Historia projektowania mody - History of fashion design

Historia projektowania mody odnosi się w szczególności do rozwoju celu i intencji odzieży, butów i akcesoriów oraz ich projektowania i konstrukcji. Nowoczesny przemysł, oparty na firmach lub domach mody prowadzonych przez indywidualnych projektantów, rozpoczął się w XIX wieku wraz z Charlesem Frederickiem Worthem, który od 1858 roku był pierwszym projektantem, którego metka została wszyta w tworzone przez siebie ubrania.

Moda zaczęła się, gdy ludzie zaczęli nosić ubrania. Te ubrania były zazwyczaj wykonane z roślin, skór zwierzęcych i kości. Przed połową XIX wieku podział na haute couture i ready-to-wear nie istniał. Jednak najbardziej podstawowe elementy garderoby damskiej były szyte na miarę przez krawcowe i szwaczki zajmujące się bezpośrednio klientką. Najczęściej ubrania były wzorzyste, szyte i szyte w gospodarstwie domowym. Kiedy pojawiły się witryny sklepowe sprzedające odzież gotową do noszenia, ta potrzeba została usunięta z domowego obciążenia pracą.

Wzrastało wzornictwo tych ubrań w oparciu o nadruki, zwłaszcza z Paryża, które krążyły po Europie i były niecierpliwie wyczekiwane na prowincjach. Szwaczki interpretowałyby te wzory najlepiej jak potrafią. Początkiem projektów były stroje wymyślane przez najmodniejsze postacie, zazwyczaj dworskie, wraz z ich szwaczkami i krawcami. Chociaż istniała dystrybucja ubranych lalek z Francji od XVI wieku, a Abraham Bosse produkował ryciny mody w latach 20. XVII wieku, tempo zmian nabrało w latach 80. XVIII wieku wraz ze wzrostem publikacji francuskich rycin ilustrujących najnowsze paryskie style, a następnie mody czasopisma takie jak Cabinet des Modes . Do 1800 roku wszyscy zachodni Europejczycy ubierali się tak samo (lub myśleli, że tak); lokalne odmiany stały się najpierw znakiem kultury prowincjonalnej, a później odznaką konserwatywnego chłopa.

Na początku XX wieku magazyny modowe i, dzięki wklęsłodrukowi , gazety, zaczęły zamieszczać zdjęcia i stały się jeszcze bardziej wpływowe. Na całym świecie magazyny te były bardzo poszukiwane i miały głęboki wpływ na gusta społeczeństwa. Utalentowanych ilustratorów - wśród nich Paweł Iribe , Georges Lepape , Erte i George Barbier - zwrócił atrakcyjne tablice moda na te publikacje, które obejmowały najnowszych osiągnięć w modzie i urodzie. Być może najsłynniejszym z tych magazynów był La Gazette du Bon Ton, założony w 1912 roku przez Luciena Vogela i regularnie publikowany do 1925 roku.

Przed 1900: początki couture

Na początku XVIII wieku pierwsi projektanci mody wyszli na czoło jako liderzy mody. W latach 20. XVIII wieku krawcowa królowa Françoise Leclerc stała się rozchwytywana przez kobiety francuskiej arystokracji, a w połowie wieku Marie Madeleine Duchapt , Mademoiselle Alexandre i Le Sieur Beaulard zyskały uznanie w całym kraju i poszerzyły bazę klientów z francuskiej arystokracji do obcej arystokracji. Jednak Rose Bertin jest powszechnie uważana za pierwszą światowej sławy projektantkę mody.

Rose Bertin (2 lipca 1747 – 22 września 1813), zwana „Minister Mody”, była krawcową Marii Antoniny, królowej Francji w latach 1770-1793. Bertin otworzył sklep w Paryżu i miał znaczny wpływ na paryski stylu, aż do czasu, gdy rewolucja francuska zmusiła ją do emigracji do Londynu.

Obcy na francuskim dworze, Marie Antoinette, polegała na skrupulatnych projektach Bertina, aby pomóc jej „zwalczyć wrogów ze stylem”. Unikalne upodobania Marie Antoinette, takie jak męskie bryczesy do jazdy konnej lub proste sukienki z muślinu, kontrastowały z wyszukanymi sukniami, gdy królowa próbowała stworzyć osobowość, która pozwoliłaby obywatelom Francji połączyć się z nią i jej stylem życia. Chociaż próby Marii Antoniny w dużej mierze zakończyły się niepowodzeniem, sposób, w jaki Bertin pomógł królowej wyrazić siebie poprzez modę, był przełomowy i stał się precedensem dla kolejnych monarchów i ich projektantów, takich jak Louis Hippolyte Leroy . A na początku XIX wieku projektanci, tacy jak Ann Margaret Lanchester i Mary Ann Bell , rozszerzali swoją działalność i publikowali własne projekty w magazynach modowych. W pierwszej połowie XIX wieku modni paryscy projektanci, tacy jak Madame Vignon , Madame Victorine i Madame Palmyre , zwykle nie projektowali samodzielnie produktu, który klienci mogli wybrać, ale tworzyli go we współpracy z ich życzeniami. , aby stworzyć coś wyjątkowego.

Mieszkający w Paryżu Anglik Charles Frederick Worth (1825 - 1905) jest uważany za pierwszego projektanta we współczesnym tego słowa znaczeniu, z dużą firmą zatrudniającą wielu anonimowych krawców i szwaczek. Były sukiennik, Worth odniósł taki sukces, że był w stanie dyktować, co klienci powinni nosić. Wprowadzony na światło dzienne jako główny projektant cesarzowej Eugenii , Worth wykorzystał swoje królewskie koneksje, aby zdobyć uznanie i klientów. Proklamacja Napoleona III z 1 lutego 1853 r., że żaden z gości nie będzie przyjmowany na jego dwór bez formalnego stroju, spowodowała, że ​​popularność sukni w stylu Worth stała się przytłaczająca. Bogato zdobione i wykonane z najlepszych materiałów, suknie Worth są dobrze znane ze swoich krynolin (metalowych konstrukcji przypominających klatkę, które utrzymywały suknię w stylowym kształcie).

Przez pierwsze dziesięciolecia XX wieku w Paryżu i, w mniejszym stopniu, w Londynie narodziła się moda. Magazyny modowe z innych krajów wysyłały redaktorów na paryskie pokazy mody. Domy towarowe wysyłały również kupujących na paryskie pokazy, gdzie kupowali ubrania do kopiowania (i otwarcie kradli linie stylów i detale wykończenia innych). Zarówno salony szyte na miarę, jak i działy ready-to-wear prezentowały najnowsze paryskie trendy, dostosowane do założeń sklepów dotyczących stylu życia i kieszonkowych książek ich docelowych osób.

1900

Stroje noszone przez modne kobiety w okresie Belle Époque (1871-1914) były uderzająco podobne do tych noszonych w czasach rozkwitu pioniera mody Charlesa Wortha. Pod koniec XIX wieku horyzonty branży modowej poszerzyły się ze względu na bardziej stabilny i niezależny styl życia zamożnych kobiet oraz praktyczne ubrania, których wymagały. Jednak moda Belle Époque nadal zachowywała wyszukany, tapicerowany styl XIX wieku. Zmiana mody była nie do pomyślenia, więc stosowanie różnych wykończeń było jedynym wyróżnikiem odzieży z sezonu na sezon.

Rzucające się w oczy marnotrawstwo i rzucająca się w oczy konsumpcja określały modę tej dekady, a stroje ówczesnych projektantów były ekstrawaganckie, ozdobne i starannie wykonane. Zaokrąglona sylwetka S-Bend dominowała w modzie aż do około 1908 roku. Gorset S-Bend wysuwał klatkę piersiową do przodu w jedno biust, a za pomocą wyściółki rozsądnie umieszczał wykończenia w odzieży, a zwłaszcza postawa całkowicie niezależna od gorsetu, stworzyła iluzję sylwetki „S”. Pod koniec dekady Paul Poiret wprowadził projekty, które nie zawierały halki ani gorsetu, wyjmując kształt litery S z mody. To była duża zmiana, ponieważ talię kobiet kształtowały gorsety od renesansu.

Maison Redfern , założona przez angielskiego krawca Jana Redfern (1820-1895), pierwszy dom mody zaoferować kobiet sportowej i garnitury na podstawie ich koledzy, a jego praktyczne i trzeźwo eleganckie ubrania szybko stał się niezbędny do szafy dobrze -ubrane kobiety.

1910

We wczesnych latach 1910 modna sylwetka stała się znacznie bardziej gibka, płynna i bardziej miękka niż w XIX wieku. Kiedy w 1910 roku balety rosyjskie wykonały w Paryżu Szeherezadę , nastał szał na orientalizm . Projektant Paul Poiret był jednym z pierwszych projektantów, którzy przełożyli to na świat mody. Klientki Poireta od razu przemieniły się w dziewczyny z haremu w powiewnych pantalonach, turbanach i żywych kolorach oraz gejsze w egzotycznych kimonach . Poiret wymyślił także pierwszy strój, który kobiety mogły założyć bez pomocy pokojówki.

W tym czasie zaczął się pojawiać ruch Art Deco, a jego wpływ był widoczny w projektach wielu projektantów tego czasu. Proste filcowe kapelusze, turbany i chmury tiulu zastąpiły popularne w XIX wieku style nakryć głowy. Warto również zauważyć, że w tym okresie pierwsze prawdziwe pokazy mody zorganizowała Jeanne Paquin , jedna z pierwszych projektantek, która jako pierwsza paryska projektantka otworzyła zagraniczne filie w Londynie, Buenos Aires i Madrycie.

Dwóch najbardziej wpływowych projektantów mody tamtych czasów to Jacques Doucet i Mariano Fortuny . Doucet wyróżniał się nakładaniem warstw pastelowych kolorów, a jego wyszukane, pajęczynowe suknie sugerowały impresjonistyczne migotanie odbitego światła. Jego wybitni klienci nigdy nie tracili gustu do płynnych linii i cienkich, przezroczystych materiałów. Mimo imperatywów, które niewiele pozostawiały wyobraźni projektanta mody, Doucet był jednak projektantem o ogromnym guście i dyskryminacji, której wielu próbowało od tamtej pory, ale rzadko z takim sukcesem, jak Doucet.

Pochodzący z Wenecji projektant Mariano Fortuny y Madrazo był ciekawą postacią, z bardzo nielicznymi podobieństwami w każdym wieku. Dla swoich projektów sukni wymyślił specjalny proces plisowania i nowe techniki barwienia. Nadał imię Delphos swoim długim, obcisłym sukienkom z płaszcza, które falowały kolorami. Każda część garderoby została wykonana z jednego kawałka najdelikatniejszego jedwabiu, którego niepowtarzalny kolor uzyskano dzięki wielokrotnemu zanurzeniu w barwnikach, których odcienie sugerowały światło księżyca lub wodniste refleksy weneckiej laguny. Słoma bretońska, koszenila meksykańska i indygo z Dalekiego Wschodu były jednymi ze składników używanych przez Fortuny. Wśród jego wielu wielbicieli byli Eleonora Duse , Isadora Duncan , Cléo de Mérode , Marchesa Casati , Émilienne d'Alençon i Liane de Pougy .

Zmiany ubioru podczas I wojny światowej podyktowane były bardziej koniecznością niż modą. Ponieważ coraz więcej kobiet było zmuszanych do pracy, domagało się ubrań lepiej dostosowanych do ich nowych zajęć. Wydarzenia społeczne trzeba było odłożyć na później na rzecz pilniejszej pracy i konieczności opłakiwania coraz większej liczby zabitych, wizyt rannych, a powaga czasu sprawiła, że ​​ciemniejsze kolory stały się normą. Pojawił się nowy monochromatyczny wygląd, nieznany młodym kobietom w komfortowych warunkach. W 1915 modne spódnice podniosły się powyżej kostki, a w 1920 do połowy łydki.

Złoty wiek francuskiej mody

Okres między dwiema wojnami światowymi, często uważany za złoty wiek francuskiej mody, był okresem wielkich zmian i reform. Haute couture znalazło nowych klientów w szeregach aktorek filmowych , amerykańskich spadkobierców oraz żon i córek bogatych przemysłowców.

1920

Po I wojnie światowej w modzie nastąpiła radykalna zmiana. Bufiaste fryzury ustąpiły miejsca krótkim bobom , sukienki z długimi trenami ustąpiły miejsca fartuchom za kolano. Zrezygnowano z gorsetów, a kobiety pożyczyły ubrania z męskiej garderoby i ubierały się jak chłopcy. Chociaż początkowo wielu projektantów mody było niechętnych do przyjęcia nowego androgynicznego stylu, przyjęli go całym sercem od około 1925 roku. Pojawiła się sylwetka bez biustu, bez talii, a agresywne ubieranie się zostało złagodzone przez boa z piór, hafty i efektowne dodatki. Styl klapy (znany Francuzom jako wygląd „garçonne”) stał się bardzo popularny wśród młodych kobiet. Klosz kapelusz był powszechnie noszone i sportowej stał się popularny zarówno u mężczyzn jak i kobiet, z projektantów jak Jean Patou i Coco Chanel popularyzujących sportowy i atletyczny wygląd.

Wspaniała couturière Coco Chanel była wówczas ważną postacią w modzie, znaną zarówno ze swojej magnetycznej osobowości, jak i szykownych i progresywnych projektów. Chanel pomogła spopularyzować fryzurę typu bob, małą czarną sukienkę i użycie dzianiny dżersejowej do odzieży damskiej; podniosła także status biżuterii kostiumowej i dzianin.

Dwóch innych wybitnych francuskich projektantów lat dwudziestych XX wieku to Jeanne Lanvin i Jean Patou . Jeanne Lanvin, która zaczynała karierę jako modystka, szyła dla swojej młodej córki Marguerite tak piękne kreacje, że ludzie zaczęli prosić o kopie. Nazwisko Lanvin pojawia się w roczniku mody z około 1901 roku, jednak to w latach dwudziestych osiągnęła szczyt swoich sukcesów. Styl Lanvin odzwierciedlał styl tamtych czasów, z umiejętnym wykorzystaniem skomplikowanych wykończeń, olśniewających haftów i dekoracji z koralików w jasnych, czystych, kwiatowych kolorach, które ostatecznie stały się znakiem rozpoznawczym Lanvin. Do 1925 Lanvin wyprodukował wiele różnych produktów, w tym odzież sportową, futra, bieliznę, modę męską i projekty wnętrz. Jej globalne podejście do mody zapowiadało schematy, które wszystkie duże współczesne domy mody przyjęły później w swoich staraniach o dywersyfikację.

Styl Jeana Patou nigdy nie był mainstreamowy, ale pełen oryginalności i charakteryzujący się wystudiowaną prostotą, która miała mu przysłużyć się zwłaszcza na rynkach amerykańskich. Wiele z jego ubrań, z ich czystymi liniami, geometrycznymi i kubistycznymi motywami oraz mieszanką luksusu i praktyczności, zostało zaprojektowanych, aby zaspokoić nową modę na życie na świeżym powietrzu i nosiło niezwykłe podobieństwo do nowoczesnej odzieży sportowej. Najbardziej znanym orędownikiem jego stylu była Suzanne Lenglen , legendarna mistrzyni tenisa.

W odzieży męskiej narastał nastrój nieformalności, zwłaszcza wśród Amerykanów, co znalazło odzwierciedlenie w modach podkreślających młodość i relaks. Dawniej w czasach dobrze ubranego dżentelmena na każde wydarzenie istniał specjalny strój, ale młodzi mężczyźni w latach dwudziestych, nie bojąc się już pokazywać swojej młodości, zaczęli nosić przez cały dzień ten sam garnitur z miękkiej wełny. Krótkie marynarki zastąpiły stare, długie marynarki z przeszłości, które były noszone tylko na oficjalne okazje. Mężczyźni mieli do dyspozycji różnorodne stroje sportowe, w tym swetry i krótkie spodenki, potocznie zwane figami. Na wieczór bardziej modny był krótki smoking niż frak, który był teraz postrzegany jako nieco staromodny. Dużą popularnością cieszył się londyński krój o smukłych liniach, luźnych rękawach i wyściełanych ramionach, dopracowany do perfekcji przez angielskiego krawca Scholte.

Wzory Fair Isle stały się bardzo popularne wśród obu płci. Obcasy w tamtych czasach często miały ponad dwa cale wysokości i pomogły spopularyzować dwukolorowy but. Salvatore Ferragamo i André Perugia byli dwoma najbardziej wpływowymi i szanowanymi projektantami obuwia. Wiele gwiazd kina niemego miało znaczący wpływ na modę w latach dwudziestych, w tym Louise Brooks , Gloria Swanson i Colleen Moore . Beztroska, wybiegająca w przyszłość moda lat dwudziestych stopniowo ustała po krachu na Wall Street w 1929 roku i uległa bardziej konserwatywnemu stylowi. Chociaż wygląd klapy utrzymywał się do 1930 roku, szybko zniknął później, chociaż kapelusze w kształcie dzwonu przetrwały do ​​1933 roku.

Lata 30. XX wieku

W latach 30. XX wieku, gdy opinia publiczna zaczęła odczuwać skutki Wielkiego Kryzysu , wielu projektantów stwierdziło, że kryzysy nie są czasem na eksperymenty. Moda stała się bardziej kompromisowa, dążąc do zachowania zwycięstw feminizmu , jednocześnie odkrywając na nowo subtelną i uspokajającą elegancję i wyrafinowanie. Ogólnie rzecz biorąc, odzież z lat 30. XX wieku była ponura i skromna, odzwierciedlając trudną sytuację społeczno-gospodarczą dekady. Moda kobieca odeszła od zuchwałego, odważnego stylu lat 20. w kierunku bardziej romantycznej, kobiecej sylwetki. Przywrócono talię, rąbki obniżono prawie do kostek, ponownie doceniono biust, a suknie wieczorowe bez pleców i miękkie, obcisłe sukienki dzienne stały się popularne. Kobiece ciało zostało przemodelowane na bardziej neoklasyczny kształt, a smukłe, stonowane i wysportowane ciała stały się modne. Moda na zajęcia na świeżym powietrzu skłoniła projektantów mody do produkcji tego, co dziś określa się mianem „odzieży sportowej”. Termin „ready-to-wear” nie był jeszcze powszechnie używany, ale butiki opisywały takie ubrania jako „sportowe”. W miejsce strzyżonej fryzury z klapą, standardową fryzurą kobiecą z lat 30. była skromna, krótka trwała.

Dwóch z najbardziej znanych i wpływowych projektantów mody lat 30. XX wieku to Elsa Schiaparelli i Madeleine Vionnet . Elsa Schiaparelli pokazała swoją pierwszą kolekcję w 1929 roku i została natychmiast okrzyknięta przez prasę „jedną z nielicznych innowatorów” tamtych czasów. Swoimi ekscytującymi i pomysłowymi projektami Schiaparelli nie tyle zrewolucjonizowała modę, ile zburzyła jej fundamenty. Pierwszy sweter, który pokazała w swoich oknach, wywołał sensację: był zrobiony na drutach w kolorze czarnym z białą kokardką w stylu trompe-l'oeil . Schiaparelli był bliskim przyjacielem Christiana Bérarda , Jeana Cocteau i Salvadora Dalí , który projektował dla niej motywy haftu i dostarczał inspiracji dla modeli, takich jak garnitur na biurko z szufladami na kieszenie, kapelusz w kształcie buta, jedwabne sukienki pomalowane w muchy lub homary . Cała Paryż tłoczyła się w jej salonie przy 21 Place Vendôme, gdy kolekcja przeszła w ślady kolekcji.

Madeleine Vionnet znalazła inspirację w starożytnych posągach, tworząc ponadczasowe i piękne suknie, które nie będą wyglądać nie na miejscu na greckim fryzie. Królowa ukośnego kroju (przecinającego skośnie wzdłuż nitek tkaniny) stworzyła suknie wieczorowe dopasowane do ciała bez nadmiernego opiekuńczości i ukrycia, stosując płynną i elegancką linię. Jej perfekcyjne drapowanie z szyfonu, jedwabiu i marokańskiej krepy stworzyło cudownie wytworny i zmysłowy efekt. Niezrównany sukces cięć Vionnet gwarantował jej reputację aż do emerytury w 1939 roku.

Mainbocher , pierwszy amerykański projektant, który mieszkał i pracował w Paryżu, był również wpływowy, ze swoimi prostymi, ale niezwykle eleganckimi projektami, często wykorzystującymi skośny krój, którego pionierem był Vionnet. Producent dóbr luksusowych Hermès zaczął sprzedawać ręcznie drukowane jedwabne szale kwadratowe na początku lat 30. XX wieku, popularyzując zamek błyskawiczny i wiele innych praktycznych innowacji. Pod koniec dekady moda damska przybrała nieco bardziej imponującą sylwetkę z szerokimi ramionami, prawdopodobnie pod wpływem Elsy Schiaparelli. Moda męska kontynuowała nieformalny, praktyczny trend, który dominował od końca I wojny światowej.

połowa XX wieku

Po II wojnie światowej reputacja Paryża jako światowego centrum mody zaczęła się rozpadać. W latach 50. pojawił się nowy styl młodzieżowy, zmieniając punkt ciężkości w modzie. Na Zachodzie zakwestionowano tradycyjny podział między społeczeństwem wyższym a klasą robotniczą. W szczególności nowe młode pokolenie chciało czerpać korzyści z rozkwitającego społeczeństwa konsumpcyjnego. Przywilej był mniej dobitnie reklamowany niż w przeszłości, a różnice były bardziej maskowane. Gdy starożytne europejskie hierarchie zostały obalone, zewnętrzne oznaki wyróżnienia zanikły. Zanim pierwsze rakiety zostały wystrzelone w kosmos, Europa była więcej niż gotowa do przyjęcia wysokiej jakości odzieży gotowej do noszenia na wzór amerykańskich – czegoś, co miałoby zająć pośrednią pozycję między szykownością a couture. Potrzeba ta była tym bardziej paląca, że ​​wzrost kosztów ogólnych i surowców zaczął spychać ręcznie robioną modę na margines. Tymczasem szybko rozwijające się nowe technologie sprawiły, że coraz łatwiej jest wytwarzać coraz lepszy produkt o wysokiej jakości.

W obliczu zagrożenia ze strony produktu wytwarzanego fabrycznie, opartego na modzie, paryska moda couture wzniosła swoją obronę, ale z niewielkim skutkiem. Podczas gdy stary świat chylił się ku upadkowi, zmiany w modzie były jednym z najbardziej widocznych przejawów ogólnego wstrząsu społecznego. Niedługo klasy kobiet, które dotychczas ograniczały się do gorszych substytutów haute couture, zyskałyby znacznie większą swobodę wyboru. Dysponując znacznie większymi ilościami, cykle produkcyjne były dłuższe niż te w warsztatach couture, co oznaczało, że styliści planujący swoje linie do dwuletnich kolekcji musieli starać się odgadnąć z ponad rocznym wyprzedzeniem, czego życzą sobie ich klienci. Przejęła nowa władza – ulica, stanowiąca kolejne zagrożenie dla dyktatury mody.

1940

Wiele domów mody zostało zamkniętych podczas okupacji Paryża podczas II wojny światowej , w tym Maison Vionnet i Maison Chanel. Kilku projektantów, w tym Mainbocher, na stałe przeniosło się do Nowego Jorku . W ogromnym programie reedukacji moralnej i intelektualnej podjętej przez państwo francuskie nie oszczędzono couture. W przeciwieństwie do stylowej, wyzwolonej Parisienne, reżim Vichy promował model żony i matki – silnej, wysportowanej młodej kobiety – postaci o wiele bardziej spójnej z politycznym programem nowego reżimu. Tymczasem Niemcy przejmowały w posiadanie ponad połowę tego, co produkowała Francja , w tym modę, i rozważały przeniesienie francuskiego haute couture do Berlina i Wiednia . Zajęto archiwa Chambre Syndicale de la Couture, w tym przede wszystkim listę klientów. Celem tego wszystkiego było rozbicie monopolu, który rzekomo zagrażał dominacji III Rzeszy .

Ze względu na trudne czasy rąbki pełzały w górę zarówno w strojach wieczorowych, jak i dziennych, które w miarę możliwości były wykonane z materiałów zastępczych. Od 1940 r. tkanina była potrzebna dla personelu wojskowego; dla wszystkich innych było to racjonowane, z przydziałem nie większym niż cztery metry (trzynaście stóp) materiału na płaszcz i nieco ponad metr (trzy stopy) na bluzę. Żaden pas nie może mieć więcej niż 3 centymetry (półtora cala) szerokości. Wszyscy, od gospodyń domowych po projektantów, byli zmuszeni do ponownego wykorzystania starych tkanin lub tworzenia nowych stylów ze starych ubrań. Haute couture robiło co w jego mocy, aby utrzymać powiewającą flagę. Humor i frywolność stały się gwiazdorską formą przeciwstawiania się okupantom, a moda przetrwała. Chociaż niektórzy twierdzą, że przyczyną przetrwania był patronat żon bogatych nazistów, z akt wynika, że ​​poza zwykłymi bogatymi paryżankami była to eklektyczna mieszanka żon zagranicznych ambasadorów, klientów z czarnego rynku, i wielu innych bywalców salonów (wśród których Niemki stanowiły tylko mniejszość), które trzymały otwarte drzwi w domach mody, takich jak Jacques Fath , Maggy Rouff , Marcel Rochas, Jeanne Lafaurie, Nina Ricci i Madeleine Vramant .

Fryzury po trwałej pozostawały standardem, chociaż w latach 40. przekształciło się to w falowanie wzdłuż dolnej części linii włosów.

Podczas okupacji jedynym prawdziwym sposobem, w jaki kobieta mogła obnosić się ze swoją ekstrawagancją lub dodać koloru do szarego stroju, było noszenie kapelusza. W tym okresie kapelusze często wykonywano ze skrawków materiału, który w przeciwnym razie zostałby wyrzucony, w tym z kawałków papieru i wiórów drzewnych. Do najbardziej innowacyjnych modystek tamtych czasów należały Pauline Adam, Simone Naudet, Rose Valois i Le Monnier.

Odizolowana sytuacja Paryża w latach 40. umożliwiła Amerykanom pełne wykorzystanie pomysłowości i kreatywności własnych projektantów. W czasie II wojny światowej Vera Maxwell prezentowała stroje składające się z prostych, prosto wyciętych koordynatów oraz wprowadzała innowacje do męskiej odzieży roboczej. Bonnie Cashin przekształciła buty w ważny dodatek modowy, aw 1944 roku rozpoczęła produkcję oryginalnej i pomysłowej odzieży sportowej. Claire McCardell , Anne Klein i Cashin utworzyły niezwykłe trio kobiet, które położyły podwaliny amerykańskiej odzieży sportowej , zapewniając, że odzież gotowa nie była uważana za drugorzędną, ale za elegancki i wygodny sposób ubierania się nowoczesnych kobiet.

W latach wojny strój zoot (a we Francji kostium zazou ) stał się popularny wśród młodych mężczyzn.

Wiele ówczesnych aktorek, w tym Rita Hayworth , Katharine Hepburn i Marlene Dietrich , miało znaczący wpływ na popularną modę.

Couturier Christian Dior stworzył swoją pierwszą kolekcję w lutym 1947 roku, tworząc przypływową falę. Kolekcja zawierała sukienki z zaakcentowanymi biustami, wąską (lub „osy”) talię i ekstrawagancko obszerne spódnice, podkreślające kobiecą figurę klepsydry w sposób bardzo podobny do styl Belle Epoque. Bogate wykorzystanie tkanin i kobieca elegancja projektów przemówiły do ​​powojennej klienteli i zapewniły błyskawiczny wzrost sławy Diora. Czyste wyrafinowanie stylu skłoniło wszechmocną redaktorkę amerykańskiego Harper's Bazaar , Carmel Snow , do wykrzyknięcia „To jest nowy wygląd!”.

1950

Latająca w obliczu ciągłości, wsparcia i logiki oraz erudycyjnych przepowiedni socjologicznych, moda lat 50., daleka od bycia rewolucyjną i postępową, wykorzystywana bardziej z poprzedniej dekady. Całe społeczeństwo, które w latach dwudziestych i trzydziestych bardzo wierzyło w postęp, było teraz znacznie bardziej ostrożne. Pomimo tego, że kobiety miały prawo do głosowania, pracy i kierowania własnymi samochodami, wybierały sukienki z bogatych materiałów, z gorsetową talią i wirującymi spódnicami do połowy łydki. Gdy moda spojrzała w przeszłość, haute couture przeżyło coś w rodzaju odrodzenia i zrodziło niezliczoną liczbę gwiazdorskich projektantów, którzy ogromnie skorzystali na szybkim rozwoju mediów.

Przez całe lata pięćdziesiąte, choć miało to być po raz ostatni, kobiety na całym świecie nadal poddawały się trendom paryskiego haute couture. Trzech najwybitniejszych paryskich projektantów w tamtych czasach to Cristóbal Balenciaga , Hubert de Givenchy i Pierre Balmain . Oszczędny książę luksusu Cristóbal Balenciaga Esagri zadebiutował w modzie pod koniec lat 30. XX wieku. Jednak pełna skala pomysłowości tego niezwykle oryginalnego projektanta stała się widoczna dopiero w latach powojennych. W 1951 całkowicie zmienił sylwetkę, poszerzając ramiona i usuwając talię. W 1955 zaprojektował sukienkę tunikową, która później przekształciła się w sukienkę halkową w 1957. W końcu, w 1959, kulminacją jego pracy była linia Empire, z sukienkami z wysokim stanem i płaszczami skrojonymi na wzór kimona. Jego mistrzostwo w projektowaniu i tworzeniu tkanin przeczyło wierze. Balenciaga jest również znany jako jeden z nielicznych projektantów mody w historii mody, który mógł własnymi rękami projektować, ciąć i szyć modele, które symbolizowały szczyt jego kunsztu.

Hubert de Givenchy otworzył swój pierwszy dom mody w 1952 roku i wywołał sensację swoimi osobnymi elementami, które można było dowolnie mieszać i dopasowywać. Najbardziej znana była jego bluzka Bettina wykonana z koszuli, której nazwa pochodzi od jego top modelki. Wkrótce butiki zostały otwarte w Rzymie, Zurychu i Buenos Aires. Człowiek o ogromnym guście i rozróżnieniu, być może bardziej niż jakikolwiek inny projektant tamtego okresu, był integralną częścią świata, którego dyskretną elegancję pomógł zdefiniować.

Pierre Balmain otworzył własny salon w 1945 roku. To w serii kolekcji o nazwie „Jolie Madame” odniósł największy sukces, począwszy od 1952 roku. Wizja elegancko ubranej kobiety Balmaina była szczególnie paryska i charakteryzowała się szytym na miarę glamour „ New Look ”, z obfitym biustem, wąską talią i pełnymi spódnicami, mistrzowskim krojem i pomysłowymi połączeniami materiałów w subtelnych zestawieniach kolorystycznych. Jego wyrafinowana klientela była równie dobrze w domu z luksusową elegancją, prostym krawiectwem i bardziej naturalnym wyglądem. Wraz ze swoją twórczością haute couture, utalentowany biznesmen był pionierem w zakresie gotowej do noszenia linii Florilege, a także wprowadził na rynek wiele bardzo udanych perfum.

Godny uwagi jest również powrót Coco Chanel (która nienawidziła „nowego wyglądu”) do świata mody. Po zamknięciu salonów w latach wojny, w 1954 roku, mając ponad siedemdziesiąt lat, zainscenizowała swój powrót i 5 lutego zaprezentowała kolekcję, która zawierała całą gamę pomysłów, które zostałyby przejęte i skopiowane przez kobiety na całym świecie: jej słynny mały pleciony garnitur ze złotymi łańcuszkami, błyszczącą biżuterię, jedwabne bluzki w kolorach pasujących do podszewki garnituru, gładkie tweedy, guziki z monogramem, płaskie czarne jedwabne kokardki, łódki, pikowane torebki na łańcuszkach oraz wieczorowe sukienki i futra, które były cudami prostota.

Pomimo tego, że był projektantem mody, urodzony w Ameryce Mainbocher projektował również mundury wojskowe i cywilne. W 1952 roku przeprojektował mundur służbowy Women Marines, łącząc kobiecość z funkcjonalnością. Wcześniejsze przeprojektowania obejmują mundury dla WAVES ( kobiety przyjęte do ochotniczej służby ratunkowej ) w 1942 r. oraz projekty mundurów dla harcerek USA i Amerykańskiego Czerwonego Krzyża w 1948 r.

„New Look” Diora (premiera w 1947 r.) przywrócił popularność gorsetom i gorsetom typu „wszystko w jednym”. Na początku lat pięćdziesiątych wiele domów mody wykorzystało zainteresowanie „foundationwear” do wprowadzenia własnych linii, wkrótce po tym, jak wielu producentów bielizny zaczęło budować własne marki. W 1957 roku Jane Russell nosiła biustonosz „Cantilever”, który został naukowo zaprojektowany przez Howarda Hughesa, aby zmaksymalizować zmysłowy wygląd. Wynalezienie Lycry (pierwotnie nazywanej „Fibre K”) w 1959 roku zrewolucjonizowało przemysł bieliźniany i szybko zostało włączone do każdego aspektu bielizny.

Po wojnie styl amerykański (składający się z szerokich ramion, krawatów w kwiaty, prostych nogawek i koszul z długimi spiczastymi kołnierzami, często noszonych raczej wywieszonych niż schowanych) stał się bardzo popularny wśród mężczyzn w Europie. Niektórzy londyńscy producenci zapoczątkowali odrodzenie edwardiańskiej elegancji w modzie męskiej, przyjmując obcisły styl retro , który miał przemawiać do tradycjonalistów. Ten wygląd, pierwotnie skierowany do szanowanego młodego człowieka z miasta, został przetłumaczony na popularną modę jako styl Teddy boy . Włoski styl , spopularyzowany przez Caraceni , Brioni i Cifonelli , został przejęty przez całe pokolenie eleganckich młodych kochanków po obu stronach Atlantyku. Pled był bardzo popularny w modzie męskiej lat 50., zarówno na koszule, jak i garnitury, a także fryzurę „kaczy ogon”, która często była postrzegana jako symbol nastoletniego buntu i była zakazana w szkołach.

W drugiej połowie lat pięćdziesiątych nastąpił ogólny ruch w kierunku mniej formalnej odzieży, zwłaszcza w modzie męskiej. W fedora i Homburg kapelusz , a także trencze zniknął z powszechnego stosowania (trend ten rozpoczął się już kilka lat wcześniej w bardziej nieformalnej zachodnim wybrzeżu USA), po dokonaniu standardowych części odzieży męskiej od 1920 roku.

Projektanci z Hollywood stworzyli szczególny rodzaj glamour dla gwiazd amerykańskiego filmu, a stroje noszone przez Marilyn Monroe , Lauren Bacall czy Grace Kelly były szeroko kopiowane. Ilościowo rzecz biorąc, kostium aktorki z hollywoodzkiego filmu miałby znacznie większą publiczność niż fotografia sukni zaprojektowanej przez couturiera zilustrowana w czasopiśmie czytanym przez nie więcej niż kilka tysięcy osób. Nawet nie próbując śledzić wszystkich stylów paryskich, projektanci kostiumów skupili się na własnej wersji klasycyzmu, która miała być ponadczasowa, pochlebna i fotogeniczna. Przy użyciu pozornie luksusowych materiałów, takich jak cekiny, szyfon i futro, ubrania były bardzo prosto skrojone, często zawierały niezapomniane detale, takie jak głęboki dekolt na plecach do sukienki, który ujawnił się dopiero, gdy aktorka odwróciła się od kamery lub jakieś szczególnie oszałamiające akcesorium. Najbardziej wpływowymi i szanowanymi projektantami Hollywood od lat 30. do 50. XX wieku byli Edith Head , Orry-Kelly , William Travilla , Jean Louis , Travis Banton i Gilbert Adrian . Codzienna odzież kobieca w ciągu dekady składała się z długich płaszczy, czapek z małymi woalkami i skórzanych rękawiczek. Sukienki do kolan połączone z naszyjnikami z pereł, które błyskawicznie spopularyzowała Pierwsza Dama Mamie Eisenhower . Krótkie włosy po trwałej ondulacji były standardową fryzurą kobiet tego okresu.

Pod koniec dekady masowo produkowane, gotowe ubrania stały się znacznie bardziej popularne niż w przeszłości, dając ogółowi społeczeństwa bezprecedensowy dostęp do modnych stylów.

1960

Do lat 60. Paryż był uważany za centrum mody na całym świecie. Jednak w latach 1960-1969 nastąpił radykalny wstrząs w fundamentalnej strukturze mody. Od lat 60. nigdy nie istniałby tylko jeden, dominujący trend czy moda, ale mnóstwo możliwości, nierozerwalnie związanych z różnymi wpływami w innych dziedzinach życia. Dobrobyt i pojawienie się odrębnej kultury nastolatków w połączeniu z ruchem kontrkulturowym miałyby duży wpływ na modę.

Po 30 latach konserwatywnych stylów ubioru, lata 60. przyniosły swego rodzaju powrót do lat 20., kiedy kobiety ponownie przybrały dziecinny wygląd z obciętymi fryzurami i coraz mniej skromnymi ubraniami. Na początku dekady spódnice sięgały do ​​kolan, ale stopniowo stawały się coraz krótsze, aż w 1965 roku pojawiła się minispódniczka. Pod koniec dekady wystrzeliły znacznie powyżej pończoch, przez co przejście na rajstopy było nieuniknione.

Wiele radykalnych zmian w modzie rozwinęło się na ulicach Londynu, z takimi utalentowanymi projektantami jak Mary Quant (znana z wprowadzenia mini spódniczki) i Barbara Hulanicki (założycielka legendarnego butiku Biba ). Paryż miał też swój udział w nowych i rewolucyjnych projektach, w tym Pierre Cardin (znany ze swoich wizjonerskich i umiejętnie skrojonych projektów), André Courrèges (znany ze swoich futurystycznych strojów i wypuszczania mini spódniczki wraz z Mary Quant), Yves Saint Laurent (znany za rewolucyjną, ale elegancką modę) oraz Emanuel Ungaro (znany z pomysłowego wykorzystania kolorów i odważnych barokowych kontrastów). W Stanach Zjednoczonych do młodej publiczności docierali także Rudi Gernreich (znany z awangardowych i futurystycznych projektów) oraz James Galanos (znany z luksusowych ready-to-wear). Głównymi punktami sprzedaży tych nowych młodych projektantów mody były małe butiki, sprzedające stroje, które nie były „jednorazowe”, ale były robione w małych ilościach, w ograniczonej gamie rozmiarów i kolorów. Jednak nie wszyscy projektanci przyjęli nowy styl i nastrój. W 1965 roku Coco Chanel zorganizowała akcję straży tylnej przeciwko odsłonięciu kolana, a Balenciaga z determinacją kontynuowała produkcję kobiecych i konserwatywnych projektów.

Podstawowy kształt i styl tamtych czasów był prosty, schludny, wykończony i kolorowy. Kapelusze już zaczęły spadać w poprzedniej dekadzie i teraz prawie całkowicie wymarły, z wyjątkiem specjalnych okazji. Niższe obcasy kociąt były ładnym substytutem szpilek. Szpiczaste palce ustąpiły miejsca palcom w kształcie dłuta w 1961 r. i migdałowym w 1963 r. Płaskie buty stały się również popularne w bardzo krótkich sukienkach w 1965 r. W końcu uniosły się nogawki i sięgały kolan.

W latach 60. po raz pierwszy pojawił się szeroki asortyment popularnych fryzur, w tym bobsleje, fryzury na pazia i ule.

Dwóch znanych i wpływowych projektantów lat 60. to Emilio Pucci i Paco Rabanne . Projekty i nadruki odzieży sportowej Emilio Pucci inspirowane sztuką optyczną , psychodelią i średniowiecznymi sztandarami heraldycznymi przyniosły mu reputację, która wykroczyła daleko poza kręgi wyższych sfer. Jego eleganckie sukienki, tuniki i stroje plażowe stworzyły „Puccimania”, która była częścią ruchu mającego na celu wyzwolenie kobiecej formy, a jego projekty są dziś synonimem lat 60. XX wieku. Francisco Rabaneda Cuervo (później Paco Rabanne) otworzył swój pierwszy dom mody w 1966 roku i od samego początku produkował zdecydowanie nowoczesne projekty. Zamiast używać konwencjonalnych materiałów, tworzył ubrania z aluminium , rodoidów i kawałków złomu. Jego projekty, poza tym, że były eksperymentalne, były również ściśle dopasowane do tego, co chciały nosić współczesne, żądne przygód młode kobiety. Wśród jego innowacji znalazła się bezszwowa sukienka wykonana po wielu eksperymentach przez natryskiwanie chlorku winylu na formę oraz niskobudżetowa sukienka jednorazowa wykonana z papieru i nylonowej nici. Rabanne był także pierwszym projektantem mody, który wykorzystał czarne modele, co omal nie doprowadziło do jego zwolnienia z Chambre Syndicale de la Couture Parisienne. Sukces jego perfum Calandre pomógł wspierać mniej dochodowe obszary jego twórczości, a jego utopizm zapewnił mu wyjątkową pozycję w konserwatywnym świecie haute couture.

Główną zmianą w odzieży męskiej w latach 60. była masa użytego materiału. Wybór materiałów i sposób wykonania sprawiły, że garnitur, który był lżejszy, miał zupełnie inny wygląd, z linią bliższą naturalnemu kształtowi ciała, przez co mężczyźni bardziej krytycznie patrzyli na swoją sylwetkę. . Rozprzestrzenianie się dżinsów przyśpieszyło radykalną zmianę męskiej garderoby. Młodzi mężczyźni zapuszczali włosy aż do kołnierzyków i dodali odrobinę koloru, a nawet motywów kwiatowych do swoich koszul. Golf nigdy nie zdołał zastąpić krawata, ale przyjęcie robotniczej marynarki z szorstkiego sztruksu, a zwłaszcza marynarki mao, okazało się czymś więcej niż tylko deklaracją polityczną. Pierre Cardin i Andre Courrèges wywołali kilka futurystycznych pomruków, ale trzyczęściowy garnitur przetrwał w nienaruszonym stanie.

Na początku lat 60. istniały wpływowe „partnerstwa” celebrytów i projektantów mody, najsłynniejsze z Audrey Hepburn z Givenchy i Jackie Kennedy z Olegiem Cassini . Ponadto wiele modeli miało bardzo głęboki wpływ na modę, w szczególności Twiggy , Veruschka , Jean Shrimpton . Na początku dekady spódnice były modne, a bikini w końcu weszło w modę w 1963 roku. Ruchy hippisowskie i psychodeliczne pod koniec dekady miały również silny wpływ na style ubioru, w tym dżinsy z dzwonami (zaprojektowane przez angielskiego krawca Tommy'ego Nuttera , z jego sklepu Savoy), tkaniny tie-dye i batik, a także wzory paisley.

lata 70.

Nazywany dekadą „ja”; „Zadbaj o siebie” – tak brzmiało hasło lat siedemdziesiątych. Niektórzy widzieli w tym koniec dobrego smaku. Dekada rozpoczęła się od kontynuacji hipisowskiego stylu późnych lat 60., z kaftanami, indyjskimi szalikami i tunikami w kwiaty. Dżinsy pozostały wystrzępione i miały dzwony, farba do krawatów była nadal popularna, a moda na unisex rosła jak grzyby po deszczu. Ogromny ruch domagający się praw obywatelskich dla czarnych w połączeniu z wpływem muzyki soul z USA stworzył nostalgię za Afryką i kulturą afrykańską . Radykalny szyk pojawiły się pod wpływem pokroju Jamesa Browna , Diana Ross , Angela Davis , a Czarne Pantery , we wszystkim z afro fryzur do podeszwy platformy. W latach 70. marki znacznie zwiększyły swój udział w rynku międzynarodowym. Obszycia zaczęły spadać w 1974 roku poniżej kolan, aż w końcu dotarły do ​​dolnej połowy łydki w 1977 roku, a linie ramion zostały obniżone. Po 1975 roku w modzie dominował „wygląd disco”, który obejmował pierzaste fryzury dla kobiet i trzyczęściowe garnitury rekreacyjne dla mężczyzn . Spodnie z dzwoneczkami pozostałyby popularne przez całą dekadę.

Być może dwoma najbardziej innowacyjnymi projektantami mody we Francji lat 70. byli Kenzo Takada i Sonia Rykiel . Kenzo, niekwestionowana gwiazda paryskiej mody lat 70., czerpał inspirację z całego świata, łącząc wpływy folku zachodniego i orientalnego z fantastyczną radością życia i instynktownym zrozumieniem tego, czego chcą jego młodzi klienci. Dzięki swoim płynnym liniom, niezwykłym nadrukom, sprytnym dodatkom i ozdobom, które były dotychczas niespotykane w gotowych do noszenia, bardzo wywrócił świat mody do góry nogami. Królowa dzianin podkreślających figurę, w 1974 roku Sonia Rykiel zaprojektowała swoje pierwsze swetry z odwróconymi szwami. Co więcej, stworzyła całą gamę ubrań, które były niezwykle indywidualne, a mimo to można je było nosić niemal wszędzie. Styl Rykiel, zdominowany przez ciuchy z dzianin, ciemne czernie, cyrkonie, długie szale w kształcie boa i małe szydełkowane czapeczki, podbił rynek amerykański i do dziś Rykiel jest uważany przez wielu Amerykanów za prawdziwego następcę Chanel.

Ze względu na punk Londyn zachował znaczny wpływ na modę, przede wszystkim w butikach przy King's Road, gdzie z dominującym wiatrem wiał otwarty w 1971 roku butik Vivienne Westwood SEX . Ta świątynia brytyjskiego ikonoklazmu skupiała się na fetyszystycznych dodatkach i kolekcjach ubrań, w których czarne gumowe i stalowe ćwieki były zewnętrznymi oznakami ukrytego sadyzmu. Postmodernistyczny i obrazoburczy w istocie ruch punkowy był bezpośrednią reakcją na sytuację ekonomiczną w czasie kryzysu gospodarczego tego okresu, nośnikiem nienawiści, która była bardziej instynktowna niż polityczna. Punk miał w sercu manifest tworzenia przez nieporządek. Ze swoimi podartymi T-shirtami , fryzurami rdzennych Amerykanów , martensami , spodniami do bondage i łańcuchami, punkowcy wyeksportowali ogólne uczucie obrzydzenia na cały świat.

Innym popularnym brytyjskim stylem był zdecydowanie nienowoczesny, kobiecy, wiejski styl ubioru spopularyzowany przez Laurę Ashley , który składał się z długich falbaniastych spódnic i bluzek z wysokim dekoltem w tradycyjne kwieciste nadruki, noszonych z szydełkowanymi szalami. Laura Ashley rozpoczęła prowadzenie małej firmy w Walii w połowie lat 60., a firma rozwijała się aż do przypadkowej śmierci jej właściciela w 1985 roku. Laura Ashley nie była jedyną projektantką, która z nostalgią spoglądała w przeszłość. Moda oparta na latach dwudziestych, trzydziestych, czterdziestych i pięćdziesiątych była popularna przez większą część dekady, a jej popularność zwiększały hollywoodzkie filmy, takie jak Ojciec chrzestny i Wielki Gatsby , a także liczne wystawy poświęcone historii kostiumów w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. W Japonii butiki modnej tokijskiej dzielnicy Harajuku sprzedawały wiele przerobionych wersji tradycyjnego brytyjskiego i amerykańskiego wyglądu.

W Stanach Zjednoczonych ogólny trend w modzie zmierzał w kierunku uproszczenia i dłuższych spódnic, chociaż wiele kobiet reagowało negatywnie na długość midi, którą uważały za starzejącą się. Natomiast spodnie zyskały jednogłośną aprobatę. Jeansy najbardziej skorzystały na tym, że stały się akceptowaną częścią amerykańskiej sceny modowej w latach 70., a ich nowo odkryty szacunek wynikał z włączenia ich do kolekcji pod hasłem odzieży sportowej. Nowe gwiazdy amerykańskiego ready-to-wear zaadaptowały to, czego nauczyły się z Europy, do ogromnego amerykańskiego przemysłu odzieżowego. Calvin Klein i Ralph Lauren powstali z anonimowości mniej więcej jednocześnie, aby zająć się kwestią projektowania ubrań dla mężczyzn i kobiet nowego świata. W latach 70. modę w USA zdominowały dwa przeciwstawne ruchy. Z jednej strony dopasowany, uniseksowy wygląd; z drugiej strony, płynny, nieustrukturyzowany styl z silnym poczuciem przepychu lat 30. XX wieku. Do tej drugiej kategorii należał najbardziej wpływowy amerykański projektant tamtych czasów, Roy Halston Frowick (znany po prostu jako Halston ). Zdobywając status celebryty na scenie nowojorskiej, jego szczególny talent polegał na pogodzeniu stroju szytego na miarę na specjalne okazje z koncepcjami komfortu, naturalności i relaksu. Ze swoimi kaftanami, koszulami, djellabami, ultralekkimi sukienkami na zmianę i tunikami noszonymi na szortach i spodniach z szerokimi nogawkami był ikoną epoki i stałym gościem w pokoju VIP w Studio 54 po jego otwarciu w 1977 roku. .

Geoffrey Beene , chwalony za eleganckie i wyrafinowane kroje oraz wykorzystanie czerni i bieli, odnosił największe sukcesy w radykalnie uproszczonych projektach, w których się wyróżniał. Jego eleganckie sukienki i dobrze skrojone garnitury z dżerseju, flaneli i wełny odegrały kluczową rolę w zniechęcaniu amerykańskich kobiet do nadmiernego dodawania akcesoriów. Bill Blass , który w 1962 roku wypuścił własną serię, wyrobił sobie nawyk podróżowania po całych Stanach Zjednoczonych, aby na własne oczy usłyszeć, czego pragną jego klienci. Jeden z najpopularniejszych projektantów tamtych czasów, prawie zbyt skutecznie spełniał życzenia swoich klientów. Jego zdyscyplinowany styl i wykonanie były szczególnie cenione przez kobiety biznesu i żony menedżerów wyższego szczebla. Betsey Johnson zaczęła projektować dla butiku Paraphernalia. Wykorzystując winylowe i metalowe tkaniny, kładąc nacisk na dowcip, wyobraźnię i niezależność, w latach 70. wniosła do Nowego Jorku bezprecedensowego ducha lekceważenia.

W popularnej modzie, glamrockowy styl ubioru, noszony przez takich rockowych wykonawców jak David Bowie i Marc Bolan , był bardzo wpływowy, szczególnie w Wielkiej Brytanii. Projektant Elio Fiorucci miał bardzo podobny wygląd. Jego butik w Mediolanie sprzedawał takie rzeczy jak kolorowe gumowe buty, plastikowe sandały w stokrotki, sztuczne futro i kurtki inspirowane Pop Artem .

W latach 70. pojawiła się nowa generacja butików z odzieżą męską, której celem była zmiana wystroju, rytuałów i bazy klientów tradycyjnie „trudnego” handlu. Sprzedawanie modnych ubrań młodemu mężczyźnie pod koniec lat 60. w wielu kręgach wciąż było równoznaczne z zakwestionowaniem jego męskości. Wygląd mężczyzn zmienił się w latach 70. bardziej niż przez całe stulecie. Wielu projektantów mody, którzy zrewolucjonizowali męski wygląd, zawdzięczało wiele swoich innowacji Pierre'owi Cardinowi: wąskie ramiona, obcisłe linie, brak krawata, bez fiszbin, zapinane na zamek bojówki, marynarki z talią lub tuniki, czasem bez koszuli. Odzież robocza stanowiła inspirację dla mniej formalnego stylu, zachęcając projektantów do wyjścia poza tradycyjny garnitur i, na przykład, do przyjęcia stylu unisex lub zbadania ogromnej oferty odzieży używanej. Czasami ten rodzaj męskiego przebierania się, często potępiany jako „hippis”, zdobywał formalne uznanie jako celowy wygląd. Czasami, w ramach ruchu retro, projektanci wprowadzali odrodzenie elegancji lat 30. XX wieku. Wydobycie starej odzieży wojskowej, najlepiej khaki i ze Stanów Zjednoczonych; Buty w stylu angielskim; Koszule Oxford; nieskazitelne koszulki; tweedowe marynarki z wyściełanymi ramionami; kolorowe swetry z dekoltem w szpic; kaszmirowe chusty owinięte wokół szyi narzuciły pewną jednolitość nieformalnego beatnikowskiego wyglądu męskiej garderoby pod koniec lat 70-tych.

Istotne są również zmiany we włoskiej modzie, które miały miejsce w tym okresie. W latach 70., w wyniku przemysłu konfekcjonowanego, Mediolan potwierdził swój status drugiego po Paryżu centrum mody międzynarodowej. „Alta moda” preferowała Rzym, bazę projektantów mody Valentino , Capucci i Schön . Skorzystanie z dominującego trendu antymodowych Włoch oferowało splendor, który nie miał nic wspólnego z dyktatem paryskiego haute couture. Choć czerpiąc korzyści z jasno zdefiniowanego stylu, włoska moda była luksusowa i łatwa w noszeniu. Dwóch najbardziej wpływowych włoskich projektantów mody tamtych czasów to prawdopodobnie Giorgio Armani i Nino Cerruti . Giorgio Armani wyprodukował swoją pierwszą kolekcję dla kobiet w 1975 roku. Od samego początku linia była dynamiczna, miejska, subtelna i androgyniczna w inspiracji. Armani oferował powściągliwy styl, który bardzo przemawiał do rosnącej populacji kobiet, które teraz miały dostęp do świata pracy i zajmowały w nim coraz wyższe stanowiska. To był dopiero początek wspaniałej kariery, która zaowocowała w 1981 roku, kiedy powstał Emporio Armani . W 1957 Nino Cerruti otworzył w Mediolanie butik z modą męską Hitman . Człowiek gustu i rozeznania, w 1976 roku zaprezentował swoją pierwszą kolekcję dla kobiet. Dwa lata później wypuścił swoje pierwsze perfumy. Łącząc karierę odnoszącego sukcesy przemysłowca z karierą wysokiej jakości projektanta, Cerruti zajęła wyjątkową pozycję we włoskim świecie odzieży gotowej.

Koniec XX wieku

Pod koniec XX wieku moda zaczęła szybko przekraczać międzynarodowe granice. Popularne zachodnie style zostały przyjęte na całym świecie, a wielu projektantów spoza Zachodu miało ogromny wpływ na modę. Materiały syntetyczne, takie jak lycra/spandex i wiskoza, stały się szeroko stosowane, a moda, po dwóch dekadach patrzenia w przyszłość, ponownie zwróciła się ku przeszłości w poszukiwaniu inspiracji.

lata 80.

Społeczeństwo lat 80. nie krytykowało się już jako konsumpcyjne, lecz interesowało się „spektaklem”. Świadomy wizerunek dekady był bardzo dobry dla branży modowej, która nigdy nie była tak modna. Pokazy mody zostały przemienione w nasycone mediami widowiska i często transmitowane w telewizji, zyskując wysoki priorytet w kalendarzu społecznościowym. Wygląd wiązał się z wydajnością, co miało pierwszorzędne znaczenie dla całego pokolenia młodych miejskich profesjonalistów, których chęć wyglądu powiązana była z pragnieniem władzy. Sposób, w jaki mężczyźni i kobiety kojarzyli się z najnowszymi stylami, nie był już kwestią biernej uległości, ale muzyka disco szybko wypadła z łask na początku dekady, wraz z powiązanymi stylami ubioru. Do 1982 roku zniknęły ostatnie ślady mody z lat 70.

W latach 80. barwena stała się standardową fryzurą męską, a kobiety nosiły duże, kwadratowe trwałe trwałe, chociaż było wiele odmian obu. Kombinezony stały się popularnym elementem kobiecego ubioru, a na mężczyznach obcisłe krawaty i zakręcone okulary przeciwsłoneczne. Również w latach 80. modny był aerobik, dzięki czemu legginsy i opaski na głowę ze spandeksu stały się modne.

Dwóch francuskich projektantów mody, którzy najlepiej określili wygląd tego okresu, to mężczyzna i Azzedine Alaia . Pod silnym wpływem swojej wczesnej kariery w teatrze, Thierry Mugler tworzył projekty modowe, które łączyły hollywoodzkie retro i futuryzm, z zaokrąglonymi biodrami, mocno zaakcentowanymi ramionami i lekką nutą galaktycznej bohaterki. Wytworne sukienki Muglera odniosły niezwykły sukces i oznaczały całkowity koniec ery hippisów i jej nieuporządkowaną sylwetkę. Znany z budzących podziw zestawień, Azzedine Alaia wywarł ogromny wpływ na sylwetkę kobiety lat 80-tych. Mistrz wszelkiego rodzaju technik, które wcześniej były znane tylko z haute couture, eksperymentował z wieloma nowymi i niedostatecznie używanymi materiałami, takimi jak spandex i wiskoza . Wykończenie, prostota i czysty seksapil wyglądu Alai sprawiły, że kobiety z każdego pokolenia utożsamiały się z jego uwodzicielskim stylem, a w latach 80. osiągnął pewną chwałę i był wysoko ceniony przez przedstawicieli swojego zawodu.

Tworząc projekty bardzo typowe dla epoki, tworzyli również Claude Montana , którego imponujące, szerokie ramiona, często wykonane ze skóry, nie wyglądały nie na miejscu w futurystycznym wszechświecie Thierry'ego Muglera i Christiana Lacroix , który wysyłał fale uderzeniowe przez świat haute couture, z jego falbaniastymi spódnicami, haftowanymi gorsetami, gwarami i krynolinami w groszki, które przywodzą na myśl rytmy flamenco.

W latach 80. na scenę mody pojawiło się wielu obiecujących nowicjuszy. Angelo Tarlazzi , niezwykły technik, który kiedyś pracował dla Patou, oczarował zarówno prasę, jak i swoich klientów swoimi „chusteczkami” sukienkami. Wykonane z kawałków materiału okazały się, kiedy przyszło się je zakładać, o wiele bardziej skomplikowane, niż się początkowo wydawało. Wiele paryskich wieczorów w latach 80. ożywiły jego sukienki, a wszystko to w płynnym i oryginalnym stylu, w którym krojenie i szycie były ograniczone do minimum. Chantal Thomas, królowa seksownych pończoch i koronek, zdobyła wiernych zwolenników za swoją uwodzicielską bieliznę i suknie wieczorowe, które wyglądały jak koszule nocne i odwrotnie. Guy Paulin był jednym z pierwszych projektantów, którzy promowali surowy, prosty i uporządkowany wygląd. Jego ubrania były klasyczne w swoich proporcjach i szyte z myślą o wygodzie i prostocie, a ich harmonijne linie zostały wzmocnione subtelną paletą kolorów i szlachetnych materiałów. Pod własnym nazwiskiem Joseph projektował luksusową dzianinę o klasycznych liniach, tworząc luźne, seksowne ubrania w neutralnych kolorach. Carolina Herrera , od dawna uważana za jedną z najbardziej eleganckich członkiń jet setu, w 1981 roku wypuściła serię kolekcji skierowanych do kobiet takich jak ona, prezentujących nienagannie skrojone ubrania wysokiej jakości i atrakcyjne suknie wieczorowe.

Japońscy projektanci, tacy jak Rei Kawakubo i Yohji Yamamoto, zaoferowali wygląd, który całkowicie zerwał z dominującym wówczas wizerunkiem mody. Płaskie buty, brak makijażu, rezerwa, skromność i dyskrecja to cechy charakterystyczne tego nowoczesnego looku. W końcu zaczął zawierać detale z mód z przeszłości, ponieważ anarchiści mody ponownie odwiedzali starożytne miejsca Europy, których wpływ na kształt ubioru pod koniec XX wieku stał się legendarny.

W amerykańskiej modzie bardzo wpływowy był uwodzicielski, przylegający styl Donny Karan i niezobowiązujące wyrafinowanie Ralpha Laurena . Gwiazda nowojorskiej sceny społecznej, Donna Karan, wniosła bardzo osobiste i kobiece podejście do surowego, stonowanego, swobodnego wyglądu, który dominował w amerykańskich ubraniach gotowych. Zakładając własną markę w 1984 roku, jej projekty zyskały natychmiastową popularność wśród aktywnych miejskich kobiet, które bardzo doceniały dyskretny luksus jej ubrań. W 1971 Ralph Lauren otworzył butik zarówno dla mężczyzn jak i kobiet w Beverly Hills . Jego arystokratyczny styl po cenach, na jakie mógł sobie pozwolić przeciętny Amerykanin, wywołał sensację. Dla elity zmagającej się z wszelkiego rodzaju awangardowymi modami stanowił punkt zwrotny, popierający klasyczny wygląd, który został zaadoptowany do aktywnego życia. Lauren, numer jeden wśród amerykańskich ready-to-wear, odnosił równie duże sukcesy ze swoją odzieżą sportową i dżinsami, co pozwoliło mu dotrzeć do możliwie najszerszego kręgu klas społecznych i grup wiekowych.

Kluczem do sukcesu nowej fali amerykańskiej odzieży sportowej była założona w 1978 roku marka Perry Ellis , która z wielką korzyścią wykorzystywała kolor i naturalne włókna w swoich eleganckich wariacjach podstawowych. Norma Kamali ze swoimi krótkimi spódniczkami z bluz, trykotów, opasek na głowę i nogawek sprawiła, że ​​jogging wyglądał modnie. Kamali stworzyła również popularną „spódnicę rah-rah”. Także godne uwagi jest to największa popularność Adidas sportowej etykiety, która osiągnęła niewiarygodny poziom ulicy cred w 1980, podżeganie grupa hip- Run DMC , aby wypuścić singiel „My Adidas” w 1986. Legendarny projektant butów Manolo Blahnik wzrosła również do sławy w latach 80-tych.

Mnogość trendów, które rozkwitły w latach 80., została ograniczona przez recesję gospodarczą, która rozpoczęła się na początku lat 90., w dużej mierze niszcząc optymistyczny nastrój, który jest tak korzystny dla branży modowej.

1990

W latach 90. niewolnicze podążanie za modą nie było już czymś do zrobienia, co stanowi ostry kontrast z bardzo a la mode lat 70. i 80. XX wieku. Fobia przed przebraniem została w końcu całkowicie wyparta przez strach przed przebieraniem. Moda lat 90. zjednoczyła się wokół nowego standardu, minimalizmu i surowej prostoty, która stała się modna. Pomimo największych wysiłków kilku projektantów, aby utrzymać powiewającą flagę dla pięknych sukienek, pod koniec dekady pojęcie ostentacyjnego wytworności praktycznie zniknęło. Kluczem do sukcesu i wizerunku stała się nie tylko stylizacja produktu, ale także jego promocja w mediach. Presja finansowa dekady miała niszczący wpływ na rozwój nowych talentów i zmniejszyła autonomię, jaką cieszą się bardziej uznani projektanci.

Moda końca XX wieku poruszała tematy, których moda wcześniej nie obejmowała. Tematy te obejmowały gwałt, niepełnosprawność, przemoc religijną, śmierć i modyfikacje ciała. Nastąpiło dramatyczne odejście od seksownych stylów wymierzonych w efektowną femme fatale lat 80., a wielu projektantów, uniesionych wizją romantycznej biedy, przyjęło styl ubogiej położnej, ubranej w surową, przewrotnie trzeźwą paletę , z twarzą pozbawioną makijażu . Ubrania gotowe do noszenia, takie jak The Gap , Banana Republic i Eddie Bauer, znalazły się na czele mody, dzięki czemu udało się dopasować do potrzeb kobiet, które po prostu chciały wygodnych, nadających się do noszenia ubrań. Odzież retro inspirowana latami 60. i 70. była popularna przez większość lat 90. XX wieku.

Słynny włoski dom mody Gucci został stworzony w 1921 roku przez Guccio Gucci i początkowo był firmą sprzedającą luksusowe wyroby skórzane. Za dzieci Guccio Gucciego pod koniec lat 60. etykieta poszerzyła się o mnóstwo produktów o wyraźnie łacińskim uroku. Jednak dopiero w latach 90., kiedy spadkobiercy Gucci przekazali kontrolę nad firmą na rzecz Invest Corp., która planowała odwrócić biznes, zaczęła naprawdę cieszyć się takim sukcesem, jakim cieszy się w dzisiejszych czasach. Zatrudniając nieznanego projektanta, Toma Forda , jako dyrektora ds. projektowania w 1994 r., dom mody zyskał wielki prestiż, ponieważ Ford wywołał falę przypływu swoimi eleganckimi i szokującymi kolekcjami, perfumami dla mężczyzn i kobiet, odnowionymi butikami i kampaniami reklamowymi. W 1998 roku Gucci został nazwany „Europejską Firmą Roku” przez Europejską Federację Prasy Biznesowej. Dziś jest drugą najlepiej sprzedającą się marką modową (po LVMH ) na świecie z 7 miliardami dolarów przychodu na całym świecie w 2006 roku, według magazynu BusinessWeek .

W latach 90. designerska marka Prada stała się prawdziwą siłą twórczą w branży modowej. Mediolańska firma powstała w 1923 roku, dwa lata po Gucci i podobnie jak Gucci, była to firma sprzedająca wysokiej jakości buty i skórę. Dopiero w latach 80-tych Miuccia Prada , siostrzenica założyciela firmy, zaczęła produkować modę ready-to-wear, zyskując sławę dzięki subtelnemu, opływowemu, ale bezsprzecznie luksusowemu stylowi, który zaspokajał uprzywilejowaną młodą kobietę, która woli niedopowiedzenie ekstrawagancka ekstrawagancja.

W Ameryce trzech najbardziej wpływowych projektantów mody tamtych czasów to Michael Kors , Marc Jacobs i Calvin Klein . Michael Kors założył własną firmę w 1980 roku. Jednak dopiero w latach 90. projektant osiągnął szczyt swojej popularności. Jego wiedza i świadomość trendów umożliwiły mu produkcję prostych, dobrze skrojonych ubrań, których wyrafinowanie i elegancja przemawiały do ​​zupełnie nowej rasy zamożnych amerykańskich klientów, których przyciągała nowa moda na minimalistyczny szyk. Marc Jacobs jest jednym z najwybitniejszych amerykańskich projektantów tamtego okresu, ponieważ w przeciwieństwie do wielu amerykańskich projektantów mody w przeszłości był nie tyle koordynatorem masowej produkcji odzieży, ile projektantem w europejskim znaczeniu tego słowa. . Jeden z najbardziej obiecujących talentów w branży modowej w tamtym czasie, grupa LVMH (Louis Vuitton-Moet Henessy) zaproponowała mu zadanie zaprojektowania linii ubrań gotowych do noszenia, aby uzupełnić luksusowe produkty specjalisty od bagażu, Louisa Vuittona. pod koniec lat 90. Jako jeden z pierwszych projektantów mody, który przewidział globalizację rynków światowych, znany już projektant Calvin Klein zaczął sprzedawać swoje ubrania, perfumy i akcesoria nie tylko w Stanach Zjednoczonych, ale także w Europie i Azji, osiągając niezrównany sukces. Genialny dyrektor artystyczny Klein wykorzystał starannie skonstruowane reklamy zawierające obrazy zabarwione erotyzmem, aby promować swoje wyrafinowane funkcjonalne, produkowane masowo projekty, które w latach 90. zyskały ogromną popularność wśród miejskiej młodzieży.

Grupa projektantów znana jako „ Antwerpia szóstka ” (nazwana tak, ponieważ wszyscy byli absolwentami Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych w Antwerpii ), która pojawiła się po raz pierwszy w latach 80., zyskała rozgłos w latach 90. XX wieku. Trzy z najbardziej wpływowych członków grupy to Ann Demeulemeester , Dries van Noten i Walter Van Beirendonck . Ann Demeulemeester, ze swojej pierwszej kolekcji w 1991 roku, wykazała się dużą pewnością siebie i pomysłowością. Naturalnie skłonna do niedopowiedzeń, swoje projekty budowała na sprzecznościach, wprowadzając kontrastowe elementy do swoich płynnych i opływowych fasonów, które przemawiały do ​​kobiet, które ubierały się przede wszystkim po to, by zadowolić siebie. Twórczość Driesa van Notena opierała się na solidnym opanowaniu sztuki krawieckiej, do której młody projektant dodał dyskretne akcenty fantazji w bardzo osobistym stylu. Jego moda, choć jednocześnie klasyczna i oryginalna, przypadła do gustu tym, którzy woleli wyrażać swoją indywidualność, a nie niewolniczo podążać za trendami. Walter Van Beirendonck, który pojawił się na scenie mody w 1995 roku, produkował zdecydowanie futurystyczne projekty pod swoją marką W & LT (Wild and Lethal Trash). Rozmyślnie wykorzystując tkaniny opracowane według najnowszych technologii, w mocno kontrastujących barwach, stworzył ubrania pełne erotycznych i sadomasochistycznych odniesień, podszyte gryzącym młodzieńczym humorem. Jego bardzo charakterystyczne podejście odnosiło się do odrodzenia antymody, ale tym razem antymody, która nie ma nic etnicznego w swoich początkach, zamiast tego opiera się na science fiction, która stanowiła inspirację dla pokazów tak burzliwej prowokacji.

We Włoszech Gianni Versace ze swoimi błyskotliwymi, seksownymi i kolorowymi projektami oraz Dolce & Gabbana ze swoim superkobiecym i fantastycznym stylem oderwali się od poważnej i trzeźwej mody, która dominowała przez większość lat 90. Brytyjska projektantka Vivienne Westwood na początku lat 90. wyprodukowała wiele wpływowych i popularnych kolekcji, w tym stroje inspirowane XVIII-wiecznymi kurtyzanami i markizem de Sade , z zaokrąglonymi biodrami, gorsetami i obcasami na platformie. Popularny, zwłaszcza w Nowym Jorku i Mediolanie, był również londyński projektant Rifat Ozbek . Jego młodzieńczy styl, łączący nawiązania do Indii, Afryki i rodzinnej Turcji ze sprytnym podejściem do historycznych strojów, przywodził na myśl najmodniejsze nocne kluby i bardziej skandaliczne mody uliczne tamtych czasów. Muzyka rapowa miała znaczący wpływ na modę popularną i uliczną na początku i w połowie lat dziewięćdziesiątych. Zwolennicy hip-hopu przyjęli ogromne workowate dżinsy, podobne do tych noszonych w amerykańskich więzieniach, z dużymi wzorzystymi koszulami i ciężkimi czarnymi butami. Marka sportowa Nike cieszyła się dużą popularnością, a materiały takie jak Lycra/spandex były coraz częściej używane do produkcji odzieży sportowej. Rosnąca świadomość ekologiczna i prawa zwierząt sprawiły, że nawet najlepsze domy mody, takie jak Chanel, wprowadziły do ​​swoich kolekcji sztuczne futra i włókna naturalne.

Zobacz też

Bibliografia

11. ^Haug, Joanna. „Gazette Du Bon Ton: 1912-1925”. Magazyn wiktoriański. Źródło 13 czerwca 2018 r.

Dalsza lektura

• „Oś czasu historii mody” . Fashion Institute of Technology, State University of New York .
• Breward, Christopher, Kultura mody: nowa historia modnego stroju , Manchester: Manchester University Press, 2003, ISBN  978-0719041259
• Cole, Daniel James i Nancy Deihl, The History of Modern Fashion , Londyn: Laurence King, 2015, ISBN  978-1780676036
• Hollander, Anne, Widząc przez ubrania , Berkeley: University of California Press, 1993, ISBN  978-0520082311
• Hollander, Anne, Sex and Suits: ewolucja nowoczesnego stroju , New York: Knopf, 1994, ISBN  978-0679430964
• Hollander, Anne, Feeding the Eye: eseje , New York: Farrar, Straus i Giroux, 1999, ISBN  978-0374282011
• Hollander, Anne, Fabric of Vision: sukienka i draperia w malarstwie , Londyn: National Gallery, 2002, ISBN  978-0300094190
• Kawamura, Yuniya, Fashion-ology: wprowadzenie do Studiów Mody , Oxford i Nowy Jork: Berg, 2005, ISBN  1-85973-814-1
• Lipovetsky Gilles (przetłumaczone przez Catherine Porter), The Empire of Fashion: ubieranie nowoczesnej demokracji , Woodstock: Princeton University Press, 2002, ISBN  978-0691102627
• Marcina, Ryszarda (1998). Amerykańska pomysłowość: odzież sportowa 1930-1970. Nowy Jork: Metropolitan Museum of Art. Numer ISBN 0870998633.
• Martin, Richard (1994). Madame Gres. Nowy Jork: Metropolitan Museum of Art. Numer ISBN 9780870997273.
• McDermott, Kathleen, Style for All: dlaczego moda, wymyślona przez królów, należy teraz do nas wszystkich (Ilustrowana historia) , 2010, ISBN  978-0-557-51917-0 — Wiele ręcznie rysowanych kolorowych ilustracji, obszerna bibliografia z komentarzami i przewodnik po lekturze
• Perrot, Philippe (przetłumaczone przez Richarda Bienvenu), Fashioning the Bourgeoisie: historia odzieży w XIX wieku , Princeton NJ: Princeton University Press, 1994, ISBN  978-0691000817
• Przybyszewski, Linda (2016). Zaginiona sztuka ubierania się: kobiety, które kiedyś uczyniły Amerykę stylową . Książki podstawowe. Numer ISBN 978-0465066865.
• Steele, Valerie, Paris Fashion: historia kultury (drugie wydanie, poprawione i zaktualizowane), Oxford: Berg, 1998, ISBN  978-1859739730
• Steele, Valerie, Fifty Years of Fashion: nowy wygląd do teraz , New Haven: Yale University Press, 2000, ISBN  978-0300087383
• Steele, Valerie, Encyklopedia odzieży i mody , Detroit: Thomson Gale, 2005