Historia baletu - History of ballet
Balet to sformalizowana forma tańca wywodząca się z włoskich dworów renesansowych z XV i XVI wieku. Balet rozprzestrzenił się z Włoch do Francji dzięki pomocy Katarzyny Medycejskiej , gdzie balet rozwinął się jeszcze bardziej pod jej arystokratycznym wpływem. Wczesnym przykładem rozwoju Katarzyny baletu jest przez „Le Paradis d” Amour”, kawałek prac prezentowanych na ślubie córki, Marguerite de Valois do Henryka z Nawarry . Pieniądze arystokratyczne były odpowiedzialne za początkowe etapy rozwoju „baletu dworskiego”, ponieważ to właśnie pieniądze królewskie dyktowały idee, literaturę i muzykę używane w baletach, które zostały stworzone przede wszystkim dla rozrywki ówczesnych arystokratów. Pierwszym uznanym formalnym „baletem dworskim” był wystawiony w 1573 r. „Ballet des Polonais”. W prawdziwie królewskiej rozrywce „Ballet des Polonais” powstał na zamówienie Katarzyny Medycejskiej dla uczczenia polskich ambasadorów, którzy odwiedzili Paryż po wstąpieniu Henryka Andegaweńskiego na tron Polski. W 1581 roku Katarzyna Medycejska zamówiła kolejny balet dworski, Ballet Comique de la Reine , jednak to jej rodak Balthasar de Beaujoyeulx zorganizował balet. Catherine de' Medici i Balthasar de Beaujoyeulx byli odpowiedzialni za przedstawienie pierwszego baletu dworskiego, który stosował zasady Akademii Baifa, łącząc poezję, taniec, muzykę i scenografię, aby przekazać ujednoliconą dramatyczną fabułę. Co więcej, wczesna organizacja i rozwój „baletu dworskiego” była finansowana przez ówczesnych arystokratów i przez nich produkowanych, zaspokajających zarówno ich osobiste potrzeby rozrywkowe, jak i potrzeby propagandy politycznej.
Pod koniec XVII wieku Ludwik XIV założył Académie Royale de Musique ( Operę Paryską ), w ramach której powstał pierwszy profesjonalny teatralny zespół baletowy , Balet Opery Paryskiej . Przewaga języka francuskiego w słownictwie baletowym odzwierciedla tę historię. Balet teatralny szybko stał się samodzielną formą sztuki, choć nadal często pozostając w ścisłym związku z operą, i rozprzestrzenił się z serca Europy na inne narody. Royal Danish Ballet i Imperial Ballet z imperium rosyjskiego zostały założone w 1740 i zaczął się rozwijać, zwłaszcza po około roku 1850. W 1907 roku rosyjski balet z kolei przeniósł się z powrotem do Francji, gdzie Baletów Rosyjskich z Siergieja Diagilewa i jego następców szczególnie wpływowy. Wkrótce balet rozprzestrzenił się na cały świat, tworząc nowe zespoły, m.in. londyński The Royal Ballet (1931), San Francisco Ballet (1933), American Ballet Theatre (1937), Royal Winnipeg Ballet (1939), The Australian Ballet (1940). jako poprzednik Borovansky Ballet), New York City Ballet (1948), National Ballet of Canada (1951) oraz National Ballet Academy and Trust of India (2002).
W XX wieku style baletu nadal się rozwijały i wywierały silny wpływ na szerszy taniec koncertowy , na przykład w Stanach Zjednoczonych choreograf George Balanchine rozwinął to, co obecnie znane jest jako balet neoklasyczny , późniejszy rozwój objął balet współczesny i balet poststrukturalny , na przykład widziany w pracy Williama Forsythe'a w Niemczech.
Etymologia słowa „balet” odzwierciedla jej historię. Słowo balet pochodzi z języka francuskiego i zostało zapożyczone na język angielski około XVII wieku. Z kolei francuskie słowo wywodzi się z włoskiego balletto , zdrobnienia od ballo (taniec). Balet ostatecznie wywodzi się z włoskiego ballare , co oznacza „tańczyć” .
Początki
Renesans – Włochy i Francja
Balet powstał na renesansowym dworze jako wyrostek dworskiego widowiska we Włoszech , gdzie arystokratyczne śluby były hucznymi uroczystościami. Tutus , pantofle baletowe i pointe nie były jeszcze używane. Choreografia została zaadaptowana z kroków tańca dworskiego. Wykonawcy ubrani zgodnie z ówczesną modą. Dla kobiet oznaczało to formalne suknie, które zakrywały nogi do kostek. Wczesny balet był partycypacyjny, a publiczność dołączyła do tańca pod koniec.
Domenico da Piacenza (ok. 1400–ok. 1470) był jednym z pierwszych mistrzów tańca. Wraz ze swoimi uczniami Antonio Cornazzano i Guglielmo Ebreo da Pesaro szkolił się w tańcu i był odpowiedzialny za nauczanie szlachty sztuki. Da Piacenza pozostawił po sobie jedno dzieło: De arte saltandi et choreus ducendi (O sztuce tańca i dyrygowania tańcami), które ułożyli jego uczniowie.
W 1489 Galeazzo, książę Mediolanu , poślubił Izabelę Aragońską w Tortonie . Z okazji uroczystości włoski mistrz tańca Bergonzio di Botta zaaranżował misterną rozrywkę taneczną. Tańce łączyła wąska narracja dotycząca Jasona i Argonautów , a każdy odpowiadał innemu daniu na kolację. O tym wydarzeniu pisał Tristano Calco z Mediolanu, który został uznany za tak imponujący, że wiele podobnych spektakli zorganizowano gdzie indziej.
Balet został dodatkowo ukształtowany przez francuski ballet de cour , który składał się z tańców towarzyskich wykonywanych przez szlachtę w połączeniu z muzyką, mową, wierszem, pieśnią, korowodem, wystrojem i kostiumem. Kiedy Katarzyna Medycejska , interesująca się sztuką włoska arystokratka, poślubiła dziedzica korony francuskiej Henryka II , przywiozła do Francji swój zapał do tańca i udzieliła wsparcia finansowego. Błyszczące rozrywki Katarzyny wspierały cele polityki dworskiej i zwykle były organizowane wokół motywów mitologicznych. Pierwszym baletem de cour był Ballet de Polonais. Balet ten został wykonany w 1573 roku z okazji wizyty Ambasadora RP. Był choreografowany przez Balthasara de Beaujoyeulx i zawierał godzinny taniec dla szesnastu kobiet, z których każda reprezentowała francuską prowincję. Balet Comique de la Reine (1581), którego choreografię i reżyserię wyreżyserował również Balthasar de Beaujoyeulx , powstał na zamówienie Ludwiki Lotaryńskiej , królowej małżonki króla Henryka III , syna Katarzyny, dla uczczenia ślubu ulubieńca Henryka, księcia de Joyeuse z Marguerite de Lorraine, siostra królowej Luizy. Balet trwał ponad pięć godzin i tańczyło go dwudziestu czterech tancerzy: dwanaście najady i dwanaście stronic.
W tym samym roku, publikacja Fabritio Caroso „s Il Ballarino , instrukcje techniczne na taniec sądowego, zarówno wydajność i społeczne, przyczyniły się do ustalenia Włochy jako centrum rozwoju baletu technicznej.
XVII wiek – Francja i taniec dworski
Balet rozwinął się jako forma sztuki skoncentrowana na performansie we Francji za panowania Ludwika XIV , który pasjonował się tańcem. Jego zainteresowanie tańcem baletowym było motywowane politycznie. Poprzez taniec ustanowił surowe etykiety społeczne i uczynił z niego jeden z najważniejszych elementów dworskiego życia społecznego, skutecznie sprawując władzę nad szlachtą i panując nad państwem. Wtajemniczeni Louisa doprowadzili do rafinacji i perfekcji tańca towarzyskiego wśród arystokratów jako sposobu na pokazanie rodziny królewskiej, dalej konsolidując sztukę baletu klasycznego z nowo ustalonymi zasadami i protokołami.
W 1661 Ludwik XIV, zdeterminowany, by wzmocnić swoje ambicje w kontrolowaniu szlachty i odwrócić spadek standardów tańca, który rozpoczął się w XVII wieku, założył Académie Royale de Danse . Wcześniej arystokraci uważali taniec, wraz z jazdą konną i szkoleniem wojskowym, za trzy główne dyscypliny w eksponowaniu swojej szlachty. Niemniej jednak założenie Akademii przez Louisa odwróciło ich uwagę od sztuk wojskowych do dworskich funkcji społecznych, od wojny do baletu, jeszcze bardziej zaostrzając zasady wokół nich.
Aby rozszerzyć wpływy kultury francuskiej na całą Europę, Louis polecił Pierre'owi Beauchampowi , osobistemu nauczycielowi tańca króla i ulubionemu partnerowi w ballet de cour w latach pięćdziesiątych XVII wieku, stworzyć „sposób uczynienia tańca rozumianym na papierze”. Beauchamp został również mianowany Intendant des ballets du roi, a w 1680 roku został dyrektorem akademii tańca, którą piastował do 1687 roku. Zakon ten doprowadził do intensywnych badań w tej dziedzinie przez wielu baletmistrzów, jednak tylko system notacji tanecznej Beauchampa uzyskał rozpoznane. W swoim systemie skodyfikował pięć podstawowych pozycji stóp w balecie. Raoul Auger Feuillet, paryski baletmistrz, później przyjął jego system i wydał swoje dzieło w 1700 roku. Jego system notacji stał się bardzo popularny w Europie.
Feuillet skoncentrował swoje wysiłki na najbardziej wpływowym tańcu dworskim, zwanym „La belle danse” lub znanym również jako „francuski styl szlachecki”. Ten rodzaj tańca był popularny na balach lub kortach o bardziej wymagających umiejętnościach. „Entrée grave”, jako jedna z najwyższych form la belle danse , była zazwyczaj wykonywana przez jednego lub dwóch mężczyzn o pełnych gracji i godnych ruchach, po których następowała powolna i elegancka muzyka. W tym czasie tylko mężczyźni wykonywali la belle danse i entrée grave . Kobiety występowały na baletach królowych i innych okazjach towarzyskich, ale nie na entrée grave , baletach królewskich, na dworach czy na paryskich scenach dopiero w latach 80. XVII wieku. W tym szczególnym czasie mężczyzn uważano za mistrzów i mistrzów sztuki, prezentując swój męski, dostojny i szlachetny taniec, taniec królewski. To również ustanowiło wzór dla baletu klasycznego.
Balety dworskie miały długą historię łączenia tańca i etykiety od czasów renesansu, ale jeśli chodzi o la belle danse , etykieta w balecie osiągnęła zupełnie nowy poziom. Każda reguła etykiety na dworach Ludwika została bardzo szczegółowo przedstawiona w la belle danse i z pewnością można było zobaczyć szlachetny status innych poprzez ich tańce. Pięć pozycji ciał skodyfikowanych przez Beauchampa, a następnie przez Feuilleta, opisywało ciało jako miniaturowy dwór, z głową jako punktem centralnym, koordynującym jego kończyny jak król rządzący swoim państwem. Tancerz w roli prawdziwego szlachcica zajmowałby inne pięć pozycji niż ta, która grała postacie chłopskie lub niższej rangi. Dowód szlachectwa wskazywano również poprzez używanie masek, makijażu, kostiumów, zwłaszcza butów w stylu la belle danse .
Jean-Baptiste Lully , włoski skrzypek, tancerz, choreograf i kompozytor, który w 1652 roku wstąpił na dwór Ludwika XIV, odegrał znaczącą rolę w ustaleniu ogólnego kierunku, w jakim balet miał podążać przez następne stulecie. Wspierany i podziwiany przez króla Ludwika XIV, Lully często umieszcza króla w swoich baletach. Tytuł Króla Słońca dla francuskiego monarchy pochodzi z roli Ludwika XIV w Ballet de la Nuit Lully'ego (1653). Czternastoletni Ludwik XIV zatańczył w tym 12-godzinnym balecie pięć ról. Ten balet był bogaty i zawierał scenę, w której spalono część domu, w tym czarownice, wilkołaki, Cyganów, pasterzy, złodziei oraz boginie Wenus i Dianę. Głównym tematem baletu nie była jednak ciemność i nocne koszmary, ale skupiono się na Louisie, który pojawił się na końcu jako Słońce, kładąc kres nocy. Głównym wkładem Lully'ego do baletu były jego zniuansowane kompozycje. Jego zrozumienie ruchu i tańca pozwoliło mu komponować specjalnie dla baletu, z frazami muzycznymi, które uzupełniały ruchy fizyczne. Lully współpracował także z francuskim dramatopisarzem Molierem . Wspólnie przyjęli włoski styl teatralny, commedia dell'arte , i zaadaptowali go do swojej pracy dla francuskiej publiczności, tworząc balet komediowy . Wśród ich największych produkcji, z Beauchampem jako choreografem, był Le Bourgeois Gentilhomme (1670).
W 1669 Ludwik XIV założył Académie d'Opéra, którego dyrektorem był Pierre Perrin . Ludwik XIV przeszedł na emeryturę w 1670 roku, głównie z powodu nadmiernego przybierania na wadze. Wcześniej, w 1661 założył szkołę Adacemie Royale de danse . Beauchamp był pierwszym baletmistrzem Opery i stworzył tańce do pierwszej produkcji nowego zespołu Pomone z muzyką Roberta Camberta . Później, gdy Perrin zbankrutował, król przywrócił Opérę do rangi Académie Royale de Musique i mianował Lully'ego dyrektorem. Beauchamp był jednym z głównych choreografów. Na tym stanowisku Lully, wraz ze swoim librecistą Philippem Quinaultem , stworzyli nowy gatunek, tragédie en musique , którego każdy akt zawierał divertissement, który był miniaturową sceną baletową. W prawie wszystkich swoich ważnych dziełach Jean-Baptiste Lully połączył muzykę i dramat z elementami tańca włoskiego i francuskiego. Jego twórczość stworzyła spuściznę, która określi przyszłość baletu.
Popularność w całej Europie
Dwór francuski był pod pewnymi względami wiodącym źródłem kultury modnej dla wielu innych dworów królewskich w Europie. Naśladowano style rozrywki, w tym balety królewskie. Dwory w Hiszpanii, Portugalii, Polsce, Niemczech i innych krajach stały się publicznością i uczestnikami baletów. Oprócz Francji ważny wpływ na formę sztuki wywarły Włochy, głównie Wenecja .
Zawodowe zespoły baletowe zaczęły organizować i koncertować w Europie, występując dla arystokratycznej publiczności. W Polsce król Władysław IV Waza (1633–1648) gościł włoskie produkcje operowe, w których w niektórych scenach brali udział baleterzy. Słynni europejscy baletmistrzowie, którzy pracowali na polskim dworze, to Jean Favier , Antoine Pitrot , Antonio Sacco i Francesco Caselli .
18 wiek
Francja i rozwój jako forma sztuki
Wiek XVIII to okres podniesienia standardów technicznych baletu i okres, w którym balet stał się poważną formą sztuki dramatycznej na równi z operą. Centralnym elementem tego postępu była przełomowa praca Jean-Georgesa Noverre'a , Lettres sur la danse et les ballets (1760), która skupiała się na rozwijaniu ballet d'action , w którym ruchy tancerzy mają na celu wyrażenie charakteru i pomoc w narracja. Noverre uważał, że: balet powinien być techniczny, ale także emocjonalnie poruszać publiczność, fabuła musi być ujednolicona, sceneria i muzyka muszą wspierać fabułę i być zjednoczone w fabule, a pantomima musi być prosta i zrozumiała.
Reformy kompozycji baletowej dokonali tacy kompozytorzy jak Christoph Willibald Gluck . Ostatecznie balet został podzielony na trzy techniki formalne: sérieux , demi-caractère i comique . Balet zaczął pojawiać się także w operach jako przerywniki zwane divertissementami.
Poza Francją
Wenecja nadal była centrum tańca w Europie, szczególnie podczas Karnawału Weneckiego , kiedy tancerze i goście z całego kontynentu podróżowali do miasta w celu ożywionej wymiany kulturalnej. Miejski Teatro San Benedetto stał się znanym punktem orientacyjnym w dużej mierze dzięki wykonywanym tam baletom. Włoskie techniki baletowe pozostały dominującym wpływem w większości południowej i wschodniej Europy, dopóki rosyjskie techniki nie wyparły ich na początku XX wieku.
Przedstawienia baletowe rozprzestrzeniły się na Europę Wschodnią w XVIII wieku, na tereny takie jak Węgry, gdzie odbywały się w prywatnych teatrach w arystokratycznych zamkach. Powstały profesjonalne firmy, które występowały na terenie Węgier, a także koncertowały za granicą. Teatr Narodowy w Budapeszcie coraz częściej pełni rolę domu dla tancerzy.
Niektórzy z czołowych tancerzy tamtych czasów, którzy występowali w całej Europie, to Louis Dupré , Charles Le Picque z Anną Binetti , Gaetano Vestris i Jean-Georges Noverre .
19 wiek
Baletnicą stał się najpopularniejszym wykonawcą taniec w Europie w pierwszej połowie 19 wieku, stopniowo obracając reflektor od tancerzem. W wielu przedstawieniach bohaterów baletu wcielała się kobieta, jak w pantomimie Principal Boy .
Profesjonalizm zespołów baletowych stał się przedmiotem zainteresowania nowej generacji baletmistrzów i tancerzy. Wiedeń był ważnym źródłem wpływowych trenerów baletu. Pierwszym baletmistrzem Węgierskiego Teatru Narodowego i Opery Królewskiej był urodzony w Wiedniu Frigyes Campilli , który przez 40 lat pracował w Budapeszcie .
Wiek XIX był okresem wielkich przemian społecznych, czego odzwierciedleniem w balecie było odejście od arystokratycznej wrażliwości dominującej we wcześniejszych okresach poprzez balet romantyczny . Balerinki, takie jak Geneviève Gosselin , Marie Taglioni i Fanny Elssler, eksperymentowały z nowymi technikami, takimi jak praca z punktami, które nadały balerinie rozgłos jako idealnej postaci scenicznej. Taglioni była znana jako „Chrześcijańska Tancerka”, ponieważ jej wizerunek był jasny i czysty (związany z jej rolą sylfy w La Sylphide). Szkolił ją przede wszystkim ojciec Filipo Taglioni. W 1834 roku Fanny Elssler przybyła do Opery Paryskiej i stała się znana jako „Pogańska Tancerka”, ze względu na ogniste właściwości tańca Cachucha, które uczyniły ją sławną. Zawodowi libreciści zaczęli tworzyć historie w baletach. Nauczyciele tacy jak Carlo Blasis skodyfikowali technikę baletową w podstawowej formie, która jest używana do dziś. Baletowy but z palcami został wynaleziony, aby wspierać pracę pointe.
Ruch romantyczny
Ruch romantyczny w sztuce, literaturze i teatrze był reakcją na formalne ograniczenia i mechanikę industrializacji[22]. Zeitgeist doprowadziły choreografów komponować romantyczne balety, które pojawiły się lekkie, przewiewne i uwolnić że będzie działać jako przeciwieństwie do rozprzestrzeniania redukcjonistycznej nauki przez wielu aspektów życia codziennego, które mieliśmy, w słowach Edgar Allan Poe, „prowadził hamadriady od Las". Te „nierealne” balety przedstawiały kobiety jako kruche, nieziemskie istoty, eteryczne stworzenia, które można było unieść bez wysiłku i które prawie zdawały się unosić w powietrzu. Balerinki zaczęły nosić kostiumy z pastelowymi, falującymi spódnicami odsłaniającymi golenie. Opowieści krążyły wokół niesamowitych, folklorystycznych duchów. Przykładem jednego z takich romantycznych baletów jest La Sylphide , jeden z najstarszych baletów romantycznych wykonywanych do dziś.
Jednym ze szczepów ruchu romantycznego była nowa eksploracja folkloru i tradycyjnej kultury etnicznej. Wpływ ten był widoczny w pojawieniu się europejskiego tańca ludowego i zachodnich przedstawień ludów afrykańskich, azjatyckich i bliskowschodnich na europejskich scenach. W baletach z tego okresu postacie pozaeuropejskie były często tworzone jako złoczyńcy lub jako głupie dywersje, aby pasowały do orientalistycznego, zachodniego rozumienia świata. W 1867 roku w Kijowie powstała Opera Narodowa Ukrainy , teatr sztuk scenicznych z zespołem operowym. W jej skład wchodziła również niewielka trupa tancerzy baletowych, którzy podczas przedstawień operowych wykonywali głównie tańce ludowe. W 1893 r. urósł do trupy wystarczająco dużej, aby wystawiać duże balety. Do wczesnych przedstawień należały tańce ludowe i balety z opowieściami ukraińskimi.
Wielu czołowych europejskich profesjonalnych firm baletowe, które zachowały się do dziś powstało w nowych teatrach w europejskich stolicach podczas średnio- i późno-19 wieku, w tym Ballet Kijów , w Balecie Narodowym węgierski , z Baletu Teatru Narodowego (Praga) i Baletu Vienna State (dawniej Balet Opery Wiedeńskiej ). Teatry te zwykle łączyły pod jednym dachem duże zespoły operowe, teatralne i baletowe. Kompozytorzy, dramaturdzy i choreografowie mogli wówczas tworzyć dzieła, które wykorzystywały możliwość współpracy między tymi zespołami wykonawczymi.
Rosja
Podczas gdy Francja odegrała kluczową rolę we wczesnym balecie, inne kraje i kultury wkrótce przyjęły formę sztuki, w szczególności Rosja. Rosja ma uznaną tradycję baletu, a balet rosyjski przez całą historię miał w jej kraju ogromne znaczenie. Po 1850 roku balet zaczął słabnąć w Paryżu, ale rozkwitł w Danii i Rosji dzięki takim mistrzom jak August Bournonville , Jules Perrot , Arthur Saint-Léon , Enrico Cecchetti i Marius Petipa . Pod koniec XIX wieku modny był orientalizm . Kolonializm przyniósł świadomość kultur azjatyckich i afrykańskich, ale zniekształcony dezinformacją i fantazją. Wschód był często postrzegany jako odległe miejsce, gdzie wszystko jest możliwe, pod warunkiem, że jest wystawne, egzotyczne i dekadenckie. Petipa odwoływał się do popularnego gustu Córką faraona (1862), później Talizmanem (1889) i Bajaderą (1877). Petipa jest najlepiej pamiętany ze współpracy z Czajkowskim . Wykorzystał swoją muzykę do choreografii Dziadka do orzechów (1892, choć jest to otwarta dyskusja historyków), Śpiącej królewny (1890) i definitywnego odrodzenia Jeziora łabędziego (1895, z Lwem Iwanowem ). Wszystkie te prace zostały zaczerpnięte z europejskiego folkloru.
W tym czasie zaczęła pojawiać się klasyczna spódniczka tutu tancerek, jaką uznaje się dzisiaj. Składał się z krótkiej, sztywnej spódnicy wspartej na warstwach krynoliny lub tiulu, które ukazywały akrobatyczną pracę nóg, połączonej z szerokim klinem, który służył zachowaniu skromności.
Argentyna
Zespoły baletowe z Europy rozpoczęły w połowie XIX wieku lukratywne objazdy teatrów w Ameryce Północnej, Środkowej i Południowej. Prestiżowy Teatr Colon w Buenos Aires w Argentynie gościł na swojej scenie zagranicznych artystów baletowych, a zespoły objazdowe z Europy prezentowały pełne balety już w 1867 roku. W latach 80. XIX wieku Teatr Colon miał własną profesjonalną grupę baletową. Upłynęło jednak jeszcze kilkadziesiąt lat, zanim większość krajów poza Europą mogłaby ubiegać się o własne profesjonalne zespoły baletowe.
XX wiek i modernizm
Rosja i balety Rosjanie
Siergiej Diagilew sprowadził balet z powrotem do Paryża, kiedy otworzył swoją firmę Ballets Russes . Składał się z tancerzy z rosyjskiej społeczności emigracyjnej w Paryżu po rewolucji.
Diagilew i kompozytor Igor Strawiński połączyli swoje talenty, aby ożywić rosyjski folklor w Ognistym ptaku i Pietruszce w choreografii Fokine. Kolejne zamówienia choreograficzne Diagilewa trafiły do Niżyńskiego. Jego pierwszym baletem był L'apres-midi d'un Faune (Popołudnie Fauna) do muzyki Debussy'ego. Charakteryzował się dwuwymiarowymi kształtami i brakiem techniki baletowej. Kontrowersje wzbudziło przedstawienie fauna ocierającego się o siebie szalem jednej z dziewcząt w symulowanej masturbacji. Najbardziej kontrowersyjnym dziełem Baletów Rosyjskich było jednak Święto wiosny w choreografii Niżyńskiego z muzyką Strawińskiego. Nowoczesna muzyka baletu, tupanie gołębimi palcami i motyw składania ofiar z ludzi zaszokowały publiczność tak bardzo, że wywołały bunt.
Po „złotym wieku” Petipy Michel Fokine rozpoczął karierę w Petersburgu, ale przeniósł się do Paryża i współpracował z Diagilewem i Baletami Rosyjskimi.
Rosyjski balet rozwijał się pod panowaniem sowieckim. Po rewolucji w kraju pozostało niewiele talentów, ale wystarczyło to, aby zaszczepić nowe pokolenie. Po stagnacji lat 20., w połowie lat 30. na scenie pojawiło się nowe pokolenie tancerzy i choreografów. Techniczną doskonałość i precyzję tańca promowała (i wymagała) Agrippina Vaganova , która uczyła się u Petipy i Cecchettiego i kierowała Akademią Baletu Vaganova , szkołą przygotowującą tancerzy do Baletu Kirowa w Petersburgu/Leningradzie.
Balet był popularny wśród publiczności. Aktywne były zarówno moskiewskie Bolszoj, jak i petersburski (wówczas Leningrad) balet Kirowa. Naciski ideologiczne wymusiły powstanie wielu socrealistycznych utworów, z których większość nie wywarła większego wrażenia na publiczności i została później usunięta z repertuaru obu firm.
Niektóre fragmenty z tamtej epoki były jednak niezwykłe. Romeo i Julia przez Prokofiewa i Lavrovsky jest arcydziełem. The Flames of Paris , podczas gdy pokazuje wszystkie wady socrealistycznej sztuki, pionierem aktywnego korzystania z corps de ballet w wykonywaniu i wymaga oszałamiające wirtuozerii. Wersja baletu z Puszkina wiersz, Fontanna Bachczysaraju z muzyką z Boris Asafjew i choreografii przez Rostislav Zacharow był również hitem.
Wytworem baletu sowieckiego jest również znany balet Kopciuszek , do którego muzykę przygotował Prokofiew. W czasach sowieckich utwory te były w większości nieznane poza Związkiem Radzieckim, a później poza blokiem wschodnim . Jednak po rozpadzie Związku Radzieckiego zyskały większe uznanie.
Wybitnym sukcesem była na przykład północnoamerykańska premiera Fontanny Bakczysaraju w 1999 roku w wykonaniu Kirowa Ballet w Nowym Jorku. Sowiecka epoka baletu rosyjskiego kładła duży nacisk na technikę, wirtuozerię i siłę. Wymagała siły zwykle przekraczającej normy współczesnych tancerzy zachodnich. Oglądając odrestaurowane stare nagrania, można jedynie podziwiać talent ich primabalerinek, takich jak Galina Ułanowa , Natalia Dudinskaja i Maja Plisiecka oraz choreografów, takich jak Piotr Gusiew .
Rosyjskie firmy, szczególnie po II wojnie światowej, odbyły liczne tournée po całym świecie, które ożywiły balet na Zachodzie.
Wieża Dziewicza napisana przez Afrasiyaba Badalbeyli to pierwszy balet na muzułmańskim Wschodzie.
Stany Zjednoczone
Po przeniesieniu Baletów Rosyjskich do Francji balet zaczął mieć szersze wpływy, szczególnie w Stanach Zjednoczonych Ameryki.
Z Paryża, po nieporozumieniach z Diagilewem, Fokine wyjechał do Szwecji, a następnie do USA i zamieszkał w Nowym Jorku. Diagilew uważał, że tradycyjny balet oferuje niewiele więcej niż urodę i atletyczny wygląd. Dla Fokine to nie wystarczyło. Oprócz wirtuozerii technicznej domagał się dramatyzmu, ekspresji i autentyczności historycznej. Choreograf musi zbadać epokę i kontekst kulturowy otoczenia i odrzucić tradycyjną tutu na rzecz dokładnego kostiumu z epoki.
Fokine stworzył choreografię Szeherezady i Kleopatry . Przerobił też Petrouchkę i Ognistego ptaka . Jednym z jego najsłynniejszych dzieł był Umierający łabędź w wykonaniu Anny Pawłowej . Poza talentem baleriny, Pavlova miała talenty teatralne, by spełnić wizję baletu jako dramatu Fokine'a. Legenda głosi, że Pavlova tak bardzo utożsamiała się z rolą łabędzia, że poprosiła o kostium łabędzia z łoża śmierci.
George Balanchine opracował najnowocześniejszą technikę w Ameryce, otwierając szkołę w Nowym Jorku. Zaadaptował balet do nowych mediów, filmu i telewizji. Płodny pracownik Balanchine rechoreografował takie klasyki, jak Jezioro Łabędzie i Śpiąca Królewna, a także tworzył nowe balety. Wyprodukował oryginalne interpretacje dramatów Williama Szekspira, takich jak Romeo i Julia i Sen nocy letniej , a także Wesoła wdowa Franza Léhara .
W 1967 roku Klejnoty Balanchine'a zerwały z tradycją narracyjną i udramatyzowały raczej temat niż fabułę. To skupienie pasuje do sponsorowanych przez państwo źródeł finansowania w Stanach Zjednoczonych, które starały się wspierać „wolność i wolnomyślicielstwo” w przeciwieństwie do tańca opartego na narracji, który był postrzegany jako zbyt ściśle związany z socjalizmem, zwłaszcza sowieckim komunizmem . Dziś, częściowo dzięki Balanchine'owi, balet jest jednym z najlepiej zachowanych tańców na świecie.
Barbara Karińska była rosyjską emigrantką i wykwalifikowaną krawcową, która współpracowała z Balanchine, aby podnieść sztukę projektowania kostiumów z drugorzędnej roli do integralnej części spektaklu baletowego. Wprowadziła skośny krój i uproszczoną klasyczną spódniczkę tutu, która pozwalała tancerce na większą swobodę ruchów. Z drobiazgową dbałością o szczegóły ozdobiła swój tutus koralikami, haftem, szydełkiem i aplikacją.
Balet neoklasyczny
George Balanchine jest często uważany za pierwszego pioniera tego, co jest obecnie znane jako balet neoklasyczny , styl tańca pomiędzy baletem klasycznym a współczesnym baletem współczesnym. Tim Scholl, autor From Petipa to Balanchine , uważa Apollo Balanchine'a (1928) za pierwszy balet neoklasyczny. Reprezentował powrót do formy w odpowiedzi na abstrakcyjne balety Siergieja Diagilewa . Apollo i inne utwory są wykonywane do dziś, głównie przez New York City Ballet . Jednak inne firmy są w stanie uiścić opłatę za prawa do wykonania utworów George'a Balanchine'a.
Frederick Ashton to kolejny wybitny choreograf związany ze stylem neoklasycznym. Trzy jego prace stały się standardowymi dziełami w międzynarodowym repertuarze: Sylvia (1952), Romeo i Julia (1956) oraz Ondine (1958), z których ostatnia została stworzona jako wehikuł do prezentacji Margot Fonteyn .
Współczesny
Jednym z tancerzy, który trenował z Balanchine i wchłonął wiele z tego neoklasycznego stylu, był Michaił Barysznikow . Po nominacji Barysznikowa na dyrektora artystycznego American Ballet Theatre w 1980, współpracował z różnymi współczesnymi choreografami, przede wszystkim z Twylą Tharp . Tharp przygotował choreografię „ Push Comes To Shove” dla ABT i Barysznikowa w 1976 roku; w 1986 roku stworzyła dla własnej firmy In The Upper Room . Oba te utwory zostały uznane za nowatorskie ze względu na użycie wyraźnie nowoczesnych ruchów połączonych z użyciem pointe i klasycznie wyszkolonych tancerzy – za wykorzystanie współczesnego baletu.
Tharp współpracował również z firmą Joffrey Ballet , założoną w 1957 roku przez Roberta Joffreya . W 1973 stworzyła dla nich choreografię do Deuce Coupe , wykorzystując muzykę pop oraz mieszankę nowoczesnych i baletowych technik. Joffrey Ballet kontynuował wykonywanie wielu współczesnych utworów, z których wiele choreografował współzałożyciel Gerald Arpino .
Obecnie istnieje wiele współczesnych zespołów baletowych i choreografów. Należą do nich Balet Madrycki ; Królewski Balet Flandrii ; Alonzo King i jego zespół Alonzo King LINES Ballet ; Nacho Duato i Compañia Nacional de Danza ; William Forsythe, który intensywnie współpracował z Frankfurt Ballet, a dziś prowadzi The Forsythe Company ; oraz Jiří Kylián , wcześniej dyrektor artystyczny Nederlands Dans Theater . Tradycyjnie „klasyczne” zespoły, takie jak Balet Kirowa i Balet Opery Paryskiej , również regularnie wykonują dzieła współczesne.
Rozwój metody baletowej
Kilka znanych metod baletowych nosi imię ich twórców. Na przykład dwa dominujące systemy z Rosji znane są jako metoda Vaganova po Agrypinie Vaganova i metoda Legata po Nikołaju Legacie . Metoda Cecchetti została wynaleziona przez włoskiego tancerza Enrico Cecchetti (1850–1928), a metoda Bournonville, wynaleziona przez Augusta Bournonville (1805–1879), jest stosowana głównie w duńskim kraju Bournonville.
Zobacz też
Bibliografia
Dalsza lektura
- Anderson, Jack (1992). Balet i taniec nowoczesny: zwięzła historia (2nd ed.). Princeton, NJ: Princeton Book Company, Publishers. Numer ISBN 0-87127-172-9.
- Andrzeju, Pawle; Arkadyev, V. (1999) Wielka historia rosyjskiego baletu: jego sztuka i choreografia (1999).
- Mdły Aleksander (1976). Historia baletu i tańca w świecie zachodnim . Nowy Jork: Praeger Publishers. Numer ISBN 0-275-53740-4.
- Caddy, Davinia. (2012). The Ballets Russes and Beyond: Music and Dance w Belle-Epoque Paris. Cambridge: Wydawnictwo Uniwersytetu Cambridge.
- Cohen, Selma Jeanne, redaktor założyciel (1998). Międzynarodowa Encyklopedia Tańca . Nowy Jork: Oxford University Press.
- Krzyż, Samuel H. (1944) „Rosyjski balet przed Dyagilewem”. Przegląd słowiański i wschodnioeuropejski. Amerykańska seria 3,4 (1944): 19-49. w JSTOR
- Ezrahi, Krystyna. (2012) Łabędzie Kremla: Balet i władza w Rosji Sowieckiej (University of Pittsburgh Press); bada prężność twórczości artystycznej w historii baletów Bolszoj i Marinsky/Kirov
- Franko, Marek (1993). Taniec jako tekst: Ideologie barokowego ciała . Cambridge: Wydawnictwo Uniwersytetu Cambridge.
- Homans, Jennifer, (2010). Anioły Apolla: historia baletu . Nowy Jork: Losowy dom.
- Johnsona, Alfreda Edwina. (1913) Balet Rosyjski (Houghton Mifflin) online
- Kassing, Gayle. (2007). Historia tańca: podejście do sztuki interaktywnej . Champaign, IL: Kinetyka człowieka.
- Lee, Carol (2002). Balet w kulturze zachodniej: historia jego początków i ewolucji . Nowy Jork: Routledge. Numer ISBN 0-415-94256-X.
- Lifar, Serge. (1954). Historia baletu rosyjskiego od jego początków do współczesności (Hutchinson)
- McGowan, Margaret M. (1978). L'art du ballet de cour en France, 1581-1643 . Paryż: Centre National de la Recherche Scientifique.
- Właściwy, Walter Archibald. (1972) Balet Rosyjski w Europie Zachodniej, 1909-1920. B. Bloma
- Roslavleva, Natalia. (1966). Era Baletu Rosyjskiego, Nowy Jork: EP Dutton & Co., Inc.
- Sadie, Stanley, wyd. (1992). Nowy słownik operowy Grove (4 tomy). Londyn: Macmillan. Numer ISBN 978-1-56159-228-9.
- Surit͡s, E.I͡A i E.I︠A︡Surit︠s︡. (1990) Choreografowie radzieccy w latach 20. (Duke Univ Press, 1990).
- Wiley, Roland John. (1990) Stulecie rosyjskiego baletu: dokumenty i relacje, 1810-1910 (Oxford University Press)