Znaczenie bycia gorliwymThe Importance of Being Earnest

Znaczenie bycia gorliwym
Algy-i-Jack-1895.jpg
Oryginalna produkcja, 1895
Allan Aynesworth jako Algernon (po lewej) i George Alexander jako Jack
Scenariusz Oscar Wilde
Data premiery 1895
Miejsce premiery St James's Theatre ,
Londyn, Anglia
Oryginalny język język angielski
Gatunek muzyczny Komedia, farsa
Ustawienie Londyn i posiadłość w Hertfordshire

Znaczenie bycia poważnym, trywialna komedia dla poważnych ludzi to sztuka Oscara Wilde'a . Po raz pierwszy wystawiona 14 lutego 1895 roku w St James's Theatre w Londynie, to farsowa komedia, w której bohaterowie utrzymują fikcyjne postacie, by uciec od uciążliwych zobowiązań społecznych. Działając w ramach konwencji społecznych późnego wiktoriańskiego Londynu, głównymi tematami sztuki są trywialność, z jaką traktuje instytucje tak poważne jak małżeństwo, i wynikająca z tego satyra na wiktoriańskie obyczaje . Niektóre ówczesne recenzje chwaliły humor sztuki i ukoronowanie artystycznej kariery Wilde'a, inne ostrożnie podchodziły do ​​braku społecznego przekazu. Jego wysoka farsa i dowcipne dialogi sprawiły, że The Znaczenie of Being Earnest jest najpopularniejszą sztuką Wilde'a.

Udany wieczór otwarcia był punktem kulminacyjnym kariery Wilde'a, ale także zwiastował jego upadek. Markiz Queensberry , którego syn Alfred Douglas była kochanka Wilde'a, planuje przedstawić pisarza z bukietem zgniłych warzyw i zakłócić show. Wilde został poinformowany, a Queensberry odmówiono wstępu. Ich spór osiągnął punkt kulminacyjny w sądzie, gdy Wilde pozwał o zniesławienie. Postępowanie dostarczyło wystarczających dowodów na jego aresztowanie, proces i skazanie pod zarzutem rażącej nieprzyzwoitości. Homoseksualizm Wilde'a został ujawniony społeczeństwu wiktoriańskiemu i został skazany na dwa lata więzienia z ciężką pracą. Pomimo wczesnego sukcesu sztuki, rozgłos Wilde'a spowodował, że sztuka została zamknięta po 86 przedstawieniach. Po wyjściu z więzienia opublikował sztukę z emigracji w Paryżu, ale nie napisał już dzieł komicznych ani dramatycznych.

The Znaczenie of Being Earnest było wielokrotnie wznawiane od czasu premiery. Trzykrotnie był adaptowany na potrzeby kina. W The Znaczenie of Being Earnest (1952) Dame Edith Evans powtórzyła swoją słynną interpretację Lady Bracknell; The Znaczenie of Being Earnest (1992) Kurta Bakera użył całkowicie czarnej obsady; i Oliver Parker jest , jak ważne jest Earnest (2002), włączone część oryginalnego materiału cięcia Wilde podczas wytwarzania pierwszego etapu produkcji.

Kompozycja

Oscar Wilde w 1889 r.

Sztuka została napisana po sukcesie wcześniejszych sztuk Wilde'a Wachlarz Lady Windermere , Idealny mąż i Kobieta bez znaczenia . Lato 1894 spędził z rodziną w Worthing , gdzie rozpoczął pracę nad nową sztuką. Jego sława osiągnęła szczyt, używał roboczego tytułu Lady Lancing, aby uniknąć prewencyjnych spekulacji na temat jego treści. Wiele imion i pomysłów w sztuce zostało zapożyczonych od osób lub miejsc znanych autorowi; Na przykład w Bracknell mieszkała lady Queensberry, matka lorda Alfreda Douglasa . Badacze Wilde'a są zgodni, że największy wpływ na tę sztukę miała farsa WS Gilberta Zaangażowani z 1877 roku , z której Wilde zapożyczył nie tylko kilka incydentów, ale także „powagę tonu , jakiej Gilbert żądał od swoich aktorów”.

Wilde nieustannie poprawiał tekst przez następne miesiące. Żadna linia nie pozostała nietknięta, a rewizja miała poważne konsekwencje. Sos Eltis opisuje poprawki Wilde'a jako wyrafinowaną sztukę w pracy. Najwcześniejsze i najdłuższe odręczne szkice sztuki opierają się na farsowych incydentach, szerokich kalamburach, nonsensownych dialogach i konwencjonalnych zwrotach komiksowych. W rewizji „Wilde przekształcił standardowe nonsensy w bardziej systemową i niepokojącą nielogiczność, która charakteryzuje dialog Earnesta ”. Richard Ellmann twierdzi, że Wilde osiągnął dojrzałość artystyczną i pisał pewniej i szybciej.

Wilde napisał rolę Jacka Worthinga z myślą o aktorze i menedżerze Charlesie Wyndhamie . Wilde podzielał pogląd Bernarda Shawa, że Wyndham był idealnym aktorem komediowym i oparł postać na jego osobowości scenicznej. Wyndham przyjął sztukę do inscenizacji w swoim teatrze, ale przed rozpoczęciem prób zmienił plany, aby pomóc koledze w nagłym kryzysie. Na początku 1895 roku, co w teatrze St James , aktor-manager George Alexander „produkcja s Henry James ” s Guy Domville zawiodły i zamknął po 31 występów, pozostawiając Alexander w pilnej potrzebie nowej grze, aby ją śledzić. Wyndham zrzekł się praw wynikających z umowy i pozwolił Alexandrowi wystawić sztukę Wilde'a.

Po pracy z Wildem nad ruchami scenicznymi z teatrem zabawek Aleksander poprosił autora o skrócenie sztuki z czterech do trzech aktów. Wilde zgodził się i połączył elementy drugiego i trzeciego aktu. Największą stratą było usunięcie postaci pana Gribsby'ego, prawnika, który przyjeżdża z Londynu, by aresztować rozpustnego „Ernesta” (tj. Jacka) za niezapłacone rachunki za posiłki. Wersja czteroaktowa została po raz pierwszy zagrana w produkcji radiowej BBC i nadal jest czasami wykonywana. Niektórzy uważają, że trzyaktowa struktura jest bardziej efektywna i teatralnie donośna niż rozszerzone wydanie wydane.

Produkcje

Premiera

Sztuka została po raz pierwszy wystawiona w St James's Theatre w Walentynki 1895. Było mroźno, ale Wilde przybył ubrany w „kwiecistą trzeźwość”, ubrany w zielony goździk. Wśród publiczności, według jednego z raportów, "było wielu członków wielkich i dobrych, byłych ministrów i tajnych radnych, a także aktorów, pisarzy, naukowców i entuzjastów". Allan Aynesworth , który grał Algernon Moncrieff, aby przypomnieć Hesketh Pearson , że „W moich pięćdziesięciu trzech lat działania, nigdy nie pamiętam triumf większy niż [że] pierwszej nocy”. Aynesworth sam był „wytworny i stylowy”, a Alexander, który grał Jacka Worthinga „skromnym”.

Obsada była:

Pani George Canninge jako Miss Prism i Evelyn Millard jako Cecily Cardew w premierze
Rose Leclercq jako Lady Bracknell, ze szkicu pierwszej produkcji

Markiz Queensberry , ojciec kochanka Wilde'a, lorda Alfreda Douglasa (który był wówczas na wakacjach w Algierze), planował zakłócić sztukę, rzucając bukietem zgniłych warzyw w dramaturga, gdy ten skłonił się pod koniec pokaz. Wilde i Alexander dowiedzieli się o planie, a ten ostatni anulował bilet Queensberry i zorganizował policjantom zablokowanie wejścia. Niemniej jednak kontynuował nękanie Wilde'a, który ostatecznie wszczął prywatne oskarżenie przeciwko parze za zniesławienie kryminalne , wywołując serię procesów zakończonych więzieniem Wilde'a za rażącą nieprzyzwoitość . Alexander próbował, bez powodzenia, ratować produkcję, usuwając nazwisko Wilde'a z billingu, ale sztuka musiała zostać zamknięta po zaledwie 86 przedstawieniach.

Oryginalna produkcja na Broadwayu została otwarta w Empire Theatre 22 kwietnia 1895 roku, ale została zamknięta po szesnastu przedstawieniach. W obsadzie znaleźli się William Faversham jako Algy, Henry Miller jako Jack, Viola Allen jako Gwendolen i Ida Vernon jako Lady Bracknell. Australijska premiera odbyła się w Melbourne 10 sierpnia 1895 r., prezentowali ją Dion Boucicault Jr. i Robert Brough i sztuka odniosła natychmiastowy sukces. Upadek Wilde'a w Anglii nie wpłynął na popularność jego sztuk w Australii.

Krytyczny odbiór

Recenzenci premiery: ruchu wskazówek zegara od góry po lewej: William Archer , A.  B.  Walkley , H.  G.  Wellsa i Bernard Shaw

W przeciwieństwie do większości ówczesnych teatrów, lekka fabuła Ważności bycia poważnym nie wydaje się podejmować poważnych problemów społecznych i politycznych, których nieufni byli współcześni recenzenci. Choć nie byli pewni powagi Wilde'a jako dramaturga, dostrzegli spryt, humor i popularność sztuki wśród publiczności. Shaw, na przykład przeglądu play w Saturday Review , twierdząc, że komedia powinna dotykać jak Amuse, „Idę do teatru, aby być przeniesione do śmiechu.” Później w liście napisał, że sztuka, choć „niezwykle zabawna”, była „pierwszą naprawdę bezduszną [jeden] Wilde'a”. W The World , William Archer napisał, że mu się podobało oglądanie gry, ale okazało się, że pozbawione znaczenia: „Co może biedny krytyk zrobić z gry, która nie wnosi zasadę, czy to sztuki i moralności, tworzy własne kanony i konwencje i czy jest to tylko całkowicie umyślny wyraz niepowstrzymanej dowcipnej osobowości?

W Marszałek , A. B. Walkley podziwiał grę i był jednym z niewielu, aby zobaczyć go jako zwieńczenie kariery dramatycznej Wilde'a. Zaprzeczył, że termin „farsa” był obraźliwy, a nawet pozbawiony powagi, i powiedział: „To bzdura zwarta, a lepszy nonsens, jak sądzę, nasza scena nie widziała”. H.G. Wells , w niepodpisanej recenzji dla The Pall Mall Gazette , nazwał Earnesta jedną z najświeższych komedii roku, mówiąc: „Bardziej humorystyczne radzenie sobie z konwencjami teatralnymi byłoby trudne do wyobrażenia”. Zakwestionował również, czy ludzie w pełni zrozumieją jego przesłanie: „... jak Poważni Ludzie przyjmą tę trywialną komedię przeznaczoną do ich nauki, to się dopiero okaże. Bez wątpienia poważnie”. Sztuka była tak beztroska, że ​​wielu recenzentów porównywało ją raczej do opery komicznej niż do dramatu. WH Auden później (1963) nazwał to „czystą operą werbalną”, a The Times skomentował: „Opowieść jest prawie zbyt niedorzeczna, by obejść się bez muzyki”. Mary McCarthy w Sights and Spectacles (1959), mimo że uważa tę sztukę za niezwykle zabawną, nazwała ją „okrutną sielanką”; „deprawacja jest bohaterem i jedyną postacią”.

Znaczenie bycia poważnym jest najpopularniejszym dziełem Wilde'a i jest stale wskrzeszane. Max Beerbohm nazwał sztukę Wilde'a „najlepszą, najbardziej niezaprzeczalnie własną”, mówiąc, że w innych jego komediach – Wachlarz Lady Windermere , Kobieta bez znaczenia i Idealny mąż – fabuła, na wzór Victoriena Sardou , nie ma związku z temat utworu, natomiast w Earnest historia „rozpływa się” w formie sztuki.

Przebudzenia

The Znaczenie of Being Earnest i trzy inne sztuki towarzyskie Wilde'a były wystawiane w Wielkiej Brytanii podczas uwięzienia i wygnania autora, choć przez małe firmy koncertowe. Kompania AB Tappinga koncertowała w Earnest między październikiem 1895 a marcem 1899 (ich występ w Theatre Royal w Limerick w ostatnim tygodniu października 1895 był prawie na pewno pierwszym przedstawieniem tej sztuki w Irlandii). Firma Elsie Lanham również koncertowała na „Earnest” między listopadem 1899 a kwietniem 1900. Alexander wskrzesił Earnesta w małym teatrze w Notting Hill , poza West Endem, w 1901 roku; w tym samym roku zaprezentował utwór w trasie, grając Jacka Worthinga z obsadą, w tym młodą Lilian Braithwaite jako Cecily. Sztuka powróciła na West End, kiedy Alexander zaprezentował przebudzenie w St James's w 1902 roku. Przebudzenia na Broadwayu montowano w 1902 i ponownie w 1910, każda produkcja trwała sześć tygodni.

Zebrane wydanie dzieł Wilde'a, opublikowane w 1908 r. i zredagowane przez Roberta Rossa , pomogło przywrócić mu reputację autora. Alexander zaprezentował kolejne odrodzenie Earnesta w St James's w 1909 roku, kiedy on i Aynesworth powtórzyli swoje oryginalne role; odrodzenie trwało 316 przedstawień. Max Beerbohm powiedział, że sztuka z pewnością stanie się klasykiem angielskiego repertuaru, a jej humor był wtedy równie świeży, jak wtedy, gdy został napisany, dodając, że aktorzy „ubrali się równie dobrze jak sztuka”.

scena sceniczna z mężczyzną w pełnym kostiumie żałobnym, kobietą po jego prawej i mężczyzną w stroju duchownym po lewej
Leslie Faber (w środku) jako Jack, przebudzenie w 1923 r., z Louise Hampton jako Miss Prism i HO Nicholsonem jako Dr Ornat

Podczas przebudzenia w 1913 roku w tym samym teatrze młodzi aktorzy Gerald Ames i AE Matthews zastąpili twórców jako Jack i Algy. Leslie Faber jako Jack, John Deverell jako Algy i Margaret Scudamore jako Lady Bracknell kierowali obsadą w produkcji z 1923 roku w Haymarket Theatre . Wiele przebudzeń w pierwszych dekadach XX wieku traktowało „teraźniejszość” jako rok bieżący. Dopiero w latach dwudziestych XX wieku ustalono sprawę kostiumów z lat dziewięćdziesiątych; jak ujął to krytyk The Manchester Guardian: „Po trzydziestu latach zaczyna się czuć, że Wilde powinien zostać przebrany za swój okres – że jego dowcip potrzebuje dziś wsparcia atmosfery, która nadała mu życie i prawdę. … Wilde’a błyszczące i złożone słowne felicities pójść źle z gontu i krótkiej spódnicy.”

W produkcji Sir Nigela Playfair z 1930 roku w Lyric , Hammersmith , John Gielgud zagrał Jacka dla Lady Bracknell swojej ciotki, Mabel Terry-Lewis . Gielgud wyprodukował i zagrał w spektaklu Globe (obecnie Gielgud) Theatre w 1939 roku, w obsadzie, w której znaleźli się Edith Evans jako Lady Bracknell, Joyce Carey jako Gwendolen, Angela Baddeley jako Cecily i Margaret Rutherford jako panna Pryzmat. The Times uznał tę produkcję za najlepszą od oryginału i pochwalił ją za wierność koncepcji Wilde'a, jej „przewiewną, responsywną jakość gry w piłkę”. Jeszcze w tym samym roku Gielgud ponownie zaprezentował tę pracę, z Jackiem Hawkinsem jako Algy, Gwen Ffrangcon-Davies jako Gwendolen i Peggy Ashcroft jako Cecily, z Evansem i Rutherfordem w poprzednich rolach. Produkcja była prezentowana w kilku sezonach w czasie i po II wojnie światowej, głównie z tymi samymi głównymi graczami. W sezonie 1946 na Haymarket król i królowa wzięli udział w przedstawieniu, które, jak to określił dziennikarz Geoffrey Wheatcroft , dało sztuce „ostateczne wyróżnienie za szacunek”. Produkcja odbyła tournée po Ameryce Północnej i została z powodzeniem wystawiona na Broadwayu w 1947 roku.

Kiedy prace Wilde'a zaczęły być czytane i wykonywane ponownie, to właśnie The Znaczenie of Being Earnest otrzymało najwięcej produkcji. W stulecie jej powstania dziennikarz Mark Lawson opisał ją jako „drugą po Hamlecie najbardziej znaną i cytowaną sztukę w języku angielskim ”.

W produkcji Sir Petera Halla z 1982 roku w National Theatre w obsadzie znaleźli się Judi Dench jako Lady Bracknell, Martin Jarvis jako Jack, Nigel Havers jako Algy, Zoë Wanamaker jako Gwendolen i Anna Massey jako Miss Prism. Przedstawienie Nicholasa Hytnera z 1993 roku w Aldwych Theatre , w którym wystąpiła Maggie Smith , od czasu do czasu zawierało odniesienia do rzekomego gejowskiego podtekstu.

W 2005 roku Abbey Theatre w Dublinie wyprodukował sztukę z wyłącznie męską obsadą; zawierał także Wilde'a jako postać – sztuka otwiera się, gdy pije w paryskiej kawiarni, marząc o swojej sztuce. The Melbourne Theatre Company wystawił produkcję w grudniu 2011 roku z Geoffreyem Rushem jako Lady Bracknell.

W 2007 Theatre Royal, Bath wyprodukował sztukę, której reżyserem był Peter Gill (dramaturg) . Penelope Keith zagrała Lady Bracknell , Harry Hadden-Paton zagrał Jacka, William Ellis zagrał Algernona, Gwendolyn zagrała Daisy Haggard, a Cecily zagrał Rebecca Night . Produkcja odbyła krótką trasę koncertową po Wielkiej Brytanii, zanim zagrała w West End of London w Vaudeville Theatre w 2008 roku i otrzymała pozytywne recenzje.

W 2011 roku firma Roundabout Theatre Company wyprodukowała wznowienie na Broadwayu w oparciu o produkcję Stratford Shakespeare Festival z 2009 roku z Brianem Bedfordem jako reżyserem i Lady Bracknell. Został otwarty w American Airlines Theatre 13 stycznia i trwał do 3 lipca 2011 roku. W obsadzie znaleźli się także Dana Ivey jako Miss Prism, Paxton Whitehead jako Canon Ornat, Santino Fontana jako Algernon, Paul O'Brien jako Lane, Charlotte Parry jako Cecily, David Furr jako Jack i Sara Topham jako Gwendolen. Został nominowany do trzech nagród Tony .

Spektakl był również prezentowany na arenie międzynarodowej, w Singapurze, w październiku 2004 roku, przez British Theatre Playhouse , a ta sama firma przywiozła ją do londyńskiego Greenwich Theatre w kwietniu 2005 roku.

Odrodzenie z 2018 roku zostało wyreżyserowane przez Michaela Fentimana dla Vaudeville Theatre w Londynie w ramach sezonu czterech sztuk Wilde'a wyprodukowanych przez Dominica Dromgoole'a . Produkcja zebrała w większości negatywne recenzje prasowe.

W 2021 r., podczas pandemii Covid-19, grupa studentów z Newcastle University nakręciła produkcję, w tym sceny z samym Wilde'em jako postacią, w Sunderland Empire, aby podnieść świadomość walczących teatrów i artystów, którzy cierpieli z powodu negatywnych konsekwencji blokady w UK. Spektakl zyskał w dużej mierze pozytywną prasę za swój przekaz.

Streszczenie

Akcja spektaklu toczy się w „The Present” (tj. 1895).

Akt I: Mieszkanie Algernona Moncrieffa przy Half Moon Street, W

Spektakl otwiera Algernon Moncrieff, bezczynny młody dżentelmen , przyjmujący swojego najlepszego przyjaciela, Jacka Worthinga („Ernest”). Ernest przybył z kraju, by oświadczyć się kuzynce Algernona, Gwendolen Fairfax. Algernon odmawia zgody, dopóki Ernest nie wyjaśnia, dlaczego na jego papierośnicy widnieje napis: „Od małej Cecily, z jej najszczerszą miłością do ukochanego wujka Jacka”. „Ernest” zmuszony jest przyznać się do podwójnego życia. Na wsi przyjmuje poważną postawę na rzecz swojej młodej podopiecznej , dziedziczki Cecily Cardew, i występuje pod imieniem Jack, udając, że musi się martwić o młodszego brata-frajera imieniem Ernest w Londynie. W mieście tymczasem przyjmuje tożsamość libertyna Ernesta. Algernon wyznaje podobne oszustwo: udaje, że ma w kraju inwalidę o imieniu Bunbury, którego może „odwiedzić”, gdy tylko chce uniknąć niepożądanego zobowiązania społecznego. Jack odmawia podania Algernonowi lokalizacji jego wiejskiej posiadłości.

Gwendolen i jej niesamowita matka Lady Bracknell wzywają teraz Algernona, który odwraca uwagę Lady Bracknell w innym pokoju, podczas gdy Jack oświadcza się Gwendolen. Akceptuje, ale wydaje się, że kocha go w dużej mierze z powodu jego imienia Ernest. Jack odpowiednio postanawia zostać przechrzczony na „Ernest”. Odkrywając ich w tej intymnej wymianie zdań, Lady Bracknell przeprowadza wywiad z Jackiem jako potencjalnym zalotnikiem. Przerażona, gdy dowiedziała się, że został adoptowany po tym, jak została odkryta jako dziecko w torebce na Victoria Station, odmawia mu i zabrania dalszych kontaktów z córką. Gwendolen udaje się potajemnie obiecać mu swoją nieśmiertelną miłość. Gdy Jack podaje jej swój adres na wsi, Algernon ukradkiem odnotowuje go na mankiecie rękawa: objawienie Jacka o jego ładnej i bogatej młodej wychowance zmotywowało jego przyjaciela do spotkania się z nią.

Aleksander w akcie II (odrodzenie 1909)

Akt II: Ogród dworu, Woolton

Cecily uczy się ze swoją guwernantką , panną Prism. Algernon przybywa, udając Ernesta Worthinga, i wkrótce oczarowuje Cecily. Od dawna zafascynowana nieobecnym dotąd czarnym bratem wuja Jacka , jest predysponowana do zakochania się w Algernonie w jego roli Ernesta (imię, które najwyraźniej szczególnie lubi). Dlatego też Algernon planuje, aby rektor dr Ornat przechrzcił go na „Ernesta”. Jack postanowił porzucić swoje podwójne życie. Przybywa w pełnej żałobie i ogłasza śmierć brata w Paryżu z mrozu, historię podważoną obecnością Algernona pod postacią Ernesta. Teraz wchodzi Gwendolen po ucieczce z domu. Podczas chwilowej nieobecności dwóch mężczyzn spotyka Cecily, każda kobieta z oburzeniem deklaruje, że to ona jest zaręczona z „Ernest”. Kiedy Jack i Algernon pojawiają się ponownie, ich oszustwa zostają ujawnione.

Akt III: Poranna sala w dworku, Woolton

Przybywając w pogoń za córką, Lady Bracknell jest zdumiona, gdy dowiaduje się, że Algernon i Cecily są zaręczeni. Odkrycie bogactwa Cecily wkrótce rozwiewa początkowe wątpliwości Lady Bracknell co do przydatności młodej damy, ale jej opiekun Jack zakazuje wszelkich zaręczyn : zgodzi się tylko wtedy, gdy Lady Bracknell zgodzi się na jego związek z Gwendolen – na co ona odmówi.

Impas przełamuje powrót panny Prism, którą Lady Bracknell rozpoznaje jako osobę, która 28 lat wcześniej jako niania rodzinna zabrała małego chłopca na spacer w wózku dziecięcym i nigdy nie wróciła. Zakwestionowana panna Prism wyjaśnia, że ​​w roztargnieniu włożyła rękopis powieści, którą pisała, do wózka dziecięcego, a dziecko do torebki, którą zostawiła na Victoria Station. Jack wyciąga tę samą torebkę, pokazując, że jest zagubionym dzieckiem, starszym synem zmarłej siostry Lady Bracknell, a więc starszym bratem Algernona. Po nabyciu tak szacownych stosunków jest w końcu akceptowany jako zalotnik dla Gwendolen.

Gwendolen twierdzi jednak, że może kochać tylko mężczyznę o imieniu Ernest. Lady Bracknell informuje Jacka, że ​​jako pierworodny zostałby nazwany na cześć swojego ojca, generała Moncrieffa. Jack przegląda listy armii i odkrywa, że ​​imię jego ojca – a więc i jego własne – tak naprawdę brzmiało Ernest. Udawanie przez cały czas było rzeczywistością. Gdy szczęśliwe pary obejmują się – Jack i Gwendolen, Algernon i Cecily, a nawet doktor Ornat i panna Prism – lady Bracknell skarży się nowo odkrytemu krewnemu: „Mój siostrzeniec, wydajesz się przejawiać oznaki trywialności”. „Wręcz przeciwnie, ciociu Augusto”, odpowiada, „teraz po raz pierwszy w życiu zdałem sobie sprawę, jak ważne jest bycie szczerym”.

Postacie

  • Jack Worthing ( Ernest ), młody dżentelmen ze wsi, zakochany w Gwendolen Fairfax.
  • Algernon Moncrieff , młody dżentelmen z Londynu, bratanek Lady Bracknell, zakochany w Cecily Cardew.
  • Gwendolen Fairfax , młoda dama, kochana przez Jacka Worthinga.
  • Lady Bracknell , dama z towarzystwa, matka Gwendolen.
  • Cecily Cardew , młoda dama, podopieczna Jacka Worthinga.
  • Panna Prism , guwernantka Cecily.
  • Wielebny Kanonik Ornat , proboszcz parafii Jacka.
  • Lane , lokaj Algernona.
  • Merriman , sługa Jacka.

Motywy

Banalność

Arthur Ransome opisał Ważność... jako najbardziej trywialną sztukę towarzyską Wilde'a i jedyną, która wywołuje „taką osobliwą radość ducha, dzięki której rozpoznajemy piękno”. „Jest”, pisał, „dokładnie dlatego, że konsekwentnie trywialne jest to, że nie jest brzydkie”. Ellmann mówi, że The Znaczenie of Being Earnest dotyczyło wielu tematów, które Wilde budował od lat 80. XIX wieku – ospałość estetycznych póz była dobrze ugruntowana i Wilde bierze ją za punkt wyjścia dla dwóch bohaterów. Podczas gdy Salome , Idealny mąż i Portret Doriana Graya opowiadały o poważniejszych wykroczeniach, występek w Earnest jest reprezentowany przez pragnienie Algy'ego kanapek z ogórkiem . Wilde powiedział Robertowi Rossowi, że tematem sztuki było „powinniśmy traktować wszystkie błahe rzeczy w życiu bardzo poważnie, a wszystkie poważne rzeczy w życiu ze szczerą i wystudiowaną trywialnością”. Temat ten nawiązuje do ironicznego tytułu sztuki, a w dialogu wielokrotnie nawiązuje się do „gorliwości” – mówi Algernon w akcie II – „trzeba podejść do czegoś poważnie, jeśli chce się mieć w życiu jakąkolwiek rozrywkę”. zarzucać Jackowi, że „podchodzi do wszystkiego poważnie”. Szantaż i korupcja nawiedzały podwójne życia Doriana Graya i sir Roberta Chilterna (w „Idealnym mężu” ), ale w „ Earnest ” dwulicowość bohaterów ( „zakopywanie” Algernona i sobowtóra Worthinga). życie jako Jack i Ernest) jest podejmowane w bardziej niewinnych celach – głównie po to, by uniknąć niechcianych zobowiązań społecznych. Podczas gdy większość teatrów tamtych czasów zajmowała się poważnymi problemami społecznymi i politycznymi, Earnest powierzchownie o niczym. inni dramaturdzy tamtego okresu, na przykład Bernard Shaw, który swoimi postaciami przyciągał publiczność do wspanialszych ideałów.

Jako satyra na społeczeństwo

Spektakl wielokrotnie wyśmiewa wiktoriańskie tradycje i zwyczaje społeczne, zwłaszcza małżeństwo i pogoń za miłością. W czasach wiktoriańskich żarliwość uważana była za nadrzędną wartość społeczną, wywodzącą się z religijnych prób reformowania klas niższych, przez całe stulecie rozprzestrzeniła się także na wyższe. Już sam tytuł spektaklu, z jego prześmiewczym paradoksem (poważni ludzie są tacy, bo nie widzą trywialnych komedii), wprowadza wątek, kontynuuje on w dyskusji w salonie: „Tak, ale musisz podchodzić do tego poważnie. Nienawidzę ludzi, którzy nie myślą poważnie o posiłkach. To takie płytkie” – mówi Algernon w pierwszym akcie; aluzje są szybkie i pod wieloma kątami.

Lokaj stojący między dwiema młodymi kobietami
Gwendolen (Irene Vanbrugh), Merriman (Frank Dyall) i Cecily (Evelyn Millard), w oryginalnej produkcji, Akt II

Mężczyźni przestrzegają tradycyjnych obrzędów małżeńskich, w których zalotnicy przyznają się do swoich słabości przed przyszłym narzeczonym, ale słabości, które usprawiedliwiają, są śmieszne, a farsa opiera się na absurdalnym pomieszaniu książki i dziecka. Kiedy Jack przeprasza Gwendolen podczas oświadczyn, to za to, że nie był zły:

JACK: Gwendolen, to straszna rzecz dla mężczyzny, gdy nagle dowiaduje się, że przez całe życie mówi tylko prawdę. Możesz mi wybaczyć?

GWENDOLEN: Mogę. Bo czuję, że na pewno się zmienisz.

Z kolei zarówno Gwendolen, jak i Cecily mają ideał poślubienia mężczyzny o imieniu Ernest, popularnego i szanowanego wówczas nazwiska. Gwendolen, zupełnie inaczej niż jej matka metodyczna analiza przydatności Jacka Worthinga jako męża, całą swoją wiarę pokłada w chrześcijańskim imieniu, oświadczając w pierwszym akcie: „Jedynym naprawdę bezpiecznym imieniem jest Ernest”. Jest to opinia podzielana przez Cecily w Akcie II: „Żal mi biednej mężatki, której mąż nie nazywa się Ernest” i z oburzeniem oświadczają, że zostali oszukani, gdy poznali prawdziwe nazwiska mężczyzn.

Wilde umiejętnie wcieliła zasady i rytuały społeczne w Lady Bracknell: drobiazgowe przywiązanie do szczegółów jej stylu stworzyło komiczny efekt twierdzenia przez powściągliwość. W przeciwieństwie do jej encyklopedycznej wiedzy na temat społecznych różnic nazw londyńskich ulic, niejasne pochodzenie Jacka jest subtelnie przywoływane. Broni się przed nią "Torebka?" z wyjaśnieniem „The Brighton Line”. W tym czasie Victoria Station składała się z dwóch oddzielnych, ale sąsiadujących ze sobą stacji końcowych o tej samej nazwie. Na wschodzie znajdowała się rozpadająca się kolej LC&D , na zachodzie ekskluzywna linia LB&SCR – Brighton Line, która jechała do Worthing , modnego, drogiego miasta, do którego podróżował wówczas dżentelmen, który znalazł małego Jacka (i po którym Jack był o imieniu).

Sugerowany podtekst homoseksualny

Badacze queer twierdzą, że wątki dwulicowości i ambiwalencji w sztuce są nierozerwalnie związane z homoseksualizmem Wilde'a i że sztuka wykazuje „migoczącą obecność-brak  … homoseksualnego pożądania”. Po ponownym przeczytaniu sztuki po wyjściu z więzienia Wilde powiedział: „Przeczytanie sztuki było niezwykłe. Jak kiedyś bawiłem się tym Tygrysem”.

Mówi się, że użycie nazwy Earnest mogło być homoseksualnym żartem. W 1892 roku, trzy lata przed napisaniem sztuki przez Wilde'a, John Gambril Nicholson wydał tomik poezji pederatycznej Love in Earnest . Sonnet Of Boys' Names zawierał wers: „Chociaż Frank może dzwonić jak srebrny dzwonek / A Cecil łagodniejsza muzyka twierdzi / Nie mogą zdziałać cudu / – „Tis Ernest rozpala moje serce”. Słowo „żarliwy” mogło być również zaszyfrowanym słowem oznaczającym homoseksualistę, na przykład: „Czy on jest gorliwy?”, tak samo jak „Czy on taki jest?” i „Czy on jest muzykalny?” był zatrudniony. Sir Donald Sinden , aktor, który poznał dwie osoby z oryginalnej obsady sztuki (Irene Vanbrugh i Allan Aynesworth) oraz lord Alfred Douglas, napisali do The Times, aby zakwestionować sugestie, że „Earnest” ma jakiekolwiek skojarzenia seksualne:

Chociaż mieli wiele okazji, żaden z nich nigdy nawet nie zasugerował, że „Earnest” jest synonimem homoseksualizmu lub że „bunburyn” może sugerować homoseksualny seks. Po raz pierwszy usłyszałem o tym wzmiankę w latach 80. i natychmiast skonsultowałem się z Sir Johnem Gielgudem, którego wykonanie Jacka Worthinga w tej samej sztuce było legendarne, a wiedza o teatrze była encyklopedyczna. Odpowiedział swoim dzwonkiem: „Nie, nie! Nonsens, absolutny nonsens: wiedziałbym”.

Przedstawiono również szereg teorii wyjaśniających pochodzenie Bunbury i Bunburying, które są używane w sztuce, aby sugerować skryte podwójne życie. Być może wywodzi się od Henry'ego Shirley Bunbury, hipochondrycznego znajomego z młodości Wilde'a. Inną sugestią, wysuniętą w 1913 r. przez Aleistera Crowleya , który znał Wilde'a, było to, że Bunbury jest słowem złożonym: że Wilde pojechał kiedyś pociągiem do Banbury , spotkał tam ucznia i zaaranżował z nim drugie tajne spotkanie w Sunbury .

Bunbury

Bunburying to podstęp stosowany przez ludzi, którzy potrzebują pretekstu do unikania zobowiązań społecznych w codziennym życiu. Słowo „bunburying” po raz pierwszy pojawia się w akcie I, kiedy Algernon wyjaśnia, że ​​wynalazł fikcyjnego przyjaciela, chronicznego inwalidę o imieniu „Bunbury”, aby mieć wymówkę, by wydostać się z wydarzeń, w których nie chce uczestniczyć, szczególnie ze swoją ciotką Augustą ( Lady Bracknell). Algernon i Jack używają tej metody, aby potajemnie odwiedzić swoich kochanków, Cecily i Gwendolen.

Analiza dramatyczna

Użycie języka

Podczas gdy Wilde od dawna słynął z dialogu i używania języka, Raby (1988) twierdzi, że osiągnął w Earnest jedność i mistrzostwo, które nie miało sobie równych w innych jego sztukach, z wyjątkiem być może Salomé . Podczas gdy jego wcześniejsze komedie cierpią na nierówność wynikającą z tematycznego zderzenia trywialnego i poważnego, Earnest osiąga styl idealny, który pozwala im się rozpuścić. W sztuce można wykryć trzy różne rejestry. Dandyjska beztroska Jacka i Algernona – ustanowiona wcześnie po wymianie Algernona z jego służącym – zdradza podstawową jedność pomimo ich odmiennych postaw. Wspaniałe wypowiedzi lady Bracknell są równie zaskakujące, że używa hiperboli i retorycznej ekstrawagancji, jak i niepokojące opinie. W przeciwieństwie do tego przemówienie dr Ornat i panny Prism wyróżnia się „pedantycznym nakazem” i „idiosynkratyczną dywersją”. Ponadto sztuka pełna jest epigramatów i paradoksów. Max Beerbohm opisał ją jako zaśmieconą „wyrzeźbionymi apophthegms – dowcipami niezwiązanymi z działaniem lub charakterem”, z których pół tuzina uważał za najwyższej klasy.

Linia Lady Bracknell „Torebka?” została uznana za jedną z najbardziej plastycznych w angielskim dramacie, dając się interpretować od niedowierzania lub zgorszenia do zdumienia. Edith Evans, zarówno na scenie, jak i w filmie z 1952 roku , wygłosiła tę kwestię głośno, mieszając przerażenie, niedowierzanie i protekcjonalność. Stockard Channing , w Gaiety Theatre w Dublinie w 2010 roku, uciszył linię, słowami krytyka, „z ledwie słyszalnym 'torebką?', szybko połknięty z gwałtownym wdechem. ale przy tak znanej sztuce, pełnej dowcipów i aforyzmów z własnym życiem, to małe rzeczy robią różnicę.

Charakteryzacja

Choć Wilde wykorzystał znane już postacie – dandys lord, apodyktyczną matriarchę, kobietę z przeszłością, purytańską młodą damę – jego traktowanie jest subtelniejsze niż we wcześniejszych komediach. Na przykład Lady Bracknell uosabia szanowane społeczeństwo klasy wyższej, ale Eltis zauważa, jak jej rozwój „od znanej, apodyktycznej księżnej do dziwniejszej i bardziej niepokojącej postaci” można prześledzić poprzez poprawki Wilde'a. Dla tych dwóch młodych mężczyzn Wilde nie przedstawia stereotypowych „koleśów” scenicznych, ale inteligentne istoty, które, jak to ujął Jackson, „mówią jak ich twórca w dobrze sformułowanych, pełnych zdaniach i rzadko używają slangu lub modnych słów”. Dr Ornat i Miss Prism charakteryzują się kilkoma lekkimi akcentami szczegółów, ich staromodnym entuzjazmem i wybredną pedanterią kanonika, zmniejszoną przez Wilde'a podczas wielu przeróbek tekstu.

Struktura i gatunek

Ransome twierdzi, że Wilde uwolnił się, porzucając melodramat, podstawową strukturę leżącą u podstaw jego wcześniejszych komedii społecznych, i opierając historię całkowicie na słownej zarozumiałości Earnesta/Ernesta. Uwolniony od „podejścia do jakiegokolwiek dramatu poważniejszego niż rozmowa” Wilde mógł teraz w pełni bawić się żartami, bon motami , epigramami i repartee, które tak naprawdę nie miały wiele wspólnego z bieżącym biznesem.

Gatunek znaczenia bycia poważnym był przedmiotem głębokiej debaty zarówno przez naukowców, jak i krytyków, którzy umieścili tę sztukę w szerokiej gamie gatunków, od parodii po satyrę. W swojej krytyce Wilde'a Foster twierdzi, że sztuka tworzy świat, w którym „prawdziwe wartości są odwrócone [i], rozum i nierozsądek są wymieniane”. Podobnie, użycie dialogu przez Wilde'a kpi z wyższych klas wiktoriańskiej Anglii, nadając sztuce satyryczny ton. Reinhart stwierdza dalej, że użycie farsowego humoru w celu wyszydzenia klas wyższych „zasługuje na sztukę zarówno jako satyrę, jak i dramat”.

Publikacja

Pierwsza edycja

Teksty czytające: (i) „Znaczenie bycia gorliwym: trywialna komedia dla poważnych ludzi. Autora Fan Lady Windermere” oraz (ii) „Do Roberta Baldwina Rossa, z uznaniem, z uczuciem”
Strony tytułowe pierwszego wydania, 1899, z pominięciem nazwiska Wilde'a na pierwszej stronie i dedykacją dla Robbiego Rossa na drugiej stronie.

Dwie ostatnie komedie Wilde'a, Idealny mąż i Ważność bycia poważnym , były jeszcze na scenie w Londynie w czasie jego oskarżenia i wkrótce zostały zamknięte, gdy szczegóły jego sprawy zostały ujawnione. Po dwóch latach więzienia i ciężkiej pracy Wilde udał się na wygnanie do Paryża, chory i przygnębiony, a jego reputacja została zniszczona w Anglii. W 1898 roku, kiedy nikt inny nie chciał, Leonard Smithers zgodził się z Wildem opublikować dwie ostatnie sztuki. Wilde okazał się pilnym korektorem, wysyłając szczegółowe instrukcje dotyczące scenografii, listy postaci i prezentacji książki oraz nalegając, aby w środku znalazł się afisz z pierwszego przedstawienia. Ellmann twierdzi, że dowody pokazują człowieka „bardzo panującego nad sobą i sztuką”. Imię Wilde'a nie pojawiło się na okładce, było to „Autor Lady Windermere's Fan ”. Jego powrót do pracy był jednak krótki, ponieważ odmówił pisania czegokolwiek innego: „Mogę pisać, ale straciłem radość pisania”. 19 października 2007 r. pierwsze wydanie (numer 349 z 1000) zostało odkryte w torebce w sklepie Oxfam w Nantwich w Cheshire. Personel nie był w stanie namierzyć dawcy. Został sprzedany za 650 funtów.

W tłumaczeniu

Bądźmy poważni na serio " popularności s oznaczało to zostało przetłumaczone na wiele języków, choć homophonous pun w tytule (« Ernest », męski właściwą nazwę, a« dobre », cnota cierpliwości i powagi) stwarza specjalną problem dla tłumaczy . Najłatwiejszym przypadkiem odpowiedniego tłumaczenia kalamburu, utrwalającego jego sens i znaczenie, mogło być tłumaczenie na język niemiecki. Ponieważ angielski i niemiecki są językami blisko spokrewnionymi , niemiecki dostarcza równoważny przymiotnik ("ernst"), a także pasującą męską nazwę własną ("Ernst"). Znaczenie i wydźwięk gry słów są dokładnie takie same. Jednak istnieje wiele różnych możliwych tytułów w języku niemieckim, głównie dotyczących struktury zdania. Dwa najczęściej spotykane to „Bunbury oder ernst / Ernst sein ist alles” i „Bunbury oder wie wichtig es ist, ernst / Ernst zu sein”. W studium tłumaczeń włoskich Adrian Pablé znalazł trzynaście różnych wersji z ośmioma tytułami. Ponieważ gra słowna jest często unikalna dla danego języka, tłumacze stają przed wyborem albo pozostać wiernym oryginałowi – w tym przypadku angielskiemu przymiotnikowi i szczerości cnoty – albo stworzyć podobną grę słów we własnym języku.

Wilde, narysowany w 1896 przez Henri de Toulouse-Lautrec

Tłumacze stosowali cztery główne strategie. Pierwsza pozostawia imiona wszystkich postaci bez zmian iw ich oryginalnej pisowni: w ten sposób imię jest szanowane, a czytelnikom przypomina się oryginalną scenerię kulturową, ale traci się żywotność gry słów. Eva Malagoli zmieniła to podejście zorientowane na źródła , używając zarówno angielskich imion chrześcijańskich, jak i przymiotnika „ poważny” , zachowując w ten sposób kalambur i angielski charakter sztuki, ale być może męcząc włoskiego czytelnika. Trzecia grupa tłumaczy zastąpiła Ernesta imieniem, które również reprezentuje cnotę w języku docelowym, faworyzując przejrzystość dla czytelników w tłumaczeniu nad wierność oryginałowi. Na przykład, w języku włoskim, wersje te różnie nazywają sztukę L'importanza di essere Franco/Severo/Fedele , przy czym podane nazwy to odpowiednio wartości uczciwości, przyzwoitości i lojalności. Francuski oferuje bliższą grę słów: „ Stała ” to zarówno imię, jak i cecha niezłomności, dlatego sztuka jest powszechnie znana jako De l'importance d'être Constant , choć Jean Anouilh przetłumaczył sztukę pod tytułem: Il est Important d 'être Aimé (" Aimé " to imię, które oznacza również "ukochany"). Tłumacze ci różnią się podejściem do oryginalnych angielskich tytułów honorowych, niektórzy zmieniają je wszystkie lub wcale, ale większość pozostawia mieszankę częściowo jako rekompensatę za dodatkową utratę angielskości. Wreszcie, jedno tłumaczenie nadało nazwie włoski charakter, oddając ją jako Ernesto ; praca ta obficie mieszała nazwy własne z obu języków.

Adaptacje

Film

Poza kilkoma wersjami „stworzonymi dla telewizji” The Znaczenie of Being Earnest był co najmniej trzykrotnie adaptowany do anglojęzycznego kina, po raz pierwszy w 1952 roku przez Anthony'ego Asquitha, który zaadaptował scenariusz i wyreżyserował go. W obsadzie znaleźli się Michael Denison (Algernon), Michael Redgrave (Jack), Edith Evans (Lady Bracknell), Dorothy Tutin (Cecily), Joan Greenwood (Gwendolen) oraz Margaret Rutherford (Miss Prism) i Miles Malleson (Canon Ornat). W 1992 Kurt Baker wyreżyserował wersję z całkowicie czarną obsadą z Daryl Keith Roach jako Jack, Wren T. Brown jako Algernon, Ann Weldon jako Lady Bracknell, Lanei Chapman jako Cecily, Chris Calloway jako Gwendolen, CCH Pounder jako Miss Prism i Brock Peters jako Doctor Ornat, osadzony w Stanach Zjednoczonych. Oliver Parker , reżyser, który wcześniej zaadaptował Idealny mąż Wilde'a, nakręcił film z 2002 roku; występują w nim Colin Firth (Jack), Rupert Everett (Algy), Judi Dench (Lady Bracknell), Reese Witherspoon (Cecily), Frances O'Connor (Gwendolen), Anna Massey (Miss Prism) i Tom Wilkinson (Canon Ornat). Adaptacja Parkera obejmuje poganiającego adwokata pana Gribsby'ego, który ściga Ernesta do Hertfordshire (obecny w oryginalnym szkicu Wilde'a, ale wycięty na żądanie pierwszego producenta sztuki). Algernon również jest ścigany przez grupę wierzycieli w początkowej scenie.

Komedia romantyczna z 2008 roku w języku telugu , zatytułowana Ashta Chamma , jest adaptacją sztuki.

Opery i musicale

W 1960 roku „ Zakochany Ernest” został wystawiony poza Broadwayem . Japońska całkowicie kobieca trupa teatru muzycznego Takarazuka Revue wystawiła ten musical w 2005 roku w dwóch produkcjach, jednej Moon Troupe i drugiej Flower Troupe.

W 1963 roku Erik Chisholm skomponował operę ze spektaklu, wykorzystując jako libretto tekst Wilde'a .

W 1964 Gerd Natschinski skomponował na podstawie sztuki musical Mein Freund Bunbury , którego premiera odbyła się w 1964 w Metropol Theater Berlin.

Według badań Roberta Tanitcha, do 2002 roku miało miejsce co najmniej osiem adaptacji sztuki jako musicalu, choć „nigdy z wyraźnym sukcesem”. Najwcześniejszą taką wersją był amerykański show z 1927 roku zatytułowany Oh Earnest . Dziennikarz Mark Bostridge komentuje: „Libretto muzycznej adaptacji z 1957 roku, Half in Earnest , zdeponowane w British Library , jest niewiele bardziej zachęcające. Kurtyna unosi się, gdy Algy brzdąka przy fortepianie, śpiewając 'I can play Chopsticks , Lane' Inne piosenki to „A Bunburying I Must Go”.

Gerald Barry stworzył w 2011 roku operę The Importance of Being Earnest na zamówienie Filharmonii w Los Angeles i Barbican Centre w Londynie. Premiera odbyła się w Los Angeles w 2011 roku. Prapremierę dała Opéra national de Lorraine w Nancy we Francji w 2013 roku.

W 2017 roku Odyssey Opera of Boston zaprezentowała w pełni inscenizowaną produkcję opery Mario Castelnuovo-Tedesco The Znaczenie of Being Earnest w ramach cyklu Wilde Opera Nights, będącego całorocznym eksploracją dzieł operowych inspirowanych pismem i światem Oscara Wilde'a. Opera na dwa fortepiany, perkusję i śpiewaków powstała w latach 1961-2. Na każdym kroku jest wypełniony muzycznymi cytatami. Opera nigdy nie została wydana, ale została wykonana dwukrotnie: prapremiera w Monte Carlo (1972 po włosku) oraz w La Guardia w stanie Nowy Jork (1975). Odyssey Opera uzyskała rękopis z Biblioteki Kongresu za zgodą wnuczki kompozytora. Po przyjęciu przez krytyków spektaklu Odyssey w Wimberly Theatre, Calderwood Pavilion w Boston Center for the Arts w dniach 17 i 18 marca, The Boston Globe stwierdził, że „Odyssey Opera uznaje znaczenie bycia poważnym”.

Pastisz sceniczny

W 2016 roku irlandzki aktor / pisarze Helen Norton i Jonathan White napisała komiks grę do piekła w torebce , która retells historię znaczenie z punktu widzenia bohaterów Canon ornat i panna pryzmat, dając im własną tylną historię i pokazuje, co się dzieje do nich, kiedy nie są na scenie w sztuce Wilde'a.

Radio i telewizja

Było wiele radiowych wersji spektaklu. W 1925 roku BBC nadało adaptację z Heskethem Pearsonem jako Jack Worthing. Kolejne transmisje sztuki nastąpiły w 1927 i 1936 roku. W 1977 BBC Radio 4 nadało czteroaktową wersję sztuki, z Fabią Drake jako Lady Bracknell, Richardem Pasco jako Jackiem, Jeremy Clyde jako Algy, Maurice Denham jako Canon Ornat, Sylvia Coleridge jako Miss Prism, Barbara Leigh-Hunt jako Gwendolen i Prunella Scales jako Cecily. Produkcja została później wydana na CD.

Z okazji setnej rocznicy prawykonania sztuki Radio 4 nadało nową adaptację 13 lutego 1995 roku; w reżyserii Glyna Dearmana , Judi Dench jako Lady Bracknell, Michael Hordern jako Lane, Michael Sheen jako Jack Worthing, Martin Clunes jako Algernon Moncrieff, John Moffatt jako Canon Ornat, Miriam Margolyes jako Miss Prism, Samantha Bond jako Gwendolen i Amanda Root jako Cecyly. Produkcja została później wydana na kasecie audio.

13 grudnia 2000 r. BBC Radio 3 wyemitowało nową adaptację w reżyserii Howarda Daviesa z Geraldine McEwan jako Lady Bracknell, Simon Russell Beale jako Jack Worthing, Julian Wadham jako Algernon Moncrieff, Geoffrey Palmer jako Canon Ornat, Celia Imrie jako Miss Prism, Victoria Hamilton jako Gwendolen i Emma Fielding jako Cecily, z muzyką skomponowaną przez Dominica Muldowneya . Produkcja została wydana na kasecie audio.

W komercyjnej adaptacji telewizyjnej z 1964 roku zagrali Ian Carmichael , Patrick Macnee , Susannah York , Fenella Fielding , Pamela Brown i Irene Handl .

Telewizyjne transmisje sztuki BBC obejmowały wersję Play of the Month z 1974 roku, w której Coral Browne w roli Lady Bracknell wystąpiła z Michaelem Jaystonem , Julianem Hollowayem , Gemmą Jones i Celią Bannerman . Stuart Burge wyreżyserował kolejną adaptację w 1986 roku, w której obsadzie znaleźli się Gemma Jones, Alec McCowen , Paul McGann i Joan Plowright .

Został przystosowany do telewizji australijskiej w 1957 roku .

Nagrania komercyjne

Wykonanie Gielgud jest zachowane na nagraniu audio EMI z 1952 roku, które zawiera również Lady Bracknell Edith Evans. W obsadzie znaleźli się także Roland Culver (Algy), Jean Cadell (Miss Prism), Pamela Brown (Gwendolen) i Celia Johnson (Cecily).

Inne nagrania dźwiękowe to wersja „Theatre Masterworks” z 1953 roku, wyreżyserowana i z narracją Margaret Webster , z obsadą obejmującą Maurice'a Evansa , Lucile Watson i Mildred Natwick ; wersja z 1989 roku przygotowana przez California Artists Radio Theatre, z udziałem Dana O'Herlihy Jeanette Nolan , Les Tremayne i Richarda Erdmana ; i jeden wydany przez LA Theatre Works w 2009 roku, z udziałem Charlesa Buscha , Jamesa Marstersa i Andrei Bowen .

Uwagi

Bibliografia

Źródła

Zewnętrzne linki