Chore dziecko (Munch) - The Sick Child (Munch)

Edvard Munch , Chore dziecko , 1885-86. Oryginalna wersja. NASjonalgalleriet, Oslo .

Chore dziecko (po norwesku : Det syke stodoła ) to tytuł nadany grupie sześciu obrazów oraz szeregu litografii , suchych igieł i akwafort wykonanych przez norweskiego artystę Edvarda Muncha w latach 1885-1926. starsza siostra Johanne Sophie (1862-1877) z gruźlicy w wieku 15 lat. Munch wielokrotnie powracał do tego głęboko traumatycznego wydarzenia w swojej sztuce, ponad sześć ukończonych obrazów olejnych i wiele studiów w różnych mediach, na przestrzeni ponad 40 lat. W pracach Sophie jest zazwyczaj ukazana na łożu śmierci w towarzystwie ciemnowłosej, rozpaczającej kobiety, którą przyjmuje się za jej ciotkę Karen; badania często pokazują ją w przyciętej głowie. We wszystkich malowanych wersjach Zofia siedzi na krześle, najwyraźniej cierpiąc z bólu, podparta dużą białą poduszką, patrząc w stronę złowrogiej zasłony, prawdopodobnie mającej symbolizować śmierć . Pokazana jest z nawiedzonym wyrazem twarzy, trzymając się za ręce z pogrążoną w żalu starszą kobietą, która wydaje się chcieć ją pocieszyć, ale z pochyloną głową, jakby nie mogła znieść spojrzenia młodszej dziewczynie w oczy.

W trakcie swojej kariery Munch często powracał i tworzył kilka wariantów swoich obrazów. Chore dziecko stało się dla Muncha, który jako dziecko omal nie umarł na gruźlicę, sposobem na zapisanie zarówno uczucia rozpaczy, jak i poczucia winy, że to on przeżył, a także skonfrontowania się z poczuciem straty dla swojej zmarłej siostry. Popadł w obsesję na punkcie obrazu iw ciągu następnych dziesięcioleci stworzył wiele wersji w różnych formatach. Sześć malowanych prac zostało wykonanych na przestrzeni ponad 40 lat, przy użyciu wielu różnych modeli.

Seria została opisana jako „żywe studium spustoszeń spowodowanych chorobą zwyrodnieniową ”. Wszystkie obrazy i wiele prac pomocniczych uważa się za istotne dla twórczości Muncha. Litografia z 1896 r. w kolorze czarnym, żółtym i czerwonym została sprzedana w 2001 r. w Sotheby's za 250 000 USD.

Obrazy

Każdy obraz przedstawia Sophie z profilu, leżącą na łożu śmierci i najwyraźniej z trudnościami w oddychaniu, objawem zaawansowanej, ciężkiej gruźlicy. Od pasa w górę opiera się na dużej, grubej białej poduszce, która częściowo skrywa duże okrągłe lustro zawieszone za nią na ścianie. Okryta jest ciężkim, ciemnym kocem. Ma rude włosy i jest ukazana jako wątła, chorobliwa bladość i puste spojrzenie. Spogląda na ciemną i złowrogą, pełnowymiarową zasłonę po swojej lewej stronie, którą wielu historyków sztuki interpretuje jako symbol śmierci.

Chore dziecko , 1895. Sucha igła. Jedyna praca w serii, która zawiera scenę inną niż pokój. Według British Museum „Być może zamierzał skontrastować kwitnące życie natury z umieraniem ludzkości”.

Ciemnowłosa i starsza kobieta w czarnej sukience siedzi przy łóżku dziecka, trzymając ją za rękę. Więź między nimi powstaje poprzez połączenie ich rąk, które znajdują się dokładnie w centrum każdego dzieła. Ich wspólny uścisk jest zazwyczaj oddany z takim patosem i intensywnością, że historycy sztuki uważają, że nie tylko te dwie postaci łączyła głęboka więź emocjonalna, ale najprawdopodobniej były to więzy krwi. Prawdopodobnie ta kobieta to ciotka Sophie, Karen. Niektórzy krytycy zauważyli, że starsza kobieta jest bardziej przygnębiona niż dziecko; słowami krytyczki Patricii Donahue: „To prawie tak, jakby dziecko, wiedząc, że nic więcej nie można zrobić, pociesza człowieka, który osiągnął kres wytrzymałości”.

Głowa kobiety jest pochylona w udręce do tego stopnia, że ​​wydaje się, że nie jest w stanie spojrzeć bezpośrednio na Sophie. Z tego powodu jej twarz jest zasłonięta, a widz widzi tylko czubek jej głowy. Butelkę stawia się na toaletce lub szafce po lewej stronie. Po prawej stronie na niejasno opisanym stole widać szklankę.

Obrazy różnią się kolorystyką. Biel szczególnie figury w pierwszej z serii, reprezentacja zapomnienia. Później zielono-żółta postać jako ekspresyjne przedstawienie choroby, podczas gdy w większości prac czerwień reprezentuje najbardziej dramatyczną i fizyczną cechę późnego stadium gruźlicy: odkrztuszanie krwi .

Styl

Każdy utwór z serii jest mocno inspirowany konwencjami niemieckiego ekspresjonizmu , a wiele z nich jest mocno impresjonistycznych w technice. Wersje malowane są zbudowane z grubych warstw farby impastowej i zazwyczaj pokazują mocne, szerokie pionowe pociągnięcia pędzla. Nacisk na piony nadaje pracom mglisty charakter i zwiększa ich siłę emocjonalną, efekt, który krytyk sztuki Michelle Facos opisała jako prezentująca widzowi „scenę doświadczaną z bliskiej odległości, ale mgliście, jakby oglądaną przez łzy lub zasłonę pamięci ”.

Wersje

Munch miał zaledwie 26 lat, kiedy ukończył obraz z lat 1885-86 i niepewny swoich umiejętności, nadał mu wstępny tytuł Study . Munch ukończył sześć obrazów zatytułowanych Chore dziecko . Trzy z nich znajdują się obecnie w Oslo (1885–86, 1925, 1927), pozostałe w Göteborgu (1896), Sztokholmie (1907) i Londynie (1907). Stworzył osiem studiów dotyczących suchych igieł i akwaforty po przełomie w 1892 roku, kiedy zapotrzebowanie na jego prace rosło.

Ukończenie pierwszej wersji zajęło ponad rok. Munch uznał to za nieszczęśliwe i frustrujące doświadczenie, a płótno zostało przerobione i przerobione niemal obsesyjnie. W latach 1885-1886 Munch malował, szorował i przemalowywał obraz, zanim w końcu dotarł do obrazu, z którego był zadowolony. Często wspominał o tych pracach w swoich dziennikach i publikacjach, a często pojawia się w jego „O pochodzeniu fryzu życia” ( Live Friesens tilblivelse ). Pisał później, że obraz z lat 1885–86 był tak trudną walką, że jego ukończenie oznaczało wielki „przełom” w jego sztuce. Munch wyjaśnił: „Zacząłem jako impresjonista , ale podczas gwałtownych psychicznych i życiowych konwulsji okresu bohemy impresjonizm dał mi niewystarczającą ekspresję – musiałem znaleźć wyraz tego, co poruszyło mój umysł… Pierwszym zerwaniem z impresjonizmem był Chory Dziecko — szukałem ekspresji ( ekspresjonizm )."

  • Edvard Munch, The Sick Child , 1896. Drugie z serii zostało ukończone, gdy artysta mieszkał w Paryżu, Konstmuseet , Göteborgu .

  • Edvard Munch, Chore dziecko , 1907. III miejsce w serii Olej na płótnie, 118 x 120 cm Thiel Gallery , Sztokholm

  • Edvard Munch, Chore dziecko , 1907. 4. w serii. Olej na płótnie, 137 × 139 cm. Tate , Londyn.

  • Edvard Munch, Chore dziecko , 1925. 5. miejsce w serii. Olej na płótnie, 117 × 118 cm. Muzeum Muncha , Oslo

  • Edvard Munch, 1927. 6. w serii

Sześć wersji malowanych to:

  • 1885-1886, NASjonalgalleriet, Oslo . Impresjonistyczny i zdominowany przez mocne pionowe pociągnięcia pędzla, skomponowane głównie z bieli, szarości i zieleni. Małe obszary zostały później zamalowane.
  • 1896, Konstmuseet, Göteborg . Ukończony, gdy Munch mieszkał w Paryżu. Głównie zielenie i bogatsza paleta, choć cieńsze pociągnięcia pędzla.
  • 1907, Galeria Thiel , Sztokholm. Na zamówienie szwedzkiego finansisty i kolekcjonera sztuki Ernesta Thiela . Thiel zamówił także u bardzo poszukiwanego Muncha portret idola bankiera Friedricha Nietzschego , którego dzieło przetłumaczył później na język szwedzki.
  • 1907 Tate , Londyn. Dowód na to, że ta praca została również zlecona przez Thiela. Przez pewien czas uważano, że obraz ten został wykonany w 1916 roku. Praca znajdowała się w Gemäldegalerie w Dreźnie do 1928 roku.
  • 1925 lub wcześniej. Muzeum Muncha w Oslo. Datowanie obrazu jest niepewne; niektórzy historycy sztuki proponowali datę zakończenia już w 1916. Późniejsza data 1925 opiera się na roku pierwszego zachowanego zapisu; zdjęcie zrobione w studio Muncha.
  • 1927 lub wcześniej. Muzeum Muncha w Oslo.

Materiały malarskie

Brytyjscy i norwescy naukowcy zbadali obraz w NASjonalmuseet Oslo. Analiza pigmentu wykazały szerokie palety składającą się z barwników takich jak biel ołowiana , biel cynkowa , sztuczne ultramaryna , farbami , Red Lake, czerwonego koloru ochry , szmaragdu , żółcień chromowa , żółcień cynkowa i błękit kobaltowy .

Motywy

Dalsze informacje: Gruźlica w kulturze ludzkiej

W 1930 roku Munch napisał do dyrektora Galerii Narodowej w Oslo, przyznając, że „Jeśli chodzi o chore dziecko, to był to okres, który uważam za Epokę Poduszki. Wielu malarzy malowało na poduszkach chore dzieci”. Munch miał na myśli występowanie gruźlicy w tym czasie; współczesne obrazy choroby można zobaczyć w pracach Hansa Heyerdahla i Christiana Krohga .

Przyjęcie

Kiedy oryginalna wersja z lat 1885–86 została po raz pierwszy wystawiona na Jesiennej Wystawie w Christianii w 1886 r. , została wyszydzona przez widzów i wywołała „prawdziwą burzę protestu i oburzenia” ze strony krytyków przerażonych jego stosowaniem technik impresjonistycznych, pozornym porzuceniem linii, oraz fakt, że obraz wydawał się niedokończony. Wielu uznało za niezadowalające, że kluczowy fragment obrazu – połączone dłonie kobiet – nie był zbyt szczegółowy, nie ma linii opisujących ich palce, a główny element składa się zasadniczo z kropelek farby. W obronie Munch powiedział: „Nie maluję tego, co widzę, ale to, co widziałem”.

Wystawę recenzował krytyk Andreas Aubert, pisząc: „W Munchu jest geniusz. Ale jest też niebezpieczeństwo, że trafi do psów… Z tego powodu, dla dobra Muncha, chciałbym, żeby jego Choremu dziecku odmówiono… W obecnej formie to „studium”(!) jest jedynie odrzuconym na wpół zatartym szkicem”.

Ponad 40 lat później naziści uznali obrazy Muncha za „ sztukę zdegenerowaną ” i usunęli je z niemieckich muzeów. Prace, wśród których znalazła się wersja Chorego dziecka z Galerii Drezdeńskiej z 1907 roku , zostały wywiezione do Berlina na licytację. Norweski handlarz dziełami sztuki Harald Holst Halvorsen nabył kilka sztuk, w tym The Sick Child , z zamiarem zwrócenia ich do Oslo . Obraz z 1907 roku został zakupiony przez Thomasa Olsena w 1939 roku i przekazany do galerii Tate .

Spuścizna

15 lutego 2013 roku Posten Norge opublikował cztery norweskie znaczki pocztowe , odtwarzające obrazy ze sztuki Muncha z okazji 150. rocznicy jego urodzin. Do zaprojektowania stempla 15 koron wykorzystano zbliżenie głowy dziecka z jednej z wersji litograficznych .

Bibliografia

Uwagi

Źródła

  • Bischoff Ulrich. Edvard Munch: 1863-1944 . Berlin: Taschen, 2000. ISBN  3-8228-5971-0
  • Cordulack, drewno Shelley. Edvard Munch i fizjologia symbolizmu . Madison, NJ: Fairleigh Dickinson University Press, 2002. ISBN  0-8386-3891-0
  • Eggum, Arne. Edvard Munch: obrazy, szkice i studia . Nowy Jork: CN Potter, 1984. ISBN  0-517-55617-0 .
  • Fako, Michelle. Wprowadzenie do sztuki XIX wieku . Routledge, 2011. ISBN  0-4157-8072-1

Zewnętrzne linki