcinków Arrested Development , mówiąc również, że potrzebuje aktora, za którym „publiczność nadal będzie podążać, nawet jeśli postać jest trochę dupkiem”. Cera powiedział, że był równie podekscytowany współpracą z Wrightem, „ponieważ był jego wielkim fanem”. Zobowiązał się do przygotowania się do scen walki przez rok, zdobywając mu na planie przydomek „push-up king” z powodu tego, jak muskularny się stał. Wright wyjaśnił, że chociaż Cera jest utalentowanym muzykiem, nie szukali oni szczególnie ludzi, którzy mogliby już grać na instrumentach, z członkami obsady, którzy nie mogli później uczyć się do filmu. Podobnie jak Cera, Wright miał już na myśli Mary Elizabeth Winstead jako swój wybór na Ramona Flowers, myśląc o niej jako o roli dwa lata przed rozpoczęciem zdjęć, ponieważ „ma bardzo słoneczne usposobienie jako osoba, więc było interesujące, aby ją nakłonić do zagrać wersję siebie, która została złamana w środku. Jest świetna w filmie, ponieważ powoduje wiele chaosu, ale pozostaje nadnaturalnie uziemiona”. W 2020 roku Wright i Winstead wyjaśnili, że była jego pierwszym wyborem po tym, jak zobaczył ją w Death Proof i ponieważ ma duże oczy, które odzwierciedlają powieść graficzną. Wright powiedział, że Universal zasugerował Setha Rogena do roli Scotta, ponieważ jego ostatni film Knocked Up odniósł sukces, ale Wright nie mógł zobaczyć nikogo poza Cerą w tej roli.

Ellen Wong, mało znana aktorka z Toronto, trzykrotnie brała udział w przesłuchaniach do roli Knives Chau. Na swoim drugim przesłuchaniu Wright dowiedziała się, że Wong ma zielony pas w taekwondo i mówi, że zaintrygowała go ta „słodka młoda dama będąca sekretnym twardzielem”. W retrospektywie Entertainment Weekly z 2020 r. Wong powiedziała, że ​​nie sądziła, że ​​zostanie wzięta pod uwagę za tę rolę, ponieważ jest Azjatką, podczas gdy Chris Evans powiedział, że Wright zwrócił się do niego o rolę w filmie i uznał, że „to była no-brainer [ponieważ] był takim wielkim fanem „reżysera”, wcielając się w rolę Lucasa Lee. Inne podmioty uznane za Lucas były Evansa przyszłość Marvel Cinematic Universe zagra Sebastian Stan i Twilight „s Robert Pattinson . Aktorzy grający Lucasa kaskaderskie dwuosobowe są rzeczywiste podwaja stunt na Evansa. Aubrey Plaza, która odgrywa drugoplanową rolę jako Julie Powers, powiedziała, że ​​„jest wielu dziwnych, doskonale obsadzonych ludzi”, powołując się na Michaela Cerę i Alison Pill jako szczególnie pasujących do swoich postaci. Innymi kandydatami do roli Kim w roli Pill były Betty Gilpin , Zoe Kazan i Rooney Mara . Podobnie jak Plaza, inni członkowie obsady i ekipy wyrazili podobne odczucia: Kieran Culkin wyjaśnił, że wysłano mu scenariusz na przesłuchanie bez imienia postaci, ale kiedy zobaczył opis Wallace'a, wiedział, że rola jest dla niego, a Wright powiedział, że przesłuchanie ówczesnej 18-letniej Brie Larson „rozwaliło wszystkich innych”: producent wykonawczy „Jared [LeBoff] i ja powiedzieliśmy później: „Musimy ją obsadzić”.

Wright mówi, że jest szczególnie zadowolony z tego, że film, w przeciwieństwie do wielu komedii, w tym jego własnej, zawiera „wiele zabawnych kobiet”, przywołując konkretną scenę, którą nazwał „zabawną sztafetą damską”, ponieważ „ zaczyna się od Anny Kendrick, potem przechodzi do Aubrey Plaza, potem do Mary [Elizabeth Winstead], potem do Brie Larson i to tylko Michael [Cera] jest atakowany ze wszystkich stron przez wszystkie kobiety w filmie. W czerwcu 2013 r. O'Malley, który ma koreańskie i białe kanadyjskie pochodzenie, stwierdził, że żałuje, że obsada filmu była głównie biała i że nie było wystarczającej liczby ról dla mniejszości.

Muzyka

Akcja filmu jest nie tylko fizycznie osadzona w Toronto, ale także, według Allana Weissa, kulturowo i czasowo umiejscowiona w „dzielnicach Annex i Wychwood [Toronto] w czasach Davida Millera ”, w czasie i miejscu bardzo specyficznej sceny muzycznej. że film "osadził [sam] w [...] nie tylko przez fikcyjny zespół Scotta[,], ale także przez pojawienie się takich klubów jak nieistniejący już Rockit[ i] indie rockowa ścieżka dźwiękowa"; Weiss twierdzi, że film „wyznacza mitologizację fajnej sceny Aneksu, przekształcenie indie rocka z Toronto [...] w materiał przygodowy”, ponieważ „niemal wszystkie główne wydarzenia [...] są połączone w niektórych drogę do tej sceny muzycznej."

Ścieżka dźwiękowa zawiera wkład producenta Radiohead Nigela Godricha , Becka , Metric , Broken Social Scene , Corneliusa , Dana Automatora , Kida Koali i Davida Campbella . O'Malley napisał listy odtwarzania dla każdego z komiksów na końcu książki, przedstawiając Wrighta innym kanadyjskim zespołom w trakcie tworzenia. Opierając się na tym, Wright powiedział, że produkcja „próbowała [...] znaleźć prawdziwy zespół dla każdego z fikcyjnych zespołów, ponieważ zwykle w filmach muzycznych jest jeden kompozytor, który robi wszystko”. Wright i Godrich przez dwa lata spotykali się z zespołami, aby pisać do filmu. Godrich napisał muzykę do filmu, swojego pierwszego filmu . Zanim zaangażował się w film, wczesne scenariusze mówiły, że „nigdy nie słyszałeś zespołów [...] Słyszałeś intro, a potem przechodziło do następnej sceny i ktoś mówił: „O mój Boże, to najlepsza piosenka na świecie. To był żart przez długi czas”, według Wrighta.

Webber, Pill i Simmons, jako członkowie Sex Bob-omb, wszyscy musieli nauczyć się grać na swoich instrumentach i spędzić czas na próbach jako zespół z Cerą (która już grał na basie) przed rozpoczęciem zdjęć. Chris Murphy z zespołu Sloan był trenerem gry na gitarze dla aktorów w filmie. Aktorzy śpiewają także na ścieżce dźwiękowej filmu. Beck napisał i skomponował muzykę graną w filmie przez Sex Bob-omba. Piosenki zostały napisane i nagrane przez dwa dni, a Beck powiedział, że „trzeba było nieprzemyślane, [...] musiały być zabawne, ale [on] chciał też, żeby brzmiały surowo, jak demówki”. Brian LeBarton gra na perkusji i basie dla zespołu w muzyce i ścieżce dźwiękowej do filmu. W zwiastunie zwiastuna można również usłyszeć dwie niewydane utwory.

Brendan Canning i Kevin Drew z Broken Social Scene napisali wszystkie piosenki do Crash and the Boys. Utwory zaśpiewał Erik Knudsen , który gra Crasha w filmie. Drew stwierdził, że powodem tego było to, że „[on] wiedział, że [Knudsen] nie musi być piosenkarzem, aby to zrobić”, ponieważ piosenki były „tak szybkie, punkowe i szybkie” i „musiało być głos postaci."

Występuje Emily Haines (po lewej i prawej) oraz Brie Larson jako Envy Adams (w środku).

Metric jest inspiracją dla filmowego zespołu The Clash at Demonhead i na prośbę Godricha przyczynił się do powstania utworu „Black Sheep”. Ubrania, występy i styl wokalistki Metric, Emily Haines , są również podstawą dla wokalistki The Clash at Demonhead, Envy Adams. Brie Larson, która gra Envy Adams, powiedziała, że ​​„nie miała pojęcia, że ​​[jej] ciało może poruszać się w ten sposób”, kiedy rozmawiała na brytyjskiej premierze o swoim występie na scenie. Dziennikarz muzyczny Janelle Sheetz napisał, że „występ Larsona jest wystarczająco podobny do [Hainesa], ale z postawą odpowiednią dla [Envy Adams]”. Moda filmowa Envy Adamsa również odwróciła wpływ na komiksy: ostatnia powieść graficzna była w trakcie tworzenia, gdy film był kręcony, a O'Malley powiedział to, chociaż „próbowałby zdystansować się od interpretacji aktorów ]”, on również „dał Envy Adams jeden z rzeczywistych strojów Brie Larson” w komiksie.

Larson jako Envy Adams zapewnia wokale do „Black Sheep” w filmie, podczas gdy ścieżka dźwiękowa zawiera wersję piosenki z Hainesem jako wokalistą, na prośbę zespołu; Larson była profesjonalną piosenkarką i występowała w kilku innych jej filmach. Metric wykonywali piosenkę na swoich koncertach od 2007 roku, ale nie wydali jej przed filmem. Todd Martens z Los Angeles Times powiedział, że „Envy jest karykaturą Hainesa” i podobnie, według Hainesa, że ​​„Black Sheep” jest zasadniczo karykaturą Metric, jak piosenka naśladująca ich najbardziej charakterystyczne aspekty. Godrich zgodził się i dodał, że „był idealny do tego filmu [ponieważ] nie jest metryczny. To cień metryczny”. Routh, który gra The Clash u basisty Demonhead, Todda Ingrama, powiedział, że „[on] potrafi naprawdę dobrze grać [„Black Sheep”]”, ale w filmie nie wykorzystano jego instrumentalnego, tylko wokal Larsona nad Metric, który ponownie nagrał utwór, aby uczynić go bardziej złowrogim. Routh spędził „trzy lub cztery miesiące” ucząc się gry na basie w filmie.

Piosenka w wykonaniu Matthew Patela została napisana przez Dana Automatora i wykonana w filmie przez Satya Bhabha. Bhabha powiedział, że „[nagrali] to w Capitol Records Studio 2, gdzie Frank Sinatra nagrał wiele swoich rzeczy. A w pokoju był fortepian Raya Charlesa ”, wyjaśniając, że historia muzyki pomogła mu dokończyć nagranie .

Wright powiedział, że zmiany tonalne filmu zgodnie z reprezentacją różnych części książki, a także sceny walki, zostały potraktowane jak film muzyczny , mówiąc:

Pomyśleliśmy, że powinno to rozegrać się jak musical, a walki nie różnią się od piosenek. Zawsze myślałem, że jest wiele filmów o sztukach walki, które przypominają musicale, więc chcieliśmy pójść dalej. Wiesz, w filmie Gene'a Kelly'ego, kiedy wykonuje niesamowitą rutynę, na końcu sceny nikt nie mówi: „O mój Boże, to było zajebiste!”. Piosenka jest o czymś, a na końcu może pojawić się jakiś dialog, który również dotyczy tego tematu. I tak to działa, gdy ludzie toczą wielkie bójki – i to trochę tak, jak to jest w książkach – gdzie wszystko wraca do normy i jest trochę reakcji na to, co się właśnie wydarzyło, ale nie ma żadnego rodzaju opłakiwania nie żyje.

Powiedział również, że niektóre teledyski zostały wykonane z wykonań piosenek, w tym niektóre z Sex Bob-omb i jedyny występ The Clash at Demonhead, nakręcono całą piosenkę, mimo że nie zostałyby użyte w pełnej formie w filmie; powiedział, że są tak dobrzy, że chciał je wszystkie nagrać, więc mieli to. Blu-ray wydania Strona zawiera specjalne funkcje, teledysków kompletnego występy „śmieciarka” Sex Bob-OMB, „próg” i „Summertime” i The Clash w Demonhead w „Black Sheep”. Teledysk do utworu „Black Sheep” został również dołączony jako dodatkowa funkcja wraz ze ścieżką dźwiękową, którą można zamówić w przedsprzedaży na iTunes .

Muzyka z serii gier wideo Legend of Zelda jest używana do otwarcia filmu, efektów dźwiękowych i sekwencji snów. Aby uzyskać pozwolenie na wykorzystanie muzyki, Edgar Wright wysłał fragment filmu i napisał list do Nintendo of America, w którym opisał muzykę jako „jak rymowanki dla pokolenia”. W filmie wykorzystano inne efekty dźwiękowe i klipy z innych gier wideo. Zeitlin Wu pisze, że film popycha elementy gry wideo do granic możliwości dzięki możliwości włączenia takich efektów dźwiękowych.

Efekty wizualne

Film jest opisywany jako „niepowtarzalny wygląd” ikonografii mangi i gier wideo (zwłaszcza 16-bitowej ) z jasnymi kolorami i grafiką zmieszaną z akcją na żywo; Kierownik ds. efektów wizualnych, Frazer Churchill, określił wygląd jako „trudny” do osiągnięcia, nazywając styl i atrakcyjność filmu „obrazami bardzo zaawansowanymi technologicznie z bardzo niskim poziomem fi”. Churchill udzielił wywiadu MTV w sierpniu 2010 roku na temat efektów w filmie. Zauważył, że niektóre prace były bardziej złożone ze względu na etykę strzelania według Wrighta: że powinna istnieć fizyczna reprezentacja wszelkich efektów postprodukcji, mówiąc, że „za każdym razem, gdy obraz miga w gotowych ujęciach – każde uderzenie, uderzenie miecza lub coś – to były właściwie flesze [...] na planie z żarówkami fotograficznymi [...] a potem [dokładają] [...] błysk z CG. Gdy ktoś umiera i wpada w monety, [opróżniają] wiadra ze srebra Mylar, żeby aktorzy mieli na co zareagować.

Churchill opisał pierwszą walkę (Scott vs. Matthew Patel) jako „najtrudniejszą”. Mówi, że było to spowodowane technicznymi elementami, takimi jak generowany komputerowo taniec Bollywood i wymagający pracy na niebieskim ekranie , malowania matowego i wielu sztuczek kaskaderskich. Scena zawiera również efekt przewijania w tle gry wideo , który został nakręcony przez drugą jednostkę przez cały dzień. Churchill dodał, że szczególnie jedna chwila wymagała wiele pracy: „Kiedy Scott zeskakuje ze sceny w ten wir przypominający mangę, składa się to z fotografii filmowej wykonanej na planie, cyfrowej fotografii oraz grafiki i linii prędkości narysowanych ręcznie z co dał nam [Oscar Wright]”. Artysta scenorysów Oscar Wright (również brat reżysera Edgara Wrighta) zauważył, że wprowadzenie Patela zostało wykorzystane „do przekazania tego rodzaju energii, którego chcieli, i zbadania, w jaki sposób [wprowadzili] elementy graficzne 2D”.

Trzecia walka (Scott vs. Todd Ingram) musiała być bardziej kreatywnie zaadaptowana z materiału komiksowego, ponieważ supermoce Todda są pokazane na wydruku za pomocą pierścieni, które były obsługiwane przez zespół VFX. Churchill wyjaśnia, że ​​zainspirowali się starym logo RKO Pictures wieży nadawczej. Aby to naśladować, „sprawiali, że pierścienie wydawały się nierówne i miały te aberracje optyczne z rozbłyskami kolorów”. W tej walce Scott również zostaje przebity przez kilka ścian, co zostało osiągnięte dzięki ustawieniu kamery. Oddalanie się od Todda jest pokazane z ciasnych i szerokich ujęć kamery, z Cerą jako Scottem ciągniętym na platformie w pokoju. Obraz Cery został następnie połączony z cyfrowym Scottem i kaskaderem, którzy przechodzą przez ściany.

Znikające supermocarstwo użyte przez Roxy w filmie zostało osiągnięte dzięki niebieskiemu ekranowi, z aktorką Whitman, która została cyfrowo wymazana, ale na planie był biały dym i żarówki błyskowe, aby zaznaczyć występy. Czarny dym został dodany cyfrowo, podczas gdy flary obiektywu zostały wykonane ręcznie, „po prostu błyskając różnymi światłami w kamerę” przez jeden dzień, aby stworzyć materiał. Roxy pojawia się w czwartej walce, w której używa ostrej broni. Churchill mówi, że Whitman nauczył się tańczyć na wstążce i użył w choreografii różowej wstążki, którą cyfrowo zastąpiono bronią.

Niektóre scenorysy walki Scott vs. Katayanagi Twins

Napisano nowe oprogramowanie do tworzenia elementów piątej walki (Scott vs. the Katayanagi Twins); Andrew Whitehurst opracował coś, co Churchill nazwał „Generatorem form fali”, a zespół efektów wizualnych współpracował z producentem muzycznym Godrichem, aby przekształcić różne elementy muzyki w animacje i stworzyć muzykę wizualną. Churchill wyjaśnił, że „oprogramowanie przekształci te dźwięki w dane animacji, więc kiedy zespół gra, grafika i smoki poruszają się w rytm muzyki”. Ta walka została opisana przez Oscara Wrighta bez żadnego odniesienia do komiksu, ponieważ film wyprzedził publikację książek. „Dźwiękowe demony”, walczące z potworami napędzanymi muzyką z filmu, zostały następnie stworzone na planie przez Churchilla za pomocą balonów pogodowych .

W kulminacyjnej walce z Gideonem przez tydzień kręcono wieżę piramidy, przypominającą wieżę z Super Mario Bros. miecz. W scenie wykorzystano również niebieski ekran i wielu kaskaderów. Oscar Wright stworzył storyboard dla całej sekwencji, z wyjątkiem glitchu Gideona na końcu, o którym Edgar Wright pomyślał podczas montażu i powstał w całości w postprodukcji. Edgar Wright zauważył również, że scena walki w piramidzie była najwolniejszym kawałkiem, jaki kiedykolwiek nakręcił, mówiąc: „Więc pędziliśmy w tym niesamowitym tempie. A potem był ten ostatni element na piramidzie. Nagle zwolniliśmy do wykonując dziesięć strzałów dziennie, co jest dla mnie bardzo powolne. Usiadłem na szczycie tej piramidy, patrząc w dół na te ogromne platformy manewrujące dookoła i pomyślałem: „[Czyj] to był pomysł?”. I był mój!”

Przed wyreżyserowaniem scen walki z efektami wizualnymi Wright skonsultował się z przyjaciółmi reżysera z większym doświadczeniem, w tym z Quentinem Tarantino , Guillermo del Toro i Samem Raimim .

Sekwencja tytułów

Klatki z sekwencji tytułowej

Tytułowa sekwencja otwierająca została zaprojektowana przez Richarda Kenworthy'ego z Shynoli i została zainspirowana animacją narysowaną na filmie . Sekwencja zaczyna się również od 8-bitowej wersji płyty tytułowej i muzyki Universal, którą Art of the Title nazywa filmowym „ amuse-bouche ” i która została zaprojektowana przez Oscara Wrighta.

Oscar Wright mówi, że pomysł na 8-bitowe logo Universal był wczesną decyzją w produkcji i że od samego początku traktował to „jak jakiś gówniany FMV o niskiej rozdzielczości i niskiej liczbie klatek na sekundę, który można znaleźć na początku niektórych z tych gier”. . Stworzenie planszy tytułowej polegało na oddzieleniu liter „Universal” i sprawieniu, by wyglądały na rozpikselowane, przy użyciu dopasowanej grafiki obracającej się kuli przez animatorów filmowych VooDooDog i zmniejszeniu liczby klatek na sekundę do czterech sekund (zamiast jednej), aby wyglądały na „schodkowe”; dodano również 8-bitową wersję muzyki towarzyszącej, o której Oscar Wright powiedział, że „naprawdę przypieczętowuje umowę”.

Edgar Wright wpadł na pomysł, aby mieć sekwencję od Quentina Tarantino po wyświetleniu dla niego wczesnej wersji filmu. Tarantino powiedział mu, że film „na początku potrzebował sekwencji tytułowej, aby ludzie mogli się przyzwyczaić i zasugerować więcej o tym, co zobaczymy”. Oryginalna sekwencja otwierająca miała tytuł filmu pokazany na długim ujęciu zespołu w salonie, które pojawia się przed sekwencją tytułową, która według Edgara Wrighta była jedną z pierwszych scen, które zostały nakręcone, z napisami na końcu filmu . Po wczesnej makiecie tytułowej sekwencji na AVID zwrócili się do Shynoli o jej stworzenie, ponieważ graficy filmu (Oscar Wright i Double Negative ) byli zbyt zajęci innymi efektami w filmie w tym momencie produkcji, a Edgar Wright był znajomy. z ich pracą.

Animacja AVID , czarno-biała animacja szkicu z grafiką w kształcie fali , została opisana przez Edgara Wrighta jako „dająca filmowi więcej poczucia okazji i bardzo wyraźnej przerwy między prologiem a pierwszą sceną, która posuwa historię do przodu ”. Na tym etapie wybrali także „najgłośniejszą piosenkę ze ścieżki dźwiękowej” Becka, aby odtworzyć sekwencję tytułową.

Kenworthy mówił o swoich referencjach dotyczących projektu:

Nie możesz uczyć się animacji i nie być dobrze obeznanym z Lenem Lye , Oskarem Fischingerem , Stanem Brakhage i Normanem McLarenem . Wróciliśmy i obejrzaliśmy te filmy ponownie, a one wciąż były pełne życia. Byliśmy podekscytowani wyświetlaniem tak żywych obrazów na dużym ekranie, przed publicznością, która prawdopodobnie nie doświadczyła tej pracy.

Shynola otrzymała także wybór referencji od Edgara Wrighta, który opisał krótki opis jako „ 2001 spotyka Ulicę Sezamkową ” i pokazał im tytułową sekwencję Faster, Pussycat! Zabić! Zabić! , który wykorzystywał narysowane tory optyczne . Podobnie jak w przypadku tradycyjnej animacji rysunkowej na filmie, Kenworthy śledził i malował obrazy. Wright podał również muzyczne odniesienia, mówiąc, że „chcieli zwizualizować muzykę i dopasować każdą grafikę, symbol i podprogowy obraz do muzyki — hipnotyczną zaporę kolorów, światła i muzyki. jeśli animacja jest manifestacją tego, jak fajna jest muzyka w głowie Knives. Dlatego właśnie kończą sekwencję na jej oglądaniu, tytuły są tak, jakby jej mózg eksplodował tym, jak fajny jest utwór.

W briefie zażądano również, aby sekwencja otwierająca nie wykorzystywała żadnych komiksów, aby nie zepsuć filmu, więc Kenworthy zaatakował „8-bitową epileptyczną walkę na oczy” i stworzył nastrojowy film przy użyciu geometrycznych wzorów i efektów wizualnych z mangi; Edgar Wright poprosił o mniej jawne odniesienia do gier wideo. Shynola następnie pracowała nad koncepcją muzyczną, a Kenworthy powiedział, że „uderzyli w wizualną reprezentację nieco amatorskiego, surowego, garażowego brzmienia [Sex Bob-omb]. Coś, co miało wrażenie występu na żywo. Żywe, kolorowe , film do zadrapania na twarzy wydawał się idealnie pasować”. Pracując dalej z Edgarem Wrightem, zdecydowali się na wizualną reprezentację każdej postaci i narysowanie odpowiedniej liczby znaków „X” dla aktorów, którzy grali każdego ze złych byłych.

Gdy film zbliżał się do końca, Shynola miała krótki czas na ukończenie tytułowej sekwencji, więc najpierw pracowali nad cyfrową synchronizacją sekwencji i muzyki, wizualizując końcowe poprawki przed zarysowaniem na arkuszach folii acetatowej . Z każdego arkusza octanu powstała jedna sekunda materiału filmowego. Kenworthy powiedział, że po stworzeniu obrazów „celowo kopali [każdy arkusz] po podłodze, aby zebrać dużo brudu, zadrapań i włosów”.

Drukowanie sekwencji obejmowało umieszczenie każdego arkusza w skanerze negatywów o wysokiej rozdzielczości i pocięcie go na pojedyncze klatki przed wydrukowaniem na filmie 35 mm . Pojawiły się również trudności z drukowaniem w kolorze, ponieważ większość kolorów, których chcieli użyć, była „nielegalna”. Podczas procesu drukowania Kenworthy dodał fragmenty kliszy, którą nakręcił na studiach, której używano podczas skanowania w celu sprawdzenia dokładności kolorów.

ComicsAlliance nazywa tytułową sekwencję „tylko pierwszą z niezapomnianej serii płynnych mieszanek grafiki, filmu i animacji, które pięknie przenoszą ducha powieści graficznych Bryana Lee O'Malleya na ekran”. Art of the Title opisuje sekwencję jako „wizualny napalm”, a Bleeding Cool mówi, że jest „całkiem cudowna”. Jade Budowski z Decider pisze, że „z błyskawiczną sceną wprowadzającą i wynikającą z niej dynamiczną animowaną sekwencją tytułową, [film] nie traci czasu na wciągnięcie cię do [jego] świata”.

pisanki

Film zawiera kilka jajek wielkanocnych nawiązujących do komiksów lub jako zapowiedź . Fleischer zauważył, że chociaż komiks i film mają mieszkanie Scotta i Wallace'a przy 65A Albert Avenue (sfilmowane przy 65 Alberta Avenue), istnieje odniesienie do własnego starego mieszkania O'Malleya przy 27 Alberta Avenue jako adres na dowodzie dostawy Amazona, który podpisuje Scott . Fleischer zwraca również uwagę na migające „L” na znaku Flight Centre Canada na Manning Avenue, który, jak pisze, jest ostrzeżeniem, że niedługo dojdzie do bójki. Wright powiedział przed premierą filmu, że w filmie pojawi się koszulka Plumtree , zespołu, który wymyślił nazwę „Scott Pilgrim”. Inne koszulki, które nosi Scott, to między innymi koszulka The Smashing Pumpkins , zespołu dzielącego się jego inicjałami; jeden z logo gitary basowej z serii gier Rock Band ; i jeden, który nawiązuje do Fantastycznej Czwórki , którą nosi po pokonaniu Lucasa, granego przez Evansa, który w tamtym czasie był najbardziej znany z roli Ludzkiej Pochodni w filmach Fantastycznej Czwórki . Zmieniające się koszulki Scotta często pasują do zmieniającego się koloru włosów Ramony podczas filmu.

Istnieją również odniesienia do innych mediów, zwłaszcza gier i komiksów, a James Hunt z Den of Geek tworzy listę kilku, w tym naszywkę Scotta X-Men widzianą, gdy zdziera ją z płaszcza; Legenda Zelda TriForce stanowią inicjały Gedeona w sekwencji filmowej i tytułowy ( przedstawionego powyżej ) i ciemny link -inspired Nega-Scott; Zespół Envy nosi nazwę po grze The Clash at Demonhead z 1990 roku (a także The Clash ); Kim ubiera się w japońską modę Gothic Lolita na ostateczną bitwę jako punkt humoru; scena, która została nakręcona, wykonana i zmontowana całkowicie jak odcinek Seinfelda ; i używając linijki „to jest mecz ligowy” z The Big Lebowski . /Film zauważa, że ​​rozbite szkło w zwolnionym tempie spadające i odbijające Ramonę i Roxy podczas ich walki przypomina ekran wyboru postaci w Street Fighter , a przymusowa praca Chaos Theater i Sex Bob-omb jest nawiązaniem do EarthBound .

Podobnie jak The Clash at Demonhead, inne nazwy zespołów nawiązują do gier wideo: Sex Bob-omb do Bob-ombs w grach z serii Mario, a Crash and the Boys do gry o nazwie Crash 'n' the Boys: Street Challenge . Według aktorki Larson, The Clash at Demonhead była pierwszą grą, jaką kiedykolwiek miał autor komiksów O'Malley.

Scott grający linię basu tego, co nazywa „ Final Fantasy II ”, jest również uważany za easter egg; gra na linii basu z gry Final Fantasy IV , ale ta gra została wydana jako Final Fantasy II poza Japonią w latach 90., ponieważ druga i trzecia część nie były wtedy wydawane na arenie międzynarodowej.

W swojej dyskusji adaptacyjnej Zeitlin Wu zauważa, że ​​w powieści graficznej czwarta walka (Scott vs. Roxy Richter) była odtworzeniem klatka po klatce wprowadzenia do Ninja Gaiden , a w filmie ta sama klatka po klatce remake służy jako wstęp do ostatecznej walki z Gideonem.

Uwolnienie

Michael Cera przebrany za Kapitana Amerykę na panelu Comic-Con Scott Pilgrim w 2010 roku w San Diego , w nawiązaniu do nieobecności Chrisa Evansa z powodu zobowiązań do Kapitana Ameryki: Pierwszego Avengera .

Wideo zewnętrzne
Comic Con 2010: Scott Pilgrim kontra świat Panel – część 1 – przez YouTube
Comic Con 2010: Scott Pilgrim vs. the World Panel – część 2 – przez YouTube
Comic Con 2010: Scott Pilgrim vs. the World Panel – część 3 – przez YouTube
Black Sheep (Scott Pilgrim vs. the World Comic-Con Performance) na Metric Vevo – przez YouTube

Scott Pilgrim kontra świat panelu została wyróżniona w hali H na San Diego Comic-Con w dniu 22 lipca 2010 roku; po panelu Wright zaprosił wybranych widzów na pokaz filmu, po którym odbył się występ „Czarnej owcy” Metric. Trzech członków obsady zespołu, Evans, Simmons i Larson, zniknęło z panelu Comic-Con; Stali współpracownicy Edgara Wrighta, Simon Pegg i Nick Frost, pojawili się na krótko, a Wright żartował, że nie ma ich w tym filmie. Podczas Comic-Con 2010 po raz pierwszy wykorzystano do reklamy gigantyczne folie hotelowe, które można zobaczyć z lądujących samolotów; Scott Pilgrim vs. Comic-Con zapakował Hilton Bayfront na to wydarzenie. Poza halą kongresową odbywał się również targ „Scott Pilgrim Experience”, który obejmował towary i obfite darmowe pieczywo czosnkowe. Winstead stwierdził, że „na Comic-Conie wydawało się, że to największy film wszech czasów”.

Film został pokazany na Festiwalu Fantasia w Montrealu 27 lipca 2010 r., a także na Movie-Con III w Londynie 15 sierpnia 2010 r. Następnie miał premierę w Kanadzie w Toronto 13 sierpnia 2010 r.; Plumtree, który zerwał wiele lat wcześniej, zebrał się na pokazie na imprezie.

Film został szeroko rozpowszechniony w Ameryce Północnej 13 sierpnia 2010 roku, otwierając go w 2818 kinach. W pierwszy weekend premiery zajął piąte miejsce z łączną kwotą 10,5 miliona dolarów (12,5 miliona dolarów po uwzględnieniu inflacji), a w drugi weekend premiery spadł do dolnej dziesiątki pierwszej dziesiątki. The Wall Street Journal opisał to jako „rozczarowujące”, a Ben Fritz z Los Angeles Times powiedział, że film wydaje się być „poważnym rozczarowaniem finansowym”. Universal przyznał, że jest rozczarowany zarobkami w weekend otwarcia, mówiąc, że „byli świadomi wyzwań związanych z poszerzeniem tego filmu o publiczność głównego nurtu”; niezależnie od tego, rzecznik studia powiedział, że Universal był „dumny z tego filmu i naszych relacji z wizjonerem i kreatywnym twórcą filmowym Edgarem Wrightem [...] [Wright] stworzył naprawdę wyjątkowy film, który jest zarówno przesuwaniem koperty, jak i naginaniem gatunku, a po zbadaniu go w dół droga zostanie zidentyfikowana jako ważny element w kręceniu filmów”.

W Wielkiej Brytanii film miał swoją premierę na Leicester Square ( Odeon ) 19 sierpnia 2010 roku, zanim został otwarty 25 sierpnia w 408 kinach, zajmując drugie miejsce w weekend otwarcia z 1,6 miliona funtów. We Włoszech przez tydzień odbywały się wieczorne pokazy w kinach, zanim przeniesiono je na popołudniowe czasy; jeden z badaczy zasugerował, że „błędny plan marketingowy”, w którym film został oprawiony jako film dla dzieci, był przyczyną jego słabych wyników kasowych. W Japonii film miał swoją premierę podczas Międzynarodowego Festiwalu Filmów Fantastycznych w Yubari 26 lutego 2011 roku jako oficjalna selekcja. Został wydany reszcie kraju 29 kwietnia 2011 r.

Marketing

Scott Pilgrim Experience podczas Comic-Conu w San Diego 2010 było popularnym wydarzeniem, które odbywało się poza centrum kongresowym.

25 marca 2010 ukazał się pierwszy zwiastun . Drugi zwiastun z muzyką The Ting Tings , LCD Soundsystem , Be Your Own Pet , Cornelius , Blood Red Shoes i The Prodigy został wydany 31 maja 2010 r. W sierpniu 2010 r. ukazał się interaktywny zwiastun, w którym widzowie mogli kliknąć w punktach na filmie, aby zobaczyć fakty dotyczące produkcji. Plakat teatralny, odnotowany w książce Liama ​​Burke'a, „odzwierciedlał początkowy obraz powieści graficznej”, jako sygnał do jej początków; Burke mówi, że kampania marketingowa filmu była „typowa dla strategii angażowania fanów i budowania podstawowej publiczności za pomocą materiałów promocyjnych, które pokazują ciągłość komiksu”.

Cera stwierdził, że czuł, że film jest „trudny do sprzedania” i że „nie wiedział, jak przekazać ten film w kampanii marketingowej. [Widział], że jest to coś, co ludzie powoli odkrywają”. Zły marketing był obwiniany za brak sukcesów kasowych filmu, zwłaszcza w porównaniu z jego pozytywnym przyjęciem przez krytyków i popularnością.

Podczas MTV Movie Awards w 2010 roku ukazał się pierwszy klip z filmu, w którym Scott walczył z Lucasem Lee w walce. Podczas tego pokazu Pill ujawnił, że przeszłość relacji Kim i Scotta zostanie zbadana w innych mediach, mówiąc, że „będzie coś-coś, co zostanie wyemitowane w Adult Swim ”. Krótkometrażowy film animowany Scott Pilgrim kontra animacja , wyprodukowany przez Titmouse Inc. , jest adaptacją prologu otwierającego drugą książkę Scotta Pilgrima i został wyemitowany w Adult Swim 12 sierpnia 2010 roku, dzień przed premierą kinową filmu. opublikowane na ich stronie internetowej.

Media domowe

„Scott Pilgrim vs. the World” został wydany na DVD i Blu-ray w Ameryce Północnej 9 listopada 2010 r., a w Wielkiej Brytanii 27 grudnia 2010 r.

DVD zawiera cztery komentarze audio (reżysera Wrighta, współscenarzysty Bacalla i autora O'Malleya; Wrighta i autora zdjęć Pope; Cera, Schwartzman, Winstead, Wong i Routh; Kendrick, Plaza, Culkin i Webber ); 21 usuniętych, rozszerzonych i alternatywnych scen , w tym oryginalne zakończenie (gdzie Scott kończy z Nożami), z komentarzem; wpadki ; galerie zdjęć; i ciekawostki z napisami.

Wersja Blu-ray zawiera wszystkie funkcje DVD, a także inne funkcje specjalne, w tym alternatywne nagrania, sześć filmów fabularnych, blogi produkcyjne, film Scott Pilgrim kontra animacja , zwiastuny i spoty telewizyjne oraz scenorys obraz w obrazie, a także DVD oraz cyfrową kopię filmu. Płyta Blu-ray „Ultimate Japan Version” zawiera utwór z komentarzem, w którym występują Wright i Shinya Arino . Zawiera również materiał filmowy z trasy promocyjnej Wrighta i Cery po Japonii oraz dyskusję przy okrągłym stole z japońskim krytykiem filmowym Tomohiro Machiyamą. Został wydany 2 września 2011 roku.

W pierwszym tygodniu po premierze w Stanach Zjednoczonych sprzedano 190.217 kopii, przynosząc przychód 3 422 004 USD, a do 2011 r. film zarobił 27 349 933 USD ze sprzedaży domowych mediów w Stanach Zjednoczonych; w 2018 roku zarobił ponad 29 milionów dolarów . W pierwszym tygodniu po premierze osiągnął szczyt brytyjskich list przebojów Blu-ray.

Simon Abrams zrecenzował wydania DVD i Blu-ray, pisząc, że jakość obrazu DVD jest dobra i „tak naprawdę nie zauważyłbyś, że coś jest nie tak”, chyba że widziałeś wersję Blu-ray, która jest w jakości kinowej . Dodaje, że „bogato warstwowy miks audio jest jednak tak samo świetny na [DVD], jak na wydaniu Blu-ray [a] angielski utwór surround 5.1 bezbłędnie odtwarza brzmienie filmu, gdy został wypuszczony do kin. ”. Abrams zauważył, że niektóre dodatkowe funkcje nie są szczególnie interesujące, ale w szczególności komentarze audio były zabawne i pouczające.

Gra wideo

Na podstawie filmu i książek wyprodukowano grę wideo. Został wydany na PlayStation Network 10 sierpnia 2010 roku, a na Xbox Live Arcade 25 sierpnia, gdzie spotkał się w większości z pozytywnymi recenzjami. Gra została wydana przez Ubisoft i opracowana przez Ubisoft Montreal i Ubisoft Chengdu, zawiera animację Paula Robertsona i oryginalną muzykę Anamanaguchi .

10. rocznica

Film otrzymał obszerne relacje, zjazd i planowaną reedycję na 10. rocznicę jego wydania w 2020 roku. Sarah El-Mahmoud z CinemaBlend napisała, że ​​widzieli „tyle treści Scotta Pilgrima – to musi być nowoczesny klasyk lub coś w tym rodzaju !”, zanim przyznał, że jego status poprawił się po rozczarowującym kasie, a Mashable powiedział, że „w ciągu ostatniej dekady Scott Pilgrim cieszył się podziwem i wyrazistością wykraczającą poza najśmielsze marzenia swoich konkurentów z kasy”. Entertainment Weekly stworzył retrospektywną relację z rocznicy, w tym wywiady z kilkoma gwiazdami i osobami zaangażowanymi w produkcję filmu. Wright powiedział w swoim artykule, że jest „niesamowicie dumny z filmu. Fakt, że nie piszesz artykułu o Niezniszczalnych na dziesiątą rocznicę, mówi wszystko”.

W maju 2020 r. Wright ogłosił plany ponownego wyświetlenia filmu w kinach z okazji jego 10. rocznicy, jakiś czas po pandemii COVID-19 . Reedycja ma być 4K i we współpracy z Dolby Cinema i została zaplanowana na sierpień 2020 r., ale została opóźniona na czas nieokreślony z powodu pandemii. W sierpniu 2020 r. Odeon Cinemas ujawniło, że od 21 sierpnia 2020 r. zapewni ponowne wydanie we wszystkich swoich lokalizacjach w Wielkiej Brytanii. Obsada filmu ponownie połączyła się zdalnie w maju 2020 r., aby nagrać Scott Pilgrim kontra światowy kryzys na wodzie , wideo-przeczytanie scenariusza jako zbiórki pieniędzy dla organizacji charytatywnej Water For People . Wcześniej w tym roku Cera i Pill osobno zasugerowały ponowne połączenie i ponowne wydanie było planowane na rocznicę. Screen Rant zauważył, że odkąd film stał się znacznie bardziej popularny po premierze, może odnieść większy sukces kinowy niż w 2010 roku.

Reedycja kinowa została później przeniesiona do kin Dolby Cinema w Ameryce Północnej na 30 kwietnia 2021 r. i następny tydzień. Ponadto Wright ogłosił, że premiera filmu Ultra HD Blu-ray nastąpi po reedycji kinowej, ale nie podał szacunkowej daty premiery.

W dniach 20/21 maja 2020 r. (w zależności od strefy czasowej) Akademia Sztuki i Wiedzy Filmowej zorganizowała imprezę oglądania filmu. Podczas transmisji na żywo Wright skomentował ciekawostki na temat filmu, a różni członkowie obsady, w tym Evans, Plaza, Whitman, Routh, Larson, Wong i Webber, dołączyli do niego w różnych punktach, aby dodać własne. Collider zauważył, że dostępność większości obsady zaproszonych przez Akademię mogła być możliwa dzięki pandemii blokady. Niektórzy widzowie kwestionowali, dlaczego film był pokazywany przez Akademię, ponieważ nie zdobył Oscara.

Scott Pilgrim kontra świat kryzys wodny film miał premierę na Entertainment Weekly „s EW.com i YouTube kanał o godzinie 1:00  P.M. EDT 20 lipca 2020 r. Większość głównej obsady była obecna; Evans wydawał się czytać swoją część, ale był nieobecny w większości wideo, podczas gdy Larson, Simmons i Culkin nie pojawili się, a ich części zostały przeczytane odpowiednio przez Kendricka, Bhabha i scenarzystę Bacalla. W całym strumieniu O'Malley, który również pojawił się wraz z Wrightem, rysował wizerunki postaci jako nagrody za darowizny na rzecz Water For People. Cera odtworzyła również szkic Ramony, który Scott pokazuje Comeau w filmie, który ma zostać rozdany.

Analiza

Scott Pilgrim kontra świat był szeroko omawiany jako odwołujący się do narracji transmedialnej , wykorzystując platformę powieści graficznych oraz konwencje z gier wideo i komiksu w filmie. John Bodner wyjaśnia, że ​​„film staje się adaptacją tekstu, który pod wieloma względami sam jest adaptacją kulturową, zwracającą uwagę na własny materiał źródłowy w jawnym zastosowaniu wielu technik wywodzących się z estetyki komiksu”. Zeitlin Wu pisze, że film „[oddaje] hołd komiksom, grom wideo i ich nakładaniu się” i zauważa, że ​​jego proces adaptacji jest wyjątkowy, ponieważ stworzył film komiksowy, który nie jest realistyczny, pozostając wiernym do oryginalnej formy. W swoim rozdziale „Scott Pilgrim’s Precious Little Texts: Adaptation, Form, and Transmedia Co-creation” Bodner odnotowuje kilka elementów, które tworzą film jako transmedialny, opisując jego odniesienia do mediów komiksowych i gier wideo.

Bodner, Zeitlin Wu i Burke zauważają również, że wraz z filmem Wright stał się jednym z nielicznych reżyserów od lat 60., którzy używali, mówiąc słowami Bodnera, „pola komentarza, znaków (linii akcji) i tekstu onomatopei jako efektów dźwiękowych”. w dziele filmowym, wykorzystując takie techniki zarówno konwencjonalnie (oznaczanie czasu i miejsca), jak i niekonwencjonalnie dla medium. Burke opisuje użycie jako „autorefleksyjne”. Zeitlin Wu mówi, że „w przeciwieństwie do Batmana z lat 60. , użycie wizualnej onomatopei w Scott Pilgrim płynnie łączy rzeczywistość i iluzję, co wydaje się pasować do fabuły, w której te dwie rzeczy są nie do odróżnienia”, używając komiksowych słów w filmie jako części historię, a nie obok niej.

W niekonwencjonalnym zastosowaniu Wright zaburza realizm i diegezę filmu komiksowymi markerami. Bodner podaje przykłady: „[tekst graficzny] 'o wybuchu' pojawiający się, gdy wzburzony Scott wchodzi na after party”, który „[zapowiada] (niefizyczną) walkę z Ramoną” jako formę etykiety, która „zewnętrznia subiektywne perspektywy”; użycie typowego ironicznego, autorskiego głosu O'Malleya, który pojawia się, gdy skrzynka z komentarzami „pomocnie informuje [publiczność]”, że Todd, po pozornie retorycznym stwierdzeniu, że nie zna znaczenia słowa niepoprawny, „naprawdę nie zna” oznaczający; oraz wykorzystanie grafiki tekstowej onomatopei jako efektów dźwiękowych. Zeitlin Wu zauważa, że ​​film „jest jedną z niewielu adaptacji zawierających tekst w taki sposób, że przekazuje hybrydową konstrukcję tekstowo-obrazową komiksów w formie kinowej, przesuwając ich transmedialność na wyższy poziom” i ostatecznie destabilizując granice formalne.

Jeśli chodzi o użytą onomatopeję, Bodner zauważa, że ​​tylko raz taki tekst jako grafika faktycznie zastępuje efekt dźwiękowy (opróżnianie włosów Todda, w połączeniu ze słowem „SAG”), przy czym około 40 innych wystąpień ma zarówno dźwięk, jak i reprezentującą go onomatopeję. . Mówi się, że funkcja techniki komiksowej w tych przypadkach polega na denaturalizacji formy filmowej i, według Roberta S. Petersona, „spowalnianiu czytelnika i tworzeniu większej głębi wizualnej i tekstury na scenie”. Zamiast tego Zeitlin Wu sugeruje, że zrobiono to w celu dalszego włączenia natury komiksowej do formy filmowej, z doskonale zsynchronizowanym dźwiękiem i obrazem, mówiąc, że „rezultatem jest iluzjonistyczna synteza obrazu, tekstu i dźwięku, w której słowa mają swoją własną materialność Każda czcionka wydaje się mieć własną osobowość i treść, „DING DONG” rozpływa się efemerycznie, podczas gdy litery w „BLAM!” gwałtownie wypadają z kadru jeden po drugim, jak rząd domino”. Bodner dodaje, że znaki użyte w filmie ilustrują zarówno dźwięk, jak i linię oka, rzeczy, które można pokazać w filmie bez znaków, a więc służą również do denaturalizacji scen, w których się pojawiają. Burke pisze dalej o wykorzystaniu pisemnych efektów dźwiękowych: mówiąc, że „są obszary, w których wizualizowany dźwięk komiksu przebija ścieżkę dźwiękową kina”, rozmawiając z Robertem C. Harveyem, aby zgodzić się, że „słowo i obraz można połączyć, aby ujawnić radosną brawurę bohatera nawet w samym środku burzliwej akcji”.

Przykład remediacji przestrzennej w filmie symulującym panele komiksowe, z trzema symulowanymi, ale nie ciągłymi przestrzennie obrazami pokazanymi i obramowanymi czarnymi „rynnami” (jak w Bodner, Zeitlin Wu i Fehrle).

Inną techniką, którą Bodner opisuje jako nadanie filmowi postmodernistycznej interpretacji, jest to, jak Wright wydaje się zmieniać formę filmową, aby odzwierciedlić elementy nieodłącznie związane z sekwencjami komiksowymi, w szczególności, że „[Wright] konsekwentnie, ale rozsądnie [cytuje] zawartość panelu w całym filmie – ogólnie [ ...] wykorzystując iluzję zastoju w filmie do odzwierciedlenia iluzji ruchu w komiksach”. Jeśli chodzi o formę, Bodner pisze, że Wright transkoduje „konstrukcję komiksów” do filmu; Sam Wright powiedział, że „wiele osób wspomniało [...] o tym, jak to jest czytać komiks”, sentyment powtórzony przez Zeitlin Wu. Bodner sugeruje, że jest to tworzone przez techniki przejścia , a techniki, które to wytwarzają, są własnymi Wright, bazując na jego pracy w Shaun of the Dead and Hot Fuzz , dodając, że działają poprzez „replikowanie towarzysza [panelu] – rynny „”. Mówi się, że Wright odtwarza ten element przestrzeni zewnętrznej w komiksach w formie filmowej, wykonując „niezwykle szybkie cięcia lub otwierające się na ujęcia, które wypierają konwencjonalną logikę temporalną ( edycja antyciągłości ) lub cięcia, które wykorzystują celowo ledwo widoczny efekt wycierania ”, oraz poprzez użycie „zaciemnień, które funkcjonują jako krótkie momenty martwej przestrzeni” pomiędzy niektórymi klatkami.

Omawiając przekład komiksu w swoim pisaniu na temat procesu adaptacji filmu, Zeitlin Wu zauważa, że ​​„wiele storyboardów [do filmu] zostało zaczerpniętych bezpośrednio z komiksów”, mówiąc, że jedna metoda przezwyciężenia tego, co czasoprzestrzenne i ilustracyjno-reprezentatywne Różnice w powieści graficznej i mediach filmowych polegają na połączeniu panelu komiksowego i siatki scenorysowej. W ramach Scott Pilgrim vs. the World pisze, że komiczne sekwencje oparte na scenopisach „przekazują wrażenie fragmentacji, a nie zwykłą iluzję filmowej ciągłości” i że „najskuteczniejszym wykorzystaniem komiksu jako storyboardu są sekwencje snów Scotta, co ułatwia mu spotkania z Ramoną podczas jej podróży przez „podprzestrzeń”. W pierwszej ze snów „Wright utrzymuje fragmentację medium komiksu, zachowując podziały między oryginalnymi planszami: ekran ciemnieje po każdej klatce, próba naśladowania jednocześnie diachronicznego i synchronicznego doświadczenia czytania komiksów”. W innym przykładzie wykorzystania paneli filmowych Bodner zauważa, że ​​statyczna klatka pokazuje Scotta przy komputerze zamawiającego paczkę, następne ujęcie przedstawia Wallace'a, a następne Scott siedział przed drzwiami, czekając; Bodner wyjaśnia, że ​​czasowość tych obrazów na ekranie nie jest naturalistyczna i że lepiej reprezentują one panele komiksowe, z których czytelnik może inaczej wydedukować czasowość. Dodaje, że jako pastisz scena ta pełni podwójną funkcję, zapowiadając magiczny realizm, który się pojawi.

W podobny sposób są dwie sceny („pierwsza bitwa zespołów i „ocieranie się” toru przez Lucasa Lee”), w których Wright używa głośnego hałasu, aby odtworzyć cichą formę komiksów, jak w film głośność zagłusza wszelkie inne dźwięki i wymaga użycia tekstu w taki sam sposób, jak czysto wizualna forma komiksu. Burke zwraca również uwagę na korzyści płynące z wizualnego tekstu, gdy dźwięk byłby „wyciszony przez hałas otoczenia” i jak (inne) „adaptacje filmowe często wyciszają najbardziej gadatliwe postacie komiksów”.

W swoim rozdziale „Tell It Like a Game: Scott Pilgrim and Performative Media Rivalry” Jeff Thoss pisze o różnych transmedialnych wskazówkach, mówiąc, że „film próbuje prześcignąć serię komiksów w emulacji funkcji gier wideo zarówno na poziomie ale ponieważ żadna z tych dwóch prac nie zwycięża, ich tak zwana rywalizacja jawi się nie tyle jako realna rywalizacja, ile jako sposób naświetlenia specyficznych afordancji narracyjnych i ograniczeń komiksów, filmów i gry komputerowe". Opierając się na Thoss, Fehrle bada remediację ( Bolter i Grusin ) lub wykorzystanie imitacji elementów znaczących gier wideo. Patrząc szczególnie na walkę Scott vs. Matthew Patel, pisze, że „istnieje nie tylko naprawa arkadowych bijatyk i gier wideo typu beat 'em up, [...] ale także estetyka telewizyjna [...] jako a także gra z kultowymi gatunkami filmowymi [...] i wreszcie silny związek z teatrem jako piątym medium wrzuconym do miksu, gdy widzimy Ramonę na balkonie szekspirowskim umieszczonym w centrum niezwykle rzucającego się w oczy reflektora”. Kontynuuje techniczną analizę sceny, zauważając podzielony ekran ; Fehrle po raz pierwszy postrzega tę technikę jako „ostatnio kojarzoną głównie z MTV – estetyką telewizji lat 90.”, zauważając, że jest to „nienaturalna” technika montażu, wysuwająca na pierwszy plan medialność filmu poprzez uwidocznienie wpływu montażysty, roli, która w dominującym systemie edycji ciągłości jest uważany za taki, który powinien być ukryty”. Fehrle opisuje resztę sekwencji z udziałem Matthew Patela jako parodię teledysków, w tym „tap dance, który jest podkreślony przez kadrowanie tylko jego stóp, a także jego celowo przesadną pozę inspirowaną gorączką sobotniej nocy ”. , jednocześnie wspominając o inspirowanym Spaghetti Western „pojedynkowym strzale przez nogi”.

Jednak dołącza również do Zeitlina Wu, opisując go jako element komiksu i gry wideo, również zauważając „silną przestrzenność medium komiksowego poprzez układ paneli” reprezentowany w filmie, zwłaszcza „czarny podział przypominający rynnę między trzema” panele” w scenie. Fehrle dodał ponadto, że jego symbolem w grze wideo dla podzielonego ekranu jest „tryb wieloosobowy w konsolowych grach wideo”, z innymi elementami gry wideo informującymi sekwencję, w tym „8-bitowym, arkadowym dźwiękiem „bling” odtwarzanym, gdy Patel ląduje[,] a także nadmierne echo i niewielkie opóźnienie w głosie Wallace'a, gdy krzyczy „walcz” [i] nałożony tekst [...], który dramatycznie zestawia przeciwników, instruuje gracza, co ma robić lub wyjaśnia stan (zdrowia lub energii) postaci lub pomaga graczom interpretować to, co się dzieje”. Dodaje, że bardziej oczywistą remediację komiksów widać w rysunkach powieści graficznych w stylu O'Malleya, które wydają się ilustrować historię Ramony i Matthew. Na podstawie tej mnogości referencji Fehrle opisuje film i serię Scott Pilgrim jako „ hipermediate ”.

Sekwencja po zerwaniu Scotta z Nożami jest analizowana na różne sposoby. Maria J. Ortiz przygląda się mise-en-scène i narracyjnemu znaczeniu tej sceny, pisząc, że kiedy Scott „mówi [Nożom], że chce zerwać związek, następne ujęcie jest na ciemnym tle bez realistycznego powodu „i tak wprowadza metafory, które informują historię: „dobre jest jasne/złe jest ciemne” i że „zmiana tła [jest] metaforą zmiany wytworzonej w stanie związku”, co skutkuje wyobrażeniem, że zły zmiana jest tutaj dosłownym ciemnym miejscem. Bodner przygląda się transmedialności kadru używanego, gdy Scott odchodzi, dopasowując się do powieści graficznej, z drzewem i tramwajem otaczającym kadr, aby wprowadzić samotność Scotta i Noży, zwłaszcza ze statyczną kamerą, która reprezentuje panel. W filmie po tym pojawiają się postacie przechodzące przed Scottem, aby doprowadzić do ściereczki, która, jak mówi Bodner, „jest powszechna w filmie i działa jak narysowana linia, która tworzy granicę panelu”.

Przyjęcie

Krytyczny odbiór

Agregator recenzji Rotten Tomatoes informuje, że 82% z 273 recenzji krytyków dotyczących filmu jest pozytywnych, ze średnią oceną 7,50/10. Konsensus witryny głosi: „Jej skrypt może nie jest tak olśniewający jak przykuwające wzrok wizualizacje, ale Scott Pilgrim vs. the World jest szybki, zabawny i pomysłowy”. Według serwisu Metacritic , który sprawdził 38 recenzji i obliczył średni wynik 69 na 100, film otrzymał „ogólnie pozytywną” odpowiedź. Odbiorcy ankietowani przez CinemaScore przyznali filmowi ocenę „A-” w skali od A do F.

Peter Debruge z Variety dał filmowi mieszaną recenzję, odnosząc się do niego jako „przykład kręcenia filmów z deficytem uwagi w jego najlepszym i najbardziej frustrującym stylu”, mówiąc, że był ekonomiczny w opowiadaniu historii i z powodzeniem zawierał wiele wielkich scen walki, ale stracone okazje do zbudowania związku Scotta i Ramony. David Edelstein z New York Magazine również napisał mieszaną recenzję, zgadzając się, że Scott „nie wydaje się godny Ramony Winsteada” i mówiąc, że myślał, że „parada byłych super-złoczyńców […] jest jak wymuszony marsz; [on] czuł, że [on] miał [swoje] bójki, a do wyjścia pozostało jeszcze pięciu byłych”. Michael Phillips wydał ogólnie pozytywną recenzję, ale zgodził się, że liczba walk powstrzymuje film, pisząc, że „siedem brzmi jak dużo. W rzeczywistości to o dwa lub trzy za dużo”. Kirk Honeycutt z The Hollywood Reporter napisał w dużej mierze negatywną recenzję, stwierdzając, że film jest „zniechęcająco bezwładnym filmem, w którym nic nie jest zagrożone. prawdziwej miłości, a potem ponownie ją zmienić. Bitwa Scotta Pilgrima nie toczy się przeciwko światu; toczy się przeciwko błędnemu kompasowi moralnemu. Cindy White z IGN dała pozytywną recenzję, chwaląc Wrighta i styl filmu, chociaż wspomniała, że ​​„środek trochę się ciągnie, a zakończenie to nie wszystko, co miała nadzieję, że tak będzie”.

AO Scott , który uczynił film „wyborem krytyków” New York Timesa , również pozytywnie go ocenił, sugerując, że był to „najlepszy film o grze wideo w historii”. Nick Schager ze Slant Magazine również pozytywnie ocenił film, przyznając mu 3,5 gwiazdki na 4, a kolega Simon Abrams nazwał go „najbardziej ekscytującym wizualnie, zabawnym i angażującym emocjonalnie filmem roku wyprodukowanym przez studio” i przyznał 4 gwiazdki na 5 w jego recenzji DVD.

Brie Larson (na zdjęciu podczas premiery filmu w Wielkiej Brytanii) i Kieran Culkin (na zdjęciu podczas panelu Comic-Con w San Diego) zostali opisani jako „kradzieży scen” filmu, podczas gdy odbiór Michaela Cery był mieszany.

Debruge pochwalił obsadę zespołu i umiejętności reżyserskie Wrighta, które wyróżniają każdą z wielu postaci. Jednak skrytykował występ Cery, mówiąc, że „jego komiczny czas jest nienaganny, [ale] w końcu zagrał wilty wallflower zbyt wiele razy”. Edelstein uznał, że największym problemem filmu jest aktorstwo Cery, mówiąc, że „inny trop mógł sprawić, że będziesz się śmiać i angażować. Cera nie ożywa w scenach walki, tak jak Stephen Chow w [...] surrealistycznych sztukach walki komedie [jak] Kung Fu Hustle ”, z Honeycuttem analizującym fabułę i stwierdzającym, że „Cera nie daje występu, który zakotwicza nonsens” filmu. I odwrotnie, AO Scott napisał, że „w jakiś sposób [Cera i Winstead] sprawiają, że to działa” w sprzedaży związku bez stereotypów, a Abrams powiedział, że aktorzy „nigdy nie wyglądali tak dobrze, zwłaszcza Cera”, zauważając, że „[jego] występ jest świadomie afektowana i pochłonięta sobą w scenach przedstawiających niezręczne randki Scotta i Knivesa”, ponieważ film celowo odtwarza początkowy narcyzm Scotta. Wypowiedź Cery: „Myślałem, że powinniśmy zerwać, czy cokolwiek” została oceniona jako zabawna i niezręcznie realistyczna. White napisał, że aktorzy grający byłych byłych Ramony „wydaje się, że wszyscy świetnie się bawią w swoich scenach”. Brie Larson i Kieran Culkin byli często opisywani jako złodzieje sceny filmowej za ich występy jako ex Scotta, gwiazda rocka Envy Adams i współlokator Scotta, sarkastyczny Wallace Wells. Chris Evans i Brandon Routh zostali również nazwani w niektórych recenzjach złodziejami sceny.

Jako negatywną opinię, Debruge dodał, że „każdy powyżej 25 roku życia może uznać [film] za wyczerpujący, jak granie opiekuna na imprezie pełnej przesadzonych dzieciaków z college'u”, zauważa Honeycutt, który nazwał film „młodzieńczym” i pomyślał „ szersza publiczność wśród starszych lub międzynarodowych widzów wydaje się mało prawdopodobna”. White przyznał filmowi pozytywną ocenę 8/10, mówiąc, że „najlepiej nadaje się dla pokolenia przewodowego i tych z nas, którzy dorastali na Nintendo i MTV. Jego kinetyczna natura i dziwaczna wrażliwość mogą być dla niektórych zniechęcające”. Scott uznał również elementy młodości za atrakcyjne, pisząc, że „istnieją filmy o młodości, które po prostu sprawiają, że czujesz się stary, nawet jeśli nie jesteś [ale] Scott Pilgrim vs. the World ma odwrotny skutek. Jest szybki, zabawny, szczęśliwy -smutny duch jest tak zaraźliwy, że film sprawia, że ​​czujesz się jak w domu w jego świecie, nawet jeśli krajobraz jest na pierwszy rzut oka nieznany." Abrams otworzył swoją recenzję, lamentując, że „smutną rzeczą w Scott Pilgrim vs. the World jest to, że ludzie zakładali, że ponieważ uwzględniał swoje niszowe zainteresowania demograficzne, w swojej kampanii reklamowej i w jej treści, że był przeznaczony do statusu kultu i nic. jeszcze."

Schager napisał, że Edgar Wright jest „inspirowanym artystą mash-upów, a Scott Pilgrim vs. the World może być jego najlepszą hybrydą do tej pory”, mówiąc, że film stał się „grą do walki wręcz”. Debruge powiedział również, że „styl [...] staje się poziomem, na którym musimy docenić pracę Wrighta”, szczególnie zwracając uwagę na 8-bitowe logo Universal i scenę Seinfeld . White wyjaśnia, że ​​chociaż styl i struktura gry wideo są nierealistyczne, „nawet najbardziej dziwaczne elementy naturalnie wypływają z fabuły”. Styl porównywano także do komiksów. Według Phillipsa, „Edgar Wright rozumie odwołanie oryginalnych komiksów Bryan Lee O'Malley [...] manga inspirowane książki O'Malley łączą zupełny banał z superbohatera hiperboli , [a] Wright, który jest Brytyjczykiem, podjęła i wygrał. [Film] żyje i oddycha stylem oryginalnych książek, z animowanymi zawijasami, sercami i gwiazdami wypełniającymi kadr w wielu pojedynczych ujęciach. Edelstein otworzył swoją recenzję, mówiąc: „Tak, w ten sposób ożywiasz powieść graficzną na ekranie!”, wyjaśniając, że „[Wright bierze] kanadyjskie mangi (w których przyziemność spotyka się z superbohaterem) i wymyśla własną składnię: po części komiks, po części zręcznościowa gra wideo”.

Dalej porównując film do powieści graficznych i omawiając go jako adaptację, Honeycutt zgadza się, że „reżyser/producent/współscenarzysta Edgar Wright [...] z powodzeniem odtworzył obrazy i światopogląd powieści graficznej Bryana Lee O'Malleya, sama w sobie jest mieszanką zwykłych postaci zagubionych w świecie mangi, gier wideo, teledysków i ikonografii komiksów”. White pisze, że elementy mash-up w stylu filmu tworzą „koktajl popkultury, który jest zabawny, zabawny i cudownie niecodzienny”, chwaląc Wrighta za „[uczynienie elementów komiksu] pracą w tłumaczeniu do akcji na żywo, a [mając] wystarczający szacunek dla pracy O'Malleya, aby spróbować uchwycić tego ducha; Scott zgadza się, mówiąc, że sukces wynika z pomysłowości w przeniesieniu gry wideo do świata gracza, a nie na odwrót, i więc „granica między fantazją a rzeczywistością jest nie tyle zatarta, co zatarta, ponieważ twórcy filmu tworzą całkowicie spójny, wiecznie zaskakujący wszechświat”. Abrams zauważa również, że niektóre elementy komiksu lepiej sprawdzają się w filmie, na przykład gdy Scott się budzi, a następnie Wallace i Inny Scott, ze względu na czas medium. Opowiada, że ​​Wright zdołała również zamieścić dodatkowe sceny, które dodatkowo wzbogacą charakterystykę Scotta i dodają humoru do fragmentów komiksów. Ogólnie rzecz biorąc, w swojej retrospekcji na rok 2020 W pierwszej recenzji Meghan Hale z Comic Years napisała, że ​​„[ Scott Pilgrim vs. the World ] nie tylko zapewnia odpowiednią adaptację, ale zamiast tego ożywia historię w sposób, który zmienia sposób, w jaki patrzymy na adaptacje”.

Popularna odpowiedź

Po obejrzeniu filmu na pokazie testowym, amerykański reżyser Kevin Smith powiedział, że był pod wrażeniem, i że „to jest urzekające i nikt nie zrozumie, co je kurwa właśnie uderzyło”, dodając, że Wright „ożywia komiks ”. Smith powiedział również, że koledzy reżyserzy Quentin Tarantino i Jason Reitman byli „naprawdę w to zaangażowani ”. Carla Gillis, pisarka Now i była wokalistka zespołu Plumtree, również skomentowała film, ponieważ piosenka jej zespołu „ Scott Pilgrim ” była inspiracją dla O'Malley do stworzenia serii; Gillis czuł, że film ma ten sam pozytywny, ale słodko-gorzki ton piosenki. Kilka znanych osobistości z branży gier wideo, filmów i anime również pochwaliło film po jego premierze w Japonii, w tym Hironobu Sakaguchi , Goichi Suda , Miki Mizuno , Tomohiko Itō i Takao Nakano .

W artykule wstępnym do Rotten Tomatoes Nathan Rabin napisał, że film cieszy się kultową popularnością, a w filmie Met Film School z 2015 roku Danny Kelly wymienił go jako jeden z sześciu najbardziej niedocenianych filmów w historii, mówiąc, że jest to „przestępstwo”, które więcej ludzie nie poszli go zobaczyć. Ranking Den of Geek z 2014 r. umieścił go na trzecim miejscu na liście 25 najlepszych niedocenianych filmów komiksowych, a James Hunt napisał, że „jest z łatwością lepszy niż jakikolwiek film z tej listy. na tej liście”; zasugerował, że cierpiał w kasie z powodu źle przeprowadzonego marketingu i ludzi chorujących na Michaela Cerę. W 2020 roku Evans porównał fanów Scotta Pilgrima do fanów Marvel Cinematic Universe, mówiąc, że byli równie wściekli i oddani; w lutym 2020 r. recenzent Alani Vargas napisał, że „dzisiaj może nie być tak 'kultowy'; jeśli teraz komukolwiek przedstawisz ten film, prawdopodobnie spotkasz się z bardzo entuzjastyczną odpowiedzią”.

Filmem inspirowali się artyści muzyczni, w tym Lil Uzi Vert ze swoimi albumami Lil Uzi Vert vs. the World i Lil Uzi Vert vs. the World 2 oraz singiel „Scott and Ramona”. Teledysk do singla australijskiego zespołu The Vines „Gimme Love” jest hołdem złożonym Scottowi Pilgrim vs. the World , przyjmując wizualny styl początku filmu, a Kid Cudi samplował muzykę z filmu w piosence „She Knows This”. z jego albumu Man on the Moon III: The Chosen .

Wyróżnienia

Scott Pilgrim vs. the World otrzymał wiele nagród i nominacji. Dokonał także finałowej listy siedmiu filmów do nominacji w kategorii Najlepsze Efekty Wizualne podczas 83. Oscarów , ale nominacji nie otrzymał. Zdobył Nagrodę Publiczności na Międzynarodowym Festiwalu Filmów Fantastycznych w Lund w 2010 roku .

Film znalazł się na kilku listach Top Ten Films of 2010, w tym jako numer 1 przez Harry'ego Knowlesa oraz na kilku listach przez Empire .

Bibliografia

Źródła

Media audiowizualne

Cechy

Wywiady

Literatura

Aktualności

Opinie

Sieć

Zewnętrzne linki

• Scott Pilgrim kontra świat na IMDb
• Scott Pilgrim kontra świat na Netflix
• Scott Pilgrim kontra świat w Box Office Mojo
• Sekwencja tytułów w Art of the Title

• Dziennik filmowy Scotta Pilgrima on Vimeo
• Edgar's Photo A Day 2009 z Flickr , z licznymi zdjęciami związanymi z filmem
• Maj 2020 oglądaj imprezę na Twitterze Listening Party
• Wywiad z obsadą Scott Pilgrim vs The World . Opiekun . 20 sierpnia 2010 r.
• Scott Pilgrim kontra świat | Ożywianie postaci | Dodatkowy klip funkcji . Universal Pictures Domowa rozrywka . 27 października 2010 r.
• Collis, Clark (24 czerwca 2020 r.). „Scott Pilgrim vs. the World: ustna historia kultowego klasyka Edgara Wrighta z supermocami” . Rozrywka Tygodnik . Zarchiwizowane z oryginału 25 czerwca 2020 r.
• Collis, Clark (13 sierpnia 2020 r.). „ « Scott Pilgrim kontra świat»historii mówionej: Bonus poziomie !!!” . Rozrywka Tygodnik . Zarchiwizowane z oryginału 14 sierpnia 2020 r.