Wadsworth Jarrell - Wadsworth Jarrell

Wadsworth Jarrell
Urodzić się
Wadsworth Aikens Jarrell

( 1929-11-20 )20 listopada 1929 (wiek 91)
Albany, Gruzja , Stany Zjednoczone
Edukacja Instytut Sztuki w Chicago , Uniwersytet Howarda
Małżonkowie Jae Jarrell
Patron(i) Murry N. DePillars

Wadsworth Aikens Jarrell (ur. 20 listopada 1929) to amerykański malarz, rzeźbiarz i grafik . Urodził się w Albany w stanie Georgia i przeniósł się do Chicago w stanie Illinois, gdzie uczęszczał do Instytutu Sztuki w Chicago . Po ukończeniu studiów mocno zaangażował się w lokalną scenę artystyczną i poprzez swoją wczesną pracę badał życie zawodowe Afroamerykanów w Chicago i znalazł wpływ na widoki i dźwięki muzyki jazzowej. Pod koniec lat 60. otworzył Studio i Galerię WJ, gdzie wraz z żoną Jae gościł regionalnych artystów i muzyków.

W połowie lat sześćdziesiątych Chicago było świadkiem wzrostu przemocy na tle rasowym, co doprowadziło do zbadania stosunków rasowych i wzmocnienia pozycji Czarnych przez lokalnych artystów. Jarrell zaangażował się w Organizację Kultury Czarnych Amerykanów (OBAC), grupę, która miała służyć jako platforma startowa dla ruchu czarnej sztuki epoki . W 1967 roku artyści OBAC stworzyli Wall of Respect , mural w Chicago, który przedstawiał afroamerykańskich bohaterów i jest uważany za zapoczątkowanie politycznego ruchu murali w Chicago i poza nim. W 1969 Jarrell był współzałożycielem AFRICOBRA : Afrykańskiej Gminy Bad Relevant Artists. AFRICOBRA zyskała międzynarodowe uznanie za sztukę o tematyce politycznej i użycie „kolorów coolade” w swoich obrazach.

Kariera Jarrella zaprowadziła go do Afryki w 1977 roku, gdzie znalazł inspirację u mieszkańców Senufo z Wybrzeża Kości Słoniowej, Mali i Burkina Faso. Po powrocie do Stanów Zjednoczonych przeniósł się do Georgii i wykładał na University of Georgia . W Gruzji zaczął używać kielni murarskiej na swoich płótnach, tworząc teksturowy wygląd na swoich już aktywnych wizualnie obrazach. Te dane często widziany w jego obrazach są abstrakcyjne i zainspirowana maskami i rzeźbami Nigerii. Te nigeryjskie sztuki zainspirowały również rzeźby totemowe Jarrella. Mieszkając i pracując w Cleveland, Jarrell kontynuuje odkrywanie współczesnych doświadczeń Afroamerykanów poprzez swoje obrazy, rzeźby i grafiki. Jego prace znajdują się w zbiorach National Museum of African American History and Culture , High Museum of Art , The Studio Museum w Harlemie oraz University of Delaware .

Życie osobiste

Wczesne życie

Jarrell urodził się w Albany w stanie Georgia w 1929 roku jako syn Solomona Marcusa i Tabithy Jarrell. Nazwany na cześć poety Henry'ego Wadswortha Longfellowa , był najmłodszym z sześciorga dzieci. Rok po narodzinach Jarrella rodzina przeniosła się na 28-akrową farmę w pobliżu Athens w stanie Georgia , gdzie uprawiali warzywa i bawełnę. Ojciec Jarrella był stolarzem i producentem mebli, który prowadził własną firmę, SM Jarrell Furniture Store. Pracowali tam wszyscy trzej chłopcy Jarrell, jeden z nich uczył się chodzić na krzesłach z trzciny . Umiejętności artystyczne ich ojca i zdolności matki jako kołderki przyczyniły się do zamiłowania całej rodziny do sztuki. Jako dziecko Jarrell po raz pierwszy uczęszczał do jednoizbowej szkoły, gdzie został zachęcony przez swoją nauczycielkę Jessie Lois Hall do zgłębienia swojej artystycznej strony. Następnie poszedł do prywatnej szkoły baptystów, zaczynając od siódmej klasy, zanim w dziesiątej klasie przeniósł się do liceum w Atenach. W liceum jego talent plastyczny ujawnił się, gdy zaczął tworzyć własne komiksy , kreskówki do szkolnej gazetki, ilustracje do wydarzeń sportowych, wreszcie zajął się malarstwem olejnym . Jako młody człowiek zainteresowany sztuką na przełomie lat 30. i 40. uczył się malarstwa i ilustracji z magazynów takich jak Saturday Evening Post i Collier's . Nie mogąc rozróżnić między ilustracją a malarstwem, Jarrell pomyślał, że „artyści w końcu się wzbogacili – ale to ilustratorzy zarabiali duże sumy pieniędzy”.

Relacje Jarrella z matką zacieśniły się, gdy jego ojciec i jeden z braci wyjechali do pracy w stoczni podczas II wojny światowej . Jego ojciec zmarł na malarię podczas pracy tam. W liceum Jarrell pomagał matce w utrzymaniu gospodarstwa, ale nie lubił tej pracy. Po ukończeniu szkoły średniej wstąpił do wojska , stacjonował w Fort Polk w Luizjanie i krótko służył w Korei . W Fort Polk został artystą firmowym i dorabiał projektując koszule i malując obrazy dla kolegów żołnierzy.

Wykształcenie wyższe i obecne życie

Po odbyciu służby wojskowej Jarrell przeniósł się do Chicago, gdzie jego siostra Nellie studiowała na Northwestern University . To właśnie w Chicago Jarrell miał swoje pierwsze muzealne doświadczenia. Dorastając w Gruzji, Afroamerykanie nie mogli odwiedzać muzeów aż do Ustawy o prawach obywatelskich z 1964 roku, dlatego te wczesne wizyty w muzeach wywarły na nim duże wrażenie. Rok później zapisał się do Art Institute of Chicago na sztukę reklamową i projektowanie graficzne , gdzie uczęszczał na zajęcia wieczorowe. Dni spędził pracując w firmie International Paint , gdzie mieszał farby. Uczęszczał także na zajęcia w Ray Vogue School for Commercial Arts . Zaczął uczęszczać na pełny etat do Instytutu Sztuki w 1954 roku. W końcu Jarrell stracił zainteresowanie sztuką komercyjną i skupił się na zajęciach z malarstwa i rysunku, czerpiąc inspirację od instruktorki Laury McKinnon i jej pomysłów na teorię relacji przestrzennych . W 1958 ukończył studia z oryginalnym kierunkiem (kierunkami), zachowując silne pragnienie kontynuowania życia artysty. W tym czasie poznał także artystę Jeffa Donaldsona , który stał się przyjacielem, który wpłynął na jego karierę. W 1959 roku, w roku swojego pierwszego małżeństwa, został fotografem reklamowym, wykonując zdjęcia krojów i stylów liternictwa. Para miała się rozwieść wkrótce po ślubie.

W 1963 Jarrell poznał Elaine Annette Johnson, znaną jako Jae, która prowadziła butik odzieżowy , kobietę, która 2 czerwca 1967 została jego drugą żoną. Miesiąc miodowy spędzili w Nassau, a 7 stycznia 1968 urodził się Wadsworth Jr. . Podczas ciąży Jae zamknęła swój butik i przeprowadziła się do studia Jarrella, prowadząc zamiast tego usługę sprzedaży wysyłkowej. Gdy świat społeczny i gospodarczy Chicago podupadł , przemoc gangów zagroziła sąsiedztwu rodziny. Po urodzeniu drugiego dziecka, Jennifer, rodzina zdecydowała się przeprowadzić w okolice Nowego Jorku. W maju 1971 dokonali przeprowadzki, najpierw udali się do Waterbury, Connecticut , a następnie do New Haven, zanim spędzili trzy miesiące w Bostonie . Następnie rodzina przeniosła się do Waszyngtonu, gdzie Jarrell rozpoczął nauczanie na Howard University w 1971, zwerbowany przez Jeffa Donaldsona . W Howard kontynuował swoją MSZ , koncentrując się na kulturze afrykańskiej, a konkretnie na ludziach Senufo . Para miała kolejną córkę, Roslyn Angela, w 1972 roku

Zmagając się, by dopasować się do Howarda, nie mogąc utrzymać stałej pracy i obawiając się wzrostu przestępczości w Waszyngtonie, rodzina zdecydowała się ponownie przeprowadzić w 1977 roku, tym razem do Athens w stanie Georgia. Wkrótce po przeprowadzce Jarrell został adiunktem na Uniwersytecie Georgia . On i jego żona założyli firmę produkującą wysokiej klasy zabawki edukacyjne, która wyrosła z zamiłowania ich dzieci do podobnych zabawek, gdy mieszkały w Waszyngtonie. Otworzyli mały sklep o nazwie Tadpole Toys and Hobby Center w Atenach, który spotkał się z wielkim przyjęciem. Jednak w wyniku słabej sprzedaży w maju 1982 r. zostali zmuszeni do jej zamknięcia. Wkrótce potem Jarrell otrzymał posadę na uniwersytecie. W 1988 roku odszedł ze swojego stanowiska i całego nauczania, aby skupić się na pracy twórczej. Do 1994 roku wszystkie troje dzieci było już dorosłe; obie córki uczęszczały do ​​Instytutu Sztuki w Chicago, a Wadsworth Jr. został marynarzem . W tym samym roku Jae i córka Jennifer przeprowadziły się do Nowego Jorku, aby znaleźć miejsce do życia, osiedlając się w SoHo , gdzie kilka miesięcy później dołączył do nich Jarrell. Obecnie Jarrell i Jae mieszkają i pracują w Cleveland w stanie Ohio.

Kariera artystyczna

Co roku przypominają ci się urodziny Jerzego Waszyngtona... moje dzieci uczą się o tym w szkole, ale nic nie mówi się o czarnych bohaterach. Jeśli biali Amerykanie mogą angażować się w to, co nazywam powtarzającą się reklamą, to czuję się usprawiedliwiony w reklamowaniu czarnych Amerykanów.

—  Wadsworth Jarrell, 1978 r.

Chicago

Po ukończeniu Instytutu Sztuki Jarrell żył z zarobków z mieszania farb i przez rok rozwijał swoje umiejętności w swoim studio. Zaczął zgłaszać swoje prace na konkursy, przyjmując na Chicago Show na Navy Pier i Union League Show. Jarrell tworzył dzieła sztuki inspirowane teoriami poznanymi w szkole i scenami codziennego życia w czarnym Chicago. Zainteresowany wyścigami konnymi , klubami jazzowymi i barami, często zabierał szkicownik podczas swoich poszukiwań, ostatecznie tworząc obrazy takie jak Neon Row (1958), scena uliczna, Shamrock Inn (1962), scena barowa i The Jockeys #1 (1962), z wizyty na torze wyścigów konnych. Tematy te powracały przez całą jego karierę. Jego wczesne prace ukazują „dwuwymiarowy iluzjonizm”, którego nauczył się w szkole: perspektywę liniową i geometryczną z nakładającymi się obiektami, cofającymi się do znikającego punktu na horyzoncie. Kolor jest używany do zobrazowania ruchu i stabilności, kontrast widoczny w Shamrock Inn i The Jockeys #1 , jednak paleta Jarrella ewoluowała w jaśniejsze i odważniejsze kombinacje kolorów, czasami kontrastujące w ich ostatecznym wykonaniu. W tych wcześniejszych pracach widoczny jest wpływ postimpresjonizmu , zgodny z ówczesnymi trendami edukacji artystycznej.

Ważnym punktem zwrotnym w jego karierze był rok 1964, kiedy jego akwarela zatytułowana „The Art Pub” (podobna do Jazz Giants #1 (1962)) została zaakceptowana na wystawie Art Institute „Second Biennial of Prints, Drawings, Watercolors By Illinois Artists”. " (kat. 48) Wystawa przyniosła mu nagrody, uwagę mediów i możliwość wystawiania swoich prac w innych galeriach na Środkowym Zachodzie. Przeniósł się do dużego studia w dzielnicy Hyde Park i nadal rozwijał swoją pracę i skupiał się na tematach muzycznych i sportowych. Jego nakładanie pigmentu stało się szybkie, niezależnie od tego, czy przedstawiał muzyka jazzowego, czy dżokeja na koniu, pozwalając obrazowi wyrazić silny ruch. Walka kogutów (1965) pokazuje ewolucję twórczości Jarrella: intensywne barwne pasma, zawijasy, a czasami psychodeliczny wygląd ptaka w centrum uwagi, styl, który stał się podstawą jego twórczości.

Pod wpływem swojego miesiąca miodowego na Karaibach , Jarrell zainteresował się wpływem wytworzonego przez człowieka i naturalnego światła słonecznego na środowisko. Eksperymenty z pigmentami, mediami, obrazami i designem pozwoliły mu stworzyć dzieła sztuki, które w pełni wyrażają jego zamierzone przesłanie. Odnosząc się do prac takich jak Nassau (1968) i Sign of the Times (1966), Jarrell skomentował: „Kolory Bahamów wpłynęły na moje użycie koloru i podejście do mojej pracy”. W „ Znaku czasów” pokazuje scenę uliczną, pierwszą próbę malarstwa angażującego społeczne interakcje. W 1968 Jarrell został dyrektorem artystycznym w Sander Line Graphics, ale wkrótce potem zrezygnował i zaczął pracować na własny rachunek. Oprócz tworzenia swojej sztuki, założył również odnoszącą sukcesy firmę zajmującą się wysyłkową obróbką zdjęć . Wkrótce potem Jarrell i Jae postanowili otworzyć przestrzeń galeryjną pod swoim studiem: WJ Studio and Gallery . Podczas gdy studio i galeria kwitły, Jarrell prowadził zajęcia ze sztuki w niepełnym wymiarze godzin w Wadsworth Elementary School i rozważał przeprowadzkę do Nowego Jorku, szukając schronienia w sercu świata sztuki.

Ściana szacunku

W 1964 roku Chicago doświadczyło dwóch poważnych zamieszek na tle rasowym . Wywołane walkami o prawa obywatelskie i niepokojami, w kolejnych latach nastąpiły kolejne zamieszki i ruch Black Power doszedł do skutku. Artyści zaczęli badać sposoby wyrażania czarnej dumy, samostanowienia i samodzielności, prowadząc w 1966 r. do Organizacji Kultury Czarnych Amerykanów (OBAC). Artysta Norman Parish zaprosił Jarrella do wzięcia udziału w spotkaniu Warsztatów Artystycznych OBAC. Spotkania składałyby się z artystów zgłaszających swoje prace do krytyki i refleksji nad ideami czarnego doświadczenia w sztuce, prowadzących do koncepcji Ściany Szacunku . Mural składał się z afroamerykańskich bohaterów i osobowości, a każdy artysta decydował, kto powinien zostać przedstawiony w swojej sekcji. Sylvia Abernathy zaprojektowała układ, dając Jarrellowi przestrzeń o wymiarach 12 × 14 stóp, którą może dzielić z fotografem Billem Abernathym. Jarrell skoncentrował się na ulubionym temacie, rytmie i bluesie , i przedstawiał role Jamesa Browna , BB Kinga , Billie Holiday , Muddy Waters , Arethy Franklin i Dinah Washington . Pracownia Artystów pod koniec projektu miała gorzkie: kontrowersje związane z obrazem w dziale Norman Parish, konflikty dotyczące sprzedaży praw autorskich bez pozwolenia, spory dotyczące zaangażowania organów ścigania, a także oszustwo. Niemniej jednak Mur został uznany za sukces, co spowodowało powstanie murali o tematyce wyzwolenia w Chicago i poza nią.

WJ Studio i Galeria

W 1968 Jarrell i jego żona otworzyli WJ Studio i Galerię poniżej ich domu i pracowni. Przestrzeń ta nie tylko prezentowała twórczość pary i innych artystów, ale także prezentowała talenty chicagowskich poetów i muzyków. Miłość Jarrella do muzyki bluesowej i jazzowej ułatwiła mu dostęp do talentu miasta, a zaangażowanie w OCAC zapewniło mu kontakty w świecie poezji. W przestrzeni tej wystąpili tacy artyści jak Muhal Richard Abrams , John Stubblefield , Henry Threadgill , Anthony Braxton i Chicago Art Ensemble . Galeria służyła również jako miejsce spotkań takich osób, jak Jeff Donaldson , Barbara Jones-Hogu , Gerald Williams i inni, którzy przybyli, aby omówić koncepcje odpowiedniej estetyki czarnej sztuki. Grupa miała problemy: Jarrell opisał poszukiwania jako próbę znalezienia „zbiorowej koncepcji, która na pierwszy rzut oka mówiłaby »czarną sztukę«”. Ostatecznie grupa dokonała przełomu, wymieniając zasady i pomysły dotyczące koncepcji czarnej sztuki; termin „kolory coolade” został wprowadzony przez projektanta tkanin. Termin ten obejmował jasną modę stylowych Afroamerykanów tamtych czasów, którą Jarrell opisał jako „głośną limonkę, alfonsy, gorące róże, modne kolorowe ubrania”. Ostateczną koncepcją ich poszukiwań estetycznych byłaby sztuka przekazu, obracająca się wokół treści świadomych społecznie. Uwzględniono by afrykański design, a znaczenie dla czarnych byłoby koniecznością. Formacja tej grupy byłaby uważana za jeden z najlepiej dopasowanych i zorganizowanych kolektywów w Ruchu Czarnej Sztuki . Grupa ta utworzyła COBRA .

COBRA i czarna estetyka

Podobnie jak wiele afroamerykańskich organizacji oddolnych , grupa galerii Jarrella walczyła o niesienie pochodni po śmierci Martina Luthera Kinga, Jr. i Malcolma X. Jarrell i jego koledzy artyści z Chicago podążyli ścieżką niestosowania przemocy dzięki swoim talentom artystycznym i poczucie własności poprzez swój wkład w WJ Studio and Gallery. Popierając te ideały i ich nową filozofię estetyczną, grupa przyjęła nazwę COBRA – Koalicja Czarnych Artystów Rewolucyjnych. Wraz z utworzeniem COBRA Jarrell ukończył swoją pierwszą pracę, która skonceptualizowała koncepcję stojącą za grupą, Black Family (1969), która wykorzystywała schemat kolorów coolady, takich jak jasnoniebieski i pomarańczowy kontrastujące z białymi obszarami, co wzmocniło jasne kolory intensywność. Technika ta pozwoliła Jarrellowi stworzyć coś, co określił jako „przestrzeń intuicyjną”, zwracając uwagę widza na rodzinę na płótnie: troskliwą matkę, opiekuńczego ojca i dwoje zrelaksowanych dzieci. Mając ojca przedstawiającego siłę i uczciwość oraz to, co Robert Douglas opisuje jako „heroiczną jakość” obrazu, Jarrell wyraża ważne aspekty ideału COBRA. Na płótnie pojawia się również pismo, w którym słowo „czerń” jest reprezentowane przez literę B . Grupa zdecydowała się przejść od skupiania się na wystawach tematycznych do zachęcania dzieł sztuki, które „przedstawiają ogólne problemy czarnoskórych ludzi lub próbują zwizualizować ich rozwiązania”.

Początki AFRICOBRA

Modelka ubrana w „Strój Rewolucyjny” Jae Jarrella, który posłuży jako inspiracja do namalowania obrazu Rewolucjonista

Artyści AFRICOBRA to wizualni grioci społeczności Afroamerykanów, obrazy, które rzucają światło na piękno i chwałę doświadczeń Afrykanów na Zachodzie. Przedstawiają nam ikonografię, którą nadała im natarczywa i zawsze ekscytująca kultura Afroamerykanów.

—  Larry Neal

W 1969 COBRA zrewidowała swoją filozofię i koncepcję artystyczną, aby rozszerzyć swoją troskę o wyzwolenie Czarnych i prawa obywatelskie na poziomie międzynarodowym. Zainspirowani słowami Malcolma X , "Wszyscy Czarni, niezależnie od ich bazy lądowej, mają te same problemy, kontrolę nad swoją ziemią i ekonomią przez Europejczyków lub Euro-Amerykanów.", zmienili nazwę na AfriCOBRA : Afrykańska Komuna Źli odpowiedni artyści. Twórczość Jarrella ewoluowała, by na pierwszy plan wysunąć postać skupioną na jego obrazach, co widać w Coolade Lester (1970), portrecie muzyka Lestera Lashleya . Pojawiają się kolejne litery: D (w dół), B (czarne), F (w porządku) i Q (pytanie). Utwór opisywany jest jako „humanistyczny portret geniuszu Afrykanów w tworzeniu jazzu”. Inne prace Jarrella w tym czasie stały się politycznie i społecznie obciążone estetyką AfriCOBRA. Homage to a Giant (1970) to pierwszy hołd złożony przez Jarrella Malcolmowi X. Dzieło to jest używane przez Jarrella, by mówić o walce Czarnych przeciwko uciskowi i śmierci protestujących studentów walczących o tę sprawę. Cztery obrazy Malcolma X są namalowane obok tych Hueya Newtona , Jessego Jacksona i Stokleya Carmichaela . „B” jak zwykle przedstawia „czerń” i „zło”, a także cytat z przemówienia Ossiego Davisa na pogrzebie Malcolma. Ten utwór, wraz z Coolade Lester , pojawił się na pierwszej wystawie AFRI -COBRA w 1970 roku w Muzeum Studio w Harlemie : „AFRI-COBRA I: Dziesięć w poszukiwaniu narodu”. Reakcja na pokaz była nieporozumieniem wielu widzów, w wyniku czego prezentowane koncepcje zostały zinterpretowane jako „sztuka protestu”.

„AFRICOBRA II” odbyła się w 1971 roku w Muzeum Studio w Harlemie, zanim trafiła do pięciu innych muzeów i galerii. Jarrell wystawił na wystawie Revolutionary i Black Prince (oba 1971). Te dwa portrety zostały opisane przez historyka sztuki Roberta Douglasa jako ukazujące „mistrzowskie zrozumienie portretu Jarrella, wykonane techniką światłocienia, wykorzystującą wiele skrupulatnie namalowanych liter B w różnych rozmiarach i odcieniach chłodu”. Revolutionary to hołd złożony Angeli Davis . Nosi rewolucyjny kostium zaprojektowany przez Jae Jarrella na wystawę AFRICOBRA II. Z pracy wykonano odbitki. Jednak w oryginale pas z nabojami jest przymocowany do płótna, pomysł Jae. Słowa „miłość”, „czarny”, „naród”, „czas”, „odpoczynek”, „pełen gówna”, „rewolucja” i „piękna” wystrzeliły z jej głowy na płótno. Przesłanie „Oddałem życie w walce. Jeśli muszę stracić życie, tak właśnie będzie” spływa po jej klatce piersiowej i lewym ramieniu. „B” jak zwykle oznacza „czerń”, „złą”, a na tym obrazie „piękną”. Praca uosabia cel artystów AFRICOBRA, aby wykorzystać całą możliwą przestrzeń w swoich kreacjach, określaną jako „zapakowana i galaretka”. „Rewolucyjny” został zrecenzowany przez Nancy Tobin Willig jako „portret młodej czarnoskórej kobiety wykrzykującej slogany – z bandoleerem załadowanym prawdziwymi kulami przewieszonym przez ramię. Malarstwo Jarrella to przesada. To nie sztuka jako broń. Sztuka." Czarny Książę to drugi hołd Jarrella dla Malcolma X. Na obrazie pojawia się „B”, a także „P”; „KSIĄŻĘ” i „CZARNY”, które podróżują po twarzy i dłoni Malcolma. Cytat „Wierzę we wszystko, co jest konieczne do naprawienia niesprawiedliwych warunków politycznych, ekonomicznych, społecznych, fizycznych. Wszystko, co konieczne, o ile przynosi rezultaty” jest wymalowany na jego piersi i ramieniu. Ich drugi pokaz, „AFRICOBRA III”, został otwarty w 1973 roku. Krytycy byli bardziej świadomi estetyki i ruchu podczas tego pokazu; krytyk Paul Richard skomentował, że prace Nelsona Stevensa , Jeffa Donaldsona i Jarrella „razem zaprzeczają temu, w co od dawna wierzyłem: że sztuka, która jest tak rażąco polityczna, w ogóle nie jest sztuką”.

Na wschód?

Pomimo ofert na stanowisko, które otrzymał od Jeffa Donaldsona, który kierował wydziałem sztuki na Howard University , Jarrell starał się zachować niezależność i rodzina przeniosła się do Nowego Jorku. Jarrell uzyskał pracę jako fotograf w Bostonie, ostatecznie decydując się na przyjęcie oferty Donaldsona, przenosząc rodzinę na czas, aby Jarrell mógł prowadzić zajęcia z fotografii w semestrze jesiennym. W tym czasie "AFRICOBRA II" pojechała do Howarda i Jarrell'a, wystawiając " Razem wygramy" (1973), ukazując czarnych "wojowników", dzieci, kobiety i robotników "oferujących rozwiązania problemów ludu afrykańskiego" oraz Żołnierzy wyzwolenia (1972), przedstawiający z Pantery Czarne . W obu pracach wykorzystano naklejoną na płótno folię aluminiową i złotą . W 1973 roku odbył się ostatni pokaz AFRICOBRA „AFRICOBRA III”. Jednak członkowie nadal spotykali się i praktykowali ideały przedstawione przez grupę.

wpływy afrykańskie

Maska stworzona przez lud Senufo , która wpłynęła na malarstwo i rzeźbę Jarrella.

Badania Jarrella nad sztuką afrykańską i ludem Senufo okazały się mieć duży wpływ w połowie lat 70. XX wieku. Obrazy takie jak Prophecy, Reorientation i Navaga przedstawiają postacie ludzkie, które wydają się być zmieszane z rzeźbami Senufo . Navaga (1974) przedstawia siedzącego snycerza , trzymającego laskę, na której pracuje, sprawiając wrażenie wykonanego z drewna. Nosi ubrania i jest otoczony chłodnymi kolorami. Twarz jest twarzą ojca Jarrella, zmanipulowaną w rzeźbiarskim stylu Senufo. W tryptyku Prophecy Jarrell przedstawia afrykańskie kobiety jako postacie Senufo trzymające rzeźby bóstwa joruba Shango i jest opisane jako „napakowane” obrazami, co utrudnia ich rozszyfrowanie w krótkim czasie.

Zimą 1977 Jarrell i Jae odwiedzili Lagos w Nigerii , jako część amerykańskiej delegacji na FESTAC '77 , Drugi Światowy Festiwal Sztuki i Kultury Murzynów i Afryki, czyniąc z tej wystawy pierwszą międzynarodową wystawę pary. Podróżowali tam również inni członkowie AFRICOBRA. Jarrell był pod silnym wpływem odlewów z brązu z traconego wosku z Beninu oraz sztuki rzeźbienia w drewnie i tekstyliów z Oshogbo , które jego zdaniem umocniły misję symbolicznej pracy AFRI-COBRA poprzez „intuicyjną przestrzeń”. Jarrell również powrócił do swojej pasji do wyścigów konnych, uczestnicząc w Grand Durbar w Kadunie . Po powrocie Jarrella, AFRI-COBRA stworzyła swój następny program "AFRI-COBRA/Farafindugu"; farafindugu wywnioskowanie "czarnego świata" w Mandince .

Na wystawie w African American Museum w Filadelfii znalazły się dwie prace Jarrella stworzone w odpowiedzi na jego podróż do Afryki: Mojo Workin i Soweto (oba 1977). Mojo Workin zawierał wkład od swojej sześcioletniej wówczas najstarszej córki, Jennifer. Stworzyła rysunek The Magic Lady, a dzięki obrazowi Jarrella wierzono, że mojo wyraża się, gdy inni spotykają się z dziełem. To jeden z pierwszych przypadków, w których Jarrell używa poplamionego płótna. Soweto odzwierciedla zmagania Afrykańczyków, zwłaszcza tych, którzy cierpią z powodu apartheidu w RPA. Obraz nosi nazwę miasta Soweto , gdzie w 1976 r. doszło do masakry studentów . Kontynuując inspirację podróżami do Nigerii, Jarrell ukończył pracę Zulu Sunday, która została stworzona, aby wyrazić podobieństwa między Afroamerykanami a Nigeryjczykami poprzez świętowanie niedzielne popołudnie towarzyskie. Obraz przedstawia Zulusów ubranych w bogato zdobione stroje ludowe, spotykających się na ulicy, zjednoczonych przez rozbłysk słońca .

Gruzja

W 1977 Jarrellowie przenieśli się z Waszyngtonu do Aten w stanie Georgia . Gdy jego dzieci się starzeją, a firma zabawek pary walczy o utrzymanie się na powierzchni, Jarrell został adiunktem na Uniwersytecie Georgia . Jego pozycja na uniwersytecie zapewniła mu przestrzeń studyjną. W 1979 miał dwie wystawy indywidualne i brał udział w trzech wystawach AFRICOBRA. Jego twórczość nadal była świadoma społecznie i politycznie, z obrazami takimi jak Festiwal nr 1 (1978) przedstawiający genialne postacie Senufo, dzieło wspierające RPA w czasie wojny. Afrykańskie obrazy stały się bardziej widoczne w jego obrazach z zygzakowatymi wzorami i pojawiającymi się jaszczurkami , co oznacza, że ​​„Afrykanie, jako pierwsi ludzie, mają prawo mówić we własnym imieniu”, jak widać w Midnight Poet at 125th Street & Lenox (1979). W 1979 Jarrell otrzymał grant na stworzenie muralu o wymiarach 52 x 31 stóp w East Athens Community Center. Zespół studentów sztuki pomógł Jarrellowi i Jae ukończyć pracę zatytułowaną Wniebowstąpienie , która pozostaje w Atenach do dziś.

W połowie lat 80. Jarrell był reprezentowany przez Galerię Fay Gold w Atlancie. W 1984 roku rodzina przeniosła się do Atlanty, kiedy Jae przyjął posadę nauczyciela w The Lovett School . Jarrell nadal dojeżdżał do Aten, żeby uczyć. Przeprowadzka do Atlanty zapewniła rodzinie większe dochody, jednocześnie pozwalając Jarrellowi sprzedawać więcej pracy i nawiązywać relacje z potencjalnymi klientami, galeriami i muzeami w regionie. Jarrell został profesorem malarstwa na uniwersyteckim programie studiów za granicą w 1986 roku. Przez dwa miesiące mieszkał w Cortonie we Włoszech z Jae i jego dwiema córkami, podczas gdy Wadsworth Jr. pozostał w Atlancie, kończąc szkołę średnią. Okazja pozwoliła mu zwiedzać kraj, odwiedzając zabytki w całych Włoszech i Biennale w Wenecji . Po powrocie został awansowany na profesora zwyczajnego na uniwersytecie w lutym 1987 r., ale zrezygnował w 1988 r.

W latach 90. Jarrell nadal badał aspekty czarnego życia w swoich obrazach. Dudes on the Street (1991) to obraz czarnego życia w mieście; Na ulicy stoją dwaj mężczyźni jak z kreskówek i dwie kobiety, a obok nich przeterminowany parkometr . W tle znajduje się restauracja z żeberkami i sklep z płytami, z chłodnymi kolorami ociekającymi cały krajobraz. Robert Douglas porównaniu kawałek do Chicken Shack przez Archibald Motley , stwierdzając „obaj artyści wykonali misję doceniają czarną życie.” W tym czasie powstały również dwa obrazy o boksie: Stride of a Legend/Tribute to Papa Tall , hołd dla Muhammada Ali i projektanta tekstyliów Papa Tall z Senegalu , oraz The Champion (1991) przedstawiający Evander Holyfield .

Powrót do wyścigów konnych

Podczas pobytu w Georgii Jarrell ponownie zainteresował się wyścigami konnymi. Zainteresował się afroamerykańskimi dżokejami, tworząc obrazy The Jocks #2 (1981) i Master Tester (1981) oraz Hołd dla Isaaca Murphy'ego (1981). The Jocks #2 to portret grupowy Jamesa „Soup” Perkinsa , Williama Walkera , Jimmy'ego Winkfielda i Isaaca Murphy'ego . Postacie wyglądają jak malowidło ścienne Kemetic z nutami zieleni i jasnoniebieskiego koloru. W centrum jest Isaac Murphy, legendarny dżokej Kentucky Derby , noszący świecącą koronę . Pełny hołd dla Murphy'ego można zobaczyć w Hołdzie dla Isaaca Murphy'ego , dużym poliptyku składającym się z czterech płócien. Wycięte motywy liści naklejane są na płótno i nakładane akrylowymi bejcami, które sprawiają, że motyw pojawia się jako negatywna przestrzeń na powierzchni obrazu. Zygzaki są widoczne, jaszczurka wydaje się reprezentować prędkość, dżokej na trawniku , a daty zwycięstw Murphy'ego, tytuły i imiona koni znajdują się na górze. Obraz kończy stylizowany portret Murphy'ego, a do płótna przyklejone są muszle kauri, przedstawiające pieniądze zdobyte przez Murphy'ego w trakcie jego kariery. Master Tester jest abstraktem trenera koni Marshalla Lilly, jadącego konno, w czapce derby . W 1993 Jarrell miał wystawę indywidualną zatytułowaną „Edge Cutters” w Kentucky Derby Museum w Lexington, Kentucky .

Kielnia murarska i jazzowe hołdy

Giganci jazzu , litografia, 1987

W grudniu 1982 r. firma Westinghouse Electric Company zleciła Jarrellowi stworzenie trzystumetrowego muralu w ich siedzibie w Atenach, aby podnieść morale pracowników. Mural po raz pierwszy użył w swojej pracy kielni murarskiej , narzędzia, które przedstawił mu Adger Cwans . Ptaki jabłoni i Powrót jabłoni z 1983 roku pokazują dramatyczne użycie kielni. Obrazy zostały zainspirowane rysunkiem jego dwuletniej córki Jennifer. Jabłko Ptaki zostały narysowane i omówione przez Jennifer jako mające głowy w kształcie jabłka z łodygami u góry, długimi ramionami i krótkimi ciałami. Zygzaki, geometryczne kształty i warstwy tworzą środowisko, w którym żyją ptaki jabłoni na płótnie. Paca jest używana do tworzenia warstw 3D i zakładek.

Jarrell stworzył wiele jazzowych hołdów począwszy od lat 80-tych. Cookin' n Smokin' (1986) to hołd złożony muzykowi jazzowemu Oscarowi Petersonowi , który gra na pianinie, a wokół głowy ma wzór sunburst. Na lewo od Petersona stoi basista Ray Brown . Obie postacie mają duże głowy, ich twarze mają przerysowane rysy, podobne do afrykańskich masek , a Robert Douglas opisuje je jako „środek między naturalizmem a abstrakcją ”. Do mieszania koloru używa się kielni. Jazz Giants (1987), kolejny jazzowy hołd, pokazuje występy Dizzy'ego Gillespiego , Harry'ego Carneya , Johnny'ego Hodgesa i Cootiego Williamsa . Wzory liści i okręgi powszechne w pracach Jarrella są widoczne w całym tekście. Kielnia służy do tworzenia rozpoznawalnych portretów muzyków, których farba na białym tle wygląda jak drzeworyt . Kapłanka (1988) przedstawia inną ikonę jazzu, Ninę Simone , która pojawia się dwukrotnie – grając na pianinie i śpiewając solo, przy wsparciu zespołu. I Remember Bill z 1979 roku jest pomnikiem przyjaciela Jarrella, gitarzysty Billa Harrisa, pierwotnie z The Clovers . Jarrell od czasu do czasu podróżował z Harrisem, wieszając swoje obrazy za Harrisem podczas występów. Obraz jest dużym poliptykiem z mieszanymi mediami z ukształtowanego płótna, a namalowana sześciostrunowa gitara znajduje się na szczycie dzieła. Obraz zawiera naklejone fotografie Harrisa oraz dwa malowane portrety muzyka, otoczone charakterystycznymi dla Jarrella symbolami, wzorami i wzorami.

Inne prace to: Corners of Jazz (1988), duży mural z Rayem Charlesem , Lesterem Youngiem i Billie Holiday , Shon'nuf (1989), z Rayem Charlesem, At the Three Deuces (1991) z Milesem Davisem , Charlie Parker i Sam Potter , Basie at the Apollo (1992) z orkiestrą Counta Basiego , The Empress (1992) dla Bessie Smith oraz Lady & Prez #2 , przedstawiające występy Holidaya i Younga.

Rzeźba

Zainspirowany podróżą do Włoch, Jarrell stworzył rzeźbę Tribute to Ovambo Bellows , malowany hołd w kształcie stożka dla ludzi z Ovambo , który miał być podstawą do nowego zwrotu w jego twórczości, w kierunku rzeźby. Nowe prace zostałyby skategoryzowane ze względu na ich ciężką duchową naturę, odzwierciedlającą kulturę i dziedzictwo Afryki. Hausa Space – a Village (1993) reprezentuje wioski, które Jarrell odwiedził w Nigerii. Domy, które widział, były ozdobione ikonami i symbolami o znaczeniu duchowym i rytualnym, pomalowanymi na jasne kolory. Te dekoracje służą do walki ze złymi duchami, a figury Jarrella mówią o pokoju. Wiele rzeźb łączy elementy afrykańskiej sztuki i designu; Sorcerer (1993) i Messenger of Information (1993) pokazują jego wcześniejsze wpływy ze sztuki Senufo oraz inne inspiracje związane z designem, duchowością i mieszkańcami Afryki. Rzeźby przypominające totem zaczęły powstawać w 1995 roku. Trzy rzeźby składające się na serię Ensemble (1995) każda mają ponad pięć stóp wysokości i są pomalowane jaskrawymi kolorami, zwieńczone małym zwierzęciem. Po raz pierwszy, w Days of the Kings (1995), wyścigi konne pojawiają się w rzeźbach Jarrella. Szesnaście totemów służy jako hołd dla Afroamerykanów w wyścigach konnych, przypominając projekty Bijogo i Alberto Giacomettiego . Epiphany (1996) upamiętnia Marsz Miliona Człowieka , który odbył się w Waszyngtonie rok wcześniej, wydarzenie, które Jarrell określił jako jedno z najważniejszych w tym stuleciu. Ten utwór i inne prace były później wystawiane na Letnich Igrzyskach Olimpijskich w 1996 roku .

Przyjęcie

Dr Stacy Morgan, profesor stowarzyszenia na wydziale Studiów Amerykańskich na Uniwersytecie w Alabamie, opisuje prace Jarrella jako „niezwykłe dzieło żywej, stylistycznie innowacyjnej i politycznie zaangażowanej sztuki”.

Nagrody

Wybrane wystawy

Wystawy indywidualne

Wystawy zbiorowe

Wybrane kolekcje

Zobacz też

Bibliografia

Dalsza lektura

  • Donaldson, Jeff. "Africobra 1 (Afrykańska Gmina Złych Znanych Artystów): '10 w poszukiwaniu narodu'" , Czarny Świat XIX, nr. 12 (październik 1970): 89-89.
  • Douglas, Robert L. Wadsworth Jarrell: Artysta jako rewolucjonista . Rohnert Park, Kalifornia: Granat, 1996. ISBN  0-7649-0012-9
  • Dyke, Kristina Van. „Wadsworth Jarrell: City Gallery East, Atlanta; wystawa”. Art Papers 20 (listopad/grudzień 1996): 31-32.
  • Harris, Juliette. „TERAZ AFRYKOBRA!” Międzynarodowy Przegląd Sztuki Afroamerykańskiej. 21 (2) (2007): 2-11. Muzeum Uniwersytetu Hampton.

Zewnętrzne linki