Iwona Rainer - Yvonne Rainer

Yvonne Rainer
Iwona Rainer.jpg
Yvonne Rainer, 2014
Urodzić się ( 1934-11-24 )24 listopada 1934 (wiek 86)
San Francisco , Kalifornia , USA
Narodowość amerykański
Edukacja Rok w San Francisco Junior College Martha Graham Centre of Contemporary Dance
Znany z Sztuka performance , choreografia , taniec, film
Nagrody Program stypendialny MacArthura

Yvonne Rainer (ur. 24 listopada 1934) to amerykańska tancerka, choreograf i filmowiec , której twórczość w tych dyscyplinach uważana jest za ambitną i eksperymentalną. Jej prace są czasem klasyfikowane jako sztuka minimalistyczna . Rainer obecnie mieszka i pracuje w Nowym Jorku.

Wczesne życie

Yvonne Rainer urodziła się 24 listopada 1934 roku w San Francisco w Kalifornii . Rodzice Rainera, Joseph i Jeanette, uważali się za radykałów. Jej matka, stenografka, urodziła się na Brooklynie wśród żydowskich imigrantów z Warszawy , a jej ojciec, kamieniarz i malarz pokojowy , urodził się w Vallanzengo w północnych Włoszech, skąd wyemigrował w wieku 21 lat. Rainer dorastał wraz z starszy brat, w dzielnicy Sunset w San Francisco, którą opisuje jako „sąsiedztwo białych protestanckich rodzin robotniczych”. Od dwunastego roku życia była „narażona na upojne mieszanie się poetów, malarzy, pisarzy i włoskich anarchistów”. Przez całe dzieciństwo ojciec zabierał ją na zagraniczne filmy do Pałacu Legii Honorowej, a matka do baletu i opery. Uczęszczała do Lowell High School, a po ukończeniu studiów zapisała się do San Francisco Junior College i po roku zrezygnowała.

Jako późna nastolatka, zarabiając na życie jako urzędniczka-maszynistka w firmie ubezpieczeniowej, Rainer znalazła się w Cellar, klubie jazzowym w North Beach w San Francisco, gdzie słuchała poetów w towarzystwie fajnych muzyków jazzowych na żywo. . To tutaj poznała Ala Helda, malarza. Przedstawił ją różnym artystom pochodzącym z Nowego Jorku. W sierpniu 1956, w wieku 21 lat, wyjechała za Heldem do Nowego Jorku i mieszkała z nim przez następne trzy lata.

Pamiętam, jak szedłem Piątą Aleją obok Madison Square Park, przytłoczony niewypowiedzianym poczuciem nieskończonych możliwości. Ktoś inny mógłby opisać to jako uczucie „podbijania świata”. Dla mnie była to po prostu ekscytacja z otwartym umysłem. Chociaż nie miałem pojęcia, co przyniesie przyszłość, już sygnalizowałem z otwartymi ramionami.

Doris Casella, muzyk i bliska przyjaciółka, wprowadziła Rainera około 1957 roku na lekcje tańca u Edith Stephen, tancerki współczesnej. Na jej pierwszych zajęciach Stephen powiedział jej, że nie jest zbyt „wyeksponowana”. Rainer przyznaje: „To, czego nie powiedziała, było czymś, co stopniowo rozpoznam w ciągu następnych kilku lat, że mój brak frekwencji i gibkości w połączeniu z długimi plecami i krótkimi nogami zmniejszy moje szanse na występy z dowolnymi ustalonymi Spółka taneczna." Od 1959 roku studiowała przez rok w Martha Graham School , gdzie Graham notorycznie powtarzał jej: „Kiedy zaakceptujesz siebie jako kobietę, będziesz mieć frekwencję”; później uczyła się baletu u Mii Slavenskiej, następnie u Jamesa Waringa , w którego towarzystwie krótko tańczyła, a przez osiem lat uczyła się u Merce'a Cunninghama .

W roku, w którym Rainer studiował w Graham School – 1959-60 – Rainer poznał Simone Forti i Nancy Meehan, które pracowały z Anną Halprin i Wellandem Lathropem w San Francisco. Na początku lata 1960 roku cała trójka wynajęła studio w Nowym Jorku i pracowała nad improwizacjami ruchowymi. W sierpniu tego samego roku Rainer udał się z Fortim do hrabstwa Marin w Kalifornii, aby wziąć udział w letnich warsztatach Halprin, co było bardzo ważne, poza wpływem Fortiego, na wczesną solową twórczość Rainera.

Jesienią 1960 roku zarówno Forti, jak i Rainer wzięli udział w warsztatach choreograficznych, które muzyk-kompozytor Robert Dunn zaczął prowadzić w studiu Cunninghama w oparciu o teorie Johna Cage'a . Pozostali członkowie tego kursu to Steve Paxton , Ruth Emerson, Paulus Berenson i Marni Mahaffey. To tutaj Rainer stworzyła i wykonywała swoje najwcześniejsze tańce.

Praca taneczna i choreograficzna

W moich materiałach jest dużo gestów – także dźwięków i ruchów, które im towarzyszą. Wyobrażam sobie, że to, co się pojawia, jest niekongruencją, dziwaczne – może dziwne lub ekscentryczne – chociaż nie próbuję świadomie żartować. Mój obraz czasami przybiera formę zdezorientowanego ciała, w którym jedna część nie wie, co robi druga część.

W 1962 roku, w wieku 27 lat, Rainer, Steve Paxton i Ruth Emerson zwrócili się do wielebnego Al Carminesa w Judson Memorial Church z pytaniem, czy mogą zacząć tam występować. Kościół był już znany z Judson Poets' Theater i Judson Art Gallery, w których pokazywano prace Claesa Oldenburga , Allana Kaprowa , Roberta Whitmana , Jima Dine'a i Toma Wesselmanna . Teraz stał się centralnym punktem awangardowej działalności tanecznej i koncertów tanecznych.

Rainer znany jest z podejścia do tańca, które traktuje „ciało bardziej jako źródło nieskończonej różnorodności ruchów” niż jako dostarczyciela fabuły czy dramatu. Wiele z zastosowanych przez nią elementów – takich jak powtórzenie, zadania i nieokreśloność – stało się później standardowymi cechami tańca współczesnego. W 1965 roku, pisząc o ostatnim tańcu — Parts of Some Sextets — dla Tulane Drama Review, zakończyła esej tym, co stało się jej niesławnym No Manifesto , które „przemyślała” w 2008 roku.

NIE dla spektaklu.
Nie dla wirtuozerii.
Nie dla transformacji, magii i udawania.
Nie dla przepychu i transcendencji obrazu gwiazdy.
Nie dla bohaterskich.
Nie dla antybohatera.
Nie, aby usunąć zdjęcia.
Nie dla zaangażowania wykonawcy lub widza.
Nie dla stylu.
Nie do obozu.
Nie dla uwiedzenia widza podstępami wykonawcy.
Nie dla ekscentryczności.
Nie dla ruchu lub bycia przeniesionym.

W swoich wczesnych tańcach Rainer skupiała się na dźwiękach i ruchach i często zestawiała je w dowolnych kombinacjach. Zainspirowana przypadkowymi procedurami preferowanymi przez Cage'a i Cunninghama choreografia Rainera była połączeniem klasycznych kroków tanecznych skontrastowanych z ruchem pieszym. Używała dużej ilości powtórzeń i wykorzystywała język mówiony i odgłosy ustne (w tym piski i wrzaski itp.) W obrębie swoich tańców.

Powtórzenie i dźwięk były zatrudnione w swojej pierwszej choreografii kawałek, trzy łyżki Satie (1961), solo na trzy części wykonywane przez Rainer z towarzyszeniem Erik Satie „s Trois Gymnopedies . Ostatnia sekcja zawierała powtarzające się „pip bip bip w falsetowym pisku i mówioną linię: „Trawa jest bardziej zielona, ​​gdy słońce jest żółtsze". Z czasem jej twórczość przesunęła się na bardziej narracyjne i spójne wypowiedziane słowa. Taniec zwyczajny (1962) była kombinacją ruchu i narracji i zawierała powtarzanie prostych ruchów, podczas gdy Rainer recytował monolog autobiograficzny zawierający nazwy ulic, na których mieszkała podczas pobytu w San Francisco.Jedną z cech charakterystycznych wczesnej choreografii Rainer była jej fascynacja wykorzystywaniem nieprzeszkolonych wykonawców . Shall we Run (1963) miał dwunastu wykonawców, zarówno tancerzy i nie-tancerzy, którzy odziani w ubraniu, biegał po scenie w różnych wzorów podłóg na dwanaście minut do „Tuba Mirum” z Berlioz „s Requiem. Jej pierwszy wieczór Choreografia długości, dla sześciu tancerzy, pod nazwą Terrain , została wykonana w Judson Church w 1963 roku.

Jeden z najsłynniejszych utworów Rainera, Trio A (1966), był początkowo pierwszą częścią wieczornego dzieła zatytułowanego Umysł jest mięśniem . Jej decyzja w „ Trio A ”, aby wykonywać ruchy z równomiernym rozkładem energii, odzwierciedlała wyzwanie dla tradycyjnego podejścia do „frazowania”, które można zdefiniować jako sposób, w jaki energia jest dystrybuowana podczas wykonywania ruchu lub serii ruchów. Innowacja Trio A polega na próbie wymazania różnic w inwestowaniu energii zarówno w daną frazę, jak i przejście od jednej do drugiej, co skutkuje brakiem klasycznego pojawienia się „ataku” na początku frazy, powrotu do zdrowia w koniec, z energią zatrzymaną gdzieś pośrodku, jak w grand jeté . Inną cechą charakterystyczną tego pięciominutowego tańca jest to, że wykonawca nigdy nie nawiązuje kontaktu wzrokowego z widzami, aw przypadku gdy ruch wymaga od tancerza zwrócenia się twarzą do publiczności, oczy są zamknięte lub głowa jest zaangażowana w ruch. Chociaż Rainer we wcześniejszych pracach wykorzystywała repetycję jako środek ułatwiający odczytanie ruchu, postanowiła nie powtarzać żadnych ruchów w utworze. Trio A jest często określane jako spektakl zadaniowy ze względu na ten styl dystrybucji energii, również ze względu na nacisk na neutralne lub pozbawione charakteru podejście do wykonywania ruchu i brak interakcji z publicznością. Utwór, wykonany po raz pierwszy, nosił tytuł The Mind is a Muscle, część 1 i był wykonywany symultanicznie, ale nie unisono, przez Rainera, Steve'a Paxtona i Davida Gordona. Trio A było szeroko nauczane i wykonywane przez innych tancerzy.

Rainer ma choreografię ponad 40 utworów koncertowych.

Wybierz choreografię

  • Three Seascapes (1961) solo w trzech częściach, w których każda sekcja bada inny rodzaj relacji między ruchem a dźwiękiem. W pierwszej części, ubrany w czarny płaszcz, Rainer biegnie truchtem pieszych w całym obwodzie sceny do ostatnich trzech minutach Rachmaninowa „s Piano Concerto No. 2 , od czasu do czasu w pozycji leżącej w scrunched pozycji na boku. W drugim segmencie porusza się powoli po przestrzeni, poruszając swoim ciałem w falujących spazmach. W pierwszym przedstawieniu w sali gimnastycznej Judson Church La Monte Young i jego kohorty wykonali swój „Poemat na stoły, krzesła i ławki”, ocierając te przedmioty o betonową podłogę w korytarzu na zewnątrz sali gimnastycznej, tworząc przerażającą kakofonię. Finał został uznany za radykalny, ponieważ Rainer krzyczał dziko i miotał się w czarnym płaszczu i dwudziestu metrach białego tiulu.
  • Teren (1962) był pierwszym wieczornym dziełem Rainera. Składał się z kilku sekcji, w tym dwóch „Rozmawiających solówek”, z opowiadaniami Spencera Holsta recytowanymi w niezwiązanej i jednoczesnej serii ruchów.
  • „Continuous Project-Altered Daily” (1970) został wystawiony w Whitney Museum , przekształcił się ostatecznie w improwizowany Grand Union , którego Rainer był członkiem przez dwa lata.
  • War (1970), taniec antywojenny wykonywany przez trzydzieści osób w Douglass College protestujących przeciwko wojnie w Wietnamie.
  • Street Action (1970), akcja protestacyjna przeciwko inwazji sił amerykańskich na Kambodżę w 1970 roku. Składała się z trzech kolumn ludzi ubranych w czarne opaski i kołyszących się na boki z pochylonymi głowami, poruszających się ulicami Dolnego Manhattanu.
  • To historia kobiety, która ... (1973), dramat taneczny wykorzystujący wyświetlane teksty narracyjne, odkurzacz i przedmioty o silnym znaczeniu, takie jak materac, pistolet i walizka.

Praca filmowa

Przeszłam od choreografii do filmowania w latach 1972-1975. W ogólnym sensie moja rozkwitająca świadomość feministyczna była ważnym czynnikiem. Równie pilnym bodźcem były zmiany fizyczne w moim starzejącym się ciele.

Rainer czasami włączała do swoich tańców sfilmowane sekwencje, aw 1972 roku zaczęła skupiać się na reżyserowaniu filmów pełnometrażowych. Feministyczny ton swoich filmach, charakteryzuje zainteresowania jak ciało kobiety był oglądany lub zobiektywizowane przez mężczyzn reżyserów, by rozbrzmiewało z pojawiających feministyczną filmową teorię okresu, w tekstach nasiennych, takich jak Laura Mulvey w programie Visual Pleasure i Narrative Cinema staje bardzo wpływowy. Jej wczesne filmy nie trzymają się konwencji narracyjnych; Zamiast tego, filmy Rainera łączą autobiografię i fikcję, dźwięk i napisy, podejmując kwestie społeczne i polityczne. Rainer wyreżyserował kilka filmów eksperymentalnych o tańcu i performansie, w tym Lives of Performers (1972), Film About a Woman Who (1974) i Kristina Talking Pictures (1976). Jej późniejsze filmy to Podróże z Berlina/1971 (1980), Człowiek, który zazdrościł kobietom (1985), Przywilej (1990) oraz MORDERSTWO i morderstwo (1996). MORDERSTWO i morderstwo , bardziej konwencjonalna w swojej narracyjnej strukturze, to lesbijska historia miłosna opowiadająca o własnych doświadczeniach Rainera z rakiem piersi. W 2017 roku, Żywoty wykonawców został uwzględniony w rocznym wybór 25 filmów dodawanych do National Film Registry w Bibliotece Kongresu są uważane za „kulturowo, historycznie albo estetycznie znaczące” i jest zalecana do ochrony.

Wróć do tańca

W 2000 roku Rainer wrócił do tańca i choreografii, aby utworzyć po wielu letni Dies Swan , dla Michaił Barysznikow „s White Oak Dance Project . W 2006 roku Rainer choreografii pracę pt AG indeksowa, z niewielką pomocą z HM , która była reinterpretacja George Balanchine „s Agon Rainer nadal choreograph działa na podstawie klasycznych kawałków, w tym RoS indeksowa (2007), inspirowanej Wacław Niżyński ” s Rite of Spring . Praca ta została zamówiona na biennale Performa 07, organizowane przez organizację performatywną Performa, która od tego czasu kieruje Rainerem.

Kolejne prace to Spiraling Down (2010), Assisted Living: Good Sports 2 (2010) oraz Assisted Living: Czy masz jakieś pieniądze? (2013), dwie prace, w których Rainer eksploruje teatralny i historyczny motyw żywych obrazów wśród odczytań politycznych, filozoficznych i ekonomicznych.

Wystawa w londyńskiej Raven Row Gallery była pierwszą prezentacją na żywo jej tańców z lat 60. podczas wystawy zdjęć i partytur z całej jej kariery, oprócz pokazów filmowych.

W 2015 roku stworzyła choreografię i zaprezentowała Koncept kurzu, czyli jak wyglądasz, gdy nie ma już nic do poruszenia? (2015), na zlecenie Performy i Getty Research Institute , spektakl zawierający choreografię przeplataną szeroką gamą tekstów politycznych, historycznych i publicystycznych czytanych z przerwami przez tancerzy i samą Rainer. Praca ta była prezentowana w The Museum of Modern Art , a później odbyła tournée po europejskich miejscach, w tym La Fondazione Antonio Ratti w Como we Włoszech , Marsylia Objectif Danse we Francji i Luwrze . Druga wersja tego samego tańca, zatytułowana The Concept of Dust: Continuous Project-Altered Annual została wykonana w 2016 roku w The Kitchen w Nowym Jorku oraz w Marsylii, Porto i Barcelonie w 2017 roku.

Feminizm

Jako biała, nieświadomie ambitna artystka, nieświadoma seksizmu i rasizmu w świecie sztuki i zajęta tańcem (społecznie akceptowalna kobieca pogoń), zaczęłam czytać gniewne, eksperymentalne teksty w antologii Robina Morgana Sisterhood Is Powerful i ogniste polemiki Valerie Solanas. 's Scum Manifesto i Shulamith Firestone ' s Dialektyka płci.

Czytanie pisarstwa i teorii feministycznych pozwoliło Rainer przeanalizować własne doświadczenia jako kobiety i mogła myśleć o sobie jako o uczestniczce kultury i społeczeństwa. Rainer nie zdawała sobie sprawy, że jej wcześniejsza choreografia była bezpośrednim wyzwaniem „tradycyjnego” tańca i ostatecznie feministycznego charakteru. Przez całe lata 80. Rainer żyła w celibacie i była zdecydowana „nie wdawać się w więcej niefortunnych heteroseksualnych przygód…”. Zaczęła uczęszczać na parady gejowskie i uważała się za „ polityczną lesbijkę ”. Rainer brał udział w demonstracji w Nowym Jorku i Waszyngtonie, aby zaprotestować przeciwko wyzwaniu Roe v. Wade w tym samym okresie. W wieku 56 lat przezwyciężyła swoje obawy przed identyfikacją jako lesbijka, zbliżając się do Marthy Gever. Do dziś są razem.

Słynne oświadczenie feministki Audre Lorde stanowiło: „Nie można rozebrać domu mistrza za pomocą jego narzędzi”. Rainer obalił jej teorię, stwierdzając: „Możesz, jeśli ujawnisz narzędzia”.

Rainer udzieliła wywiadu dla feministycznego filmu !Women Art Revolution .

Rainer jest wymieniany w kilku miejscach jako przykład artystki, feministki i lesbijki w drugiej edycji Feminism Art Theory pod redakcją Hilary Robinson. Więcej informacji można znaleźć w rozdziale 6.2 Praktyki lesbijskie i queer. P. 398-434.

Uznanie

W 1990 Rainer otrzymała nagrodę MacArthur Fellows Program (lub „Genius Grant”) za swój wkład w taniec. W 2015 roku otrzymała nagrodę Fundacji Sztuki Współczesnej Merce Cunningham Award; w 2017 otrzymała Stypendium USA. Otrzymała również dwa stypendia Guggenheima (1969, 1988).

Zobacz też

Bibliografia

Bibliografia

Zewnętrzne linki

Multimedia związane z Yvonne Rainer w Wikimedia Commons