Sidney Lumet - Sidney Lumet

Sidney Lumet
SidneyLumet07TIFF.jpg
Urodzić się
Sidney Arthur Lumet

( 1924-06-25 )25 czerwca 1924
Filadelfia , Pensylwania, Stany Zjednoczone
Zmarł 9 kwietnia 2011 (2011-04-09)(w wieku 86)
Nowy Jork, Nowy Jork, USA
Miejsce odpoczynku Beth David Cemetery
Elmont, Nowy Jork , USA
Alma Mater Uniwersytet Columbia
Zawód Reżyser, producent, scenarzysta, aktor
lata aktywności 1930-2007
Wybitna praca
Dog Day Afternoon
Equus
12 Angry Men
Network
Zanim diabeł dowie się, że nie żyjesz
Serpico
Morderstwo w Orient Expressie
Werdykt
Małżonkowie
( M.  1949; Gr.  1955)

( M.  1956; Gr.  1963)

Gail Jones
( M.  1963; Gr.  1978)

Mary Gimbel
( M,  1980),
Dzieci 2, w tym Jenny Lumet
Rodzice)
Krewni Jake Cannavale (wnuk)

Sidney Lumet Arthur ( / l Ü m ɛ t / loo- MET , 25 czerwca 1924 - 09 kwietnia 2011), amerykański reżyser, producent i scenarzysta z ponad 50 filmów na swoim koncie. Był pięciokrotnie nominowany do Oscara : cztery za najlepszy reżyser za 12 gniewnych mężczyzn (1957), Psie Dzień Popołudnia (1975), Sieć (1976) i Werdykt (1982) oraz jeden za najlepszy scenariusz adaptowany do Prince of the Miasto (1981). Nie zdobył indywidualnej Nagrody Akademii, ale otrzymał Nagrodę Honorową Akademii , a 14 jego filmów było nominowanych do Oscarów.

Według The Encyclopedia of Hollywood , Lumet był jednym z najbardziej płodnych twórców współczesnej epoki, kierując się więcej niż jeden film rocznie średnio od jego debiut reżyserski w 1957 roku Turner Classic Movies zauważa jego „silne kierunek aktorów”, „energiczne opowiadanie historii” i „socjalizm” w jego najlepszych pracach. Krytyk filmowy Roger Ebert określił go jako „jednego z najlepszych rzemieślników i najcieplejszych humanitarystów wśród wszystkich reżyserów filmowych”. Lumet był również znany jako „reżyser aktorski”, ponieważ w czasie swojej kariery pracował z najlepszymi z nich, prawdopodobnie bardziej niż „z jakimkolwiek innym reżyserem”. Sean Connery , który grał w pięciu swoich filmach, uważał go za jednego ze swoich ulubionych reżyserów i takiego, który miał tę „wizję”.

Jako członek klasy inauguracyjnej w nowojorskim Actors Studio , Lumet rozpoczął karierę reżyserską w produkcjach off-broadwayowskich , a następnie został bardzo skutecznym reżyserem telewizyjnym. Jego pierwszy film, 12 Angry Men (1957), był dramatem sądowym, którego głównym punktem były napięte obrady ławy przysięgłych. Następnie Lumet podzielił swoją energię między dramaty polityczne i społeczne, a także adaptacje sztuk literackich i powieści, wielkie, stylowe opowiadania, nowojorskie czarne komedie i realistyczne dramaty kryminalne, w tym Serpico i Prince of the City . W wyniku wyreżyserowania 12 Angry Men był także odpowiedzialny za poprowadzenie pierwszej fali reżyserów, którzy z powodzeniem przeszli z telewizji do filmów.

W 2005 roku Lumet otrzymał Nagrodę Akademii za całokształt twórczości za „wspaniałe zasługi dla scenarzystów, aktorów i sztukę filmową”. Dwa lata później zakończył karierę głośnym dramatem Zanim diabeł dowie się, że nie żyjesz (2007). Kilka miesięcy po śmierci Lumeta w kwietniu 2011 roku w nowojorskim Lincoln Center odbyła się retrospektywna uroczystość jego pracy z licznymi prelegentami i gwiazdami filmowymi. W 2015 roku Nancy Buirski wyreżyserowała film dokumentalny o jego karierze autorstwa Sidneya Lumeta , a w styczniu 2017 roku PBS poświęciła odcinek serialu American Masters jego reżyserskiemu życiu.

Biografia

Wczesne lata

Lumet jako dziecko, sfotografowany przez Carla Van Vechten
Lumet w sztuce 1940 Podróż do Jerozolimy

Lumet urodził się w Filadelfii i dorastał w dzielnicy Lower East Side na Manhattanie. Studiował aktorstwo teatralne w Professional Children's School w Nowym Jorku i na Uniwersytecie Columbia .

Rodzice Lumeta, Baruch i Eugenia (z domu Wermus) Lumet, byli weteranami teatru jidysz i byli polsko-żydowskimi emigrantami do Stanów Zjednoczonych. Jego ojciec, aktor, reżyser, producent i pisarz, urodził się w Warszawie. Matka Lumeta, która była tancerką, zmarła, gdy był dzieckiem. Zawodowo zadebiutował w radiu w wieku czterech lat, a na scenie w Yiddish Art Theatre w wieku pięciu lat. Jako dziecko wystąpił także w wielu produkcjach na Broadwayu , w tym w Dead End z 1935 roku i The Eternal Road Kurta Weilla .

W 1935 roku, w wieku 11 lat, wystąpił w krótkometrażowym filmie Henry'ego Lynna Papirossen (w języku jidysz oznaczającym „Papierosy”), współprodukowanym przez gwiazdę radia Hermana Yablokoffa . Film został pokazany w spektaklu teatralnym o tym samym tytule, opartym na przeboju „ Papirosn ”. Sztuka i film krótkometrażowy pojawiły się w Bronx McKinley Square Theatre. W 1939 roku wystąpił w swoim jedynym pełnometrażowym filmie, w wieku 15 lat, w ...Jedna trzecia narodu... .

II wojna światowa przerwała jego wczesną karierę aktorską i spędził cztery lata w armii amerykańskiej . Po powrocie ze służby jako serwisant radarów stacjonujących w Indiach i Birmie (1942–1946) związał się ze Studiem Aktorskim , a następnie założył własny warsztat teatralny. Zorganizował grupę Off-Broadway i został jej dyrektorem, a następnie kontynuował reżyserię w letnim teatrze giełdowym , ucząc aktorstwa w Wyższej Szkole Sztuk Scenicznych. Był starszym trenerem teatralnym w nowym budynku „Sztuki widowiskowej” przy 46 ulicy. 25-letni Lumet kierował działem dramatu w produkcji Młodej i pięknej .

Wczesna kariera

Lumet rozpoczął swoją karierę jako reżyser od produkcji off-broadwayowskich, a następnie stał się bardzo szanowanym reżyserem telewizyjnym. Po pracy poza Broadwayem i na letnim stażu, zaczął reżyserować telewizję w 1950 roku, po tym jak pracował jako asystent przyjaciela, a ówczesnego reżysera Yula Brynnera . Wkrótce opracował „błyskawicznie szybką” metodę fotografowania ze względu na dużą rotację wymaganą przez telewizję. W rezultacie, pracując dla CBS, wyreżyserował setki odcinków Danger (1950-55), Mama (1949-57) i You Are There (1953-57), cotygodniowego serialu, w którym u boku Waltera Cronkite'a wystąpił w jednym z jego wczesne główne role. Lumet wybrał Cronkite'a do roli prezentera, „ponieważ założenie serialu było tak głupie, było tak oburzające, że potrzebowaliśmy kogoś z najbardziej amerykańskim, samodziałowym, ciepłym luzem” – powiedział Lumet.

Wyreżyserował także oryginalne sztuki dla Playhouse 90 , Kraft Television Theatre i Studio One , wyreżyserował około 200 odcinków, co uczyniło go "jednym z najbardziej płodnych i szanowanych reżyserów w branży", według Turner Classic Movies . Jego zdolność do szybkiej pracy podczas kręcenia przeniosła się do jego kariery filmowej. Ponieważ jakość wielu seriali telewizyjnych była tak imponująca, kilka z nich zostało później zaadaptowanych jako filmy.

Reżyseria Anna Magnani w The Fugitive Kind (1960)

Jego pierwszy film, 12 Angry Men (1957), oparty na przedstawieniu na żywo CBS , był pomyślnym początkiem dla Lumeta. To był krytyczny sukces i ugruntował go jako reżysera zdolnego do adaptowania właściwości z innych mediów do filmów. Aż połowa filmów Lumeta powstała w teatrze.

Rozgłos przyniósł mu kontrowersyjny program telewizyjny, który wyreżyserował w 1960 roku: The Sacco-Vanzetti Story w NBC. Według The New York Times , dramat zaczerpnął ze stanu Massachusetts (gdzie Sacco i Vanzetti zostali osądzeni i straceni), ponieważ uważano, że postuluje się, iż skazani mordercy byli w rzeczywistości całkowicie niewinni. Jednak powstałe kontrowersje faktycznie przyniosły Lumetowi więcej pożytku niż szkody, wysyłając mu kilka prestiżowych projektów filmowych.

Zaczął adaptować klasyczne sztuki zarówno dla filmu, jak i telewizji, reżyserując Marlona Brando , Joanne Woodward i Annę Magnani w filmie fabularnym The Fugitive Kind (1959), opartym na sztuce Tennessee Williamsa Orfeusz zstępujący . Później kierował żywo wersję telewizyjną z Eugene O'Neill „s The Iceman Cometh , który został następnie jego filmu, widok z mostu (1962), kolejny dramat psychologiczny z gry napisanej przez Arthura Millera . Następnie pojawiła się kolejna sztuka Eugene'a O'Neilla przeniesiona do kina, Long Day's Journey into Night (również 1962), w której Katharine Hepburn otrzymała nominację do Oscara za rolę uzależnionej od narkotyków gospodyni domowej; Czterech głównych aktorów zgarnęło nagrody aktorskie na Festiwalu Filmowym w Cannes w 1962 roku . Został również uznany za jeden z dziesięciu najlepszych filmów tego roku przez The New York Times .

Styl reżyserski i tematyka

Realizm i energiczny styl

Krytyk filmowy Owen Gleiberman zauważył, że Lumet był „twardym, prostym strzelcem”, który, ponieważ był szkolony w złotym wieku telewizji w latach 50., stał się znany ze swojego energicznego stylu reżyserskiego. Słowa „Sidney Lumet” i „energia” – dodaje – stały się synonimami: „Energia była tam w najspokojniejszych chwilach. Była to energia wewnętrzna, szum istnienia, który Lumet dostrzegał w ludziach i wydobywał z nich… [kiedy] wyszedł na ulice Nowego Jorku…zrobił je elektryczne:

To była energia klasy robotniczej z przedmieścia. Ulice Lumeta były tak samo podłe jak ulice Scorsese, ale ulice Lumeta wydawały się raczej proste niż poetyckie. Przekazał tę nowojorską witalność z tak naturalną siłą, że łatwo było przeoczyć, co naprawdę było związane z osiągnięciem. Uchwycił ten nowojorski klimat jak nikt inny, ponieważ to widział, przeżywał, oddychał – ale potem musiał wyjść i wystawić go lub odtworzyć, prawie tak, jakby grał dokument, pozwalając swoim aktorom zmierzyć się jak przypadkowe drapieżniki, nalegając na możliwie jak najbardziej naturalne światło, sprawiając, że biura wyglądają tak brzydko i biurokratycznie, jak były, ponieważ wiedział, że pod spodem nie są to tylko biura, ale kryjówki, i że jest tam głębsza intensywność, prawie rodzaj piękna, do uchwycenia szorstkości rzeczywistości takiej, jaką naprawdę wyglądała.

Współpraca

Opisywanie sceny z Treatem Williamsem w Prince of the City (1981)

Lumet generalnie podkreślał kolaboracyjny charakter filmu, czasem wyśmiewając dominację „osobistego” reżysera, pisze historyk filmu Frank P. Cunningham. W rezultacie Lumet zasłynął zarówno wśród aktorów, jak i autorów zdjęć ze swojej otwartości na dzielenie się kreatywnymi pomysłami z pisarzem, aktorem i innymi artystami. Lumet „nie ma sobie równych pod względem wybitnych aktorów”, dodaje Cunningham, a wielu z nich pochodzi z teatru. Był w stanie wyciągnąć potężne występy z aktorów, takich jak Ralph Richardson , Marlon Brando , Richard Burton , Katharine Hepburn , James Mason , Sophia Loren , Geraldine Fitzgerald , Blythe Danner , Rod Steiger , Vanessa Redgrave , Paul Newman , Sean Connery , Henry Fonda , Dustin Hoffman , Albert Finney , Simone Signoret i Anne Bancroft . „Dajcie mu dobrego aktora, a może po prostu odkryje, że czai się w nim wielki aktor” – napisał krytyk filmowy Mick LaSalle .

Gdy było to konieczne, Lumet wybierał niewyszkolonych aktorów, ale stwierdził: „przez ponad dziewięćdziesiąt procent czasu potrzebuję najlepszych narzędzi, jakie mogę zdobyć: aktorów, pisarzy, oświetleniowców, operatorów, rekwizytorów”. Mimo to, kiedy wykorzystywał mniej doświadczonych aktorów, wciąż potrafił wydobyć znakomite i zapadające w pamięć występy aktorskie. Zrobił to z Nickiem Nolte , Anthonym Perkinsem , Armandem Assante , Jane Fonda , Faye Dunaway , Timothy Hutton i Ali MacGraw , która sama nazywała go "marzeniem każdego aktora". W opinii Fondy „był mistrzem. Taka kontrola nad swoim rzemiosłem. Miał silne, progresywne wartości i nigdy ich nie zdradził”.

Podczas gdy celem wszystkich filmów jest rozrywka, wierzę, że ten rodzaj filmu idzie o krok dalej. Zmusza widza do zbadania takiego czy innego aspektu własnego sumienia. Stymuluje myślenie i wprawia w ruch soki umysłowe.

—Sidney Lumet

Lumet wierzył, że filmy są sztuką, a „ilość uwagi, jaką poświęca się filmom, jest bezpośrednio związana z jakością zdjęć”. Ponieważ rozpoczął karierę jako aktor, stał się znany jako „reżyser aktorski” i przez lata pracował z najlepszymi z nich, w składzie prawdopodobnie nieporównywalnym z żadnym innym reżyserem. Badacz aktorstwa Frank P. Tomasulo zgadza się z tym i wskazuje, że wielu reżyserów, którzy są w stanie zrozumieć aktorstwo z perspektywy aktora, wszyscy byli „świetnymi komunikatorami”.

Według historyków filmu Geralda Masta i Bruce'a Kawina, „wrażliwość Lumeta na aktorów i rytmy miasta uczyniła go najdłużej żyjącym w Ameryce potomkiem neorealistycznej tradycji lat 50. i jego pilnego zaangażowania w etyczną odpowiedzialność”. Przywołują jego wczesny film Wzgórze (1965) jako „jeden z najbardziej radykalnych politycznie i moralnie filmów lat 60.”. Dodają, że pod społecznymi konfliktami filmów Lumeta kryje się „przekonanie, że miłość i rozum ostatecznie zwyciężą w sprawach ludzkich” i że „prawo i sprawiedliwość w końcu zostaną zasłużone – lub nie”. Jego debiutancki film, Dwunastu gniewnych ludzi , był w swoim czasie uznanym obrazem, reprezentującym wzór liberalnego rozsądku i wspólnoty w latach pięćdziesiątych. Film i Lumet byli nominowani do Oscara, a on był nominowany do nagrody Gildii Reżyserów , przy czym film był szeroko chwalony przez krytyków.

The Encyclopedia of World Biography podaje, że w jego filmach często pojawiali się aktorzy, którzy studiowali „ Metodę aktorską ”, znani z przedstawiania przyziemnego, introspektywnego stylu. Wiodącym przykładem takich aktorów „Metody” byłby Al Pacino , który na początku swojej kariery studiował u guru aktorstwa Metody Lee Strasberga . Lumet preferował również spontaniczność zarówno u aktorów, jak i w scenerii, co nadało jego filmom improwizowany wygląd, kręcąc większość swoich prac w plenerze.

Próba i przygotowanie

Lumet mocno wierzył w próby i czuł, że jeśli będziesz grał poprawnie, aktor nie straci spontaniczności. Według aktora, Iana Bernarda, czuł, że daje to aktorom „cały łuk roli”, co daje im swobodę odnalezienia „magicznego wypadku”. Reżyser Peter Bogdanovich zapytał go, czy dużo ćwiczył przed zdjęciami, a Lumet powiedział, że lubi ćwiczyć co najmniej dwa tygodnie przed filmowaniem. W tamtych tygodniach, wspomina Faye Dunaway , która zagrała w Network (1976), blokował też sceny ze swoim operatorem. W rezultacie dodaje, że „nie marnuje się ani minuty podczas kręcenia, a to pokazuje nie tylko budżet studia, ale pokazuje to impet wydajności”. Chwali jego styl reżyserski w Network , w którym zdobyła swoją jedyną nagrodę Akademii:

Sidney jest, jeśli nie, jednym z najbardziej utalentowanych i profesjonalnych mężczyzn na świecie… a działanie w sieci było jednym z najszczęśliwszych doświadczeń, jakie kiedykolwiek miałem… Jest naprawdę utalentowanym człowiekiem, który przyczynił się do dobry interes do mojego występu.

Częściowo dlatego, że jego aktorzy byli dobrze przygotowani, mógł realizować spektakle w szybkim porządku, dzięki czemu jego spektakle mieściły się w skromnym budżecie. Na przykład podczas kręcenia Prince of the City (1981), mimo ponad 130 ról mówiących i 135 różnych lokalizacji, był w stanie skoordynować całą sesję w 52 dni. W rezultacie, jak piszą historycy Charles Harpole i Thomas Schatz, aktorzy chętnie z nim współpracowali, ponieważ uważali go za „wybitnego reżysera aktorów”. Gwiazda filmu, Treat Williams , powiedział, że Lumet był znany z „energii”:

Był tylko kulą ognia. Miał pasję do tego, co robił i „przyszedł do pracy” z płonącymi wszystkimi beczkami. Jest prawdopodobnie najbardziej przygotowanym reżyserem, z jakim kiedykolwiek pracowałem emocjonalnie. Jego filmy zawsze przychodziły zgodnie z harmonogramem i budżetem. I wszyscy wrócili do domu na obiad.

Harpole dodaje, że „podczas gdy wielu reżyserów nie lubiło prób lub doradzania aktorom, jak budować swoją postać, Lumet wyróżniał się w obu”. W ten sposób mógł łatwiej dać swoim wykonawcom filmową prezentację ich umiejętności i pomóc im pogłębić ich wkład aktorski. Aktor Christopher Reeve , który zagrał w Deathtrap (1982), również zwrócił uwagę, że Lumet wiedział, jak mówić językiem technicznym: „Jeśli chcesz pracować w ten sposób – wie, jak mówić Metodą , wie, jak improwizować, a on robi to wszystko równie dobrze."

W miarę upływu czasu film staje się coraz bardziej wyczerpujący i naprawdę potrzebujesz reżysera, który zawsze pomoże ci przypomnieć, gdzie jest twoja postać. Taki był Sidney Lumet. Zrobią to wszyscy wspaniali reżyserzy.

Al Pacino

Joanna Rapf, pisząc o kręceniu Werdyktu (1982), stwierdza, że ​​Lumet poświęcał swoim aktorom wiele osobistej uwagi, słuchając ich lub dotykając. Opisuje, jak Lumet i gwiazda Paul Newman siedzieli na ławce oddzielonej od głównego planu, gdzie Newman zdjął buty, aby prywatnie omówić ważną scenę, która ma zostać nakręcona… aktorzy przechodzą przez swoje sceny, zanim kamera się potoczy. To przygotowanie zostało wykonane, ponieważ Lumet lubi kręcić scenę w jednym ujęciu, najwyżej w dwóch. Newman lubił nazywać go „Speedy Gonzales”, dodając, że Lumet nie strzelał więcej, niż musiał. „On nie zapewnia sobie żadnej ochrony. Wiem, że bym to zrobił” – powiedział Newman.

Krytyk filmowy Betsey Sharkey zgadza się z tym, dodając, że „był mistrzem jednego lub dwóch lat, zanim Clint Eastwood przekształci go w szanowaną specjalność”. Sharkey wspomina: „[Faye] Dunaway powiedział mi kiedyś, że Lumet pracował tak szybko, jakby jechał na wrotkach. Szybszy puls generowany przez wielkie serce”.

Rozwój postaci

Biograf Joanna Rapf zauważa, że ​​Lumet zawsze był niezależnym reżyserem i lubił kręcić filmy o „ludziach, którzy zbierają odwagę, by rzucić wyzwanie systemowi, o małym facecie przeciwko systemowi”. Dotyczy to również postaci kobiecych, jak w Garbo Talks (1984). Jej gwiazda, Anne Bancroft, ucieleśniała typ postaci, która go pociągała: „zaangażowany działacz na różne sposoby, który broni praw uciskanych, który jest żywy, otwarty, odważny, który odmawia podporządkowania się dla dobra wygody i której zrozumienie życia pozwala jej umrzeć z godnością… Garbo Talks pod wieloma względami jest walentynką dla Nowego Jorku.”

W wywiadzie udzielonym w 2006 roku powiedział, że zawsze był „zafascynowany ludzkimi kosztami związanymi z podążaniem za pasjami i zobowiązaniami oraz kosztami, jakie te pasje i zobowiązania nakładają na innych”. Ten temat jest głównym tematem większości jego filmów, zauważa Rapf, takich jak jego prawdziwe filmy o korupcji w nowojorskiej policji czy dramatach rodzinnych, takich jak Daniel (1983).

Psychodramy

Historyk filmu Stephen Bowles uważa, że ​​Lumet był najbardziej komfortowy i skuteczny jako reżyser poważnych psychodram , w przeciwieństwie do lekkich rozrywek. Na przykład jego nominacje do Oscara dotyczyły studiów postaci mężczyzn w kryzysie, od jego pierwszego filmu, Dwunastu gniewnych ludzi , po Werdykt . Lumet celował w umieszczaniu dramatu na ekranie. Większość jego postaci kieruje się obsesjami lub pasjami, takimi jak dążenie do sprawiedliwości, uczciwości i prawdy, zazdrość, pamięć lub poczucie winy. Lumet był zaintrygowany obsesyjnymi warunkami, pisze Bowles.

Bohaterami Lumeta byli zazwyczaj antybohaterowie , samotni i zwyczajni mężczyźni, którzy buntują się przeciwko grupie lub instytucji. Najważniejszym kryterium dla Lumeta nie było po prostu to, czy działania ludzi są słuszne, czy złe, ale czy są one autentyczne i uzasadnione sumieniem jednostki. Na przykład demaskator Frank Serpico jest kwintesencją bohatera Lumet, którego opisał jako „buntownika z racji sprawy”.

Wcześniejszym przykładem psychodramy był The Lombardzki (1964), z udziałem Roda Steigera . Steiger zagrał w nim ocalałego z Holokaustu, którego duch został złamany i żyje na co dzień jako kierownik lombardu w Harlemie. Lumet wykorzystał film do zbadania, z retrospekcji, psychologicznych i duchowych blizn, z którymi żyje postać Steigera, w tym utraty zdolności odczuwania przyjemności. Steiger, który nakręcił prawie 80 filmów, powiedział podczas wywiadu telewizyjnego, że film był jego ulubionym jako aktor.

Kwestie sprawiedliwości społecznej

To właśnie socrealizm, który przeniknął jego największe dzieło, naprawdę zdefiniował Lumeta – motywy młodzieńczego idealizmu podbitego przez korupcję i beznadziejność nieudolnych instytucji społecznych pozwoliły mu na zrealizowanie kilku przekonujących i mocnych filmów, których nie byłby w stanie zrobić żaden inny reżyser.

Turner Klasyczne filmy

Serpico (1973) był pierwszym z czterech „wschodzących” filmów zrealizowanych przez Lumeta w latach 70., które określiły go jako „jednego z największych filmowców swojego pokolenia”. Była to historia władzy i zdrady sił policyjnych Nowego Jorku, z idealistycznym policjantem walczącym z niemożliwymi do pokonania przeciwnościami losu.

Jako, że Lumet był dzieckiem podczas Wielkiego Kryzysu , dorastał w biedzie w Nowym Jorku i był świadkiem biedy i korupcji wokół niego. To zaszczepiło mu w młodym wieku znaczenie sprawiedliwości dla demokracji, temat, który starał się umieścić w swoich filmach. Przyznał jednak, że nie wierzy, że sama sztuka ma moc, by cokolwiek zmienić. „W branży rozrywkowej jest, jak mówi, wiele „gówna”, ale sekretem dobrej pracy jest zachowanie uczciwości i pasji”. Historyk filmu David Thomson pisze o swoich filmach:

Ma stałe tematy: kruchość wymiaru sprawiedliwości, policję i jej korupcję. Lumet szybko stał się cenionym ... [on] ma zwyczaj dla dużych problemów - fail safe , lombardu , wzgórza ,  - i wydawał się rozdarty między otępienia i patosu. ... Był ową rarytasem lat 70., reżyserem, który chętnie serwował swój materiał – ale pozornie nie został przez niego poruszony ani zmieniony. ... Jego wrażliwość na aktorów i rytmy miasta uczyniły go „najdłużej żyjącym w Ameryce potomkiem neorealistycznej tradycji lat 50. i jej pilnego zaangażowania w etyczną odpowiedzialność.

Ustawienia w Nowym Jorku

Lumet zawsze wolał pracować w Nowym Jorku i stronił od dominacji Hollywood. Jako reżyser mocno utożsamiał się z Nowym Jorkiem. „Zawsze lubię przebywać w świecie Woody'ego Allena” – powiedział. Twierdził, że „różnorodność miasta, jego liczne dzielnice etniczne, jego sztuka i zbrodnia, jego wyrafinowanie i jego korupcja, jego piękno i brzydota, wszystko to wpływa na to, co go inspiruje”. Uważał, że aby tworzyć, trzeba na co dzień konfrontować się z rzeczywistością. Dla Lumeta „Nowy Jork jest wypełniony rzeczywistością; Hollywood to kraina fantazji”.

Od czasu do czasu wykorzystywał Nowy Jork jako tło – jeśli nie symbol – swojego „zaabsorbowania upadkiem Ameryki”, jak twierdzą historycy filmu Scott i Barbara Siegel . Lumeta przyciągnęły historie kryminalne z miejskimi sceneriami Nowego Jorku, w których przestępcy wpadają w wir wydarzeń, których nie mogą zrozumieć ani kontrolować, ale są zmuszeni rozwiązać.

Wykorzystanie współczesnych motywów żydowskich

Podobnie jak inni żydowscy reżyserzy z Nowego Jorku, tacy jak Woody Allen , Mel Brooks i Paul Mazursky , bohaterowie Lumeta często otwarcie mówili o kontrowersyjnych kwestiach tamtych czasów. Czuli się nieskrępowani, gdy filmowcy, a ich sztuka została „przefiltrowana przez ich żydowską świadomość”, napisał historyk filmu David Desser . Lumet, podobnie jak inni, sięgał niekiedy po tematykę żydowską, aby rozwijać wrażliwość etniczną charakterystyczną dla współczesnej kultury amerykańskiej, dynamicznie podkreślając jej „unikalne napięcia i różnorodność kulturową”. Częściowo odzwierciedlało to zainteresowanie Lumeta życiem miasta. Na przykład jego film A Stranger Among Us (1992) jest historią tajnej policjantki i jej doświadczeń w społeczności chasydzkiej w Nowym Jorku.

Temat „winy”, wyjaśnia Desser, dominuje w wielu filmach Lumeta. Od jego pierwszego filmu fabularnego, 12 Angry Men (1957), w którym ława przysięgłych musi rozstrzygnąć winę lub niewinność młodego człowieka, po pytania i odpowiedzi (1990), w których prawnik musi rozstrzygnąć kwestię winy i odpowiedzialności ze strony Policjant indywidualista, poczucie winy to wspólny wątek przewijający się w wielu jego filmach. W filmie takim jak Morderstwo w Orient Expressie (1974) wszyscy podejrzani są winni.

Jego filmy charakteryzowały się również silnym naciskiem na życie rodzinne, często ukazując napięcia w rodzinie. Ten nacisk na rodzinę obejmował „rodziny zastępcze”, jak w policyjnej trylogii składającej się z Serpico (1973), Prince of the City (1981) oraz Q & A . „Nietradycyjną rodzinę” przedstawia także w „ Psie popołudnie” (1975).

Techniki reżyserskie

Sidney był filmowcem-wizjonerem, którego filmy pozostawiły niezatarty ślad w naszej kulturze popularnej dzięki poruszającym komentarzom na temat naszego społeczeństwa. Przyszłe pokolenia filmowców będą szukać wskazówek i inspiracji w pracach Sidneya, ale nigdy nie będzie nikogo, kto byłby mu bliski.

— kompozytor Quincy Jones

Według Joanny Rapf Lumet zawsze preferował naturalizm i/lub realizm. Nie podobało mu się „wygląd dekoratora”, w którym kamera mogła zwrócić na siebie uwagę. Zmontował swoje filmy, żeby kamera nie rzucała się w oczy. Jego operator Ron Fortunato powiedział: „Sidney odwraca się, gdy widzi zbyt pretensjonalny wygląd”.

Częściowo dlatego, że był chętny i zdolny do podjęcia tak wielu ważnych społecznych problemów i problemów, osiągnął dobre występy od głównych aktorów z doskonałą pracą od aktorów charakterystycznych. Jest „jedną z najwybitniejszych postaci nowojorskiego kinematografii. Stosuje się do dobrych scenariuszy, kiedy je dostaje” – powiedział krytyk David Thomson. Choć krytycy różnie oceniali jego filmy, ogólnie dorobek Lumeta cieszy się dużym uznaniem. Większość krytyków określiła go jako reżysera wrażliwego i inteligentnego, posiadającego dobry gust, odwagę eksperymentowania ze swoim stylem i „dar do radzenia sobie z aktorami”.

W cytacie ze swojej książki Lumet podkreślił logistykę reżyserii:

Ktoś kiedyś zapytał mnie, jak wygląda kręcenie filmu. Powiedziałem, że to jak robienie mozaiki. Każda konfiguracja jest jak maleńka płytka (ustawienie, podstawowy element produkcji filmu, składa się z jednej pozycji kamery i związanego z nią oświetlenia). Kolorujesz, kształtujesz, polerujesz najlepiej jak potrafisz. Zrobisz sześć lub siedemset takich, może tysiąc. (Łatwo może być tak wiele ustawień w filmie.) Następnie dosłownie wklejasz je razem i masz nadzieję, że to jest to, co zamierzasz zrobić.

Krytyk Justin Chang dodaje, że umiejętności Lumeta jako reżysera i tworzenia mocnych historii były kontynuowane aż do jego ostatniego filmu w 2007 roku, pisząc o jego „zwinnym kontakcie z wykonawcami, jego zdolności do wydobywania wielkiego ciepła i dowcipnego humoru jedną ręką i nakłaniania ich ku historii ciemniejsze, bardziej anguished skrajności emocji z drugiej strony, był na satysfakcjonujące wyświetlanie w swojej ironicznie zatytułowanej końcowego filmu, Nim diabeł dowie się . "

Wizja przyszłych filmów

W wywiadzie dla magazynu New York powiedział, że spodziewa się zobaczyć więcej reżyserów z różnych środowisk etnicznych i społeczności, opowiadających swoje historie. „Wiesz, zaczynałem od robienia filmów o Żydach, Włochach i Irlandczykach, bo nic więcej nie wiedziałem”.

Filmografia

jako reżyser
Rok Film Dystrybutor
1957 12 gniewnych mężczyzn Zjednoczeni Artyści
1958 Etap uderzony Zdjęcia RKO
1959 Taki rodzaj kobiety Najważniejsze zdjęcia
1960 Uciekinier Zjednoczeni Artyści
1962 Widok z mostu Film kontynentalny
1962 Podróż długiego dnia w noc Zdjęcia Ambasady
1964 Lombard Najważniejsze zdjęcia
1964 Bezpieczeństwo w przypadku awarii Zdjęcia Kolumbii
1965 Wzgórze Metro-Goldwyn-Meyer
1966 Grupa Zjednoczeni Artyści
1967 Zabójcza sprawa Zdjęcia Kolumbii
1968 Bye Bye Braverman Warner Bros.
1968 Mewa
1969 Spotkanie Metro-Goldwyn-Meyer
1970 Ostatni z mobilnych gorących ujęć Warner Bros.
1971 Taśmy Andersona Zdjęcia Kolumbii
1972 Dziecinnie proste Najważniejsze zdjęcia
1973 Wykroczenie Zjednoczeni Artyści
1973 Serpico Najważniejsze zdjęcia
1974 Kocham Molly Zdjęcia Kolumbii
1974 Morderstwo w Orient Expressie Najważniejsze zdjęcia
1975 Psie popołudnie Warner Bros.
1976 Sieć Metro-Goldwyn-Meyer
1977 Equus Zjednoczeni Artyści
1978 Wiz Uniwersalne zdjęcia
1980 Po prostu powiedz mi, czego chcesz Warner Bros.
1981 Książę Miasta
1982 Śmiertelna pułapka
1982 Werdykt 20th Century Fox
1983 Daniel Najważniejsze zdjęcia
1984 Rozmowy Garbo Metro-Goldwyn-Mayer
1986 Moc 20th Century Fox
1986 Poranek po
1988 Działa na pustym miejscu Warner Bros.
1989 Biznes rodzinny Zdjęcia trójgwiazdkowe
1990 Pytania i odpowiedzi
1992 Obcy wśród nas Zdjęcia Buena Vista
1993 Winny jako Sin
1996 Na Manhattanie zapada noc Najważniejsze zdjęcia
1997 Opieka krytyczna Rozrywka NA ŻYWO
1999 Gloria Zdjęcia Kolumbii
2006 Uznajcie mnie za winnego Uwalnianie w stylu dowolnym
2007 Zanim diabeł dowie się, że nie żyjesz ThinkFilm

Wyróżnienia i dziedzictwo

Lumet został doceniony przez Academy of Motion Picture Arts and Sciences za następujące filmy:

Lumet otrzymał także Berlin International Film Festival „s Złotego Niedźwiedzia za 12 Angry Men . Otrzymał cztery nominacje do Złotej Palmy na Festiwalu Filmowym w Cannes za filmy Podróż w noc długiego dnia (1962), Wzgórze (1965), Spotkanie (1969) i Nieznajomy wśród nas (1992). Otrzymał także nominację do nagrody Złotego Lwa na Festiwalu Filmowym w Wenecji dla Prince of the City (1981).

Według historyka filmu Bowlesa, Lumetowi udało się zostać czołowym twórcą dramatów, po części dlatego, że „jego najważniejszym kryterium [w reżyserii] nie jest to, czy działania jego bohaterów są słuszne, czy złe, ale czy ich działania są autentyczne”. A gdy te działania są „usprawiedliwione sumieniem jednostki, daje to jego bohaterom niezwykłą siłę i odwagę do znoszenia presji, nadużyć i niesprawiedliwości innych”. W ten sposób jego filmy nieustannie dają nam „kwintesencję bohatera działającego wbrew autorytetom grupy rówieśniczej i domagającego się własnego kodeksu wartości moralnych”.

Opublikowane przez Lumeta wspomnienia z jego życia w filmie, Making Movies (1996), są „niezwykle beztroskie i zaraźliwe w swoim entuzjazmie dla samego rzemiosła filmowego”, pisze Bowles, „i wyraźnie kontrastują z tonem i stylem większości jego Być może znakiem rozpoznawczym Lumeta jako reżysera jest jego praca z aktorami – i jego wyjątkowa umiejętność rysowania wysokiej jakości, czasem niezwykłych kreacji nawet z najbardziej nieoczekiwanych miejsc” Jake Coyle, pisarz dla Associated Press , zgadza się: „Podczas gdy Lumet przez lata były stosunkowo niedoceniane, aktorzy konsekwentnie odwracali się w niektóre z najbardziej pamiętnych ról pod jego kierownictwem. Od Katharine Hepburn do Faye Dunaway , Henry'ego Fondy do Paula Newmana , Lumet jest znany jako reżyser aktorski” i dla niektórych, takich jak Ali MacGraw , jest uważany za „marzenie każdego aktora”.

Lumet jest jednym z najważniejszych reżyserów filmowych w historii kina amerykańskiego, a jego twórczość pozostawiła niezatarty ślad zarówno na widzach, jak i na historii samego filmu.

Frank Pierson,
były prezes Academy of Motion Pictures

Wierząc, że „fascynujące historie i niezapomniane kreacje Lumeta były jego mocną stroną”, reżyser i producent Steven Spielberg określił Lumeta jako „jednego z największych reżyserów w długiej historii filmu”. Al Pacino na wieść o śmierci Lumeta stwierdził, że swoimi filmami „zostawia wielką spuściznę, ale co więcej, bliskim mu ludziom pozostanie najbardziej cywilizowanym z ludzi i najmilszym człowiekiem, jakiego kiedykolwiek znałem. ”. Pisarz Boston Herald, James Verniere, zauważa, że ​​„w czasach, gdy amerykański przemysł filmowy chce zobaczyć, jak nisko może się zejść, Sidney Lumet pozostaje mistrzem moralnie złożonego amerykańskiego dramatu”. Po jego śmierci inni nowojorscy reżyserzy, Woody Allen i Martin Scorsese, oddali hołd Lumetowi. Allen nazwał go „kwintesencją nowojorskiego filmowca”, podczas gdy Scorsese powiedział, że „nasza wizja miasta została wzmocniona i pogłębiona przez takie klasyki jak Serpico , Dog Day Afternoon, a przede wszystkim niezwykły Prince of the City ”. Lumet pochwalił też burmistrza Nowego Jorku Michaela Bloomberga , który nazwał go „jednym z wielkich kronikarzy naszego miasta”.

Nie zdobył indywidualnej Nagrody Akademii, chociaż otrzymał Nagrodę Honorową Akademii w 2005 roku, a 14 jego filmów było nominowanych do różnych Oscarów, takich jak Network , który był nominowany do 10, zdobywając 4. W 2005 roku Lumet otrzymał Oscara Nagroda za całokształt twórczości za „wspaniałe zasługi dla scenarzystów, wykonawców i sztukę filmową.

Kilka miesięcy po śmierci Lumeta w kwietniu 2011 roku komentator telewizyjny Lawrence O'Donnell wyemitował hołd dla Lumeta, a retrospektywna uroczystość jego pracy odbyła się w nowojorskim Lincoln Center z udziałem wielu mówców i gwiazd filmowych. W październiku 2011 r. organizacja Human Rights First zainaugurowała swoją nagrodę „Sidney Lumet Award for Integrity in Entertainment” za program telewizyjny „ The Good Wife” oraz wręczyła nagrody dwóm działaczom na Bliskim Wschodzie, którzy pracowali na rzecz wolności i demokracji. Lumet współpracował z Human Rights First przy projekcie medialnym związanym z przedstawianiem tortur i przesłuchań w telewizji.

Życie osobiste i śmierć

Lumet był żonaty cztery razy; pierwsze trzy małżeństwa zakończyły się rozwodem. Był żonaty z aktorką Ritą Gam od 1949 do 1955; artystce i dziedziczce Glorii Vanderbilt od 1956 do 1963; Gail Jones (córce Leny Horne ) w latach 1963-1978 oraz Mary Bailey Gimbel (byłej żonie Petera Gimbela ) od 1980 roku aż do jego śmierci. Miał dwie córki Jonesa: Amy, która w latach 1990-1993 była żoną PJ O'Rourke'a , oraz aktorkę i scenarzystę Jenny , która odegrała główną rolę w jego filmie Q&A . Napisała także scenariusz do filmu Rachel Getting Married (2008), a także współtworzyła z Alexem Kurtzmanem dwa seriale telewizyjne , The Silence of the Lambs sequel Clarice i Star Trek: Strange New Worlds .

Lumet zmarł w wieku 86 lat 9 kwietnia 2011 roku w swojej rezydencji na Manhattanie na chłoniaka . Zapytany w wywiadzie z 1997 roku o to, jak chciał „wychodzić”, Lumet odpowiedział: „Nie myślę o tym. Nie jestem religijny. Wiem, że nie chcę zajmować miejsca. mnie i rozsyp moje prochy na Delikatesach Katza ”.

Bibliografia

Zewnętrzne linki